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Recensione di Valentina Sturli, Professori di desiderio. Seduzione e rovina nel romanzo del Novecento. Carocci, 2024.

As well as being one of the greatest comedians of the twentieth century, Antonio De Curtis (1898–1967), better known by the pseudonym of Totò (his comedic mask), was also a noteworthy dialectal poet. Intersecting the growing interest of scholarship in Neapolitan culture and following the recent new edition of De Curtis's complete work of poems and songs, Il principe poeta: tutte le poesie e le liriche di Totò (2018), this study intends to draw scholarly attention to his neglected poetical work in dialect, exploring, in Pasolini's words, the poetic innocence which is inextricably linked to his use of Neapolitan dialect. Unveiling the poet behind the mask and placing his opus in the wider context of Italian dialectal poetry, the article offers a close reading of ''O schiattamuorto', 'Bianchina', and 'Riflessione', exploring the distinctive use of the theme of death. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

The analysis of the documents in the Alpago-Novello and Muzio archives has engendered a re-examination of the initial phases of the design of the War Memorial in Milan and of the following events at a further stage of the proceedings. From June to December 1926 drastic changes were made in the choice of places and people; the project was finally entrusted to a group of architects whose proposals were evaluated and even accepted in the final configuration of the monument. Subsequently it has been possible to consider the idea and the efficacy of a community-based project in which the monument had to play a significant role. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

Il contributo esamina dal punto di vista linguistico i testi raccolti da Pasolini in Empirismo eretico (1971) e negli Scritti corsari (1975). I due volumi comprendono saggi e articoli che hanno caratteristiche diverse (per tematiche, ampiezza, ecc.), ma anche vari tratti comuni, primo fra tutti l’impostazione da polemista adottata dall’autore. Lo studio esamina i testi ai vari livelli di analisi linguistica, con particolare riferimento alla sintassi e al lessico. In questo secondo caso si segnalano alcune parole “inventate” da Pasolini, o che comunque hanno in lui la prima attestazione, e si considera la loro presenza (con relativa datazione) o assenza nella lessicografia dell’italiano contemporaneo.

La poetica della meraviglia di Marino promuove una lirica esuberante e ardita, secondo il rinnovato gusto stilistico. Il tutto, per una storia critica perdurata per più di due secoli, per celare un vuoto di contenuti. Il clima avverso al Seicento, emblema di artificiosità, si arresta con l’avvento del Novecento, in un contesto artistico dal sapore europeo. In Italia, la tradizione viene scalfita a partire da una conferenza del 1894 di Enrico Nencioni, che provocatoriamente ufficializzava l’analogia tra il Seicento e la contemporaneità.Il saggio dimostrerà come l’amico Gabriele D’Annunzio (specialmente del Piacere e della prima produzione poetica) sia la prima figura a veicolare la sensibilità barocca nel Novecento, a partire da un’affinità estetica che promuove l’esperienza sensoriale e carnale. Si indagherà come, nei rispettivi contesti storici, Marino e D’Annunzio siano accomunati dalla medesima operazione culturale e politica: il primo aspirò a rompere i parametri neopetrarchisti; il secondo il classicismo carducciano.

The article, based on printed material about Italian and foreign gardens and on unpublished documents preserved in different Milanese archives, aims at reconstructing the history of the Brera Botanical Garden in the period between 1982 and 2001. This is a period of particular interest in that it illustrates how the Lombard and State institutions, after leaving the Garden in a state of neglect for many decades, went on, while deciding to restore it, to fail to understand its value, risking with their plans to misrepresent its history. However, over the years, these plans were dropped and replaced with a restoration job carried out according to the most modern historical-scientific guidelines of The Florence Charter (1982). Thanks to this restoration, the Garden was enabled to redefine its role and vocation.

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The intensive demographic colonisation of Libya was the result of the ambitious political and ideological programme implemented by Fascism, from the 1920s to the 1940s, with the aim of ruralising and enhancing scantly anthropized territories thanks to the agricultural work of the new settlers who arrived from Italy. In Cyrenaica and Tripolitania, twenty- four rural villages and hamlets were built between 1934 and 1940 by architects who had received the “colonial call”, an opportunity to experiment with the “architecture of the Mediterranean”. Critical analysis of these projects has identified recurring “generating” elements of a landscape, urban planning and architectural nature, which are essential and common to all planimetric layouts even if at a different scale and with more or less articulated and complex solutions, such as the square and the church. For the regime’s propaganda, the rural centre was assumed both as the vehicle to transmit the values and symbolism of strategic politics and as the instrument through which to implement all the interventions to foster Libyan transformation. These architectures were more “narrated” than actually experienced, because the actual “up and running” was limited to a very short time interval. Furthermore, we can say that the rural villages and the system of farmhouses were idealised and almost bucolic places, so much so that the story comes across as merely a late anachronistic attempt.

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The paper deals with the ideologically charged toponomastic policy of the Slovenian communist authorities in the Primorska region. As part of the establishment of a new political and social order, the communist authorities renamed many settlements in the area. This process can be understood as part of a wider cultural revolution, which was supposed to establish a new form of society. The renamings took place on the basis of the provisions of the Act on the Names of Settlements, which was adopted by the Assembly of the then People's Republic of Slovenia in mid-February 1948. The renamings mainly affected settlements whose names originated from the Catholic heritage, as well as toponyms with German origins. Despite the clear limits of ideological acceptability and the Communist Party's monopoly of rule, the process of renaming underwent several changes, and it cannot be characterized simply as a bare imposition by central state bodies. The original large-scale renaming plan was partially abandoned after the conflict between Yugoslavia and the Soviet Union. The renaming process then dragged on until 1955. In addition, local communities also actively participated in the process, which could at least to a certain extent influence the choice of new names, and in rare cases even represented the leading force in efforts to carry out renamings. It seems that the nationalist element of the communist toponomastic policy enjoyed a lot of support, while the confrontation with the Catholic-marked place names was met with less enthusiasm. The process thus shows the continuity of some elements of ideologically marked spatial policies in the border area of the northern Adriatic, which, despite slogans about a break with the past, continued even in the new political system after the Second World War. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

Il 12 ottobre del 1949 Leonardo Sciascia comincia la sua carriera di maestro elementare. Avverte, fin da subito, un forte senso di disagio che espliciterà chiaramente nel 1956 con Le Parrocchie di Regalpetra. Un’opera che, sebbene venga ambientata in un luogo fantastico, descrive mirabilmente la sfiducia degli insegnanti, il contesto in cui sono costretti a vivere gli alunni e l’inadeguatezza dei programmi scolastici. Ma il disagio avvertito fu senza dubbio il punteruolo, come testimoniano i suoi registri di classe, per descrivere con una straordinaria sensibilità letteraria il clima pedagogico siciliano degli anni Cinquanta del Novecento.

La scrittura d’arte di Leonardo Sciascia si inserisce in maniera singolare nell’ampio filone letterario della critica artistica del Novecento, con una discendenza da un lato, alla tradizione italiana (Longhi e altri) e, dall’altro, alla écriture d’artiste francese e anglosassone ottocentesca. Le immagini e le opere d’arte vengono lette da Sciascia in maniera affine e parallela alla letteratura, come mezzo unico e flagrante per rappresentare i fatti della vita e dell’uomo, nei loro aspetti di realtà e immaginazione. Nell’arte “la logica del visibile si è messa al servizio dell’invisibile”. Il discorso sull’arte diventa quindi una scrittura “in funzione d’altro”, capace di restituire la presenza dell’assenza di potenzialità. In tale dimensione la sua critica mostra una personale possibilità di ermeneutica ‘sternianamente’ sentimentale, itinerante e ironicamente scettica, che va a costituirsi, per l’ampiezza di prospettive e chiavi di lettura, in uno straordinario caleidoscopio critico.

This article analyses some Sciascia’s works in search of the “order of similarities”, a concept that the writer from Racalmuto had drawn from the analysis of Antonello’s works, starting with the famous Cefalù’s Portrait of a man. On a “bioethnic” background, similarity takes the shape of a gnoseological form, a scrutinizing showing, which often compares by negation and can conveys truth or confusion.

This article discusses twentieth-century Slovenian literature in Italy, especially the provinces of Udine and Gorizia. Due to the complex developments of the twentieth century (i.e., wars, demarcation lines, borders, linguistic, ethnic, and other divisions, and an earthquake), every area of Slovenian literature in Italy (i.e., the provinces of Trieste, Gorizia, and Udine) was afflicted in its own way by suffering and disappointment. Taking into account the historical realities facilitates understanding the literary works themselves because every area of Slovenian literature in Italy has helped shape literary discourse in a different way. In addition, the message conveyed by this part of Slovenian literary discourse can be even better understood by considering contemporary Friulian and Italian works in this ar ea. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

The essay had its golden age during the Twentieth century. These pages retrace some of the most creative dominants from a literary point of view. The first part highlights the general characteristics of the essay, whose relevance seems to be embodied in the work of Raffaele La Capria, in his liquid and floating style. In the following three sections we proceed to the study of as many peculiarities of twentieth-century essayism: the eclecticism, the dowsing gaze (typical of authors such as Cecchi, Praz, Debenedetti); curiosity for detail or anecdote, from which to derive a general vision (Longhi and Garboli); the wandering, the ability to cross the ages by reconstructing patterns of thought, or plausible stories (so in the case of Camporesi and Ginzburg). The last paragraph is dedicated to the experience of two essayists, Nigro and Ficara, who exploited euphoria, graft, anecdote in their personal search for a style oriented towards an inescapable ‘need for truth’ which is the ultimate imperative of critical essayism: a truth that forces the essayist to hesitate and resist in the face of certain forms of communication.

The article compares the position of nobility in Slovenia, Croatia and Slavonia before and after the Great War. The focus is on the transition to the Yugoslav state. The new regime treated the nobility as adversaries in political, social and national respect; noble titles were abolished and landed estates diminished by the land reform. Even though it cherished personal and family ties, the aforementioned nobility did not organise itself in associations, like their counterparts in Austria. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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Angiolo Mazzoni, arquitecto italiano de entreguerras, estuvo vinculado al futurismo y al Novecento, a partir de una praxis entendida como extensión del régimen político. Su obra más conocida, la Estación Térmica de Santa María Novella, fue un premio de consolación por la polémica de su proyecto de la Estación de Santa María Novella en Florencia (1929). A partir de las reminiscencias futuristas y constructivistas de la Estación Térmica, la obra de Mazzoni adquirió un tono novecentista e incluso metafísico, en la línea de pintores como De Chirico, Carlo Carrà y Mario Sironi. Obras que reflejaban el clima político y cultural como la Colonia Rosa Maltoni Mussolini en Calambrone (1925-26), los edificios postales proyectados entre 1925 y 1935 y sus trabajos para la Ferrovie dello Stato, lo configuran como uno de los arquitectos que trasladaron la estética del fascismo a sus edificaciones creando una iconografía vinculada al poder político de la Italia mussoliniana. Este artículo se centra en los estilos de Mazzoni, su referencia a los artistas metafísicos, las intervenciones futuristas, así como el puente entre estas arquitecturas y las de Aldo Rossi o Massimo Scolari en las que vinculan sus edificios y proyectos a las grandes corporaciones del poder financiero y cultural contemporáneo.

L'omicidio d'onore in Italia è stato delegittimato solo di recente. Tuttavia, "sociali meteoriti del vecchio ordine continuano a ricadere sulla nostra legislazione ”. L'uccisione di donne e ragazze legata al genere è, in effetti, profondamente radicato fenomeno storico. È legato alla nozione istituzionalizzata di matrimonio come di patrimonio, secondo il quale una donna è una futura madre, quindi un bene. Per questa ragione, il matrimonio, sia esso istituzionalizzato o meno, è il rapporto tra un possessore e un posseduto. Questa relazione implica la perdita di quest'ultimo come un sé, un corpo, una persona. Questo breve articolo analizza alcuni testi di Clarice Gouzy Tartufari (1868-1933) e in particolare il suo romanzo "Rete d'Acciaio", in cui racconta la storia di una coppia di sposi che sembra dirigersi verso un destino fatale. Il marito cerca di difendere sua moglie dalla sua stessa possessività, ma finirà per ucciderla. Tartufari parla qui di un corpo e di una persona che viene annientata. Quindi la sua attenzione non è puntata né sul lato fisico né sul marito: è, piuttosto, fissa sul piano sociale e culturale. E' il contesto a cui appartiene il personaggio, che la priva di se stessa in quanto 'femmina'.

Breve recensione del volume a cura di Eleonora Cavallini "Scrittori che traducono scrittori.Traduzioni ‘d’autore’ da classici latini e greci nella letteratura italiana del Novecento".

Il saggio analizza la produzione di Beppe Fenoglio e la sua continua ricerca volta alla ricerca del romanzo della resistenza, attraverso il filtro della sua indecisione delle sue rinunce. Si punta l'attenzione sulla prolificità di Fenoglio che scrive, riscrive, cancella, modifica, abbandona e riprende un testo dopo l'altro, cercando un qualcosa che da solo potesse testimoniare ai posteri la verità sulla Resistenza.

Il saggio che qui si presenta si propone di far conoscere un aspetto poco studiato della ricca personalità critica di Oreste Macrì (1913-1998), critico dai vasti orizzonti e studioso di testi della letteratura italiana e spagnola, protagonista della stagione dell’ermetismo fiorentino e poi dei dibattiti culturali e critici del secondo dopoguerra: l’aspetto filologico. Si può riconoscere Macrì «filologo» nel confronto aperto con Cesare Segre sul testo della Chanson de Roland, ma anche nelle annotazioni a numerose edizioni critiche di poeti contemporanei o nelle edizioni da lui stesso curate. Proprio a partire dalle osservazioni di Macrì su alcune edizioni e dal suo lavoro di editore, le pagine qui proposte mettono in risalto alcune importanti riflessioni di carattere ecdotico, in particolare quelle che Macrì dedica al rapporto testo-apparato nelle edizioni dei contemporanei, alla distinzione tra variante e variazione nella poesia novecentesca, alla necessità di riconoscere e avvalersi della «intenzionalità autoriale» (che riguarda sia la scrittura sia gli aspetti editoriali) nella predisposizione di un’edizione ricca di inediti.

Il contributo si propone di indagare i contenuti e la ricezione in Italia di Testi letterari e poesie da riviste clandestine dell’URSS, prima antologia di riviste dattiloscritte sovietiche, pubblicata nel 1966 dalla casa editrice Jaca Book e curata da Jean Ibsen (pseudonimo di Giovanni Bensi) e Nicola Sorin (pseudonimo di Sergio Rapetti). Il contributo mira a comprendere non soltanto gli echi prodotti dalla silloge, ma anche a riflettere sulle peculiarità letterarie della nuova generazione di autori già evidenziate dai curatori, nello specifico, l’attenzione verso una parola che potremmo definire ‘risorta’.

ITA Il presente lavoro intende occuparsi in modo congiunto di due culture lusofone del dissenso: la poesia concreta brasiliana (volgendo l’attenzione alle trans-creazioni haroldiane di alcuni poeti russi) e la poesia portoghese sperimentale di Ana Hatherly (attraverso una selezione accurata di sue poesie visive). La cultura del dissenso, dunque, riguarderà soprattutto lo stile adoperato da entrambi i gruppi poetici che ha segnato una vera e propria innovazione nel tessuto culturale brasiliano e portoghese del secondo Novecento, all’interno dei rispettivi contesti politici alquanto agitati. In altri casi, è possibile cogliere tale dissenso nei contenuti di alcune poesie, così come nella scelta delle poesie e dei poeti russi da parte dei concretisti brasiliani. ENG The following work aims to study two Lusitanian cultures of dissent: the Brazilian concrete poetry of Haroldo de Campos (focusing on his trans-creations of some Russian poets) and the Portuguese Experimental poetry of Ana Hatherly (through a selection of her visual poetries). So, the culture of dissent will specifically concern the style used by the two poetic groups. This style represented a real innovation in the Portuguese and Brazilian cultures in the second half of the XXth century, marked by hard political contexts. Furthermore, the dissent will be visible in some typical poetries and in some Russian poets analysed by the Brazilian concrete poets.

Статья посвящена проблеме репрезентации города в творчестве художников Италии первой половины ХХ века, от футуристов до представителей римской школы . Отмечается, что на рубеже веков в раннем футуризме образы современного города интерпретировались как состояния души (в творчестве Умберто Боччони, Карло Карра). Впоследствии их место заняли изображения города-машины, как в живописи Луиджи Руссоло, и аэроживопись , где человеческим эмоциям уже не было места (примером могут служить произведения Тато и Тулио Крали). Одновременно, в противовес футуризму, существовал город в метафизической живописи , намеренно не желающей иметь ничего общего с современностью. Этот подход характерен для Джорджо де Кирико и Карло Карра. Наконец, в 19201940-е годы такие разные авторы, как Джорджо Моранди, Арденго Соффичи, Карло Карра, Марио Сирони, представители римской школы и ранний Ренато Гуттузо изображают свою повседневную среду обитания: небольшие итальянские города либо окраины Милана, Рима или Болоньи, которые они видят ежедневно.

Accanto alla carenza relativa alla compilazione di una bibliografia aggiornata, è rimasta tuttora inevasa la primaria necessità di delineare una biografia completa di Pier Maria Rosso di San Secondo. Eppure nell’opera di Rosso il “reato” di autobiografismo è flagrante. Persino in opere sulle quali si pensava di non aver più nulla da aggiungere – come Marionette, che passione! – l’indagine su documenti d’archivio si è rivelata provvida per puntellare l’opera alla vita. Da dove provengono questi personaggi dalle passioni luttuose? Marionette, che passione!, tre atti con preludio, va in scena nel 1918, la novella Acqueruggiola, soggetto del dramma, era stata pubblicata in volume due anni prima, nel 1916. Sino ad oggi questo era l’unico dato sulla genesi della maggiore opera di Rosso di San Secondo ma, nello scandagliare articoli in rivista e carte d’archivio, si sono reperiti alcuni tasselli che consentono di ripristinare il colore originario delle vicende umane sintetizzate in drammaturgia.

This review of interwar design from various regions in Italy traces the development of a modern national style at this critical period of Italian history, dominated by the fascist regime. Through the examination of the Monza Biennials in the 1920s and the Milan Triennials in the 1930s, this article illustrates how Italian furniture partially abandoned regional folk traditions in favor of two main design movements: Novecento and Rationalism. The negotiation between craftsmanship and industrial production slowly shifted towards the application of technology paving the way for creativity and innovation in Italian post-war design. After 1936, the enforcement of the autarchic policy, which advocated for an economic self-sufficiency and relied on local resources, further encouraged experimentation with new synthetic materials, which were mostly used by rationalist architects. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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This essay contains an overall reading of Ceccardo Roccatagliata Ceccardi's first poetic collection, Il libro dei frammenti. Il reconstructs the prehistory, composition and publishing events of this collection and it identifies its main themes and formal and stylistic innovations. Its aesthetic merit and historical-literary value are highlighted, despite the limiting judgments that the author, engaged in a process of redefining his own poetic itinerary, would later have reserved for it. Observed by the specola of Italian poetry of the twentieth century, Il libro dei frammenti appears as a crucial collection, which paves the way for many later poets, not just ligustici: this rereading intends to illuminate the many reasons for its centrality. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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