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Este trabajo tiene por objetivo mostrar la relación que existe en la hermenéutica filosófica gadameriana y la palabra poética que desde sus orígenes mantienen una relación estrecha por el lenguaje a pesar del intento de la modernidad por establecer distancias entre la filosofía y la poesía. Si la hermenéutica pretende estar a la escucha del otro para establecer un diálogo constante, la composición poética es el espacio en donde se ejerce con mayor ahínco porque su complejidad estriba en su significado, en lo único de la palabra y la totalidad de sentidos que apunta.

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Este texto propone señalar dos maneras de comprender la intervención en el patrimonio arquitectónico según el pensamiento heideggeriano del útil o de la obra de arte. Si la arquitectura es considerada un utensilio, la rehabilitación consistirá en devolverle su condición instrumental, pero los útiles, cuando funcionan, pasan desapercibidos. Rehabilitar consistirá pues en conseguir que el útil desaparezca de nuevo. Una segunda forma de rehabilitación consistiría en intervenir en el patrimonio anónimo, en el sentido dado por Heidegger, elevándolo a la condición de obra de arte, que es lo que convierte la arquitectura en lugar de máxima visibilidad y atención.

Com este texto objetivamos mostrar que cor, linha e movimento, não são apenas conceitos da linguagem visual, mas elementos que nos permitem perceber, metaforicamente, “ramos do Ser”. Ao contrário de inferir verdades ou essências, como se tivéssemos o controle “absoluto” de nossa vida e, por consequência, de nossas criações, a pintura nos insere na ambiguidade do mundo visível ao qual estamos imersos. Assim, cor, linha e movimento nos dão um meio de adentrarmos no universo ontológico do qual nós, de fato, só temos acesso indiretamente. Indiretamente, pois o Ser só aparece em partes; nunca por inteiro. É desta forma que o artista mostra ao filósofo que a expressão se faz no mundo das coisas e que é uma experiência como gênese do Ser. Como referencial teórico do nosso artigo utilizaremos os textos de Merleau-Ponty sobre a arte, especialmente O olho e o espírito. Também recorremos ao testemunho de artistas e analisaremos algumas obras de arte. Ao fim, como resultado, o filósofo diz que a pintura faz ver a “fixação” de uma coisa, não em um tempo ou em um espaço objetivo, mas em um horizonte de “transcendência”.

El pensamiento de Groys permite abordar la crítica del neoliberalismo desde una perspectiva ajena a la cuestión moderna del sujeto. El filósofo propone como alternativa a la subjetividad neoliberal: la concepción del individuo como una desfuncionalizada obra de arte. Esta alternativa se completa con la recuperación de la principal propuesta del pensamiento cosmista: la transformación de la tecnología museística en biopolítica, para que el individuo de nuestro tiempo sea objeto de permanentes cuidados. Finalmente, se analizan la potencia y límites de la «museificación» para pensar en una eficaz alternativa democrática al neoliberalismo.

El trabajo sugiere la tesis de que en el pensamiento de Sloterdijk estaría oculta –insospechadamente– una cierta filosofía del arte. Pero no se trataría de una filosofía del arte así sin más. La de Sloterdijk no sería puramente filosofía, cosmología, arte ni mitología, pero sí todas ellas a la vez. Y también más que eso: una filosofía del arte que busca la “verdad del arte” sólo pertrechada con la lámpara de Diógenes y que, en esa búsqueda, termina desarrollando la forma más efectiva de tantrismo occidental. La “solución sloterdijkiana”, metamorfoseada en una suerte de filosofía de las tinieblas, parece reconducir el arte hacia el único camino que aún le queda: el del retorno a una meditatividad que supere los dualismos calle/museo, creación/exposición, artista/galería o artificio/naturaleza. Bajo esta premisa, el “imperativo estético” de Sloterdijk se convierte en realidad en un no-imperativo, es decir, en una velada llamada de la conciencia que corrobora la urgencia apocalíptica de la restauración estético-terapéutica de la sociedad tardo-moderna.

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En el siguiente trabajo analizaremos e interpretaremos tres elaboraciones en torno a las concepciones relativas a las cosas, los entes intramundanos y la ocupación práctica del Dasein en el mundo, en tres trabajos correspondientes con tres momentos de las elaboraciones de Heidegger: el primero, de la época de Sein und Zeit y los otros dos, a un período de transición y posterior a la Kehre. En este marco nos proponemos demostrar y circunscribir las implicancias del cambio de perspectiva en uno y otro período, que se desplazan de la centralidad dada al campo práctico y funcional del Dasein, a un enfoque marcadamente relacional, lo cual se radicaliza en su escrito de 1951. Como veremos, esta distinción permite identificar y relacionar un desplazamiento del énfasis en el modelo manual de relación primaria con el mundo y en las proyecciones éticas que suponen tales tratamientos.

En el presente trabajo nos proponemos analizar la lectura de Martin Heidegger en la Estética operatoria por parte de Luis Juan Guerrero. La tesis a defender consiste en que “El origen de la obra de arte” tiene un rol central en la obra del filósofo argentino. Pero esto no quiere decir que Guerrero no sea un autor original o que sea un mero comentador del filósofo alemán, sino todo lo contrario: el filósofo argentino hace una lectura productiva de Heidegger a partir de la cual elabora una filosofía propia y auténtica. Centrándonos en el ensayo sobre el arte de Heidegger y el primer tomo de la Estética operatoria, analizaremos tres puntos neurálgicos: el concepto de útil, la relación mundo y tierra y el vínculo entre historia y verdad.

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Trata-se de uma resenha crítica do livro Qu’est-ce que l’herméneutique? (Paris: PUF, 2023), de Johann Michel, e que se utiliza também da leitura do livro anterior do autor, Homo Interpretans (Paris: Hermann, 2017) para analisar a nova publicação. Esta resenha apresenta a proposta geral da publicação e faz comentários sobre pontos enfatizados pelo autor nas duas obras. Os comentários recaem, em geral, sobre a proposta do viés pragmático na hermenêutica e, especificamente, sobre as análises que J. Michel dedica à interpretação das obras de arte.

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A pergunta norteadora deste artigo é se é possível pensar numa concepção de autonomia da arte para Walter Benjamin, principalmente no contexto de sua produção entre o final da década de 1910 e meados de 1920. A construção dessa questão tem como ponto de partida a obra A origem do drama trágico alemão (1925), precisamente na retomada crítica que Benjamin faz do pensamento de Benedetto Croce para refutar os “preconceitos acerca da arte” e a classificação em gêneros artísticos. Além disso, em sua tese O conceito de crítica de arte no romantismo alemão (1918), podemos encontrar pistas para uma distinção entre uma autonomia da arte e uma autonomia das obras de arte. Nesse sentido, caso seja possível rastrear e reconstruir uma concepção de autonomia para Walter Benjamin – como aqui defenderemos –, buscaremos compreender qual o seu teor.

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Esse artigo é uma pesquisa em Arte sobre modelagem em Cerâmica, poética e avanços científicos na vida do homem. Apresenta a obra Rosto Químico, (argila shiro, dimensões: 18 x 12 x 19 cm), seu estudo, confecção e poética, resulta da reflexão sobre o uso indevido de produtos químicos e seus impactos ambientais. O aporte teórico se baseia, em especial, em Fischer (1981), sobre o despertar da evolução do homem e a relação com a Arte, em Rey (2002), sobre a metodologia de pesquisa em Artes Visuais, o estudo e a produção da arte. Com Ménasé (2004), a compreensão da obra de arte. Apresenta o artista como partícipe de uma experiência estética, refletindo, criando e modelando seus próprios sentimentos. O trabalho apresenta a obra de arte como resultado de uma relação entre a Arte e a Ciência, tanto ao refletirmos sobre os efeitos nocivos de produtos químicos usados de diferentes formas, quanto ao pensarmos no trabalho específico da Cerâmica, cujo suporte (argila) se constitui na natureza, afetada por esses mesmos produtos.

Este relato de experiência está centrado na análise de um episódio formativo acerca do processo de produção de um livro-obra como objeto de estudo durante a licenciatura em Artes Visuais. Propõe-se discutir sobre a ação de reflexão em relação à construção do conhecimento profissional docente. Do ponto de vista teórico, os estudos apoiam-se no método autobiográfico embasando a presente investigação a partir de Bueno (2002). Para realizar esta pesquisa, foi utilizada a narrativa de episódio formativo de um livro de artista construído para relatar a escolha profissional como estudante de licenciatura em Artes Visuais. A partir da análise apresentada, nota-se a relevância da subjetividade como modo de construção e de reconstrução de saberes. Destaca a importância de propostas e de ações formativas capazes de relacionar a teoria com a história de vida dos sujeitos-participantes.

This article problematizes both the notion of "aesthetic object" and that of "aesthetic perception" by Mikel Dufrenne (1910-1995). Dufrenne proposes a phenomenological ontology of the aesthetic object based on the "world" that this object configures for itself. However, he does not fully clarify what he means by "aesthetic perception" and, therefore, the status of the "aesthetic object" itself becomes confused. To solve this problem, I present what the French philosopher understands as an aesthetically perceived object and the world that he arranges for himself. Then, I focus on the notion of "world" understood in the way of phenomenology, to understand what the world of such an object is based on. Next, I propose a brief examination of the three moments in which aesthetic perception is configured and born. Along with this, I refer to the question of depth and the feeling that a subject gives off from an aesthetic object. Finally, some light is given for the understanding of notions such as "aesthetic object" and "aesthetic perception" within the framework of Mikel Dufrenne's phenomenology of art. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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RESUMO O objetivo desde artigo é demonstrar como Ernst Bloch se apropria das reflexões de Freud sobre os sonhos acordados para sua filosofia. A partir de uma fenomenologia dos sonhos acordados, Bloch constrói sua hermenêutica da obra de arte de caráter utópico. Isso é possível desde a desvinculação ontológica entre sonhos noturnos e sonhos acordados. Dessa operação, pode-se concluir que os sonhos acordados na filosofia de Bloch é uma chave hermenêutica que inquire o sentido das obras de arte desde um ainda-não-consciente do futuro nas obras do passado.

En 1735 Baumgarten publica su obra Reflexiones filosóficas acerca de la poesía, en ella, por primera vez, desarrolla la idea de una ciencia de lo sensible capaz de aprehender la idea de lo bello en el arte, a la cual designará como estética. Esta búsqueda por determinar qué es la belleza y cuál es el estatuto que tiene la experiencia estética dentro del edificio del conocimiento parece estar más relacionado con los planteamientos leibnicianos en torno a la sensibilidad, que con el marco gnoseológico wolffiano, no solo por el manejo que se da de los conceptos de perfección, belleza y verdad, sino porque en el desarrollo de sus investigaciones sobre la sensibilidad parece ejecutarse mecanismos de subjetivación similares, marcados por un fuerte trasfondo perspectivista. En vista de esto, el presente ensayo se pregunta por la influencia leibniciana en la filosofía baumgartiana, específicamente por la cuestión acerca de cómo influye el concepto de pequeñas percepciones, en tanto que elemento central de la concepción perspectivista de Leibniz, en la concepción de la estética por Baumgarten.

El artículo científico centra la atención en la emisión de criterios respecto a la importancia de la utilidad de la obra de arte en el proceso de enseñanza-aprendizaje de los Talleres de Apreciación Artística; ello responde a la preparación de los instructores de arte en sus múltiples leguajes artísticos evidentes en las respectivas educaciones, en las instituciones culturales y en otras de tipo especializado. Significar la necesidad del empleo de la obra de arte como hilo conductor del proceso de apreciación artística es el principal propósito del trabajo en cuestión.

This article aims to introduce us to the aesthetic thought of the Latin American philosopher Rodolfo Kusch. To do this, it will be essential to understand the use and origin of categories of thought from Martin Heidegger's philosophy, such as truth understood as disclosure, and its manifestation in the work of art. Starting from this possible line of entry into Kuschean thought, we propose to delve into what Kusch is saying when he affirms that the truth of the American is confessed in art. In the second half of the article, we seek to display a generic characterization of Kuschean thought that makes its novelty visible beyond the Heideggerian influence; For this we will carry out a specific tour through the texts and sections of aesthetic reflection that appear in the work of the Argentine thinker.

La presente investigación tiene como principal objetivo reflexionar sobre la obra artística de Paul Klee, a partir de una aproximación al pensamiento de Martin Heidegger, concentrando la atención en “Las notas sobre Klee”, heredadas por el filósofo alemán. Para lograr el cometido de este artículo, se parte de la pregunta: ¿es posible determinar y ubicar una obra de arte que nos habilite a pensar el otro inicio que sugiere Heidegger?. Responder a tal interrogante supone la delimitación de dos instancias. En primer lugar, se trazará un breve análisis interpretativo sobre la pintura “Rayo luminoso”, del artista suizo con el fin de resguardar una señal que conceda la oportunidad de asimilar las notas del pensador de Marburgo. En segundo lugar, de esta investigación, descansa en la búsqueda por hilar una reflexión sobre el modo en que Klee le permite a Heidegger confirmar la posibilidad para que el arte pueda advenir en el otro inicio como claro que contiene la decisión por otra esencia del hombre. Finalmente, se comprobará la vigencia de reflexionar sobre la producción artística de Klee como una posibilidad para fijar un vínculo esencial entre ser y hombre.

The purpose in the following reflection article is to outline the general characteristics of the import and export customs regulations that govern the structure of Colombian foreign trade in relation to artwork, and to point out some aspects that could facilitate its logistics at the moment of being able to start and later conclude the customs clearance process for this and, although it is well known how problematic the matter is, that will not be an obstacle for carrying out this reflective task. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

"Leibnizian Perspectivism in Baumgarten. Notes on the Influence of the Concept of petites perceptions in Baumgartian Aesthetics". In 1735 Baumgarten published his Philosophical Reflections on Poetry. There he develops for the first time the idea of a science of sensibility capable of apprehending the idea of beauty in art; a science which he denominates aesthetics. This quest to determine what beauty is and what the status of aesthetic experience within the edifice of knowledge is seems to be more related to the Leibnizian approaches to sensitivity than to the Wolffian gnoseological framework, not only because of the way in which it deals with the concepts of perfection, beauty and truth, but mainly due to the fact that, in the development of Baumgarten's research on sensitivity, mechanisms of subjectivation similar to the ones presented by Leibniz seem to be deployed --mechanisms characterized by a strong perspectival background. In view of this, this paper investigates the Leibnizian influence on Baumgartian philosophy, and specifically the question about how the concept of petites perceptions, as a central element of Leibniz's perspectivist conception, influences the notion of aesthetics developed by Baumgarten. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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O presente texto se propõe expor, a partir do recorte da psicologia analítica junguiana, um conjunto de ideias presentes em algumas das obras de Carl Gustav Jung (1875-1961) que delimitam sua visão de obra de arte, e apresentar algumas das diversas relações presentes entre a obra de arte e a psicologia junguiana. Além disso, será apresentada uma breve síntese de considerações realizadas por Jung a respeito da arte moderna, em desenvolvimento na Europa a partir dos anos 1910.

In this paper I aim to analyze Guerrero's position as a reader of Heidegger, particularly the conceptual continuities and discontinuities between the Argentine philosopher's methodological proposal of an "operative aesthetic" and the German thinker's essay on art. We will focus on the first volume, Estética operatoria en tres direcciones. Revelación y acogimiento de la obra de arte, and the essay "The Origin of the Work of Art". Our hypothesis is that Guerrero is an anthropophagic reader: while he agrees with some of Heidegger's ideas on art, the Argentine philosopher is also critical and, through his reading of "The Origin of the Work of Art", he elaborates an original proposal. Specifically, Guerrero takes, I affirm, the phenomenological-hermeneutical methodology and applies it in an original way to the analysis of works of art. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

El objetivo de este trabajo es estudiar Carcass (2019), poemario que Horacio Warpola (Atizapán de Zaragoza, Estado de México, 1982) publicó en Instagram Stories, y las performances que Andrea Alzati (Guanajuato, 1989) comparte en dicha red de cara a una reconfiguración de la lírica reciente desde el país con más hispanohablantes. Para ello describiremos algunas obras de difícil y efímero acceso en torno a la experimentalidad; compararemos tales prácticas con las tradiciones que permean en ambos casos; hasta llegar a discutir tanto el concepto de marginalidad como el de poema. El estudio se basa en el campo cultural de Bourdieu y la teoría de los polisistemas de Even-Zohar; así como el dificultismo que aborda Palma y la densidad a la que llega Higashi; con la intención de entender el interés que despierta autoalejarse del canon desde las vanguardias a las actuales manifestaciones interartísticas.

O artigo trata do conteúdo da verdade como questão filosófica humana por excelência a partir do ensaio heideggeriano A origem da obra de arte . Três são as questões principais que norteiam a argumentação neste artigo; a primeira se refere a abordagem da obra de arte pela via da ontologia em contraposição a concepção da estética; a segunda, a análise da confiabilidade para uma nova compreensão de verdade a partir de uma leitura dos sapatos da camponesa de Van Gogh e; a terceira, a compreensão que toda obra de arte funda verdade e por isso, também revela ao homem sua própria face.

Enquanto autores da Teoria Crítica, Theodor Adorno e Walter Benjamin, em comum, discorreram sobre Arte, entretanto, ao se tratar de cinema ambos se opuseram. Benjamin é entusiasta do tema, sobretudo no livro A Obra de Arte na Era da Reprodutibilidade Técnica (2019), por outro lado, Adorno o afirma como produto da indústria cultural que tolhe o sujeito na sociedade administrada. No objetivo de pensar o cinema enquanto obra de arte, ambos os autores apresentam elementos fundamentais, inclusive Teoria Estética (2018b) de Adorno. Este artigo tem como objetivo discutir sobre o cinema enquanto obra de arte a partir destes autores, especialmente na reflexão das obras supracitadas e conclui-se que, uma vez que o cinema visa o desvelamento da sociedade administrada e estimula a libertação do homem do modo como ela está organizada, contribui-se para o desenvolvimento e emancipação social e coletiva que é, para Adorno, condição essencial da verdadeira obra de arte.

El presente artículo se propone identificar los fundamentos de la teoría de la comunicabilidad de la Obra de Arte que se puede extraer de los escritos de Edith Stein. Tras presentar el problema de la empatía y la base antropológica que afecta a los sujetos y objetos del mundo del arte, además de los posibles problemas en la transmisión de dicho mensaje artístico, se ahonda en las implicaciones de la consideración del arte como objeto y sujeto de empatía y el sistema comunicativo que se puede establecer en el mundo del arte.

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En 1935 Martin Heidegger da sorpresivamente una conferencia en Friburgo sobre el origen de la obra de arte. ¿Por qué Heidegger, repentinamente, brinda una conferencia sobre el arte? ¿Por qué aparece en este año “el arte” como una cuestión decisiva? Solamente encontramos breves menciones sobre esta temática en sus trabajos previos al ensayo sobre el arte. ¿Cómo encuadrar este aparente “oasis” en el pensamiento heideggeriano? A partir del académico estadounidense William Richardson la obra de Martin Heidegger se suele dividir en dos grandes momentos separados por lo que es conocido por el viraje (Kehre). ¿Desde dónde deberíamos abordar la obra? ¿deberíamos entender sus planteos desde lo trabajado en Aportes a la filosofía? ¿o deberíamos ingresar a “El origen de la obra de arte” desde las obras del primer Heidegger? Estos interrogantes, de carácter metodológico-interpretativo, son los que nos proponemos contestar a lo largo del trabajo, buscando defender la siguiente hipótesis: “El origen de la obra de arte” es una obra “de frontera” entre estos dos momentos del pensamiento de Heidegger, razón por la cual requiere de un abordaje de “ida y vuelta” entre el primer y el segundo Heidegger.

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This article explores the meaning of thinking from an artistic practice which opens a dialogue with the truth that the production of the work presents. Based on two texts by Heidegger "What is called thinking" and "The origin of the work of art" this process of thought is analyzed, during the production of the series "Borderland Guide-line. This analysis shows the way of thinking, during the production of the work, disassemble the representation of concepts such as limit, edge, border, and margin, and allows the truth of these concepts, as a work, it is going to be revealed, as the artist has aesthetic experiences with what the work will be. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

In this essay I try to demonstrate that the concept of God in "The Origin of the Work of Art" by Martin Heidegger does not refer to a divine-religious figure but must be framed within the Leitmotiv of all his philosophy, the question of being. The hypothesis to be defended will be the following: Heidegger uses the notion of "god" to describe the process of founding a space of meaning. First, I will analyze some counter arguments to this hypothesis (Guerrero, Kockelmans and von Herrmann), according to which Heidegger would be talking about the possibility that art reconnects us with the gods as such. Then, I will move on to the main argument in which I will link the essay on art fundamentally with the seminary on Parmenides (GA 54) to show how the notion of God is linked to the concept of being and meaning (Sinn). [ABSTRACT FROM AUTHOR]

La historiografía contemporánea ha definido la obra de arte como un acto de comunicación, que como tal necesita un emisor y un receptor, si bien, no siempre se han establecido las pautas de este diálogo. La experiencia del espectador en museos se ha ido modificando de una forma vertiginosa en la segunda mitad del siglo XX, con la exigencia de un cambio de actitud que se trasladaba de la contemplación pasiva, en una redefinición del flanêur, a un papel activo impuesto por la propia fisicidad de la obra que debe ser experimentada. En este texto reflexionaremos a través de casos concretos sobre la convivencia de ambas tendencias, origen y evolución, para estimar hacia donde van nuestros pasos en los Museos actuales, si la experiencia estética debe cambiar de modus operandi o si el futuro de nuestra museología pasa por otras vías de aproximación a la obra de arte.