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Carmen Suárez Guerra (1879-1949) se configura como un caso de singular interés en el panorama artístico español de comienzos del siglo XX. Además de lograr el éxito en una disciplina creativa marcadamente masculinizada, el esmalte a fuego sobre metales, consiguió superar algunos de los principales obstáculos que limitaban el reconocimiento profesional de las artistas. Más allá de importantes galardones –Medalla de Oro en la icónica Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes de París (1925); segunda mujer premiada con Primera Medalla en la Exposición Nacional de Bellas Artes (1922)–, la artista obtuvo un triunfo mucho más difícil de conquistar: que la crítica de arte renunciara a los tradicionales discursos sexistas y considerara «su sentir artístico igual a los grandes maestros de la actualidad». Este trabajo examina, a partir de fuentes documentales inéditas, la trayectoria de Carmen Suárez, y, en particular, la influencia que ejerció sobre la crítica y la prensa en pro de la erradicación de los estereotipos machistas y a favor de la valoración de las creadoras en el sistema artístico.

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El proceso de incorporación y visibilidad de las mujeres en la estructura asociativa y gestión del Ateneo de Madrid fue gradual y se consolidó en el primer tercio del siglo XX, cuando empezaron a participar activamente como socias como en la vida cultural de la institución. Pioneras como la pintora madame Anselma, la escritora Emilia Pardo Bazán o la abogada Clara Campoamor desafiaron las normas de una entidad cultural predominantemente masculina. Aunque la presencia de mujeres artistas fue limitada, algunas lograron exponer sus obras en las salas de exposiciones del Ateneo, obteniendo reconocimiento tanto de sus colegas masculinos como de la crítica. Sin embargo, lamentablemente, otras artistas fueron inexplicablemente invisibilizadas.

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Este artículo plantea una reflexión sobre las acciones que desde la teoría ecofeminista y la práctica artística se están proponiendo como medio de hacer frente a la actual crisis ecológica y social. Para abordar esta cuestión, se llevará a cabo un doble estudio paralelo. Por un lado, se acudirá a algunas reflexiones que autoras como Alicia H. Puleo, Yayo Herrero, Vandana Shiva o Val Plumwood han elaborado acerca del binomio cultura-naturaleza. Por otro, se analizarán las obras de cuatro pintoras figurativas europeas contemporáneas que están trabajando en torno a la inquietante extrañeza freudiana desde los presupuestos ideológicos del feminismo y el ecologismo. Se pretende así ofrecer algunas ideas acerca de la necesaria propuesta de reconstrucción sociocultural que se está planteando desde dichos ámbitos para transitar a un mundo justo y sostenible.

Esta investigación se sumerge en el videoarte como medio de expresión y disrupción de estereotipos de género, centrándose en la obra de mujeres artistas. Se analiza la convergencia entre el videoarte y la redefinición de roles de género, explorando cómo las mujeres artistas utilizan este medio para desafiar y deconstruir estereotipos arraigados. Así mismo, busca profundizar en este fenómeno, destacando el papel crítico del videoarte en la transformación de narrativas y percepciones de género. La metodología utilizada adopta un enfoque cualitativo y se estudian algunas de las obras clave creadas por mujeres artistas examinando las estrategias visuales y narrativas que se emplean para subvertir convenciones tradicionales para observar cómo en el contexto contemporáneo el videoarte emerge como un terreno fértil donde las artistas femeninas exploran y desafían las construcciones de género preexistentes utilizando la tecnología de vídeo como soporte artístico.

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RESUMEN La escritura de mujeres en Chile se produjo a principios del siglo XIX, paralelamente a la construcción del Estado-nación. A principios del siglo XX, combinadas con el movimiento protofeminista, las redes asociativas de mujeres comenzaron a ganar relevancia y fuerza colectiva. Diversas escritoras y poetas establecieron relaciones de solidaridad y apoyo creativo. Este artículo busca establecer esas redes de escritoras y artistas que evidencian la construcción de una genealogía femenina en la escritura crítica de arte en Chile y proponer nuevos relatos posibles sobre los procesos creativos de las mujeres durante cien años de historia.

La norteamericana Anna Hyatt (1876-1973) es autora de esculturas emblemáticas como la estatua ecuestre del Cid Campeador. Tras casarse con Archer Milton Huntington (1870-1955), fundador de la Hispanic Society of America, compartió con el filántropo el amor por el hispanismo. La estatua, inaugurada en 1927, se ubicó frente a la fachada del Museo Hispánico de Nueva York. Una crónica del madrileño diario La Nación destacaba que el Cid había “resucitado” a orillas del Hudson. Una resurrección doble, pues, al mismo tiempo una réplica se levantó en Sevilla con motivo de la Exposición Iberoamericana. El mecenazgo del matrimonio Huntington se extendió por toda España y se conservan numerosas obras de Anna Hyatt, entre las que destaca la estatua del Cid.

Durante la Segunda República, algunas transformaciones sociales hicieron tambalear los pilares sobre los que se había construido la feminidad tradicional, entre otros, la piedad religiosa. Como resultado, muchas mujeres se encontraron en una situación fronteriza entre las posibilidades que les ofrecían los nuevos tiempos y unos roles de género decimonónicos que habían aprendido y que, además, continuaban constituyendo la normatividad en una sociedad que todavía estaba asimilando los cambios. En el presente artículo se analiza cómo las artistas se adaptaron a esta realidad combinando elementos modernos, como dedicarse profesionalmente a la pintura o cultivar una estética próxima a la vanguardia de los años treinta, con otros más conservadores, como la repetición de los temas religiosos en sus creaciones. Finalmente, se analiza la obra religiosa de Rosario de Velasco, Marisa Roësset y Julia Minguillón, como muestra de aquel arte entre la tradición y la modernidad que tanto éxito reportó en su momento.

Reseña de la obra Orgullo y prejuicios. En torno al arte de las mujeres, de Amparo Serrano de Haro y África Cabanillas.

En este estudio, se abordan y enlazan los principales aspectos estéticos de tres artistas españolas pertenecientes a distintas generaciones del siglo XX que han desarrollado y configurado un cosmos plástico y conceptual propio en cerámica y cuya aportación a la disciplina resulta de destacado interés. Con la mirada en las obras de Bofill, Calvo y Jiménez, se plantea un discurso acerca del hecho cerámico, al margen de su dimensión de mera representatividad a la cual ha estado supeditado durante siglos, así como de su presencia dentro del arte contemporáneo con la aportación de mujeres artistas y de la materialización de propuestas que indagan sobre las raíces y ruinas de la humanidad. Así, los símbolos y signos se rastrean como huellas, testimonios de sus artistas, pues el gesto deviene una expresión y una presencia.

En la fotografía contemporánea mexicana, destaca la producción artística de Patricia Aridjis, en la que se distingue una mirada que se sumerge entre los límites sociales que marginan a distintos colectivos de mujeres en México. En este espacio, se realizará un breve recorrido por algunos de los proyectos fotográficos de Aridjis, como Arrullo para otros, Las horas negras y su reciente exposición Mujeres de peso, proyectos que han contribuido a generar otras narrativas visuales y que además han logrado posicionarse dentro del espacio museístico en la escena contemporánea mexicana, contribuyendo así, a la inserción de estas mujeres invisibilizadas, en el imaginario colectivo.

Durante el primer tercio del siglo xx chileno la aparición de diversas corrientes feministas estuvo acompañada también de un crecimiento explosivo de la prensa femenina. Vinculada al feminismo aristocrático de la época, la revista Familia (1910-1928) transitó constantemente entre la abnegación y la emancipación, produciéndose dentro de sus números nuevas formas de ser mujer aristocrática. Este artículo tiene por objetivo revisar cómo esas nuevas formas de ser permearon el modelo de mujer artista contenido al interior de Familia.

El artículo analiza desde una perspectiva de género la primera fase del concurso Gure Artea (1982-1995), el certamen de arte más importante del País Vasco desde su fundación. Entre otras cuestiones, se revisa cuál fue proporcionalmente la participación de las artistas mujeres en las distintas ediciones, si el porcentaje de estas varió según el género artístico o si estos números se reflejaron en los premios; igualmente, se analiza el peso que tuvo el jurado de cada edición en las inercias de género identificadas. Asimismo, se reflexiona sobre las consecuencias del concurso: de qué forma promocionó de manera dispar la producción de los y las artistas de la época, y el peso que tuvo en la conformación y legitimación de la historiografía dominante del arte del País Vasco o en la configuración de la colección pública del Gobierno Vasco.

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Pilar Calvo Rodero (1910-1974) representa dos aspectos —en gran parte ignorados por la historiografía tradicional— de la producción artística española durante el franquismo: el arte realizado por mujeres, y la producción en medios no pictóricos como la escultura, el figurinismo y la escenografía. A través de un empeño creativo orientado hacia la tridimensionalidad, esta artista creó en torno a sí un imaginario personal rico en técnicas y matices. Apoyado en el estudio de documentación inédita en instituciones públicas, colecciones particulares y el archivo familiar, este artículo analiza la compleja trayectoria de Pilar Calvo Rodero para poner de relieve sus contribuciones en el contexto de la producción cultural femenina durante el franquismo, entre lo escultórico y lo escénico.

El artículo analiza los diarios de Delhy Tejero y Manuela Ballester, dos artistas mujeres nacidas en la primera década del siglo XX en el contexto español, desde una perspectiva que entrelaza la historia de las emociones con la del género. Se parte del concepto de “comunidad emocional” de Barbara Rosenwein, entendido como un grupo de individuos vinculados por un “sistema de sentimientos” mediante el que definen las emociones propias y ajenas, los lazos afectivos que los unen y los modos de expresión sentimental que esperan, alientan, toleran o deploran. Hemos entendido aquí el género como configurador de comunidades emocionales, ya que asumimos que los modos de sentir y experimentar el mundo están generizados y son compartidos por sujetos en función de su identidad de género. La investigación, en definitiva, toma como fuente principal los diarios íntimos, desgrana su contenido y comprende a las artistas españolas del siglo XX como una red emocional que comparte una percepción del mundo, su posición en él y una forma similar de verse afectadas por él.

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A pesar de que en los últimos tiempos han tenido lugar avances considerables en la paridad y en la representación de las mujeres en las industrias culturales, todavía existen sectores de este ámbito, en concreto el sector artístico, donde persiste la subrepresentación de los bienes producidos por mujeres. El objetivo principal de este artículo es investigar la persistencia de este sesgo en los principales espacios de legitimación de los bienes artísticos como son los museos, instituciones y centros culturales que programan arte contemporáneo en los últimos diez años. Para ello, se ha procedido metodológicamente a realizar un análisis cuantitativo sobre la tasa de mujeres que exponen su obra artística, la tasa de mujeres comisarias y la de puestos de dirección y gestión, tomando como caso de estudio las principales instituciones artísticas de la ciudad de Alicante desde 2011 a 2021. Como resultado del presente trabajo, cabe mencionar, una ligera mejora hacia la presencia equilibrada de mujeres y hombres en las exposiciones de arte analizadas en el periodo estudiado.

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Circus es una interesante meditación sobre la creación videográfica, la opacidad y plasticidad del video. Becerra Cano se apropia del cine y dos de sus muertes en el siglo XX, para atender a las posibilidades históricas y conceptuales del video como formato que posibilita un ejercicio de memoria y apropiación de imágenes, medios y técnicas del pasado, sin pretender funcionar independientemente de significados culturales. Como se sugiere en su uso de Un perro andaluz, Becerra Cano toma el video como herramienta con la cual evidenciar algunos de esos significados y contraproponer una poética que fracture el vínculo histórico entre la imagen y las metáforas de violencia y trauma como modos de acceso al conocimiento, y que subvierta o disloque fuerzas combinadas de tecnología y género.

Son numerosas las investigaciones sobre el papel que desempeñan los y las artistas para suscitar el diálogo en torno a los problemas sociales contemporáneos y en la configuración de la forma en que vemos, pensamos y actuamos. En este artículo nos acercamos a las experiencias de cuatro mujeres artistas, todas residentes en Bizkaia —Saray Pérez Castilla, Mirian Isasi, Olga Ruiz y Argenis Mesa— cuya obra audiovisual ha reflejado el encuentro con la inmigración y el refugio. A través de una selección de sus proyectos basados en prácticas artísticas colaborativas, analizamos sus experiencias y los elementos más significativos. El análisis muestra que el proceso colaborativo se caracteriza por cinco elementos complementarios: el propio proceso, la flexibilidad y apertura, el ejercicio de la escucha, la reciprocidad o impacto mutuo y la ocupación y presencia del espacio público. Los registros gráficos de estos procesos constituyen un recurso privilegiado para reconocer relatos alternativos.

En este artículo se analiza la construcción de la figura del artista moderno siguiendo tres de sus aspectos claves: el mito del genio, los comportamientos y conductas artísticas y la imagen pública y su relación con el reconocimiento profesional. En todos estos puntos se ha integrado la perspectiva de género con el objetivo de generar un marco teórico general para el análisis de esta figura. Las conclusiones muestran cómo esta, vinculada cada vez más al espacio público, se forma de acuerdo a la identidad masculina, aun cuando esta idea del artista no cumpla con las pautas de la masculinidad establecida.

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El Museo Ashmolean de Oxford, Inglaterra, conserva dieciocho dibujos de arquitectura de Andalucía y siete de Portugal realizados por Cecilia Montgomery (1792-1879) durante un viaje por la península ibérica entre mayo y junio de 1838. Estas fechas tan tempranas posiblemente hacen de Montgomery la primera mujer artista-viajera de la que tenemos constancia en el sur de España. Sus dibujos son algo más que simples recuerdos, más bien son representaciones de temas arquitectónicos. Su importancia histórica se puede adscribir a su singularidad; algunos de ellos son las representaciones más antiguas de ciertos encuadres mientras que otros son los únicos documentos existentes de edificios desaparecidos. Debe destacarse la figura de su marido y compañero de viaje, George Augustus Montgomery (1793-1842), que rehabilitó la iglesia donde era rector con esculturas adquiridas en este viaje. Las ideas del matrimonio Montgomery, tanto arquitectónicas como religiosas, servirán en este artículo para interpretar dichos dibujos.

Las mujeres artistas de la modernidad latinoamericana han estado sometidas a un proceso de silenciamiento y olvido, particularmente acentuado después de sus fallecimientos. En el contexto ecuatoriano, marcado profundamente por elementos artísticos tradicionales y por la recuperación del pasado indígena, la figura de Araceli Gilbert (1913-1993) se destaca con gran claridad. Pintora pionera y diseñadora de joyas de vanguardia, Gilbert estuvo al frente de una renovación plástica mayor en el contexto del Ecuador. Este artículo aspira a situar su figura en el panorama local, a analizar algunos de sus aportes al desarrollo de la práctica artística moderna en el Ecuador y a aportar al conocimiento general de su obra. Basado en un examen minucioso de las fuentes primarias disponibles en el archivo personal de la artista, este texto se propone como un ensayo de rectificación de la historia masculinista del arte, centrada en los logros de los varones. Informado por las teorías feministas en el campo del arte, este ensayo delineará una personalidad artística clave, aunque poco reconocida, particularmente fuera de su país natal, el Ecuador.

Este artículo repiensa críticamente las contribuciones de las mujeres al pabellón concebido por la II República para representar a España en París en 1937. La primera parte explora cómo sucedió su participación, muchas veces en los márgenes de la oficialidad, lo que provoca que haya dejado una huella precaria en el archivo. Nos preguntamos por el papel de Manuela Ballester en la organización de la muestra, por las mujeres que trabajaron en la librería (Marie Alonso, Carmen García Antón y Ramona Longás), y por las posibles intervenciones de artistas como Asunción Asarta o Margarita Sans-Jordi. A continuación, analizamos los trabajos presentados por Juana Francisca Rubio y Francis Bartolozzi, las dos únicas mujeres que participaron con total seguridad en una exposición con 98 artistas. Ambas concurrieron con obras que sitúan el cuidado de la vida en un lugar central, poniendo en valor cuestiones como la importancia de la relacionalidad, la maternidad como espacio de emergencia de lo político, o el punto de vista de la infancia. Rubio y Bartolozzi trascienden la diferencia sexual para convertir su participación “lateral” en un posicionamiento situado y político que lleva a cabo una intervención contundente en el relato de la historia del arte del periodo.

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Se estudian diversos recursos espaciales desarrollados por las instalaciones artísticas. Estas son un híbrido entre arquitectura, escultura y otras disciplinas, donde el objeto establece peculiares relaciones con la pared o el suelo de la sala, y en último término, con el espectador, siempre a la búsqueda de la temporalidad y lo procesual. Se genera así un espacio relacional entre sujeto y objeto, de marcado carácter escénico, con categorías espaciales como la creación de una nueva tridimensionalidad alrededor de las piezas, la incorporación del espectador o la configuración del contenedor, no solo geométrica, sino fenomenológica, con luz y sonido. Este análisis se apoya en instrumentos gráficos como axonometrías y plantas, imprescindibles para gestionar las articulaciones complejas propias de la arquitectura, las instalaciones, los medios audiovisuales o la moda, que no pueden realizarse directamente por su autor, y requieren una ideación previa, luego trasladada mediante convenios a una representación técnica, llamada proyecto, para su transmisión al sistema productivo.

Este artículo propone una reflexión sobre la vanguardia surrealista, sus prometedores cambios y modernización, en cuanto al mundo femenino se refiere.

Las salas de los museos, los puestos de las ferias, los listados de los galardonados y los libros de arte hablan por sí solos. El artístico es uno de los campos a los que, a día de hoy, no ha llegado la igualdad. El presente trabajo estudia el desequilibrio que existe en este sector, dominado siempre por hombres, y constata el camino que queda por recorrer para llegar a la paridad. Esta investigación tiene como objetivo recopilar los datos de algunos de los indicadores más significativos del campo artístico para analizar y valorar la presencia de las mujeres en esta industria. Estos parámetros no solo muestran la representación femenina en el arte, sino también la visibilidad que se les proporciona desde las esferas e instituciones culturales, así como el reconocimiento que les otorgan y en base al cual se rige, en gran medida, su éxito laboral. Los resultados de este trabajo nos permiten tener una radiografía más clara de la verdadera posición que ocupan las mujeres artistas en el panorama actual del arte en España.

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