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Un peu moins de dix ans après sa création et au lendemain de l’arrivée des trithérapies, Act Up-Paris, association de lutte contre le sida issue de la communauté homosexuelle, se dote en 1997 d’un groupe interne dédié à la gestion de ses archives et autres ressources documentaires. Enquêter sur le dispositif mis en place par ce groupe amène à réfléchir aux différentes fonctions que peuvent revêtir l’archivage et la mémoire en contexte militant. L’Archive est une mémoire des morts, le lieu centralisant les traces d’actions passées qui témoignent des rapports de force face aux pouvoirs publics, espace d’apprentissage pratique et politique, facteur de continuité et de transmission entre générations. Jusqu’à ce que ce processus d’accumulation ne devienne un véritable « problème »… matériel. En 2013, Act Up-Paris est placée en redressement judiciaire. Face à la menace de sa disparition, le choix est fait de confier ses archives aux institutions étatiques. Or, ce sauvetage patrimonial n’est pas dépourvu d’ambivalence quant à son sens et à ses effets. Revenir aux manières de concevoir l’archive et la mémoire des militants et militantes d’Act Up-Paris permet justement de percevoir, au fil du temps, les transformations et les tensions dans lesquelles elles sont prises. In 1997, a little less than a decade after its founding, and just after the arrival of triple combination therapies, Act Up-Paris, an association created within the homosexual community to fight against AIDS, created an internal group for the management of its archives and other documentary resources. Investigating the set-up developed by the group raises questions about the different functions archiving and memory can serve in an activist context. The Archive became the memory of the dead, a place centralizing the traces of past actions that expressed the power relations with public authorities, a space for practical and political education, and a factor of continuity and inter-generational transmission. At least until this process of accumulation became a real material ‘problem’. In 2013, Act-Up Paris was near bankruptcy. Faced with the threat of its disappearance, the association chose to transfer its archives to public institutions, but the meaning and impact of this rescue of a cultural heritage remain ambivalent. Reviewing the ways the archive and the memory of the activists of Act-Up Paris were conceived allows us to perceive the transformations and tensions accompanying them over time.

Dans quelle mesure la mobilisation de la notion de générations futures, dans les domaines de la science, du politique ou encore des médias, contribue-t-elle paradoxalement à occulter les enfants et les jeunes d’aujourd’hui, en tant qu’acteurs de chair et d’os et dotés d’agentivité ? En quoi interroge-t-elle le rapport au patrimoine, et plus particulièrement la patrimonialisation comme processus d’appropriation et de transmission ? Après avoir situé les notions d’enfance et de génération, l’analyse de deux études de cas ethnographiques, fondées sur des travaux de terrain menés au Mexique et en France avec des enfants et des jeunes, permettra de confirmer notre hypothèse selon laquelle la notion de générations futures relève d’un discours a-historique à visée performative et sous-tendu par plusieurs présupposés conduisant à minorer la place et le rôle des enfants et des jeunes dans la patrimonialisation. To what extent does the use of the notion of ‘future generations’, in the areas of science, politics or the media, paradoxically help to eclipse today’s children and youth as flesh-and-blood actors endowed with agency? How does it question the relationship to cultural heritage, and more specifically, to the designation of that heritage as a process of appropriation and transmission? After preliminary remarks situating the notions of childhood and generation, we analyse two ethnographic case studies based on fieldwork with infants and young people in Mexico and France. These studies confirm our hypothesis that the notion of future generations stems from an ahistorical discourse with a performative aim and presuppositions that lead to reducing the place and role of children and young people in the process of heritage creation.

Ce texte issu de deux entretiens avec Michel Manson retrace son parcours d’historien de l’enfance. Il explique que, malgré les travaux de Philippe Ariès, les enfants restaient encore, au commencement de sa carrière dans les années 1970, singulièrement absents des préoccupations historiques. De l’Antiquité à nos jours, sont considérées les trois grandes thématiques auxquelles il s’est plus particulièrement intéressé, à savoir le jeu et le jouet, la littérature pour la jeunesse et les sucreries (les bonbons). Lors de ces entretiens, des photographies sur des trouvailles archéologiques, sur des objets, sur des peintures (Pierre Bruegel, Lucas Cranach…) ont été soumises à sa sagacité pour recueillir ses réflexions sur les osselets, les poupées, le cheval-bâton, la représentation de l’enfance et de ses jouets dans l’histoire de l’art, le passage du jouet écologique au jouet industriel, les scénographies des musées du jouet. This text, based on two interviews with Michel Manson, retraces his experience as a historian of childhood. He explains that at the beginning of his career in the 1970s, in spite of the pioneering studies of Philippe Ariès (1914-1984), children were still strangely absent from historical preoccupations. The three major themes which have particularly interested him are games and toys, literature for children and sweets, from Antiquity to the present day. During these interviews, he was shown photographs of archaeological finds, objects and paintings (by Bruegel the Elder, Lucas Cranach and others) in order to elicit his thoughts on knucklebones, dolls, the hobby horse, the representation of childhood and toys in the history of art, the passage from the ecological toy to the industrial toy and scenography in toy museums.

Qu’il s’agisse de sections mises en place au sein d’institutions muséales existantes (Muséum national d’histoire naturelle, Cité des sciences et de l’industrie, Historial de la Vendée) ou d’établissements entièrement conçus pour le jeune public (le Musée en Herbe, le Préau des Accoules, etc.), les musées pour enfants fleurissent aussi timidement que tardivement dans l’Hexagone, à considérer leur multiplication outre-Atlantique, et ce, dès la toute fin du xixe siècle. À l’heure où se forge le concept s’en distinguent en France les musées d’éducation ou musées pédagogiques, plus anciens, qui s’adressent quant à eux prioritairement aux enseignants, tandis que s’en rapprochent les musées scolaires. Ce faisant, l’étanchéité des modèles ne recouvrant pas celle des réalisations, les frontières se brouillent permettant l’émergence à Paris, au sein du Musée pédagogique, d’un musée des Poupées que fréquentent les enfants et où s’exposent, en miniatures, l’histoire et la géographie de la diversité costumière. Confrontant cette expérience singulière, dont le dénouement s’avère loin d’être prémédité, à celles menées concomitamment au Brooklyn Children’s Museum, premier du genre, l’analyse met en exergue l’enfance d’un certain sens du patrimoine, faisant la part belle à la participation et à l’expérience. Compared with the spread of children’s museums in North America – a phenomenon dating back to the very end of the 19th century – France’s initiatives, whether the special sections set up within existing museum structures (the Museum national d’Histoire naturelle and the Cité des sciences et de l’industrie in Paris, the Historial de la Vendée in the Loire region) or new institutions entirely conceived for young visitors (the Musée en Herbe in Paris, le Préau des Accoules in Marseilles, etc.) have been slow in coming. When the concenpt first emerged, educational museums, which were older and mainly addressed at teachers, were distinguished from the slightly later school museums created by pupils in class. These hermetically separate models did not necessarily correspond to the end results, however, and the blurring of the borders permitted, for example, the creation of a doll museum within the Musée Pédagogique in Paris, where children could discover in miniature form the history and geography of clothing styles. By comparing this singular experiment and its unanticipated outcome with those carried out at the pioneering Brooklyn Children’s Museum in New York, this analysis highlights the ‘childhood’ of a certain approach to cultural heritage that favours participation and direct experience.

Le 15 avril 2019, l’incendie de la cathédrale Notre-Dame de Paris provoque une émotion internationale. En France, cet événement surgit à l’intérieur d’un autre, tout aussi brûlant : le mouvement social inédit des Gilets jaunes qui bat son plein depuis cinq mois déjà. Le soir de l’incendie, une allocution présidentielle devait clore le « grand débat national » censé répondre à la contestation. L’incendie reporte l’allocution et importe l’émotion patrimoniale au cœur de la mobilisation sociale. L’émotion est d’emblée polémique et politique. Sur les réseaux sociaux puis dans la rue ou sur les ronds-points, les Gilets jaunes doivent réagir à l’événement et le prendre en charge dans leur agenda depuis leur position spécifique. Ces diverses réactions et actions illustrent l’inventivité propre au mouvement tout en offrant un observatoire sur les enjeux politiques contemporains du patrimoine. On 15 April 2019, the fire that ravaged the Notre Dame Cathedral in Paris provoked great emotion worldwide. In France, however, this event emerged within another one: the unprecedented gilets jaunes (‘yellow vests’) social movement that had been in full swing for five months. The evening of the fire, a speech by French President Emmanuel Macron was scheduled to close the ‘great national debate’ organised in response to the protests. The fire put the speech on standby and put heritage emotion at the centre of the social mobilisation. This emotion was immediately polemical and political: on the social networks, and then in the streets or at the roundabouts, the gilets jaunes had to react to the event and integrate it into their own specific agenda. These different reactions and actions illustrate the movement’s particular inventiveness but also offer an observation post for analysing the contemporary political stakes of the cultural heritage.

« Il est difficile de travailler dans une école qui n’a pas de mémoire. » Ces propos de Philippe Durey, qui dirigea l’École du Louvre avant de consacrer plusieurs années de recherches et d’écriture à ce livre éclairent le projet qui a été le sien et permettent de penser que la tâche de ses successeurs sera plus aisée, tant son ouvrage vient, de manière fort heureuse, combler un manque et donner une histoire à l’École du Louvre tout en lui rendant la mémoire. Certes, tout n’était pas inconnu ...

L’article considère le « frémissement patrimonial » que peut causer l’évocation des « parties de sonnette » (le jeu qui consiste à sonner à une porte, puis à déguerpir). De nombreux matériaux (petits films contemporains réalisés par les enfants eux-mêmes, évocations littéraires anciennes, dessins humoristiques d’albums pour la jeunesse, témoignages…) sont mobilisés pour considérer comment les enfants se jouent des adultes. Attesté depuis le xixe siècle, ce jeu a suivi les transformations des dispositifs sonores associés au seuil (heurtoir, cordon, sonnette électrique). Il n’est pas exempt de dangerosité (réelle ou symbolique), car c’est le piment de ce jeu d’enfants que de savoir que les « victimes » adultes peuvent s’exaspérer d’être dérangées. Par son ancienneté, par l’émotion qu’il suscite, ce jeu pourrait presque relever du « patrimoine » de l’enfance ; des romans régionalistes, des fêtes locales et des sites Internet de villages du Sud-Ouest, mettent d’ailleurs en avant la « tradition » équivalente du « tustet » ou du « martelet ». Plusieurs éléments concourent néanmoins pour que ce tout petit jeu n’accède jamais à une « inscription » patrimoniale. This article considers the ‘heritage quiver’ that can be caused by the mention of « ding, dong, ditch » (a game that consists of ringing at someone’s door and running off). Various materials – little films from the present day made by the children themselves, literary citations from the past, children’s cartoons, testimonies – are used to explore how children tease adults. Attested since the 19th century, this prank has followed the transformation of sound devices associated with the doorstep (knocker, string, electric doorbell). It contains its share of danger, whether real or symbolic, because children thrive on the knowledge that the adult ‘victims’ they disturb can loose their tempers. In its long history and the emotion it arouses, this game is almost part of the ‘cultural heritage’ of childhood. Indeed, regionalist novels, local celebrations and websites of villages in southwestern France highlight the equivalent ‘tradition’ of the « tustet » (with a door knocker). That said, several elements contribute to keeping this tiny little game from obtaining a place in the cultural heritage.

À partir des données d’une enquête menée sur les visites muséales enfantines, cet article avance l’hypothèse que le regard porté sur l’enfance constitue l’un des rouages non seulement de la mise en patrimoine mais aussi, et plus largement, d’une définition même de la patrimonialité comme outil politique d’une cosmologie occidentale. La mise en perspective de la visite de La Fabuloserie, musée d’art brut, et de celle du château de Versailles par des enfants de moins de 7 ans permet, à travers deux cas contrastés, d’envisager les conditions d’accès à la culture savante et la façon dont les adultes en intériorisent la valeur. Grâce aux tout-petits, destinataires de l’intention patrimoniale de parents, enseignants ou professionnels de la culture, apparaissent des formes de médiations spécifiques qui révèlent plus largement la place de l’enfance dans la mécanique de production de la valeur culturelle. Drawing on data from an enquiry on children visiting museums, this article suggests that childhood representations contribute to the identification of cultural heritage. More broadly, it considers heritage as a political tool of western cosmology. Comparing children under 7 years of age visiting museums – La Fabuloserie, a private museum in the French countryside devoted to Art Brut, and the royal Versailles palace – this paper observes conditions of children’s access to high culture and the way it is internalised by adults. Parents who expect their children to gain cultural knowledge, teachers who organize school visits, and culture professionals guiding them through a museum, thus allow us to discern specific forms of public outreach that reveal how childhood deals with mechanisms of producing cultural value.

Dans cet entretien mené par Sarah Gensburger, Monica Eileen Patterson met en avant un courant émergeant parmi les pratiques curatoriales que de plus en plus de musées, partout dans le monde, sont en train d’encourager : la curation par les enfants. Donner l’occasion aux enfants d’organiser des expositions profite de multiples façons aux musées qui cherchent à rendre leur offre plus vivante et stimulante, car le jeune public est expert en matière d’innovation, de créativité et d’interactivité. En prenant part de manière critique aux expositions organisées par les enfants, les universitaires, et de façon plus large les membres de la société, peuvent trouver un précieux aperçu de comment les enfants voient et vivent les choses. En tant qu’importants acteurs sociaux et détenteurs de savoir, les enfants ont beaucoup à apprendre au monde qu’ils habitent, pour peu que les adultes autour d’eux les écoutent. Dans cet entretien, Monica Eileen Patterson présente sa vision d’une nouvelle muséologie critique par les enfants, et le rôle essentiel que joue le curatoriat mené par les enfants dans ce domaine. Elle explique comment s’est développé son intérêt pour le sujet, les contributions que les enfants curateurs peuvent apporter à la pratique muséologique, et les défis rencontrés par les enfants et les musées lorsqu’ils s’engagent dans cette démarche. In this interview by Dr. Sarah Gensburger, Dr. Monica Eileen Patterson discusses an emerging subfield of curatorial practice being facilitated by more and more museums around the world: child curating. Creating opportunities for children to curate exhibitions offers many benefits to museums seeking to animate and enliven their offerings, for children are experts of innovation, creativity, and interactivity. By critically engaging with exhibitions curated by children, scholars and members of society more broadly can gain valuable insights into young people’s perspectives and experiences. As important social actors and knowledge-bearers, children have much to teach the world they inhabit, if only the adults around them will listen. In this interview, Patterson lays out her vision for a new, critical children’s museology and the crucial role of children’s curating within it. She shares how her interest in this field developed, the contributions child curators can make to museological practice, and the challenges children and museums face in taking this work forward.

Depuis un quart de siècle, l’École nationale des chartes a fait l’objet d’un grand nombre de publications, toutes collectives, issues pour certaines de colloques et journées d’études. Il est à noter que toutes sont, sans exception, liées à l’École de manière plus ou moins formelle, soit qu’elles aient été éditées directement par elle, soit que les directeurs d’ouvrage y soient en poste, ou, à tout le moins, en soient issus. En outre, leur rythme s’est accéléré ces derniers temps, à mesure qu’...

Bénéficiaires de la médiation, mis en situation de jouer les médiateurs, éventuellement producteurs de patrimoine, et eux-mêmes (ou du moins leur culture) susceptibles d’être patrimonialisés, les enfants participent d’une manière ou d’une autre des principales étapes du processus d’institution patrimoniale. L’intérêt porté à ces différentes postures suppose des angles d’approche, des problématisations, des objets, sensiblement différents, mais dans tous les cas une attention dédoublée, dirigée tout à la fois vers les rôles assignés par les adultes et vers l’initiative enfantine. Décentrer ainsi le regard pour le tourner vers cet acteur plus ou moins autonome qu’est l’enfant, c’est se donner l’opportunité, du moins en fait-on le pari, d’appréhender autrement notre présent du patrimoine. In one way or another, children participate in the main steps of the heritage creation process, whether they benefit from mediation, are placed in the mediator’s role, possibly become heritage producers or are themselves (or at least their cultures) likely to become part of the cultural heritage. The investigation of these varied roles presumes considerably different approaches, subjects and formulations of the issues, but in every case, it calls for a twofold vision that is directed at once towards the roles assigned by adults and the children’s own initiatives. Decentring the gaze in this way in order to focus on the child as a more or less autonomous player constitutes – in our view at least – an opportunity to understand the present of our cultural heritage in other ways.

In this interview by Dr. Sarah Gensburger, Dr. Monica Eileen Patterson discusses an emerging subfield of curatorial practice being facilitated by more and more museums around the world: child curating. Creating opportunities for children to curate exhibitions offers many benefits to museums seeking to animate and enliven their offerings, for children are experts of innovation, creativity, and interactivity. By critically engaging with exhibitions curated by children, scholars and members of society more broadly can gain valuable insights into young people’s perspectives and experiences. As important social actors and knowledge-bearers, children have much to teach the world they inhabit, if only the adults around them will listen. In this interview, Patterson lays out her vision for a new, critical children’s museology and the crucial role of children’s curating within it. She shares how her interest in this field developed, the contributions child curators can make to museological practice, and the challenges children and museums face in taking this work forward.

Depuis 2010, Arles est début décembre le théâtre d’une manifestation singulière célébrant une cinquantaine de fillettes arborant pour la première fois la vêture traditionnelle des jeunes filles de la Belle Époque. Ces enfants deviennent, à l’issue d’une présentation solennelle assortie d’un défilé et d’un spectacle, des Mireillettes, des petites « Mireilles ». Une référence à l’héroïne du poème en langue provençale de Frédéric Mistral (1830-1914). Désignée d’emblée par son initiatrice comme une invention de la tradition, cette fête est surinvestie de références et s’inspire des nombreuses cérémonies régionalistes initiées dès la deuxième moitié du xixe siècle. Cependant, en s’adressant à un jeune public, elle se veut le premier rite de passage d’un itinéraire costumier de la tradition scandant, selon les groupes folkloriques et les érudits locaux d’aujourd’hui, les âges de la vie. Organisée par l’association Festiv’Arles, cette cérémonie théâtralisée dépasse, cependant, la simple transmission de codes vestimentaires d’autrefois ; elle renvoie aux enjeux qui traversent la communauté des « gens du costume traditionnel ». Elle éclaire la démarche identitaire telle que la formulent ces adultes et offre potentiellement un renouvellement générationnel de cet entre-soi fondé sur une interprétation du passé dont le costume traditionnel est le témoin. Elle se présente également comme un lieu de transmission où les acteurs de la tradition partagent un corpus inédit de savoirs relatifs à la Provence et à son histoire. Enfin, cette fête des Mireillettes offre une tribune privilégiée pour affirmer le présent des valeurs mémorielles du territoire arlésien. Une manière de revendiquer une juste place dans la cité pour ce patrimoine de la tradition, un patrimoine immatériel qui conjugue savoir-faire et représentations mentales, et reconstruit un passé toujours en devenir. Every December since 2010, the city of Arles has been the setting of a singular event celebrating some fifty little girls dressed for the first time in the traditional costume of young women of France’s Belle Epoque. At the end of a formal ceremony accompanied by a parade and a performance, these children become ‘Mireillettes’, or ‘little Mireilles’, a reference to the heroine of a poem written in the Provençal language by Frédéric Mistral (1830-1914). As its founder recognises, this festival is an invention of tradition; abounding in local references, it draws on many regionalist ceremonies introduced in the second half of the 19th century. By addressing itself to a young audience, however, it aspires to be the first rite of passage along the itinerary of clothing traditions that, for today’s folklore groups and local experts, mark the steps of life. But this carefully orchestrated ceremony, organised by the association Festiv’Arles, goes beyond the simple transmission of the dress codes of another era. It touches on questions that are shared by those who consider themselves the ‘People of the Traditional Costume’ and thus sheds light on the adults’ own approach to identity. It potentially opens the way for a generational renewal of their self-segregation that is based on an interpretation of the past through the traditional costume. It is also a locus of transmission, where the protagonists of the tradition share the unfamiliar corpus of knowledge about Provence and its history. And ultimately, the festival provides a singular tribune for affirming the memorial values of the territory known as the Pays d’Arles. It is a way of claiming a just place in the society for this traditional heritage, an intangible culture that combines know-how and mental representations to reconstruct an ever-evolving past.

Dans le Haut Vallespir, les adultes organisent depuis plusieurs décennies des versions enfantines des fêtes de l’Ours qu’ils considèrent comme un trésor culturel dont ils veulent assurer la pérennité. Si les fêtes des adultes reposent sur une vision très genrée des relations sociales, cette dimension est en revanche totalement absente des fêtes destinées aux enfants auxquels les connotations sexuelles des pratiques ne sont pas transmises. L’article explore la façon dont cette désexualisation transforme en profondeur non seulement la fête des enfants et la répartition des rôles entre hommes et femmes, mais également celle des adultes, la fête des petits fonctionnant comme une sorte de laboratoire des évolutions possibles. In the Haut Vallespir (Pyrénées Occidentales department), adults have been organising children’s versions of the Festes de l’Os, the ‘Bear Festivals’ which they hold to be a cultural treasure that they seek to preserve. While the adults’ festivals are rooted in a highly gendered vision of social relations, this dimension is totally absent from the festivals for children, where the sexual connotations of the practices are not transmitted. This article explores the way such a desexualisation profoundly transforms not only the children’s festival and the division of roles between men and women, but the adults’ festival as well, insofar as the youngsters’ event functions as a kind of laboratory for possible changes.

Starting from an assessment of the main features of local and small culinary festivals, this study analyzes their main quality dimensions by examining their effects on visitors' attitude and integrating the theory of planned behavior. In so doing, the study suggests that small culinary festivals rediscover tangible and structural aspects by exploiting basic and essential service characteristics. The study employed an on-site survey of slightly fewer than 700 attendees of three local and small Italian culinary festivals to test the hypotheses. The results of structural equation modeling suggested that food and beverage quality, staff service and information strongly determine attendee attitude toward local festivals and their revisiting intentions. The theoretical and practical implications of the findings are discussed.

[ES] La fiesta de las Fallas se celebra cada año del 15 al 19 de marzo, pero esta semana está precedida por todo un año de trabajo. Todos por los agentes participativos de la fiesta desarrollan durante un calendario muy marcado, de abril a marzo, la actividad relativa a la fiesta en un ciclo temporal predeterminado que ha ido evolucionado a través del tiempo y a la misma vez que la fiesta ha ido cobrando importancia, desde el punto de vista social y económico, hasta la declaración como Patrimonio Inmaterial de la Humanidad por la Unesco en 2016. Durante el ejercicio 2019-2020, la crisis provocada por la pandemia del COVID-19 ha impedido que se celebren las fiestas a las puertas de su semana grande, generando una importante pérdida económica para las comisiones falleras y la ciudad de Valencia. Se tomaron una serie de medidas para paliar las graves consecuencias de la suspensión, entre ellas el aplazamiento de las fiestas a Julio 2020 si la situación sanitaria lo permitía. Tras semanas de especulación, se determinó la cancelación definitiva del festejo, por encima del aplazamiento a otra fecha. Se trata de una decisión que lleva a un escenario sin precedentes: el inicio de un nuevo ejercicio fallero, el 2020-2021, sin haber completado el anterior 2019-2020, y contando con los elementos de este último: monumentos y cuadros de honor. A partir de este escenario, las comisiones falleras han debido de trabajar para cerrar el ejercicio económico sin haber celebrado las fallas, adaptarse a la situación de la nueva normalidad y reactivar la actividad fallera con los protocolos de seguridad y distanciamiento social y restricciones establecidas. Las consecuencias a corto plazo de la nueva normalidad ya se están manifestando, pero la incompatibilidad de la propia naturaleza de los actos falleros, de por sí masivos y de calle, con las restricciones actuales puede impedir continuar el ciclo fallero tal y como está establecido., [EN] The Fallas festivities is celebrated every year, between 15th-19th of March, this week being preceded by a whole year of work. All this work is developed by the participatory agents of the Festival during a very tight calendar, from April to March, in a predetermined time cycle that has evolved over time. At the same time, the Festival has been gaining importance from a social and economic point of view, until its proclamation as Intangible Cultural Heritage of Humanity by the Unesco in 2016. During the 2019-2020 financial year, the crisis caused by the COVID-19 pandemic, has prevented the festivities from being held just on the beginning of its big week, generating a significant economic loss for the Fallas commissions and the city of Valencia. A series of measures were taken to alleviate the serious consequences of the suspension, including the postponement of the celebration to July 2020, if the health situation allowed for it. After weeks of speculation, the definitive cancellation of the celebration and the postponement to another date was determined. It is a decision that leads to an unprecedented scenario: the beginning of a new fallero exercise without having completed the previous one that still has all its elements: monuments and honor roll. Based on this scenario, the Fallas commissions have had to work to close the financial year, adapt to the situation of the new normal and reactivate the Fallas activity within the safety and social distancing protocols and established restrictions. The short-term consequences of the new normal are already manifesting themselves, but the incompatibility of the nature of the Fallas acts, already massive and on the street, with the current restrictions may prevent the Fallas cycle from continuing as established.

In this paper, we propose using explainable artificial intelligence (XAI) techniques to predict and interpret the effects of local festival components on tourist satisfaction. We use data-driven analytics, including prediction, interpretation, and utilization phases, to help festivals establish a tourism strategy. Ultimately, this study aims to identify the most significant variables in local tourism strategy and to predict tourist satisfaction. To do so, we conducted an experimental study to compare the prediction accuracy of representative predictive algorithms. We then built a surrogate model based on a game theory-based framework, known as SHapley Additive exPlanations (SHAP), to understand the prediction results and to obtain insight into how tourist satisfaction with local festivals can be improved. Tourist data were collected from local festivals in South Korea over a period of 12 years. We conclude that the proposed predictive and interpretable strategy can identify the strengths and weaknesses of each local festival, allowing festival planners and administrators to enhance their tourist satisfaction rates by addressing the identified weaknesses.

La cultura ha de ser entesa de manera àmplia i polifacètica. Aquesta afirmació, doncs, justifica el lligam que existeix entre “festa” i “cultura”. Concretament a Borriana, són dos els paràmetres que influeixen en l’entramat celebratiu i cultural de la majoria de les festes: la religiositat popular i el món agrícola. Com a mostra del teixit cultural borrianenc, observem cinc de les festes del seu calendari: sant Blai, les Falles, la Misericòrdia, la Mercé i l’Ecce Homo. La valoració final ens condueix a considerar que les festes i l’entramat cultural que subjau en elles depenen d’un equilibri entre el canvi i la continuïtat. Debemos entender la cultura de manera amplia y polifacética y así justificar la ligazón existente entre “fiesta” y “cultura”. Concretamente en Borriana, dos son los parámetros que influyen en el entramado celebrativo y cultural de la mayoría de sus fiestas: la religiosidad popular y el mundo agrícola. Como muestra del tejido cultural burrianense, observamos cinco de las fiestas de su calendario: san Blas, las Fallas, la Misericordia, la Merced i el Ecce Homo. La valoración final nos lleva a considerar que las fiestas y el entramado cultural que subyace en ellas dependen de un equilibrio entre el cambio y la continuidad. La culture doit être entendue d’une manière vaste et à multiples facettes. Cette affirmation, donc, justifie le lien existant entre "fête" et "culture". Concrètement à Borriana, ce sont deux les paramètres ayant une influence sur le réseau célébratif et culturel de la plupart des fêtes : la religiosité populaire et le monde agricole. Un échantillon du tissu culturel de Borriana est à observer parmi les cinq fêtes de son calendrier: sant Blai, les Falles, la Misericòrdia, la Mercé et l’Ecce Homo. La valoration finale nous mène à considérer que les fêtes et le réseau culturel sous-jacent dépendent d’un equilibre entre le changement et la continuité. By approaching culture as a broad and multifaceted phenomenon, it is possible to explain the link between “local festivals” and “culture”. In Borriana, specifically, there are two parameters that have shaped most of the local festivals: popular religious culture and the world of agriculture. As a sample of Borriana’s cultural fabric, five annual festivals are examined: the feast of Saint Blaise, the Fallas, the feast of Our Lady of Mercy, the feast of Our Lady of Ransom, and the day of veneration of the Ecce Homo. It is concluded that the festivals, as well as the underlying cultural framework, depend on maintaining a balance between change and continuity.