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Este trabajo pretende explorar los recursos autoficcionales del texto de Enrique Vila-Matas París no se acaba nunca (2003). Bajo la forma de una revisión irónica de los años de juventud en París, Vila- Matas pone en juego varias herramientas destinadas a romper con la mímesis de lo real. De este modo, el texto se sitúa tanto en la línea de la autoficción como en la de otros textos del mismo autor en los que realidad y literatura son totalmente interdependientes., Aquest treball pretén explorar els recursos autoficcionals del text d’Enrique Vila-Matas París no se acaba nunca (2003). Sota la forma d’una revisió irónica dels anys de joventut en París, Vila-Matas posa en joc diverses ferramentes destinades a trencar amb la mimesi del que és real. D’aquesta manera, el text es situa tant en la línea de l’autoficció com en la d’altres textos del mateix autor en els que la realitat i la literatura són totalment independents., Lan honek Enrique Vila-Matasen París no se acaba nunca (2003) testuaren errekurtso autofikzionalak aztetzea du helburu. Parisen pasatako gazte garaiko urteen berrikuste ironiko baten formapean, Vila-Matas errealitatearen mimesiarekin hausteko hainbat tresnaz baliatzen da. Honela, testu hau bi ildotan kokatzen da: bai autofikzioaren ildoan, baita idazle beraren beste testu batzuen ildoan ere, non errealitatea eta literatura elkarren mendekoak diren.

Desde 2001 Schiavetta publica regularmente versiones del Almiraphel, un work in progress que habla babélicamente de Babel; la obra es una larga versión multilingüe (en más de 60 idiomas) de su antiguo poema “Prosopopeïa”. Como éste último, el Almiraphel es la glosa de un verso del Inferno (XXXI, 67) en el cual Dante inventa una frase sin sentido pronunciada por el constructor de la Torre de Babel, el gigante Nemrod, condenado a hablar un idioma (ficticio) que nadie puede comprender. La lengua babélica imaginaria de Schiavetta es un collage de más de cien citas rigurosamente referenciadas, collage realizado por un hetéronimo gran políglota (el autor ideal del poema). Este artículo interroga los diferentes procedimientos de composición del Almiraphel. Schiavetta publie régulièrement, depuis 2001, de nouvelles versions de l’Almiraphel, un work in progress qui parle babéliennement de Babel. L’œuvre est une longue version multilingue (en plus de 60 langues) de son ancien poème “Prosopopeïa”. À l’instar de ce dernier, l’Almiraphel est la glose (forme fixe poétique, la « glosa española ») d’un vers de l’Enfer (XXXI, 67) qui, selon Dante, ne peut avoir aucun sens pour nous. Elle est prononcée par le constructeur de la Tour de Babel, le géant Nemrod, condamné à parler une langue (imaginaire) que personne ne peut comprendre. La langue babélienne imaginaire de Schiavetta est un collage de plus de cent citations rigoureusement référencées, collage réalisé par un hétéronyme grand polyglotte (l’auteur idéal du poème). Cet article interroge les différents procédés de composition de l’Almiraphel. From 2001 onwards Schiavetta has published different printed and online versions of his work in progress, a multilingual text on Babel, Almiraphel. It is a patchwork or cento of quotations in more than sixty languages, a piece of procedural poetry which rewrites a previous poem of the author, namely “Prosopopeïa”, a poetical commentary (the Spanish poetic form named “glosa”) on a verse of the Divine Comedy (Inferno, XXXI, 67) written by Dante in the imaginary language of the giant Nimrod, the builder of the Tower of Babel. Nimrod’s punishment is an eternal lack of comprehension: he can neither understand nor be understood. Schiavetta’s imaginary babelian language is a collage of over a hundred quotations pieced together by a great polyglot, an imaginary author (heteronym). This essay addresses the process involved in the writing of the poem Almiraphel.

espanolEl articulo analiza el filme Madre!, de Darren Aronofsky, una obra cuya recepcion por parte de critica y publico fue polemica debido a su extrano argumento y sus formas aparentemente caoticas que mezclan narrativa cinematografica clasica y procedimientos mas cercanos al cine poetico. A lo largo de estas paginas se establece una hipotesis que otorga, a partir del analisis del filme, un sentido a la obra y que propone una lectura critica totalmente diferenciada de las que se han venido haciendo hasta el momento. La hibridacion y las tensiones entre las narrativas clasicas cinematograficas y los procedimientos formales antinarrativos hacen de Madre! una pieza fundamental para entender las relaciones entre el cine contemporaneo y la poesia. EnglishThe article analyzes the film Mother!, by Darren Aronofsky, a work whose reception by critics and audiences was controversial due to its strange argument and its seemingly chaotic forms that mix classical cinematographic narrative and procedures that are closer to poetic cinema. Throughout these pages a hypothesis is established that grants, from the analysis of the film, a meaning to the film and that proposes a critical reading totally differentiated from those that have been done so far. Hybridization and tensions between classic cinematographic narratives and formal anti-narrative procedures make Mother! a fundamental piece to understand the relationships between contemporary cinema and poetry.

espanolEl presente articulo busca efectuar un examen conjunto de la obra del poeta espanol Fernando de Herrera (1534-1597), maximo representante de la Escuela Sevillana y anticipador del espiritu barroco, y del poemario Al bello aparecer de este lucero (1997a [1983]) de Enrique Lihn (1929-1988), en funcion del analisis de la metatextualidad que subyace en la produccion de ambos autores y que permite la configuracion de una poetica afin, manifestada por medio de la estetica manierista-barroca y el dilema amoroso, este ultimo como clave central a traves de la cual se busca dar cuenta de una problematica metadiscursiva asociada a la comprension critica del fenomeno poetico y a la imposibilidad de su revelacion, lo que es representado por una serie de dispositivos simbolicos: el lucero, la amada, la imagen, la belleza, la escritura y la memoria. EnglishThe aim of this article is to examine the works of the Spanish poet Fernando de Herrera (15341597), leader of the Sevillian School of poetry and early advancer of the Baroque spirit, and the book of poems Al bello aparecer de este lucero (1997a [1983]) by Enrique Lihn (1929-1988), in order to analyze the underlying meta-textuality in the poetic production of both authors. This meta-textuality enables the configuration of a common form of poetry, displayed through a Mannierist Baroque aesthetic and the dilemma of love. The latter predicament becomes the key through which both authors seek to explain a meta-discourse problem associated to the critical understanding of the poetic phenomenon and the inability to reveal it, thereby representing it through a series of symbolic devices: the daystar, the loved one, the image, the beauty, the writing and the memory.

Esta investigación trata de demostrar que la aplicación de la transtextualidad colabora de manera significativa en la elaboración de cuentos estudiantiles de los institutos pedagógicos de la región Junín. La metodología utilizada hace de este trabajo una investigación de tipo aplicada con nivel tecnológica. En el proceso se empleó el método científico y experimental, que contiene un diseño cuasi experimental con dos grupos. La muestra utilizada en este trabajo está formada por 120 estudiantes del Instituto Superior Pedagógico Público Teodoro Peñaloza de Chupaca y los estudiantes del Instituto Superior Pedagógico Pedro Monge de Jauja. El instrumento utilizado en esta tesis consta de una lista de verificación de la producción de cuentos. Al finalizar, la conclusión obtenida determina que la aplicación de la transtextualidad favorece en la producción de cuentos en estudiantes de los institutos pedagógicos de la región Junín, estos tiene como base principal el resultado obtenido de los datos estadísticos del grupo control en donde se demuestra que en el nivel eficiente se tiene solo a el 7% mientras en el grupo experimental se tiene a el 42% en logro eficiente, además, con el estadígrafo de prueba willcoxon se tiene; (0,000 < 0,05) entones p < 0,05, por lo tanto, se corrobora una mejora significativa.

El presente trabajo aborda el cuestionamiento de la identidad llevado a cabo a través de la escritura en la novela La rompiente de la escritora argentina Reina Roffé. Se propone una lectura crítica que recupere un modo de construcción literaria atravesada por la metatextualidad. El análisis es realizado teniendo en cuenta los aportes teóricos de Mijaíl Bajtín y Jacques Derrida., This essay approaches the identity questioning process carried out through writing in the Argentinian writer Reina Roffé’s novel La rompiente. A critical reading that will recover a literary construction form traversed by metatextuality. The analysis is carried out in the light of theoretical contributions by Mikhail Bakhtin and Jacques Derrida., Facultad de Humanidades y Ciencias de la Educación

L’article s’interroge sur les occurrences du mot « poème », sur leurs sens et leurs fonctions, analyse les relations au thème de la mort. Il ouvre son questionnement au poète entendu comme auteur, représentation et instance lyrique. Il aborde enfin la figure du lecteur en lien avec la pratique métatextuelle. El artículo reflexiona sobre las ocurrencias de la palabra « poema », sobre sus sentidos y funciones, analiza las relaciones con el tema de la muerte. Desemboca en un cuestionamiento sobre el poeta concebido como autor, representación e instancia lírica. Termina abarcando la figura del lector respecto a la práctica metatextual.

A través del tríptico formado por El séptimo continente (Der siebente kontinent, 1989), El video de Benny (Benny’s Video, 1992) y 71 Fragmen­tos para una cronología del azar (71 Fragmente einer chronologie des zu­falls, 1994), Michael Haneke realiza una sólida unidad discursiva basada en la denuncia contra el espectáculo audio­visual. Dicha crítica es presentada como espejo de una forma de vida caracteri­zada por la mera apariencia social, así como también por el aletargamiento y la alienación del sujeto contemporáneo. Haneke lleva hasta las últimas conse­cuencias esta mirada negativa sobre la sociedad del espectáculo gracias a una serie de operaciones metatextuales y de marcas enunciativas (relato frag­mentario y coral, imágenes en negro, sugerencia del fuera de campo definiti­vo e hibridación de texturas visuales de video y cine). Nuestro propósito en este trabajo es poner de relieve esta percep­ción mediante la presencia figurativa y simbólica de la televisión en el ámbito doméstico. La realidad surge del espec­táculo televisivo y este a su vez es real. Según Haneke, dicha alienación recí­proca, tal y como sostiene de manera similar Guy Debord, es la esencia y el soporte de nuestra sociedad. Through the triptych formed by The Se­venth Continent (Der siebente konti­nent, 1989), Benny’s Video (Benny’s Video, 1992) and 71 Fragments of a Chronology of Chance (71 Fragmente einer chronologie des zufalls, 1994), Michael Haneke produces a solid discur­sive unit focused on denouncing audio­visual show. This criticism is presented as a mirror of a way of life characterized by mere social appearance, as well as by the lethargy and alienation of the contemporary individual. Haneke takes this negative view of the society of the show to the extreme thanks to a series of metatextual techniques and enun­ciative marks, such as fragmentary and choral storytelling, black images, the suggestion of off-screen and the hybri­dization of visual textures of video and cinema. Our purpose in this text is to highlight this perception through the figurative and symbolic presence of te­levision in the domestic sphere. Reality arises from television show, which in turn is real. According to Haneke, this reciprocal alienation —as Guy Debord similarly maintains— is the essence and foundation of our society.

The aim of this article is to examine the works of the Spanish poet Fernando de Herrera (1534-1597), leader of the Sevillian School of poetry and early advancer of the Baroque spirit, and the book of poems Al bello aparecer de este lucero (1997a [1983]) by Enrique Lihn (1929-1988), in order to analyze the underlying meta-textuality in the poetic production of both authors. This meta-textuality enables the configuration of a common form of poetry, displayed through a Mannierist Baroque aesthetic and the dilemma of love. The latter predicament becomes the key through which both authors seek to explain a meta-discourse problem associated to the critical understanding of the poetic phenomenon and the inability to reveal it, thereby representing it through a series of symbolic devices: the daystar, the loved one, the image, the beauty, the writing and the memory., El presente artículo busca efectuar un examen conjunto de la obra del poeta español Fernando de Herrera (1534-1597), máximo representante de la Escuela Sevillana y anticipador del espíritu barroco, y del poemario Al bello aparecer de este lucero (1997a [1983]) de Enrique Lihn (1929-1988), en función del análisis de la metatextualidad que subyace en la producción de ambos autores y que permite la configuración de una poética afín, manifestada por medio de la estética manierista-barroca y el dilema amoroso, éste último como clave central a través de la cual se busca dar cuenta de una problemática metadiscursiva asociada a la comprensión crítica del fenómeno poético y a la imposibilidad de su revelación, lo que es representado por una serie de dispositivos simbólicos: el lucero, la amada, la imagen, la belleza, la escritura y la memoria.

This article is grounded on the premise that the story behind Mary Shelley’s novel Frankenstein; or the Modern Prometheus (1818) has acquired the status of a myth, which has been subjected to all sorts of adaptations that have ensured its current popularity. Looking into Frankenstein as a romantic text with certain traits that forestall postmodern theories, this study approaches Peter Ackroyd’s novel The Casebook of Victor Frankenstein (2008) as a postmodern adaptation of Mary Shelley’s classic through Gérard Genette’s inclusive critical term of transtextuality. With the aim to identify Ackroyd’s contribution to the myth of Frankenstein, this article analyses instances of intertextuality, insofar as Ackroyd’s text reproduces quotations from some of Mary Shelley’s autobiographical writings as well as from her seminal novel Frankenstein. Through displays of hypertextuality, Ackroyd’s postmodern novel also transforms Shelley’s original story resorting to metafiction, introducing changes in the structure and the focalisation of the narrative, and making use of parodic elements. Finally, Ackroyd’s postmodern novel also presents examples of metatextuality, inasmuch as it incorporates twists in the plot as a result of applying different critical readings of Mary Shelley’s seminal text. Este artículo se basa en la premisa de que la historia detrás de la novela Frankenstein; o el moderno Prometeo (1818), de Mary Shelley, ha adquirido el estatus de mito, el cual ha sido objeto de todo tipo de adaptaciones que han asegurado su popularidad actual. Partiendo del supuesto de que Frankenstein es un texto romántico con ciertos rasgos que anticipan las teorías posmodernas, este estudio estima que la novela de Peter Ackroyd, El diario de Víctor Frankenstein, es una adaptación posmoderna del clásico de Mary Shelley a través de la transtextualidad, término crítico e inclusivo empleado por Gérard Genette. Con el objetivo de identificar la contribución de Ackroyd al mito de Frankenstein, este artículo analiza ejemplos de intertextualidad, en la medida en que el texto de Ackroyd cita algunos de los escritos autobiográficos de Mary Shelley, además de su novela, Frankenstein. Por medio de muestras de hipertextualidad, la novela posmoderna de Ackroyd también transforma la historia original de Shelley al recurrir a la metaficción, introducir cambios en la estructura y en el foco de la narración, y al emplear elementos paródicos. Por último, la novela posmoderna de Ackroyd también presenta ejemplos de metatextualidad, al igual que incorpora giros en la trama como resultado de aplicar diferentes interpretaciones críticas de la influyente novela de Mary Shelley.

En el contexto literario tardo-republicano, la poesía de Catulo representó el logro de una madurez creativa que asimiló y transformó las poéticas anteriores en función de una original «política del ritmo»; asimismo la importancia del labor catuliano radica en la construcción de un libro a través del cual confirió entidad real a sus obras al contenerlas en un medio físico al que llamó libellus. Esta idea del«artefacto textual» como instrumento de representación de la experiencia poética es la que reaparece entre los autores tardoantiguos, particularmente en el poeta galo-romano Décimo Ausonio (s. IV d. C.), en quien se advierte la preocupación por reflexionar acerca de elementos metaliterarios y programáticos, extrapolados muchos de ellos de los carmina de Catulo. In the late-republican literary context, the poetry of Catullus represents the achievement of a creative maturity that assimilated and transformed the previous poetics based on an original «policy of the rhythm». Additionally, the importance of the catullian work lies in the building of a book by which he gave real entity to his works in order to hold them in a physical format which he called libellus. This idea of «textual artifact» as an instrument of representation of the poetic experience reappears among late antiquity authors, particularly in the Gallo-Roman poet Ausonius Decimus (s. IV a. C.), in whom the concern is warned by reflecting around the metaliterary and programmatic elements, extrapolated many of Catullus’ Carmina.

En el contexto literario tardo-republicano, la poesía de Catulo representó el logro de una madurez creativa que asimiló y transformó las poéticas anteriores en función de una original «política del ritmo»; asimismo la importancia del labor catuliano radica en la construcción de un libro a través del cual confirió entidad real a sus obras al contenerlas en un medio físico al que llamó libellus. Esta idea del«artefacto textual» como instrumento de representación de la experiencia poética es la que reaparece entre los autores tardoantiguos, particularmente en el poeta galo-romano Décimo Ausonio (s. IV d. C.), en quien se advierte la preocupación por reflexionar acerca de elementos metaliterarios y programáticos, extrapolados muchos de ellos de los carmina de Catulo. In the late-republican literary context, the poetry of Catullus represents the achievement of a creative maturity that assimilated and transformed the previous poetics based on an original «policy of the rhythm». Additionally, the importance of the catullian work lies in the building of a book by which he gave real entity to his works in order to hold them in a physical format which he called libellus. This idea of «textual artifact» as an instrument of representation of the poetic experience reappears among late antiquity authors, particularly in the Gallo-Roman poet Ausonius Decimus (s. IV a. C.), in whom the concern is warned by reflecting around the metaliterary and programmatic elements, extrapolated many of Catullus’ Carmina.

Fil: Kodolbsky, Daniela. Universidad Nacional de las Artes. Área Transdepartamental de Crítica de Artes. Instituto de Investigación y Experimentación en Arte y Crítica; Argentina Fil: Soto, Marita. Universidad Nacional de las Artes. Área Transdepartamental de Crítica de Artes. Instituto de Investigación y Experimentación en Arte y Crítica; Argentina Fil: Soto, Marita. Ministerio de Ciencia, Tecnología e Innovación Productiva. Consejo Nacional de Investigaciones Científicas y Tecnológicas; Argentina. Fil: Koldobsky, Daniela. Universidad Nacional de La Plata. Facultad de Bellas Artes. Instituto de Historia del Arte Argentino y Americano Con el fin de la modernidad la crítica de las artes visuales habría abandonado su utopía de formación democrática y universal acerca del arte y del lugar que este debía ocupar en la vida de los ciudadanos, proyecto con el que habría surgido durante el siglo XVIII. El artículo defiende esta tesis analizando algunos “silencios” presentes en la crítica mediática argentina de los años '40 y '60 del siglo pasado, con persistencias hasta la actualidad, para finalmente preguntarse y discutir si la crítica de arte es un género de los medios masivos y/o del mundo moderno.

España de sol a sol (2001) by Alfonso Armada gives an example of the development of the «travel narrative» genre in Spain today. Faced with the «end of travel» (Marc Augé), he proposes a renovation of the perception of the familiar by travelling across Spain and Portugal and by substituting «endotic» (Georges Pérec) for exotic.The poetics in the narrative differs greatly from that by travelling writers of «social realism», in the Spain of the sixties. Interpretation replaces information, the poetic image prevails over the referential function of language, and polysemy, omnipresent intertexuality and metatextuality play an important part. The change also affects the links between text and image, which are now more complementary than redundant. Playing with stereotypes, the photography actively contributes to establishing argumentative strategies meant to make the reader-viewer adhere to the message, all while affirming itself as an autonomous aesthetic experience.España de sol a sol (2001) de Alfonso Armada proporciona una muestra de la evolución del género del «libro de viajes» en la España contemporánea. Ante la imposibilidad del viaje (Marc Augé), propone renovar la percepción de lo familiar recorriendo el espacio nacional y sustituyendo el «endotismo» (Georges Pérec) al exotismo. La poética del viaje que propone el relato difiere profundamente de la de los escritores viajeros del «realismo social», en la España de los años sesenta, anteponiendo la interpretación a la información, la imagen poética a la función referencial del lenguaje, cultivando la polisemia, una intertextualidad masiva y una reflexión metatextual. Distintos son también los vínculos que se establecen entre texto e imagen, de complementariedad más que de redundancia. La fotografía participa activamente, por la reelaboración de tópicos, del dispositivo argumentativo destinado a favorecer la adhesión del lector-espectador al mensaje y se afirma, por otra parte, como experiencia estética autónoma.

Facultad de Letras. Estudios del discurso This work is focused in the comparative analisis of Casa de gesishas of Ana María Shua. The first approximations we had made are to the concepts of microfiction and comparative literature. In the introduction there is also a short list of some of the works of Ana María Shua. The investigation has been organized in three blocks. The first one contains: a) the origins of the orientalism, proposed by Edward Said; b) the latinoamerican poetry and short narrative that has some oriental elements; c) the briefness as an element of “liason” between latinoamerican an oriental literature. The second chapter analyses the configuration of the house as a brothel, using the categories of the space and the iconic persons: the madame, the prostitutes and the clients. The last part has two sections, the intertexts and the metatextuality. Some of the intertexts that we reviewed are Snow White, Cinderella and the golem. In the part of the metatextuality, we have examined some of the microfictions which contain a reflection about the writing process. Este trabajo está enfocado en el análisis comparativo de Casa de geishas de Ana María Shua. Las primeras aproximaciones que hemos hecho son de los conceptos de microrelato y literatura comparada. En la introducción hay también una pequeña lista de algunos de los trabajos de Ana María Shua. La investigación ha sido organizada en tres bloques. El primero contiene: a) el origen del orientalismo, propuesto por Edward Said; b) la poesía y la narrativa corta latinoamericana que tiene algunos elementos orientales; c) la brevedad como un elemento de “liason” entre la literatura latinoamericana y oriental. El segundo capítulo analiza la configuración de la casa como un burdel, usando las categorías de espacio y los personajes icónicos: la madama, las prostitutas y los clientes. La última parte contiene dos secciones, los intertextos y la metatextualidad. Algunos de los intertextos que revisamos son Blanca nieves, Cenicienta y el golem. En la parte de la metatextualidad, hemos examinado algunos de los microrrelatos que contienen una reflexión sobre el proceso de escritura.

Treball Final del Grau en Comunicació Audiovisual. Codi: CA0932. Curs: 2014-2015 Este Trabajo Final de Grado se centra en el estudio de la relación de la serie televisiva Community (Dan Harmon, NBC: 2009-2014, Yahoo! Screen: 2015) con su fandom mediante mecanismos de la autoconsciencia. El contexto en el que tiene lugar la serie proporcionan las bases que posibilitan esta relación, debido a los cambios de los hábitos de consumo, el aumento del poder del creador tras la denominada nueva era dorada de la televisión y la mayor visibilidad del fandom que facilita la red. Desglosamos los conceptos de serialidad, intertextualidad, metatextualidad y fandom para elaborar un cimiento teórico que sirven a la verificación o refutación de nuestra hipótesis y que asientan unas premisas para el análisis textual del corpus. Con todo, pretendemos demostrar que la especial relación que Community mantiene con su comunidad fan se construye y alimenta desde la obra mediante mecanismos intertextuales y metatextuales y que esto, a su vez, retroalimenta el texto afectando a su contenido. This Trabajo de Final de Grado is focused on the study of the relation between Community TV series (Dan Harmon, NBC: 2009-2014, Yahoo! Screen: 2015) and its fandom, through mechanisms of self-awareness. The context in which it is placed provides with the basis that make possible this relationship, due to changes of the habits of consumption, the increasing of the creator power after the new golden age of television and the higher visibility of the fandom which facilitates the net. We treat the concepts of serializing, intertextuality, metatextuality and fandom to draw up a theoretical basis that serve as a verification or disproof of our hypothesis and which assume some premises for the textual analysis of the corpus. With all this, we expect to demonstrate that the especial relationship that Community is maintaining with its fan community is constructed and supplied from the work through intertextual and metatextual mechanisms, and this, at the same time, feeds the text back by nourishing its content.

Aquest treball pretén explorar els recursos autoficcionals del text d’Enrique Vila-Matas París no se acaba nunca (2003). Sota la forma d’una revisió irónica dels anys de joventut en París, Vila-Matas posa en joc diverses ferramentes destinades a trencar amb la mimesi del que és real. D’aquesta manera, el text es situa tant en la línea de l’autoficció com en la d’altres textos del mateix autor en els que la realitat i la literatura són totalment independents. Este trabajo pretende explorar los recursos autoficcionales del texto de Enrique Vila-Matas París no se acaba nunca (2003). Bajo la forma de una revisión irónica de los años de juventud en París, Vila- Matas pone en juego varias herramientas destinadas a romper con la mímesis de lo real. De este modo, el texto se sitúa tanto en la línea de la autoficción como en la de otros textos del mismo autor en los que realidad y literatura son totalmente interdependientes. Lan honek Enrique Vila-Matasen París no se acaba nunca (2003) testuaren errekurtso autofikzionalak aztetzea du helburu. Parisen pasatako gazte garaiko urteen berrikuste ironiko baten formapean, Vila-Matas errealitatearen mimesiarekin hausteko hainbat tresnaz baliatzen da. Honela, testu hau bi ildotan kokatzen da: bai autofikzioaren ildoan, baita idazle beraren beste testu batzuen ildoan ere, non errealitatea eta literatura elkarren mendekoak diren.

ResumenEl artículo propone un análisis de la novela Juegos florales como ejemplo de una literatura que busca su valor específico en los procedimientos de composición de la obra. El análisis estructural del relato nos permitirá un anclaje metodológico a través del cual se pretende indagar en cuestiones más generales que atañen, en cierto modo, a la teoría literaria y al acto de creación verbal. Son estos enfoques teóricos los que fundan las producciones de Sergio Pitol. El “arte del regreso” es la metáfora descriptiva con la que se refere al proceso metaficcional o al recorrido de la escritura hacia el punto de convergencia de procedimientos y sentidos.AbstractTe article proposes an analysis of novel Juegos florales as an example of a literature that finds its specific value in the composition of the work procedures. Te structural analysis of the story allows a methodological anchoring which seeks to inquire into issues more general involving, in some ways, literary theory and the act of verbal creation. Tese theoretical approaches are which founded Sergio Pitol productions. Te “art of the return” is the descriptive metaphor that refers to the metafictional process or the journey of writing to the point of convergence of procedures and senses.

En los cuentos "La nariz" y "La niña que quiso ser estampa", de Marta Brunet, los personajes infantiles son portadores de discursos metatextuales, que revelan la relación de la autora con la institución literaria en Chile, durante la primera mitad del siglo XX. La figuración de la infancia en tanto objeto cultural, su utilización metafórica, será el punto de partida para reflexionar sobre la ambigua inserción de Brunet en la "ciudad letrada", las operaciones miméticas que debió proyectar con miras a ser aceptada entre sus contemporáneos y la construcción de personajes femeninos en trayecto hacia la autonomía personal y creadora., In the short stories "La nariz" and "La niña que quiso ser estampa" by Marta Brunet, child characters carry metatextual discourses revealing the author’s relationship with the literary institution in Chile during the first half of the 20th century. The representation of childhood as a cultural object and its metaphorical use will be the starting point to reflect on Brunet's ambiguous insertion in the "lettered city", the mimetic operations she had to project in order to be accepted by her contemporaries and the construction of female characters aiming towards a personal and creative autonomy., Centro de Estudios de Teoría y Crítica Literaria

Fil: Barreiros, Raúl. Universidad Nacional de las Artes. Área Transdepartamental de Crítica de Artes; Argentina Fil: Fernández Troiano, Graciela. Universidad Nacional de las Artes. Área Transdepartamental de Crítica de Artes; Argentina Los títulos son relevos o anclajes (Barthes), tal vez solo aposiciones (Steimberg) o paratextos (Gennete). De cualquier modo, allí están como un adelanto, una contradicción, una clasificación o una denuncia. Palabra o frase con que se da a conocer el nombre o asunto de una obra o de cada una de las partes o divisiones de un escrito.

From its very beginnings, cinema has produced an impressive body of literature covering every possible aspect of the art of film The following pages try to put some order to this complex archipelago of criticism, theory, historiography and analysis of film. This is done by emphasizing the differences that separate criticism and analysis and such divergent aspects as essays on tone, point of view, methodology, scope and origin of film (although the average film goer does not usually make these distinctions)., El llamado séptimo arte produce ingentes derivaciones metatextuales, textos que se refieren al cine y/o a las películas de muy diversas maneras. Las páginas que siguen pretenden poner cierto orden en ese abigarrado archipiélago discursivo en el que conviven la crítica de películas, la teoría cinematográfica, la historiografía del cine y el análisis fílmico. Y lo hacen poniendo el énfasis en las diferencias que median entre la crítica y el análisis, discursos de tono, perspectiva, metodología, amplitud de miras y factura manifiestamente divergentes que pese a toda evidencia constituyen una misma cosa para el despistado cinéfilo de a pie.

Cuestionar el llamado tríptico de la mansedumbre , contemplado como clímax de la actividad poética de Antonio Colinas; pero considerarlo como mero pretexto hermenéutico y partir del simbolismo paratextual para mostrar que en esa trilogía se quintaesencia toda la poética del escritor leonés; desentrañar las constantes de dicha poética mediante una metodología ecléctica cuyos fundamentos pretenden adaptarse al tipo de textualidad elegida: la transtextualidad de Genette como base teórica, la psicocrítica de Mauron y las metáfora obsesivas, la semiótica poética de Riffaterre y la teoría de los hipogramas, la deconstrucción derridiana o el lenguaje ambiguo, la teoría titulógica de López-Casanova como verdadero punto de partida, la pragmática de Austin, las teorías semióticas de Fontanille, Selden, Kristeva, Bajtin, Barthes y Bloom. Tal empeño sintoniza con el plurifacetismo y el antidogmatismo colinianos e implica que, al ir más allá de Los silencios de fuego, Libro de la mansedumbre y Tiempo y abismo, su pensamiento abarca y sustenta al territorio de la novela, al del cuento, del ensayo, del diario, e incluso del aforismo. Por su cinetismo ilimitado, esta literatura ya depurada de adornos estilísticos y ya de por sí posmoderna, nostálgica y rupturista- apunta a la perentoria tradición literaria, a lo filosófico, a lo ecológico, a lo pictórico, a lo sagrado, a la espacialidad cerrada y abierta y a la onomástica que realza a personajes identificables en la realidad histórico-literaria, al tiempo que siempre tiende a razonar la dualidad, la totalidad, la reversibilidad del tiempo, el mito del eterno retorno, la interdisciplinaridad artística, la síntesis entre el filosofar y el poetizar, como quiso, Miguel de Unamuno, María Zambrano, Miguel Torga u Octavio Paz. Tal ha sido la finalidad de esta tesis doctoral., To question the so-called triptych of meakness , seen as the climax of Antonio Colinas poetic activity; but to consider it as a mere hermeneutic pretext and start from paratextual symbolism to show that this trilogy contains the quintessence of all the poetics of the writer from León; to unravel the constants of such poetics through an eclectic methodology whose fundaments seek to adapt to the type of textuality chosen: Genette s transtextuality as a theoretical base; Mauron s psychocriticism and the obsessive metaphors; Riffaterre s poetic semiotics and the theory of the hypograms; Derridian deconstruction or ambiguous language; López-Casanova s theory of titles as a true starting point; Austin s pragmatics; the semiotic theories of Fontanille, Selden, Kristeva, Bajtin, Barthes and Bloom.Such a task is in keeping with the Colinian multifacetism and antidogmaticism and implies that, in going beyond Los silencios de fuego, Libro de la mansedumbre and Tiempo y abismo, his thought embraces and sustains the territory of the novel, the short story, the essay, the diary, and even the aphorism. Because of its unlimited dynamism, this literature already purged of stylistic adornment and already in itself post-modern, nostalgic and ground-breaking points towards the peremptory literary tradition, to the philosophical, to the ecological, to the pictorial, to the sacred, to the closed and open spatiality and to the onomastics that enhances identifiable characters in the historical-literary reality, while also always tending to reason the duality, totality, reversibility of time, the myth of the eternal return, the artistic interdisciplinarity, the synthesis between philosophising and poeticising, as Miguel de Unamuno, María Zambrano, Miguel Torga and Octavio Paz wanted. Such has been the aim of this doctoral thesis.

El trabajo discute y analiza las relaciones y jerarquías de los textos contenidos al interior de la novela El gran mal, de Gonzalo Contreras. El análisis se ocupa de los tres tipos de comentarios metatextuales del narrador: como instancia de autorreflexividad, aquéllos dirigidos al lector implicado y los que hace con el personaje de Agata, la lectora intradiegética del texto biográfico que escribe el narrador, como asimismo del mecanismo de mise en abyme que hace posible la coexistencia de los diferentes niveles en el relato. This article discusses and analizes the levels and hierarchical relationships among the texts inside the novel El gran mal by the Chilean writer Gonzalo Contreras. The analysis focuses on the three kinds of comments the narrador carries out in his progressing biography: as self reflexivity, as comments addressed to the implied reader and those he exchanges with Agata, the intradiegetic reader of the biography. The analysis deals with the technique of mise en abyme that makes possible the various narrative levels as well.

International audience; Le roman pastoral « a lo divino » de Lope de Vega, Pastores de Belén (1612), met en scène un groupe de bergers occupés à retracer la naissance du Christ, événement dont ils sont contemporains. Ce récit est pris en charge par un narrateur extra et hétérodiégétique à la troisième personne qui, dans les passages digressifs, prend souvent la parole à la première personne pour commenter son propre récit. Ce roman comporte quelques représentations d'œuvres d'art, au moyen du procédé rhétorique de l'ekphrasis : selon les termes de Philippe Hamon, il s'agit de « la description d'une œuvre d'art réelle, rencontrée ou simplement rêvée par les personnages de la fiction, telle qu'elle apparaît dans une œuvre littéraire » . Je me propose d'étudier une de ces représentations, en fait une petite peinture sur bois qui a été réalisée par un protagoniste du roman, un berger nommé Frondoso. Bien qu'il n'apparaisse qu'une seule fois dans l'œuvre, ce petit tableau sans titre est mis en exergue dans une digression où le narrateur revendique son caractère fictif. Cette représentation est intéressante non seulement parce qu'elle fait l'objet d'une description en prose puis en vers mais également parce qu'elle donne lieu à une réflexion métatextuelle sur le rapport entre la peinture et la poésie, et plus précisément sur le passage de la toile à la page. Après avoir analysé les modalités d'insertion de cette œuvre picturale dans le tissu textuel et la réflexion métatextuelle qu'elle génère, je m'attacherai à mettre en évidence les fonctions de cette représentation artistique dans le roman de Lope.

Análisis de nueve obras del escritor argentino César Aira: La liebre (1991), Embalse (1992), La guerra de los gimnasios (1993), Ema, la cautiva, La prueba (1992), Los misterios de Rosario (1994), Cómo me hice monja (1993), El Volante (1992), El llanto (1992).; Analyse de neuf fictions de l'écrivain argentin César Aira: La liebre (1991), Embalse (1992), La guerra de los gimnasios (1993), Ema, la cautiva, La prueba (1992), Los misterios de Rosario (1994), Cómo me hice monja (1993), El Volante (1992), El llanto (1992).

Burton Pollin argues that, despite Edgar Allan Poe‟s evident legacy in Stephen King‟s fiction, Poe‟s influence on the writings of this author from Maine has often been overlooked and even ignored by Poe scholars. Pollin suggests that King‟s most acclaimed horror novel The Shining (1977) was mostly inspired by Poe‟s gothic tales “The Masque of the Red Death” and “The Fall of the House of Usher.” Taking Pollin‟s premise as a point of departure, this article aims to retrace examples of transtextuality – to use Gerard Genette‟s term − between King‟s novel The Shining and some of Poe‟s gothic tales, thus following Pollin‟s initial proposal, but with the view to analyse different passages from King‟s novel in comparison with other Poe‟s tales that have been hardly mentioned in relation to The Shining.RESUMEN: Burton Pollin defiende que, pese al evidente legado que Edgar Allan Poe atesora en la ficcion de Stephen King, la influencia que Poe ha ejercido en las obras del escritor de Maine a menudo ha sido menospreciada o includo ignorada por parte de los estudiosos de la obra de Poe. Pollin sugiere que la novela de terror mas aclamada de King, El resplandor (1977), fue inspirada principalmente por los relatos goticos de Poe “La mascara de la muerte roja” y “La caida de la casa Usher.” Tomando la premisa de Pollin como punto de partida, este articulo pretende identificar ejemplos de transtextualidad – utilizando el termino de Gerard Genette – entre la novela de King “El resplandor” y relatos de Poe, siguiendo la propuesta inicial de Pollin, pero con el objetivo de analizar diferentes pasajes de la novela de King comparandolos con otros relatos de Poe que apenas han sido mencionados en relacion a El resplandor.