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In this article, Nicholas Brown analyses the work of Hélio Oiticica from the 50s - when it was firmly related to the research conducted by the Neo-Concrete avant-garde - to the 70s and demonstrates how these works thematize in insistent ways an experiential aspect that is implicit from the beginning in the work’s literal objecthood, permanently mobilizing the dialetics between the idea and the literal support in space. The author also examines the specific configuration of the correlation between political history and the art-historical sequence regarding the Neo-Concretism. Finally, departing from the productive contradiction between thingly substrate and signifying surface in Oiticica´s work, Brown indicates how the dynamic between social-political and intellectual history is presented in the last years of his trajectory as a re-investment of the art object in odds with commodity society. Resumo Neste artigo, Nicholas Brown analisa a trajetória de Hélio Oiticica desde seus trabalhos da década de 1950, alinhados às pesquisas da vanguarda neoconcreta, até sua obra dos anos 1970, demonstrando como o componente da experiência, tematizado na produção tardia de Oiticica, encontra-se implícito à objetividade do seu trabalho inicial, numa espécie de mobilização permanente da dialética entre ideia e o suporte literal existente no espaço. Examina, ainda, a configuração específica que a correlação entre história política e cadeia histórico-artística adquire no Neoconcretismo. Finalmente, a partir da contradição produtiva entre substrato concreto e superfície significante na obra de Oiticica, Brown sinaliza como a dinâmica entre história intelectual e sociopolítica se apresenta ao final da trajetória do artista como reivestimento do objeto de arte a contrapelo da lógica da mercadoria. Resumen Em este artículo, Nicholas Brown analiza el trayecto de Hélio Oiticica desde sus trabajos de los años 1950, relacionadas a las pesquisas de la vanguardia neoconcreta, hasta su obra de los 1970, demostrando como la experiencia, tematizada em la producción tardía de Oiticica, se encuentra implícita a la objetividad de su trabajo inicial, movilizando de manera permanente la dialéctica entre idea y el suporte literal en el espacio. Examina también la configuración adquirida por la correlación entre historia política y cadena histórico-artística en el Neoconcretismo. Finalmente, partiendo de la contradicción productiva entre el substrato concreto y la superficie significante en la obra de Oiticica, Brown señala como la dinámica entre la historia intelectual y sociopolítica se presenta a los fines de la trayectoria del artista en cuanto validación renovada del objeto del arte frente a la lógica de la mercancía.

Neste artigo, Nicholas Brown analisa a trajetória de Hélio Oiticica desde seus trabalhos da década de 1950, alinhados às pesquisas da vanguarda neoconcreta, até sua obra dos anos 1970, demonstrando como o componente da experiência, tematizado na produção tardia de Oiticica, encontra-se implícito à objetividade do seu trabalho inicial, numa espécie de mobilização permanente da dialética entre ideia e o suporte literal existente no espaço. Examina, ainda, a configuração específica que a correlação entre história política e cadeia histórico-artística adquire no Neoconcretismo. Finalmente, a partir da contradição produtiva entre substrato concreto e superfície significante na obra de Oiticica, Brown sinaliza como a dinâmica entre história intelectual e sociopolítica se apresenta ao final da trajetória do artista como reivestimento do objeto de arte a contrapelo da lógica da mercadoria. Em este artículo, Nicholas Brown analiza el trayecto de Hélio Oiticica desde sus trabajos de los años 1950, relacionadas a las pesquisas de la vanguardia neoconcreta, hasta su obra de los 1970, demostrando como la experiencia, tematizada em la producción tardía de Oiticica, se encuentra implícita a la objetividad de su trabajo inicial, movilizando de manera permanente la dialéctica entre idea y el suporte literal en el espacio. Examina también la configuración adquirida por la correlación entre historia política y cadena histórico-artística en el Neoconcretismo. Finalmente, partiendo de la contradicción productiva entre el substrato concreto y la superficie significante en la obra de Oiticica, Brown señala como la dinámica entre la historia intelectual y sociopolítica se presenta a los fines de la trayectoria del artista en cuanto validación renovada del objeto del arte frente a la lógica de la mercancía. In this article, Nicholas Brown analyses the work of Hélio Oiticica from the 50s – when it was firmly related to the research conducted by the Neo-Concrete avant-garde – to the 70s and demonstrates how these works thematize in insistent ways an experiential aspect that is implicit from the beginning in the work’s literal objecthood, permanently mobilizing the dialetics between the idea and the literal support in space. The author also examines the specific configuration of the correlation between political history and the art-historical sequence regarding the Neo-Concretism. Finally, departing from the productive contradiction between thingly substrate and signifying surface in Oiticica´s work, Brown indicates how the dynamic between social-political and intellectual history is presented in the last years of his trajectory as a re-investment of the art object in odds with commodity society.

I present here some notes on two books (Os anões e Sul) and two short stories (Imagem verdadeira e A verdade sobre O coração dos homens) by Veronica Stigger. In these notes, I try to look to these works not from literary concepts, but from contemporary art concepts (especially, the Brazilian Neoconcretism). With ideas from Donald Judd and, mainly, with ideas, concepts and works form Hélio Oiticica and Lygia Clark, I try to read Stigger's works with keys from visual arts field. This experiment is part of project that looks for approaches between literature and visual arts - not only looking to the contents, but thinking in formal, conceptual and aesthetical procedures that, I believe, can offer important tools to work with contemporary literature. Keywords: short story; contemporary literature; conceptual art; neoconcretism; Veronica Stigger Presento aquí algunas notas acerca de dos libros (Os anões e Sul) y dos cuentos (Imagem verdadeira y A verdade sobre O coração dos homens) de Veronica Stigger. Intento pensar este conjunto no a partir de conceptos literarios, sino a partir de ideas y conceptos que parten del arte contemporáneo, con mayor énfasis en el Neoconcretismo brasileño. A partir de Donald Judd y sobre todo de Hélio Oiticica y Lygia Clark, intento leer las producciones de Stigger con claves ofrecidas por el campo del arte visual. Este experimento es parte de un proyecto de aproximaciones entre literatura y artes visuales no solo a través de los contenidos, sino a través de los procedimientos formales, estéticos y conceptuales que, creo, pueden ofrecer importantes herramientas para trabajar con la literatura contemporánea. Palabras-clave: cuento; literatura contemporánea; arte conceptual; neoconcretismo; Veronica Stigger Trago aqui algumas notas sobre dois livros (Os anões e Sul) e dois contos (Imagem verdadeira e A verdade sobre O coração dos homens) da escritora Veronica Stigger tentando pensar esse conjunto não a partir de noções literárias, mas apoiado em ideias e conceitos que olham para a arte contemporânea, com mais ênfase no Neoconcretismo brasileiro. A partir de Donald Judd, mas sobretudo de Hélio Oiticica e Lygia Clark, busco ler as produções de Stigger a partir de chaves oferecidas pelo campo das artes visuais. Esse experimento faz parte de um projeto de aproximações entre literatura e artes visuais não só através de conteúdos, mas através de procedimentos formais, estéticos e conceituais que, acredito, podem oferecer importantes ferramentas para trabalhar a literatura contemporânea. &nbsp

Esse trabalho foi inspirado na discussão trazida pela exposição Das Verlangen nach Form – Neoconcretismo und zeitgenössische Kunst aus Brasilien, que teve lugar na Akademie der Künste em Berlim, no ano de 2010. Objetiva-se compreender, a partir de uma análise histórica e política da arte, como a simbiose entre o concretismo, o neoconcretismo e a moderna arquitetura brasileira criaram a concepção de uma arte nacional, o construtivismo, que teve reconhecimento no cenário artístico mundial. Buscou-se as razões da opção brasileira pelo construtivismo, como fruto legítimo do momento artístico, social, político e econômico, ocorrido entre 1930 e 2015. Investigou-se, especificamente, como essas formas artísticas foram instrumentalizadas pelo governo brasileiro para reforçar a imagem do Brasil como um país parceiro das potencias internacionais, com base no estudo de caso alemão.

Franz Weissman’s sculptures from the 1950s have an ambiguous reception: whereas international critics receive them as Concrete Art, Brazilian artworld defines them as Neonconcrete. The former describes only their formal elements, but local critics – beginning with Ferreira Gullar – emphasize their expressive effects, which characterize Neoconcretism. This article analyzes how these aspects became meaningful together: first, we have employed what North-American literary criticism defined as “close reading”; after describing their primary components, we focus on the expressive effects. Thus, theanalyses of the works Cubo Vazado, Coluna Concreta, Modelo Neoconcreto, Três Pontos, Ponte and Torre unveil his constructivist project – which wouldunderpin Neoconcretism –, that aimed at the transformation of a country thatwas unable to implement a full technological modernity. Las esculturas de Franz Weissmann de los años 1950 tienen unarecepción ambigua: mientras los críticos internacionales las reciban comoarte concreta, el entorno brasileño las define como neoconcretas. Aquellosdescribem solamente sus elementos formales, pero críticos locales – a empiezarpor Ferreira Gullar – resaltan sus efectos expresivos, que caracterizan elNeoconcretismo. Proponemos analizar cómo estos aspectos se han tornadosignificativos juntos: primero, aplicamos el método del “close reading” dela crítica literaria norteamericana; después de describir sus componentesprimarios, enfocamos los efectos expressivos. Así, las análisis de Cubo Vazado,Coluna Concreta, Modelo Neoconcreto, Três Pontos, Ponte y Torre desvelansu proyecto constructivista – base para el Neoconcretismo –, que buscabaimplementar, en un país aun no capacitado, una modernidad tecnológica plena. As esculturas de Franz Weissmann de 1950 têm uma recepção ambígua: enquanto críticos internacionais recebem-nas como arte concreta, o circuito brasileiro define-as como neoconcretas. O primeiro grupo somente descreve os elementos formais dos trabalhos, mas críticos locais – começandopor Ferreira Gullar – enfatizam seus efeitos expressivos, que caracterizam oNeoconcretismo. Neste artigo, analisamos como esses aspectos das esculturastornaram-se significativos juntos: primeiro, aplicamos aquilo que a crítica literária norte-americana definiu como “close reading”; depois de descrever seuscomponentes primários, enfocamos os efeitos expressivos. Assim, as análises deCubo Vazado, Coluna Concreta, Modelo Neoconcreto, Três Pontos, Ponte e Torredesvelam seu projeto construtivista – que fundamentaria o Neoconcretismo –,objetivando transformar um país que não estava capacitado para implementaruma modernidade tecnológica plena.

A arte de Hélio Oiticica, como de outros participantes da arte de vanguarda brasileira na década de 1970, pretendeu definir novos parâmetros na participação público dentro da obra de arte construindo novas sensibilidades. Esta nova forma de apresentação, relação com o público definiu novos parâmetros o que deu um caráter singular aos trabalhos produzidos pelos participantes deste movimento, que procuravam inserir, de distintas formas o público na sua estrutura e elaboração. Esta nova abordagem explicita novos paradigmas para a arte e define novas formas de conhecimento e participação no objeto artístico. Este trabalho descreve e analisa algumas características particulares deste processo na arte brasileira do período. L’art d’Hélio Oiticica, tout comme d’autres membres de l’avant-garde brésilienne des années 1970, cherche à définir de nouveaux paramètres de participation du public à l’œuvre d’art en créant de nouvelles sensibilités. Les formes de présentation et de relation avec le public définissent de nouveaux paramètres pour l’œuvre d’art qui lui confèrent un caractère unique. Cette approche définit explicitement des paradigmes nouveaux pour l’art. Elle conçoit aussi des formes inédites de connaissance et de participation propres à l’objet artistique. L’article décrit et analyse certaines caractéristiques de ce processus dans l’art brésilien de l’époque.

Este estudio traza el recorrido de Mário Pedrosa con los conceptos, desde su comienzo de auténtica perplejidad hasta la posición crítica que lo caracterizaba, por la teleología inmanente del arte moderno a confluir en el arte abstracto constructivo. A esta atribuía, por la "forma primera fisonómica", la misión de disolver el antagonismo de las diversas formas del saber humano, en un retorno a las formas originarias de sociabilidad. Este fue su milenarismo que conoció sacudones ya en la década de 1950 con el surgimiento del informalismo y del expresionismo abstracto. Pedrosa encontró entonces producciones a las que dio apoyo por juzgar que operaban en el espacio real de la vida, la arquitectura brasileña y el neoconcretismo de Oiticica y Clark. En sus últimos escritos, ya en los años 1970, Pedrosa todavía sostenía aquel milenarismo apoyado en sus primeros autores predilectos. Este estudo traça o percurso de Mário Pedrosa com os conceitos, desde seu começo de autêntica perplexidade até a posição crítica que iria caracterizá-lo, pela teleologia imanente da arte moderna a confluir na arte abstrata construtiva. A esta atribuía, pela “forma primeira fisionômica”, a missão de dissolver o antagonismo das várias formas do saber humano, num retorno às formas originárias de sociabilidade. Este foi seu milenarismo que conheceu abalos já na década de 1950 com o surgimento do informalismo e do expressionismo abstrato. Pedrosa encontrou, então, produções a que deu apoio por julgar que operavam no espaço real da vida: a arquitetura brasileira e o neoconcretismo de Oiticica e Clark. Em seus últimos escritos, já nos anos de 1970, Pedrosa ainda sustentava aquele milenarismo apoiado nos seus primeiros autores prediletos. This paper aims to trace out Mário Pedrosa’s path through concepts since his beginnings of authentic perplexity on to the position which would single him out, that in favor of constructivist abstract art. To the latter he attributed, by way of “Physiognomic primary form”, the mission of dissolving all antagonistic forms of human knowledge and to lead modernity back to original forms of sociability. This millenarian bent of his knew setbacks since the 1950s when informal art and abstract expressionism brock upon the scene. Nonetheless Pedrosa found productions that he thought to work in the real space of life, such as Brazilian architecture and neoconcretist artists Oiticica and Clark. In his last writings in the 1970s, Pedrosa still upheld his millenarian view of art on the basis of the same authors he cherished from the outset.&nbsp

The text analyzes Hélio Oiticica’s work called Metaesquema, that belongs to the Pinacoteca do Estado de São Paulo’s collection, Brazil. Using Oiticica’s texts about his own series and working with the notions of schema and form, we could notice how the artist’s artwork is an experiment that follows and at the same time criticizes principles of Concretism, presenting some elements that would emerge later in the Neoconcretist movement. Then, exploring the metaphorical condition of the artwork, which refers to the city, the body and the dance, thus connecting it, as a metonymy, to another Oiticica’s series. Finally, in dialogue with the recent bibliography on the Metaesquemas, the text highlights the ambiguity of the work in focus, both the specific Metaesquema and the work of Oiticica. O texto analisa o Metaesquema de Hélio Oiticica, pertencente ao acervo da Pinacoteca do Estado de São Paulo. Partindo de indicações do artista sobre a série e lidando com as noções de esquema e forma, observa-se como a obra é um experimento que, ao mesmo tempo, segue e critica princípios do concretismo, apresentando características que seriam desdobradas no neoconcretismo. Em seguida, explorando a condição metafórica da obra de arte, o trabalho é relacionado à cidade, ao corpo e à dança, conectando-o, como metonímia, a outras séries do artista. Ao final, em diálogo com a bibliografia recente sobre os Metaesquemas, o texto destaca a ambiguidade própria ao trabalho em foco, tanto o Metaesquema quanto a obra de Oiticica.

Resumo Não faz maior sentido perder-se em discussões sobre ser ou não inacabada a realização de Hélio Oiticica rodada na Wall Street de 1972 levando-se em conta o filme que temos visto desde 1992 (em quase todas as retrospectivas do artista mundo afora) enquanto uma obra experimental concebida a partir da prática superoitista brasileira daquele início de década. Consideramos nesta análise sua relação com essa matriz de experiência, além do diálogo profícuo do artista não só com o cinema anterior de seu país como também sua cultura, política, arte e literatura reativadas desde o século pregresso. Abstract It doesn’t make any sense to waste time with discussions about the work shot in Wall Street, 1972, being or not being unfinished, considering the film we have been seeing since 1992 (in almost all the artist’s retrospectives around the world) as an experimental oeuvre conceived from the supereightist practice of that decade beginning. We consider in this analysis its relation with this experience matrix, and the artist’s fruitful dialogue not only with his country’s previous cinema but also with his culture, politics, art and literature reactivated from the previous century.

Submitted by ROBERTA COSTA SEGURA null (segura.roberta@gmail.com) on 2017-11-28T23:37:00Z No. of bitstreams: 1 Mestrado Roberta Segura.pdf: 26981106 bytes, checksum: 5b4738b02941beb1cde1bb6dc90999ba (MD5) Approved for entry into archive by Mariana Borges Gasparino null (mariana.borges@ia.unesp.br) on 2017-11-29T19:16:02Z (GMT) No. of bitstreams: 1 segura_rc_me_ia.pdf: 26981106 bytes, checksum: 5b4738b02941beb1cde1bb6dc90999ba (MD5) Made available in DSpace on 2017-11-29T19:16:02Z (GMT). No. of bitstreams: 1 segura_rc_me_ia.pdf: 26981106 bytes, checksum: 5b4738b02941beb1cde1bb6dc90999ba (MD5) Previous issue date: 2017-10-17 A dissertação tem como objetivo traçar um paralelo entre a obra da artista e a casa de uma moradora em situação de rua, que sob o seu olhar, possuía um interesse estético, assim como em uma escultura, instalação ou objeto tridimensional, com forma, volume e relevo diferenciados. Para criar maneiras de aproximar essa casa a processos de representações artísticas, será proposto uma comparação entre as montagens da moradora e aspectos formais presentes no construtivismo geométrico brasileiro (1950/70), nas artes e arquitetura, já que se pode ver, em ambos os casos, uma síntese organizacional por meio da geometria, mesmo que em propostas diferentes. A dissertação busca também discutir a influência da paisagem urbana na obra de artistas contemporâneos e da autora, aqui comentados nesse estudo. The dissertation aims to draw a parallel between the work of the artist and the house of a homeless woman who, under her eyes, had an aesthetic interest, as well as a sculpture, installation or a three-dimensional object, regarding shape, volume and other forms. In order to create ways to bring this house closer to the processes of artistic representations, a comparison will be made between the dweller's montages and the formal aspects presented in Brazilian geometric constructivism (1950/70), in the arts and architecture, since some elements can be seen in both cases - an organizational synthesis through geometry, even in different proposals. The dissertation also seeks to discuss the influence of the urban landscape on the work of contemporary artists and the author, commented here in this study.

Resumo O texto analisa o Metaesquema de Hélio Oiticica, pertencente ao acervo da Pinacoteca do Estado de São Paulo. Partindo de indicações do artista sobre a série e lidando com as noções de esquema e forma, observa-se como a obra é um experimento que, ao mesmo tempo, segue e critica princípios do concretismo, apresentando características que seriam desdobradas no neoconcretismo. Em seguida, explorando a condição metafórica da obra de arte, o trabalho é relacionado à cidade, ao corpo e à dança, conectando-o, como metonímia, a outras séries do artista. Ao final, em diálogo com a bibliografia recente sobre os Metaesquemas, o texto destaca a ambiguidade própria ao trabalho em foco, tanto o Metaesquema quanto a obra de Oiticica. Abstract The text analyzes Hélio Oiticica’s work called Metaesquema, that belongs to the Pinacoteca do Estado de São Paulo’s collection, Brazil. Using Oiticica’s texts about his own series and working with the notions of schema and form, we could notice how the artist’s artwork is an experiment that follows and at the same time criticizes principles of Concretism, presenting some elements that would emerge later in the Neoconcretist movement. Then, exploring the metaphorical condition of the artwork, which refers to the city, the body and the dance, thus connecting it, as a metonymy, to another Oiticica’s series. Finally, in dialogue with the recent bibliography on the Metaesquemas, the text highlights the ambiguity of the work in focus, both the specific Metaesquema and the work of Oiticica.

Orientador: Matteo Bonfitto Junior Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Partindo de um dos anseios do Movimento Neoconcreto, no Brasil, quando da retirada da obra de arte das galerias, esta pesquisa consiste em uma investigação sobre os diferentes modos de construção poética em ambientes naturais. Como referencial artístico, tem na obra da cubana Ana Mendieta e do brasileiro Rodrigo Braga, novas lentes para observar a especificidade das ações realizadas nesses espaços-em-vida. A pesquisa apresenta ainda imersões práticas que contemplaram diferentes topografias, no Paraná e em Santa Catarina, como modos de evidenciar possibilidades sensoriais e relacionais entre o ator-performer e a paisagem Abstract: Starting from one of the aspirations of the Neoconcrete Movement, in Brazil, when the work of art is withdrawn from the galleries, this research consists of an investigation into the different modes of poetic construction in natural environments. As artistic reference, it has in the work of Cuban Ana Mendieta and Brazilian Rodrigo Braga, new lenses to see the specificity of the actions performed in these spaces-in-life. The research also presents practical immersions that contemplated different topographies, in Paraná and Santa Catarina, as ways to highlight sensorial and relational possibilities of the actor-performer and the landscape Mestrado Teatro, Dança e Performance Mestre em Artes da Cena CAPES

RESUMO Este artigo analisa a Teoria do não-objeto (1959), de Ferreira Gullar. O artigo discute a dívida desse texto para com a tese de Mário Pedrosa sobre teoria da Gestalt, de 1949, e sua origem nos debates acerca da arte concreta nos anos 1950. Num segundo momento, a partir da obra de Amilcar de Castro, é questionada a correspondência imediata entre a posição de Gullar e a produção artística neoconcreta.

RESUMO Este artigo analisa a Teoria do não-objeto (1959), de Ferreira Gullar. O artigo discute a dívida desse texto para com a tese de Mário Pedrosa sobre teoria da Gestalt, de 1949, e sua origem nos debates acerca da arte concreta nos anos 1950. Num segundo momento, a partir da obra de Amilcar de Castro, é questionada a correspondência imediata entre a posição de Gullar e a produção artística neoconcreta. ASBTRACT This article undertakes a critical analysis of Ferreira Gullar’s 1959 Theory of the Non-Object. It historically accounts for its indebtedness to Mário Pedrosa’s 1949 thesis on Gestalt theory and for the debates apropos of concrete art in the 1950s. It also challenges the supposedly neat correspondence between Gullar’s formulations and the neoconcrete artistic production it was supposed to read, emphasising its limits vis-à-vis the work of sculptor Amilcar de Castro.

Este artigo discorre sobre o trabalho do crítico Mário Pedrosa e sua relação com a formação do neoconcretismo no Brasil. Trata ainda de sua produção sobre o artista norte-americano Alexander Calder, da Gestalt, e do contexto em que esses textos foram publicados. This paper is about the work of the critic Mário Pedrosa, and his relation with the formation of Brazilian neoconcretism. It is also about his work about the North American artist Alexander Calder, the Gestalt, and the context in which these texts were published.

O manifesto Esquema Geral da Nova Objetividade, foi publicado na exposição Nova Objetividade Brasileira, em 1967, no MAM-Rio. Nele, Helio Oiticica expôs sua posição diante questões pertinentes à realidade da vanguarda artística brasileira, onde a expressão Nova Objetividade serviria como tradutor desta situação. Representava a arte de vanguarda brasileira, cujas principais características principais eram: vontade construtiva geral, negação do quadro de cavalete, participação do espectador (corporal, tátil, visual, semântico), abordagem e tomada de posição em relação a problemas políticos, sociais e éticos e abolição dos ismos1. O trabalho tem como intuito apresentar o Manifesto Esquema Geral da Nova Objetividade, assim, nossa investigação enfatiza, os aspectos e investidas na busca de uma identidade cultural brasileira e de uma arte que dialogasse com seu contexto e meio social a partir da perspectiva experimental.ABSTRACT: The manifest Esquema Geral da Nova Objetividade, was published in the exhibition Nova Objetividade Brasileira in 1967, at the MAM-Rio. In it, Helio Oiticica explained his position on issues pertinent to the reality of the artistic vanguard of Brazil, where the words Nova Objetividade serve as a translator in this situation. Represented the Brazilian avant-garde art, whose main characteristics were major: general constructive will, denial of easel painting, the viewer's participation (bodily, tactile, visual, semantic) approach and stance in relation to political, social and ethical and abolition of the isms. The paper aims to present the manifest Esquema Geral da Nova Objetividade, therefore, our study emphasizes the aspects andinvested in search of a Brazilian cultural identity and art that creates a dialogue with its context and social milieu from the experimental perspective. KEYWORDS: BRAZILIAN AVANT-GARDE ART, MANIFEST NOVA OBJETIVIDADE, NEOCONCRETISMO.

Tese (doutorado)—Universidade de Brasília, Intituto de Ciências Sociais, Departamento de Sociologia, 2011. O advento das instalações e de obras que visam à interação com o público, criando ambientes que envolvem percepções sinestésicas, estão presentes nas mais célebres bienais e exposições de arte pelo mundo. A arquitetura e a arte brasileiras contribuíram bastante para a mudança espacial da obra de arte. O modernismo brasileiro forjou o discurso de ampliação dos princípios das artes plásticas para a construção da cultura nacional. A dimensão construtiva das artes plásticas refletiuse na ampliação da criação plástica dos singelos quadros de cavalete burgueses para os murais sociais de Portinari e para a nacional e monumental arquitetura do Grupo Carioca. Oscar Niemeyer e Lucio Costa projetaram a pretensão máxima de ampliação de escala da obra de arte: Brasília. Frustrada a utopia, irrompe o Movimento Neoconcreto, cuja crítica infligiu-se contra a arquitetura, o espaço clássico e o conceito de cultura nacional, por meio da quebra da tradicional associação simbólica entre arte e cultura. A ligação entre a arquitetura e o Movimento Neoconcreto só faz sentido se ligada à análise iconográfica, pois o exame do discurso escrito – que é uma das obsessões de nossa cultura pela palavra – é insuficiente para estabelecer tal ligação. Entre maquetes e instalações labirínticas de Hélio Oiticica, observa-se a crítica visual da coerência espacial imposta pela política cultural das elites brasileiras. Mais do que isso, a arte brasileira deu sua contribuição, modificando a configuração espacial da obra de arte. Foi preciso destruir a última grande regra da arte, através da morte do Plano. ___________________________________________________________________________________ ABSTRACT The advent of installations and artworks that aims interaction with the public by creating environments that involve synesthesic perceptions are present in the most famous biennial art exhibition around the world. Brazilian art and architecture contributed enough for the change of the spatial notions of work of art. Brazilian modernism created a speech which aimed to extend the principles of art for the construction of national culture. The constructive dimension of art reflected on an expansion: from the creation of single plastic easel paintings of bourgeois, to the social murals of Portinari, and to the national and monumental architecture of Carioca School. Oscar Niemeyer and Lucio Costa projected the intention of extending the maximum scale of the work of art: Brasilia. The utopia was over, and then the Neo-concrete Movement breaks with its criticism against the architecture, classical space and the concept of national culture, destroying the traditional symbolic association between art and culture. The connection between architecture and Neo-concrete Movement only makes sense if it is related to the iconographic analysis, because the examination of written speech – which is one of the obsessions of our culture – is not enough to establish such connection. Between Helio Oiticica’s models and neo-concretist labyrinthine installations, there is the criticism against visual spatial coherence imposed by the cultural policy of the Brazilian elites. More than this, the Brazilian arts contributed with the changing of the spatial scope of work of art. It was necessary to destroy the last great rule of the art, through the death of the Plan. ___________________________________________________________________________________ RESUMÉ L'avènement de l’installation et d’ oeuvre d’art qui visant à l'interaction avec le public à travers de la création des environnements qui impliquent des perceptions synèsthesique sont présentes dans la plus célèbre exposition biennale d'art dans le monde. L'art et l'architecture brésilienne ont contribué suffisamment à la transformation spatiale de l'oeuvre d'art. Le modernisme brésilien a établi un discours de vulgarisation des principes de l'art pour la construction de la culture nationale. La dimension constructive de l'art reflète dans l'expansion d’oeuvres d’art plastiques: de la peintures de chevalet de bourgeois, à travers les peintures murales de Portinari et jusqu’à social et national monumentale l'architecture d’École Carioca. Oscar Niemeyer et Lucio Costa ont conçu l'intention d'étendre la maximale l'échelle de l'oeuvre d'art: Brasília. Frustré l'utopie, le Mouvement Neo-concrète a provoqué des critiques contre l'architecture, l'espace classique et le concept de la culture nationale, a travès de la rupture de la traditionnelle association symbolique entre l'art et culture. Le lien entre l'architecture et le Mouvement Neo-concrète n'a de sens que si liées à l'analyse iconographique, parce que l'examen du discours écrit – qui est l'une des obsessions de notre culture, le mot – est insuffisante pour établir tel lien. Entre les labyrinthiques et rhizomateuses maquettes et installations de Hélio Oiticica, il y a une critique de la cohérence dans l'espace visuelle imposée par la politique culturelle de l'élite brésilienne. Plus que cela, l'art brésilien donnait sa contribution, la modification de la notion spaciale de l’oeuvre d'art. Il faut détruire la dernière grand règle de l’art, à travers de la mort du Plan.

Orientador: Marco Antonio Alves do Valle Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: A presente tese apresenta como meta o estudo teórico, crítico e histórico da obra do escultor brasileiro Gastão Manoel Henrique, catalogando os trabalhos produzidos pelo artista a partir da década de cinquenta, investigando suas preocupações expressivas no contexto da história da arte na qual se encontra inserido, bem como analisando a organização formal e espacial das obras e seus procedimentos, comparando-as entre si e também alinhando-as aos trabalhos de outros artistas do período a fim de compreendê-las e classificá-las em distintas sete fases que configuram um recorte da obra do artista até o presente momento. A compreensão desse conjunto de obras se dá através do exame inicial de algumas das questões que marcam a introdução da arte moderna abstrata no Brasil dos anos cinquenta, apontando a Semana de Arte Moderna como marco inicial de nossa tradição artística, passando pela intervenção de Lúcio Costa, na tentativa de modernização da Escola Nacional de Belas Artes, que foi um dos primeiros atos do Governo Vargas com a nomeação dos diretores da área da cultura. Foram analisadas também, por sua relevância, as duas vertentes presentes e formadoras do Movimento Modernista no Brasil, sendo a primeira delas, representada por Graça Aranha, e identificada na obra de Ismael Nery no que diz respeito à aproximação dos artistas cariocas do surrealismo e dadaísmo internacionais; e a segunda, identificada na obra de Candido Portinari e representada por Mário de Andrade, tornando-se hegemônica com a revolução de 1930 e sua vinda para o Ministério da Educação e Saúde Pública - MESP, na gestão Gustavo Capanema. O estudo dessas duas vertentes possibilita a identificação de suas distintas conceituações teóricas, estéticas e ideológicas, bem como o reconhecimento da proximidade que há entre o Modernismo representado por Graça Aranha e os primeiros trabalhos de Gastão Manoel Henrique, nos quais se percebe a relação com outros artistas pioneiros do modernismo internacional, entre os quais se destaca Giorgio de Chirico, de onde se atribui a presença dos motivos arquitetônicos encontrados nos desenhos dos anos cinquenta. Foram também incorporados à tese os relatos do artista acerca das influências recebidas de seu pai, Elmano Henrique, cartazista de profissão e responsável pela educação estética do jovem Gastão, principalmente no que diz respeito ao rigor na fatura artística e conceitual, características identificadas em toda sua produção. Para a compreensão e argumentação das diversas fases, foram necessários ainda o estudo das participações do artista em exposições chaves da neovanguarda brasileira introdutora da arte contemporânea no Brasil; os diálogos múltiplos estabelecidos a partir de meados da década de sessenta entre artistas e espectadores, identificados também na obra de Lygia Clark e iniciados pelo filósofo Merleau-Ponty; e ainda, a partir dos anos oitenta, a influência de Constantin Brancusi, que produziu reverberações tanto em Gastão Manoel Henrique quanto em seu amigo Sergio Camargo. As sete fases identificadas e analisadas a partir desta pesquisa constituem um trabalho inédito que pretende inaugurar na Universidade Brasileira o estudo da obra deste escultor, apontando caminhos para novas pesquisas que possam surgir nacional e internacionalmente Abstract: A study of the work of Gastão Manoel Henrique: a hypothesis about the different phases The present thesis presents as its goal, the theoretical, critic and historic study of the work from the Brazilian sculptor Gastão Manoel Henrique, cataloguing the works produced by the artist since the fifties, investigating his expressive concerns in the historical context of the art in which he is inserted, as well as analyzing the formal and spatial organization of the works and its procedures, comparing them among themselves and also aligning them with the works of other artists of the same period in order to understand and classify them in seven distinct phases which configure an indention of the artist work until the present moment. The understanding of these set of works is done through the initial examination of some questions that characterize the introduction of the abstract art in Brazil during the fifties, taking the "Semana de Arte Moderna" (Modern Art Week) as the initial landmark of our artistic tradition, passing through the intervention of Lúcio Costa in his attempt to modernize the "Escola Nacional de Belas Artes" (Arts National School), which was one of the first acts of the Vargas Government with the nomination of a director in the area of culture. It was also analyzed, because of its relevance, the two streams present in the formation of Modern Movement in Brazil. The fist one is represented by Graça Aranha, and it is identified in the work of Ismael Nery with respect to the approximation of the artists from Rio de Janeiro to the international Surrealism and Dadaism. The second one is identified in the work of Cândido Portinari and represented by Mário de Andrade, becoming hegemonic with the 1930 Revolution and his coming to the Ministry of Education and Public Health, in the administration of Gustavo Capanema. The study of these two streams made possible the identification of its distinct theoretical conceptions, esthetics and ideologies, as well as the recognition of the proximity between the Modernism represented by Graça Aranha and the first works of Gastão Manoel Henrique, in which it is noticed the relationship with other pioneer artists of the international Modernism, among whom we find Giorgio de Chirico, from whom it is attributed the presence of the architectural motifs found in the drawings of the fifties. It was also incorporated in the dissertation the reports of the artist about the influence he received from his father, Elmano Henrique, cartoonist as a profession and responsible for the esthetic education of the young Gastão, especially in respect to the strength in the artistic fatura and conceptual, identified characteristics in his production. In order to understand and argue the many phases, it was necessary the study of the artist participation in key Brazilian neo-vanguard expositions which were the beginning of the contemporary art in Brazil; and the multiple dialogues initiated in the mid sixties between artists and the audience, also identified on the work of Lygia Clark, and started by the philosopher Merleau-Ponty; and also, beginning in the eighties the influence of Constantin Brancusi, who produced reverberations not only in Gastão Manoel Henrique but also in his friend Sérgio Camargo. The seven phases identified and analyzed on this research constitute a singular work that pretend to inaugurate in the Brazilian University the study of the work of this sculptor, showing ways for new research that might come in the national and international scenario Doutorado Doutor em Artes

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Ciências Sociais, Departamento de Sociologia, 2007. Esta dissertação trata da contribuição das vanguardas artísticas para a dimensão cultural, especificamente para a realidade brasileira. O foco da pesquisa foi centrado no Manifesto Neoconcreto, documento que marca a especificidade existente entre dois coletivos de artistas não-figurativos brasileiros da década de 1950: o Grupo Ruptura e o Grupo Frente. A argumentação buscou considerar a recorrente dicotomia postulada entre arte pura vs. arte expressiva; vanguarda formal vs. vanguarda engajada; razão vs. sensibilidade. Para tanto, foram considerados os significados atribuídos ao fazer artístico, à função pública do artista e a função política da arte. Em última instância foi questionado o teor complexo e acadêmico do manifesto de modo a propor mais um marco literário para o neoconcretismo, sem, no entanto, desconsiderar o manifesto de 1959 em sua expressão. _________________________________________________________________________________________ ABSTRACT This dissertation deals with the contribution of artistic vanguards to the cultural dimension of life, taking particular interest in the Brazilian context. The focus of this research was centered in the neoconcreto manifesto, document that marks the specificity that exists between two collectives of Brazilian non-figurative artists active in the 1950’s: Grupo Ruptura and Grupo Frente. The argument considered the recurrent dichotomy claimed to exist between pure art vs. expressive art; formal vanguard vs. engaged vanguard; reason vs. sensitivity. For this to be accomplished, attention was given to the meanings associated to the artistic process, the artists social responsibility and the political purposes of art itself. Last, but not least, the complexity and academic structure of the manifesto is questioned in order present another literary mark for the neoconcretismo, without, however, disregarding the manifesto of 1959 in its expression.

Orientador: Maria de Fatima Morethy Couto Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: O descompasso entre a arte contemporânea e as convenções museológicas já se delineia há algumas décadas, e pode ser explicado pelo fato de que o museu convencionado durante o modernismo tornou-se inadequado frente às produções artísticas mais recentes e não oferece lugar apropriado a este tipo de arte. Nesta pesquisa de mestrado proponho discutir a incorporação dos trabalhos de Lygia Clark e Hélio Oiticica por parte deste museu tradicional, atentando para a posição avessa e crítica dos dois artistas frente a estrutura museológica. Levando em consideração que os trabalhos de ambos se opõem à forma expositiva em que o espectador tem um lugar passivo, de receptor, e não de produtor dos sentidos da obra, e propõem uma relação dinâmica e dialógica entre artista, obra e espectador, pretendo discutir como se dá a incorporação destes trabalhos em um espaço avesso a essas questões Abstract: The divergence between contemporary art and the museological conventions that has persisted for some decades, can be explained by the fact that the modern museum has become inadequate in relation to the present artistic production. In this dissertation we intend to discuss the museum¿s assimilation of Lygia Clark and Helio Oiticica¿s art works, considering both artist¿s critical view of the traditional space ¿ where the spectator is placed in the passive position of receptor ¿ and their proposition of a dynamic and dialogical relation between artist, work and spectator. Thus, we aim at discussing the manners in which these works are presented in a space traditionally hostile to the questions raised by these artists Mestrado Mestre em Artes

Submitted by Alberto Vieira (martins_vieira@ibest.com.br) on 2018-07-04T19:20:42Z No. of bitstreams: 1 532625.pdf: 23715556 bytes, checksum: a3403bdc39fa21ffca2b116cb2a61ec8 (MD5) Made available in DSpace on 2018-07-04T19:20:42Z (GMT). No. of bitstreams: 1 532625.pdf: 23715556 bytes, checksum: a3403bdc39fa21ffca2b116cb2a61ec8 (MD5) Previous issue date: 1996-08 Os critérios que podem determinar a seleção de um tema para uma pesquisa, giram em torno da importância do mesmo no contexto em que se inseriu. A escolha dos “Livros” de Lygia Pape, como objeto desta dissertação confirma esta condição. A importância vem da qualidade de seus trabalhos e de sua relevância no capítulo cultural nacional, pois enquanto integrante do Movimento Neoconcreto, na década de 50 (cinquenta), deixou como legado uma das mais importantes heranças da arte moderna brasileira. Ao todo, a artista produziu quatro “Livros”, entre os anos de 1957 e 1960. São eles os “Livros Poema”, o “Livro da Arquitetura” e o “Livro do Tempo”. O conhecimento destes livros levará ao entendimento de questões ligadas à Poesia Concreta e ao Manifesto Neoconcreto, que selou a ruptura definitiva entre os dois grupos que polarizam este momento cultural, o grupo concreto de São Paulo e o grupo concreto do Rio de Janeiro. O conhecimento dos “Livros” levou à percepção de que possuem uma relação bem definida de participação do espectador, no plano mental e no plano físico. Todos eles exigem o toque, a manipulação. Partindo dessa premissa, o processo de análise levou em consideração o entendimento de que a arte se completa na recepção. Por isso esta dissertação, está sustentada no campo teórico por pensadores que trabalham na ampliação do campo da percepção e na teoria da recepção, Merleau-Ponty e Mikel Dufrenne, e ainda de dois outros filósofos ligados ao campo da fenomenologia, Bergson e Bachelard. No decorrer da dissertação, tornou-se necessário traçar paralelos com obras de artistas do mesmo período, a fim de perceber a singularidade da obra de Lygia Pape, assim como estabelecer relações com outras obras suas, os "Tecelares" (1954/1959), o "Ballet" (1958) e o "Ovo" (1968). A metodologia definida para esta dissertação estabeleceu como prioridade para o processo de análise o contato direto com as obras, em sintonia com o pensamento de Pierre Francastel, que entende a obra como “pensamento plástico”, que deve ser buscado na própria obra e não fora dela. The criteria that may determinate the selection of a particular theme for a search are related to their importance within the subject. The choice of Lygia Pape’s "Livros", as such for this writing just confirms the above mentioned assertion. This importance comes from the quality and the proeminency of her works in the nation’s cultural chapter as a member of the Neoconcrete Movement during the 50’s which left one of the most important legaçy to the brazilian modern art. The artist’s "Livros" work were four, all written between 1957 and 1960. They are the “Livros Poema", the "Livros da Criação”, the "Livros da Arquitetura" and the "Livro do Tempo”. The knowledge of such books will leed to the understanding of questions related to Poesia Concreta and Manifesto Neoconcreto, which marked the rupture between the Rio São Paulo’s concrete groups that had stablished polarity. "Livros" hints that they have a well defined spectator’s relation in both mental and physical planes. They all require the touch, the manipulation. From this premise on the analysis process took into consideration the understanding that art gets complete at the reception. That’s why this essay is supported in theoretic ground by thinkers which endeavoured in enlarging the perseption field and the reception theory- Merleau-Ponty and Mikel Dufrenne-, and also two others philosophers phenomenology field connected, Bergson and Bachelard. During this essay it became necessary to relate to works of artists of the same period, in order to feel the unique character of Lygia Pape’s work as well as stablish relation to others works of her such the "tecelares" (1954-1959), the "Ballet" (1958), and the "Ovo" (1968). The chose method to the present essay have established as priority to the analysis process the direct contact to the works, in accordance to Pierre francastel’s thinking that understand the works as a “plastic thinking" that must be found within itself not outside.

Made available in DSpace on 2019-10-03T17:31:37Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2018-12-01. Added 1 bitstream(s) on 2021-07-14T17:52:36Z : No. of bitstreams: 1 S1678-53202018000300067.pdf: 160431 bytes, checksum: ef3127531032f86d40f4b55bc0f1d6b4 (MD5) RESUMO Este estudo traça o percurso de Mário Pedrosa com os conceitos, desde seu começo de autêntica perplexidade até a posição crítica que iria caracterizá-lo, pela teleologia imanente da arte moderna a confluir na arte abstrata construtiva. A esta atribuía, pela “forma primeira fisionômica”, a missão de dissolver o antagonismo das várias formas do saber humano, num retorno às formas originárias de sociabilidade. Este foi seu milenarismo que conheceu abalos já na década de 1950 com o surgimento do informalismo e do expressionismo abstrato. Pedrosa encontrou, então, produções a que deu apoio por julgar que operavam no espaço real da vida: a arquitetura brasileira e o neoconcretismo de Oiticica e Clark. Em seus últimos escritos, já nos anos de 1970, Pedrosa ainda sustentava aquele milenarismo apoiado nos seus primeiros autores prediletos. ABSTRACT This paper aims to trace out Mário Pedrosa’s path through concepts since his beginnings of authentic perplexity on to the position which would single him out, that in favor of constructivist abstract art. To the latter he attributed, by way of “Physiognomic primary form”, the mission of dissolving all antagonistic forms of human knowledge and to lead modernity back to original forms of sociability. This millenarian bent of his knew setbacks since the 1950s when informal art and abstract expressionism brock upon the scene. Nonetheless Pedrosa found productions that he thought to work in the real space of life, such as Brazilian architecture and neoconcretist artists Oiticica and Clarck. In his last writings in the 1970s, Pedrosa still upheld his millenarian view of art on the basis of the same authors he cherished from the outset. UNESP Faculdade de Ciência e Tecnologia UNESP Faculdade de Ciência e Tecnologia

In the opposite direction of the belief according to which Volpi would be an intuitive artist, this article states that the artist found the solutions of his work after a peculiar assimilation of the modern tradition. The article shows how Volpi's experience with discussions raised by concrete and neoconcrete artists helped shape his formal articulations, even though with solutions quite different from those of the artists of both groups.