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Este texto se dedica a desembaraçar o trato conceitual de fazeres dançantes populares no âmbito urbano brasileiro do tempo presente. Realiza uma análise do conceito de dança de rua e suas especificidades em relação à noção de danças urbanas. Para tanto, explica a dança de rua e as danças urbanas a partir de suas configurações históricas, estéticas, georeferencias e da experiência de integrantes desses fazeres dançantes a partir do Brasil. O propósito consiste em: ao mesmo tempo explicar modos distintos de fazer dança e evidenciar como operam formas de colonialidade em dança no tempo presente, acompanhando as tensões e conflitos que envolvem o processo de feitura da cultura de dançar não desvencilhada das pessoas que dançam, seus valores, comportamentos e conhecimentos. Para tanto, o texto foi dividido em duas partes interligadas.

This article proposes to establish direct relations between Merleau-Ponty's phenomenology, more specifically with the notion of chiasma, and the theatrical scenic space, through the review of some authors and some scenic situations thought especially for such relations. Based on philosophical notions, with examples commented by Merleau-Ponty, such as the relationship between figure and background, for example, we consider the importance of the viewer's point of view, taken as an element of effectuation of the phenomenological problem, since the relation of the spectacle with the viewer is a founding element of contemporary theatrical poetics.

Starting with Virginia Wolf's question which gives name to her essay How should one read a book? and her vivid interest in the figure of the common reader, this article aims to displace her analytical approach from the literary field to the theatrical field, so as to problematize the spectator figure. Intending to investigate the singularities and potentialities which are invested in the eyes of common spectators (deliberately focused as a spectator of whatever-singularity here), the article mobilizes two characters: a critic who is described as an ideal spectator in Diderot's Discourse on Dramatic Poetry; and a prostitute who is passionate about Greek tragedies, played by the actress Melina Mercouri on Jules Dassin's movie Never on Sunday. Seeking to distinguish the eye of the common spectator from the eye of that who is supposed to be his opposite - the specialist -, this article indicates two distinctive procedures both present in the relationship between regard and work of art: the hermeneutic gesture that articulates knowledge from a transcendental field and the whatever-singularity gesture that refuses exteriorities and establishes a sphere of immanence.

Este trabalho fez uma descrição de forma e conteúdo de Summer and Smoke, de Tennessee Williams, com uma análise de sua contextualização histórico-social. Além disso, apresentou sua recepção e encenações principais. Indicou e comentou criticamente aspectos da tradução publicada no Brasil, de uma versão diferente daquela que o autor desejava. Esta, por sua vez, contribuiu para uma leitura hegemônica da obra de Williams no país. Foi apresentada, também, uma leitura comparativa da segunda versão da peça, jamais publicada ou levada aos palcos brasileiros. Por fim, discutiu os aspectos que possivelmente levaram à mudança do título em português.

This article offers a preliminary diagnosis of Polish social theaters with regard to the crises of the individual and the community during the Covid-19 pandemic. The interpretive framework is Lidia Zamkow’s concept of the theater of ambulatory care, which allows us to locate the activity of social theaters in the context of Michel de Certeau’s tactics and Jack Halberstam’s low theories. The theater of ambulatory care recognizes the needs of individuals and communities in a pandemic crisis and reacts to them in different ways. We distinguish and describe three ideal types of diagnoses and the resulting treatments that theaters of ambulatory care use in a pandemic: therapy, conjuring, and revolution. The article is based on materials collected during two studies: a funded research project on the anthropological and social activity of the Węgajty Theater, carried out at the Institute of Art of the Polish Academy of Sciences, and a survey among theater staff during the pandemic, initiated by the Zbigniew Raszewski Theater Institute in Warsaw. (Trans. K. Kułakowska)

In this paper, the author traces the connections between the art of the theater and the art of the emblem. Revisiting the work of Albrecht Schöne and referring to the present theories of the emblem, the author claims that both art forms employ performance, which inseparably connects them. Emblematic structures can be found both in the beginnings of a theatrical performance (the play or the script) and in its remains (the documentation of the performance). The emblem is therefore the ultimate medium of the theater’s influence and transmission at the longest social distance, when any direct link of the audience with the original performance has already vanished. We can observe that theater more oriented towards social impact tends to utilize emblematics all the more willingly. Finally, the author introduces the notion of the “emblematic space”: an abstract categorial space, which is constituted and transformed through performance, containing it as its “stage.” Theater’s task is creating such spaces; in everyday social life, they arise spontaneously as emanations of the collective hopes or expectations; they are also set up by individual efforts.

This paper reviews Grzegorz Niziołek thought-provoking book The Polish Theatre of the Holocaust (London: Methuen Drama Press, 2019), and the key questions and issues it addresses. Focusing on Polish perspectives, theatrical representations and performative reactions to the extermination of the Jews during WWII, the book analyzes six decades of theatrical creation. Within this scheme, the victims and perpetrators are casted in the role of actors, while the Polish people are allotted the role of passive spectators, witnesses to the atrocity. This review sheds light on the ethical and aesthetical implications of Niziołek’s study, by attending to the material aspects of the catastrophe, and its theatrical representations. It seeks to recuperate and integrate the Jewish perspective into the theatrical analysis.

Research on migrant theater, one of the main currents of contemporary theater studies, is particularly strong in Germany, the country with the highest immigration rate in Europe. An important aspect of these studies is post-migrant theater. In the works of Wolfgang Schneider (2011) and Azadeh Sharifi (2017), this problem is discussed in the broader context of structural changes in German theater and its development. In the article, this research is the point of departure for an attempt to situate the activity of three theaters (Teatr Kreatur, Theater der Migranten, Ballhaus Naunynstraße) within the typology of intercultural theater proposed by Wolfgang Sting (2011), in order to demonstrate not only this framework’s potential for describing migrant and post-migrant theaters, but also to show how theater practice and the social context modify the framework.

This article discusses Tomasz Kubikowski’s book Zjadanie psów [Dog-Eating] (Warszawa 2019), which combines the story of nineteenth-century polar expeditions – by John Ross, William Edward Parry, John Franklin, Elisha Kane and Fridtjof Nansen – with the concept of performance as “restored behaviour,” taken expertly from Richard Schechner. Excellently written, almost like a travel-adventure novel, the book presents Arctic exploration as a sequence of performances that owed their social significance to stories; without a story, getting to the pole was hardly worth the trouble, and all the above-mentioned explorers left such accounts. Kubikowski treats them as anthropological narratives, “stories of someone else’s experience”; he also reads in them what their authors were not aware of: for example, that the natives and their culture were completely invisible to the adventurers. The theoretical background of the book is rather complex, as the author has engaged with performance studies for almost twenty years, yet the book is (deliberately) written in such a way as to be enjoyed also by those who do not care for theory.

Este artigo articula a dinâmica de captura da transformabilidade de corpos e gêneros diversos com a manifestação duplamente vinculada da facetrans nas Artes Cênicas brasileiras. Para tanto: 1) Introduz meu conceito de Corpo Transformacional, apresentando discussões sobre ontologias e epistemologias transgêneras; 2) Caracteriza a facetrans e expõe tensões em torno dela, estabelecendo teoria cênica contra a mesma; 3) Mapeia, via análise bibliográfica, distintas noções de representação e representatividade ligadas à facetrans; 4) Investiga, via historiografia, possíveis genealogias e reestruturações desta prática. Estas elaborações visam ser proposições decoloniais transfeministas resistentes à cisheteronormatividade.

El presente escrito reflexiona, desde Uruguay, sobre el Choque como dispositivo relacional y performático para ponerlo a funcionar en la vía pública. El Choque es una práctica corporal híbrida, donde confluyen diferentes ritmos que podemos nombrar como de raíz africana y que nos permite pensar y accionar en torno a los mandatos de masculinidad, los cuerpos normados, la captura del placer y la fiesta como potencia colectiva. El texto aborda algunas ideas iniciales sobre estos temas desde un cuerpo que suda, grita y se manifiesta en palabras. Con la convicción de que es necesario una búsqueda de la potencia de lo común y la relevancia que la danza puede tener en estos procesos de germinación de otras corporalidades. Palabras claves: corporalidades; Choque; fiesta. O texto que apresentamos medita, desde o Uruguay, sobre a práctica do Choque como dispositivo relacional e performático para instalalo na via pública. O Choque e uma práctica corporal híbrida, onde confluim diferentes ritmos que podemos identificar como de raiz africana e que nos permite pensar e acionar ao redor dos mandatos de masculinidade, os corpos normados, a captura do prazer e a festa como potencia coletiva. O texto encara algunas ideias iniciais sobre estes asuntos do ponto de vista de um corpo que soa, grita e se manifesta com palabras. Com a certeza de que é necesario una pesquisa da potencia do común e a relevancia que a danza pode ter nos processos de germinação de otras corporalidades. Palavras chave: corporalidade; Choque; festa. &nbsp

Nesse artigo pretendo refletir sobre o espaço das expressões afrodiaspóricas no ensino das Artes Cênicas. A reflexão se dá em torno de dois momentos no percurso de minhas pesquisas sobre cultura tradicional brasileira. Essas experiências, em seus contextos e consequências, põem em pauta as possibilidades e as dificuldades enfrentadas por epistemologias e pedagogias decoloniais na universidade.

The performance that became known as the Ankoku Butoh's inaugural work by Tatsumi Hijikata was named Forbidden Colors, making a direct allusion to the title of the novel written by Yukio Mishima. From this purposeful act, an eleven-year friendship between these artists emerged. This article presents from the Writer and Dancer's Forbidden Colors the distinctions between their perspectives on death, directly linked to the ways that investigated their own bodies. A clash is proposed between the Healthy Body in Mishima - forged by the strict doctrine of the Sun and Steel - and the Debilitated Body in Hijikata - open and porous as befits the wisdom announced by the mud. O trabalho que ficou conhecido como obra inaugural do Ankoku Butô de Tatsumi Hijikata foi nomeado Cores Proibidas, fazendo uma alusão direta ao título do romance escrito por Yukio Mishima. Deste ato proposital, surgiu uma amizade entre esses artistas que durou onze anos. Este artigo apresenta a partir do Cores Proibidas do escritor e do dançarino as distinções entre suas perspectivas acerca da morte, atrelada diretamente aos modos que investigaram seus próprios corpos. Propõe-se um embate entre o Corpo Saudável em Mishima – forjado pela doutrina severa do Sol e do Aço – e o Corpo Debilitado em Hijikata – aberto e poroso como condiz à sabedoria anunciada pela lama.

The poetic narrative of XXXX and XXXX offers the readers stories about life and/or scene experiences that unfold through many meetings in pursuit of the communitarian construction of a dance in the permanent encounter of the senses for life guided on the traditional set of knowledge of the peoples and cultures from Brazil. By means of exchanged living experiences with the methodological proposition of XXXX in the sphere of the Federal Universities from Rio Grande do Norte (UFRN), from Sul da Bahia (UFSB) and from UFBA’s dance school, we point to meaningful questionings when thinking, feeling and living a decentralized dance that proposes researches in constant transformations that are born from the livingness, studies and critical thoughts in counterpoint to the logic of logocentric, meritocratic and subalternizing production that characterizes the order of the civilizational model in effect in a large part of the educational system. Key words: Dances, Traditional knowledge, Poetics and Ancestry A narrativa poética de Lara Rodrigues Machado e Sebastião Silva oferece as leitoras e leitores histórias de experiências da vida e ou da cena que se desdobram por meio de encontros diversos em busca da construção comunitária de uma dança ao encontro permanente dos sentidos para a vida pautados nos saberes tradicionais de povos e culturas do Brasil. Por meio de trocas vividas com a proposta metodológica do Jogo da Construção Poética no âmbito das Universidades Federais do Rio Grande do Norte (UFRN), do Sul da Bahia (UFSB) e da Escola de Dança da UFBA apontamos para questionamentos significativos ao pensar, sentir e viver uma dança descentralizada, que propõe pesquisas em constantes transformações nascidas das vivencias, estudos e pensamentos críticos em contraponto à lógica de produção logocêntrica, meritocrática e subalternizante que caracteriza a ordem do modelo civilizacional vigente em grande parte do sistema educacional.

En este texto se trata de dar un panorama de los momentos que la autora considera más significativos en la constitución del campo de la danza escénica contemporánea mexicana. Se plantea que estos momentos han sido definitorios para la permanencia de ciertas prácticas, formas de ver la danza y hacerla, así como de habitus propios de los hacedores de danza en México. Este habitus tiene sus raíces en la relación que estos actores tienen con el Estado y sus instituciones, y que ha aglutinado a los actores de la danza de diversas maneras, apoyando a algunos y excluyendo a otros en diversos momentos. Sin duda para esta reflexión son importantes los planteamientos de varios teóricos entre quienes destaca Pierre Bourdieu, pues su aparato conceptual auxilia a pensar en las relaciones de poder que se establecen en los campos artísticos. También se mencionan algunos autores que han escrito sobre la danza mexicana y latinoamericana, y que aportan para conocer ciertas visiones de las historias de la danza en nuestros países.

This paper is a transcript of the table Imprisioned theater: exchanging artistic experiences in prison contexts transmitted by the YouTube platform, on 25th May 2020, in the middle of the Coronavirus Pandemic. The table was composed by thetheater directors Christina Fornaciari, Magno Bucci, Vicente Concilio , Viviane Narvaes and Zeca Nose and the Judge of Law, Joao Marcos Buch.

Este artigo pretende refletir sobre uma experiência vivenciada no Centro de Adolescentes em Conflito com a Lei CAC, na cidade de Loja, Equador, por meio da introdução da linguagem da educação artística como abertura para o desenvolvimento de uma postura reflexiva sobre as emoções e a consciência existencial para o teatro. A partir das artes visuais e das artes cênicas, foi proposta a construção de um diário descritivo e estético, que foi preenchido a partir do estímulo de temáticas emocionais exploradas num sentido progressivo. Desde a pintura do autorretrato até os jogos e a dramatização de pequenos contextos, o registro feito foi abordado como metáforas a serem exploradas conversando, neste compêndio, com autores que respaldam o tema por meio da responsabilidade social da educação para a arte.

O presente artigo apresenta um relato sobre o convívio criativo na Penitenciária Evaristo de Moraes, no Rio de Janeiro, com um grupo de pessoas dissidentes sexuais e desobediente de gênero. Com destaque às vivências trans no cárcere, esse texto expõe as táticas de contrabando - do cultivo da beleza, sensibilidade e arte - que visam problematizar a instituição penal como um território de radicalização da violência cisnormativa.

Pesquisas muitas vezes negligenciaram como os nativos americanos, que estão desproporcionalmente presos, desenvolveram táticas para lidar com a prisão a longo prazo. Com base nas correspondências e conversas entre os autores, este ensaio apresenta performances decoloniais praticadas por George Blue Bird, em condições de violência carcerária, para sobreviver a e abolir a prisão. Estas táticas de enfrentamento são: 1. alimentar conexões com mais-que-humanos; 2. deriva, termo adotado por Blue Bird para imaginar, viajar e habitar outros reinos; e 3. ativar a liberdade e o futuro. Em última análise, concentramo-nos no que estas táticas e epistemologias Lakota oferecem ao movimento de abolição da prisão. La investigación ha pasado por alto a menudo cómo los nativos americanos, que están desproporcionadamente encarcelados, han desarrollado tácticas para hacer frente a la prisión a largo plazo. Basado en la correspondencia y conversaciones entre los autores, este ensayo presenta las actuaciones descoloniales de George Blue Bird, bajo condiciones de violencia carcelaria, para sobrevivir y abolir la prisión. Estas tácticas de afrontamiento son: 1. alimentar las conexiones con más-que-los-humanos; 2. la deriva, un término de Pájaro Azul adoptado para imaginar, viajar y habitar otros reinos; y 3. activar la libertad y el futuro. En última instancia, nos centramos en lo que estas tácticas y epistemologías Lakota ofrecen al movimiento de abolición de las prisiones. Scholarship has often overlooked how Native Americans, who are disproportionately incarcerated, have developed tactics to cope with long-term imprisonment. Drawing on the authors’ correspondences and conversations, this essay features decolonial performances for survival and prison abolition, which George Blue Bird (Oglala Lakota) has enacted within conditions of carceral violence. These interlocking tactics are 1. Nurturing connections with more-than-humans; 2. “drifting”, Blue Bird’s term for imagining, traveling, and inhabiting other realms; and 3. Activating freedom and futurities. Ultimately, we focus on that these tactics and Lakota epistemologies offer the prison abolition movement.

Apesar dos crescentes estudos sobre teatro e voluntários em prisões, há pouca pesquisa que olha para a experiência teatral da prisão através dos olhos tanto dos voluntários externos quanto dos prisioneiros-participantes. Este artigo busca tecer as vozes coautorais para explorar experiências compartilhadas da sala de aula do teatro prisional. Essas experiências – descritas como "mágicas" e "transcendentes" – dependem do voluntariado realizando atividades com sucesso na prisão. O espaço da sala de aula do teatro na prisão torna-se então um refúgio relacional onde tanto os presos quanto os voluntários podem se sentir bem-vindos e aceitos, vistos não como outros, mas como essenciais.

In the midst of the COVID-19 pandemic, currently and formerly incarcerated people in the state of Michigan in the United States are partnering with writers and artists in the free world to make themselves more visible in this moment of crisis. This article looks at three case studies (the MYLIFEMATTERSTOO newsletter, the Living on Loss of Privileges web series, and correspondence programming at the Prison Creative Arts Project) in which people in prison and those who have been recently released are using their creativity and networks of supporters to assert their voices and rights. In doing so, they insist that they are citizens actively participating in free world communities.

This article describes the practices of theater researchers offering programming, that meets recognized educational standards, for youth in carceral settings. The article investigates the pedagogy of theater with young people in the female and male sides of a youth facility in Santa Catarina and examines the conditions that surround the process pf theatre making in such a setting. The power dynamics between residents and employees of the facility imbued the work and interfered in the theatrical practice. The article lays out what options for artistic and pedagogical action existed in the workshop and ultimately explains pedagogical and theatrical practice that resulted.

Este texto é um relato de experiência sobre a ação de extensão universitária nomeada “Tempo de impermanência: teatro em penitenciárias femininas do Rio Grande do Sul”, desenvolvida em 2018 por professora e estudantes do curso Graduação em Teatro: Licenciatura, da Universidade Estadual do Rio Grande do Sul na Penitenciária Modulada de Montenegro e no Presídio Estadual Feminino de Torres. A ação contou com apresentações do espetáculo O jardim das cerejeiras, debates, oficinas teatrais e outras atividades junto às mulheres privadas de liberdade. A partir de referenciais do Teatro, da Filosofia e das Ciências Humanas, são feitas reflexões sobre o impacto de ações teatrais no cárcere.

Esse artigo busca estabelecer diálogos entre Rudolf Laban e Paulo Freire partindo das discussões propostas nos livros “Domínio do Movimento” (obra síntese de Laban, 1950) e “Pedagogia do Oprimido” (obra inicial de Paulo Freire, 1968). Tanto o trabalho de Laban quanto de Freire foram, no século XX, referências para a dança e para a educação, respectivamente, e continuam influenciando e desafiando o fazer/pensar de artistas e educadores nos dias de hoje. Esse artigo busca aproximar esses dois autores discutindo relações entre suas visões de dança, educação e mundo. Palavras-ChavesDança. Educação. Crise Social. Sociedade., This article seeks to establish dialogues between Rudolf Laban and Paulo Freire having as a starting point the discussions held in the books "Mastery of Movement" (which synthetizes the work of Laban) and "Pedagogy of the Opressed" (Freire´s initial masterpiece). Both, the work of Laban and Freire, stand as landmarks for dance and education in the 20th century and continue to be influential for artists and educators to think, make and do dance nowadays. This article seeks to bring together the authors' ideas in order to build a net of relationships between their ways of understanding dance, education and the world around us. KeywordsDance. Education. Social Crisis. Society.

A partir da afirmação de uma concepção dinâmica do espaço e do reconhecimento da linha como seu elemento generativo recorrente, o ensaio aborda concepções de Rudolf Laban e seus prolongamentos nos processos investigativos de William Forsythe.Palavras-chavesRudolf Laban. William Forsythe. Coreografia. Espaço. Linha., Based on the assertion of a dynamic conception of space and the recognition of the line as its recurring generative element, the paper addresses Rudolf Laban's conceptions and their extensions in William Forsythe's investigative processes. KeywordsRudolf Laban. William Forsythe. Choreography. Space. Line.

O presente ensaio busca refletir como os trabalhos iniciais de Bob Wilson relacionam-se com a ideia de uma infância livre e criadora – contrapondo-se àquela que é cerceada, guiada, induzida ou silenciada pela figura de um adulto, como pontua Hannah Arendt (2003). Para tanto, buscou-se uma intersecção de algumas reflexões sobre a infância presentes em Marina Machado (2010a; 2010b; 2013; 2014; 2016), Manuel Sarmento (2002; 2008), Hannah Arendt (2003) e Jorge Larossa (1988), dentre outros, com as primeiras experiências teatrais de Wilson, no início de 1970. Palavras-chavesBob Wilson. Teatro. Infância. Criança. Poéticas de Criação., The present essay seeks to reflect how Bob Wilson's early works relate to the idea of a free and creative childhood - in contrast to that which is surrounded, guided, induced or silenced by the figure of an adult, as points out Hannah Arendt (2003 ). To this end, we sought to intersect some reflections on childhood present in Marina Machado (2010a; 2010b; 2013; 2014; 2016), Manuel Sarmento (2002; 2008), Hannah Arendt (2003) and Jorge Larossa (1988), among others, with Wilson's first theatrical experiences, in the early 1970s. KeywordsBob Wilson. Theater. Childhood. Infant. Poetic Creation.

Este artigo propõe uma relação entre arte e vida, articulando eventos da vida privada de Rudolf Laban com a criação de seus referenciais para os estudos da Arte do Movimento, hoje disseminados em diferentes vertentes e centros de estudo. Reúne alguns aspectos de sua biografia a partir de dois principais referenciais internacionais – Valerie Preston-Dunlop (UK) e Karen Bradley (USA) – duas autoras respectivamente ligadas a centros de formação do legado labaniano – O Trinity Laban e o LIMS: Laban/Bartenieff Institute of Movement Studies –, que trazem intensa pesquisa sobre a vida e a obra de Rudolf Laban. A partir da compilação de informações menos visitadas pelos textos acadêmicos biográficos, é possível acessar rastros de movimentos labirínticos multidimensionais relacionais e as propulsões em que Laban flui, visando dar acesso a obras não traduzidas para o português. Entre a partilha contingente, e suas (des)continuidades, vemos um constante retorno a si mesmo em outro(s) corpos, espaços e tempos. Palavras-chaveRudolf Laban. Arte do Movimento. Arte-Vida., This article brings together some aspects of Laban's biography by two international references - Valerie Preston-Dunlop (UK) and Karen Bradley (USA) - and other relevant works to profile a man and his labyrinthine paths in life. It proposes a relationship between art and life by articulating events from Laban's private life with the creation of his references for studies in the Art of Movement, which today circulate through different areas and study centers. Originally written for a conference on the great names of modern dance, this text aims to provide access to works, which have not been translated into Portuguese, by two authors connected to training centers of the Laban legacy - Trinity Laban (UK) and LIMS: Laban/Bartenieff Institute of Movement Studies (USA) - that perform intense research on the life and work of Rudolf Laban. Based on the compilation of information less frequented by academic biographical texts, it is possible to attain aspects of a multidimensional labyrinth wherein Laban flows between life and art. KeywordsRudolf Laban. Art of Movement. Art-Life.

A escrita da dança labaniana foi uma das mais bem sucedidas propostas de notação do movimento do século XX tornando possível uma relação peculiar entre o executante e o movimento de maneira geral e tornando possível a execução de uma partitura coreográfica sem vícios e cacoetes. Ao acreditar que o movimento humano seguiria padrões específicos e universais, Rudolf Laban passou a crer ser possível criar uma forma de notação que desse conta de descrever com precisão os movimentos do corpo. Também foi capaz de, a partir da descrição por motivos (Motif) do movimento ampliar as possibilidades do dançar para a área da educação por meio de uma ideia geral do movimento de um tema ou cena específica de dança. Essa escrita parte da pesquisa qualitativa descritiva como abordagem metodológica sob o viés da revisão de literatura e tem por objetivo apresentar conceitos básicos sobre a Labanotation e a Motif Writing como uma aproximação primeira dessas escritas de dança. Palavras-chavesDança. Labanotation. Motif., The writing of Labanian dance was one of the most successful proposals for notation of the movement of the 20th century, making possible a peculiar relationship between the performer and the movement in general and making possible the execution of a choreographic score without addictions and “cacoetes” (twitches). When he believed that the human movement would follow specific and universal patterns, Rudolf Laban came to believe that it was possible to create a form of notation that could accurately describe the movements of the body. It was also able, from the motif description of the movement, to expand the possibilities of dancing for the area of education through a general idea of the movement of a specific dance scene or theme. This writing starts from qualitative descriptive research as a methodological approach under the bias of literature review and aims to present basic concepts about Labanotation and Motif Writing as a first approximation of these dance writings. KeywordsDance. Labanotation. Motif.

This article offers a critical discussion of Piotr Dobrowolski’s book Teatr i polityka. Dyskursy polityczne w polskiej dramaturgii współczesnej [Theater and Politics: Political Discourses in Polish Contemporary Drama] (Poznań 2019), which presents “texts for the theater” and their selected stage productions in Poland between 1989 and 2018. Dobrowolski proposes a synthesis, conceptually based on critical theory and substantively on distinguishing selected discourses specific to the theater of that time. He calls these discursive units the “drama” of the Other, history, woman, reproduction, and the liberal economy. The book provokes polemical interrogations concerning the fruitfulness of such thinking about politicality; for if this line of thought is to cover all references to the discourse of the age, the question about the possibility of theater’s political impact loses its contours. The arbitrariness of the author’s choices, in turn, undermines the certainty of the critical synthesis, understood as an approach that offers a holistic perspective yet at the same time takes into account the limitations inherent in synthesising procedures. An important context for the reviewer’s analysis (as well as for the monograph itself) is provided by Paweł Mościcki’s Polityka teatru [The Politics of Theater], Dariusz Kosiński’s Teatra Polskie [Performing Poland], and, above all, Joanna Krakowska’s Demokracja. Przedstawienia [Democracy. Performances].

This text discusses a methodological proposal to learnteach classical ballet using the somatic approaches Motor Coordination and the Laban/Bartenieff System. The proposition presented here was developed with undergraduate students in Dance and was part of a doctoral research advocated in 2017. In this way, the text proposes to think how the somatic approaches and principles are present in the formation of the teacherartist of dance. Keywords Somatic Approaches. Ballet. Motor Coordination. Laban/Bartenieff System. Teacherartist.

This article exposes the research-creation in dance inspired by the oeuvre of Iraqi-British architect Zaha Hadid, with a focus on the choreological perspective from which the research developed. It had as base theories by Rudolf Laban, interlinked with authors Gaston Bachelard and Maxine Sheets-Johnstone, informing the concepts of spatial imagination, bodily imagination and movement imagination. The research followed the methodological approach of Practice as Research, valuing the protagonism of the creative dancing body and fostering dialogical transits both vertical – body-intellectuality, practice-theory, creation-critique – and transversal – among the fields of Choreological Studies, dance studies, architecture, philosophy, and visual arts. Thus, it aimed to value the dance field as articulator of interartistic and interdisciplinary relationships. It is described and discussed the process of materialization in the dancing body of the initial inspiration by works by Hadid, the spiraled dynamics of the research in the figure of the Moebius Strip, the transversal interrelations among the elements of the research, and the processuality and the unfoldings of the dance-investigation. Keywords Dance. Architecture. Choreography. Creative Process. Practice as Research.

Resumo: O presente texto propõe um exercício poético-político exploratório, que tem como objetivo discutir a noção do valor da dança. Em cinco partes, apresentamos uma série de abordagens, conceitos, perguntas e experiências pessoais relacionadas às condições da existência sensível, memória e durabilidade da dança. Situamos estes aspectos em relação aos mecanismos de produção, valorização e marginalização da dança e suas implicações corporais, políticas e sensíveis, tanto em nós, quanto naqueles que participam indiretamente da construção deste relato coletivo. Entre uma ideia hegemônica e funcional da dança e uma ideia de resistência contra ela, apresentamos uma terceira forma de re-existência singular-plural de dança, que é inapropriável e tende a ressonância. Para tanto, revisamos materiais teóricos, nossas próprias fontes experimentais e comentários informais coletados desde 2008 até o presente. Esperamos que esta ação escrita contribua para ampliar o questionamento teórico da dança, entendida exclusivamente a partir do espaço cênico, do paradigma da subjetividade e da ideia de eficácia estética, para uma compreensão extra-cênica, infrapolítica e anti-hierárquica dos motivos e condições da dança na vida daqueles que, entre outras coisas, dançam. Palavras-chave: dança; danças singulares; imanência; ressonância; infrapolítica Resumen: El presente texto propone un ejercicio poético-político de exploración que tiene como objetivo discutir la noción del valor de la danza. En cinco apartados, exponemos una serie de planteamientos, conceptos, preguntas y vivencias personales relativas a las condiciones de existencia sensible, memoria y perdurabilidad de la danza. Situamos estos aspectos en relación a los mecanismos de producción, valoración y marginación de la danza, y sus implicaciones corporales, políticas y sensibles, tanto en nosotrxs, como en quienes participan indirectamente en la construcción de este relato colectivo. Entre una idea hegemónica y funcional de la danza, y una idea de resistencia en contra de la misma, planteamos una tercera forma de re-existencia singular-plural de las danzas, que es de carácter inapropiable y tendiente a la resonancia. Para ello, revisamos materiales teóricos, fuentes experienciales propias y comentarios informales recopilados desde 2008 hasta el presente. Esperamos que esta acción de escritura contribuya a ampliar los cuestionamientos teóricos de la danza entendida exclusivamente desde el espacio escénico, el paradigma de la subjetividad, y la idea de eficacia estética, hacia un entendimiento extra-escénico, infrapolítico y anti-jerárquico de los móviles y las condiciones de vida de la danza en la vida de quienes, entre otras cosas, danzan. Palabras-clave: danza; danzas singulares; inmanencia; resonancia; infrapolítica Resumo: O presente texto propõe um exercício poético-político exploratório, que tem como objetivo discutir a noção do valor da dança. Em cinco partes, apresentamos uma série de abordagens, conceitos, perguntas e experiências pessoais relacionadas às condições da existência sensível, memória e durabilidade da dança. Situamos estes aspectos em relação aos mecanismos de produção, valorização e marginalização da dança e suas implicações corporais, políticas e sensíveis, tanto em nós, quanto naqueles que participam indiretamente da construção deste relato coletivo. Entre uma ideia hegemônica e funcional da dança e uma ideia de resistência contra ela, apresentamos uma terceira forma de re-existência singular-plural de dança, que é inapropriável e tende a ressonância. Para tanto, revisamos materiais teóricos, nossas próprias fontes experimentais e comentários informais coletados desde 2008 até o presente. Esperamos que esta ação escrita contribua para ampliar o questionamento teórico da dança, entendida exclusivamente a partir do espaço cênico, do paradigma da subjetividade e da ideia de eficácia estética, para uma compreensão extra-cênica, infrapolítica e anti-hierárquica dos motivos e condições da dança na vida daqueles que, entre outras coisas, dançam. Palavras-chave: dança; danças singulares; imanência; ressonância; infrapolítica&nbsp

Artigo biográfico introdutório sobre a artista e pesquisadora Joana Lopes e seu procedimento investigativo denominado Coreodramaturgia. Joana Lopes desenhou uma longa trajetória como arte-educadora, jornalista, diretora teatral e dramaturga, tendo produzido obras monumentais que marcaram a cena paulista nos anos de 1980. Durante os mais de 20 anos em que atuou junto ao curso de graduação em Dança da Unicamp, Joana Lopes desenvolveu a Coreodramaturgia, uma escrita dramatúrgica para a dança. A Coreodramaturgia nasce do frutífero diálogo entre a Arte do Movimento de Rudolf Laban e o jogo dramático. Não por acaso, a Coreodramaturgia se tornou verbete atualizador do Dicionário Laban idealizado por Lenira Rengel. A Coreodramaturgia, enquanto metodologia de processo, já estava em gestação no Pega Teatro (1981), um livro que marcou toda uma geração de arte-educadores no Brasil e América Latina. A Coreodramaturgia estabelece uma relação íntima com a reteatralização, conceito-chave das revoluções teatrais do século XX, em especial com o expressionismo alemão na dança (Ausdruckstanz) e o Teatro-Dança (Tanztheater). Palavras-chavesJoana Lopes. Coreodramaturgia. Rudolf Laban. Coreologia. Jogo Dramático., Introductory biographical article about the artist and researcher Joana Lopes and her investigative procedure called Choreodramaturgy. Joana Lopes drew a long trajectory as an art-educator, journalist, theater director and playwright, having produced monumental works that marked the São Paulo scene in the 1980s. During the more than 20 years she worked with the undergraduate course in Dance at University of Campinas, São Paulo, Joana Lopes developed the Choreodramaturgy, a dramaturgical writing for dance. Choreodramaturgy arises from the fruitful dialogue between Rudolf Laban's Art of Movement and the dramatic game. It is not by chance that Coreodramaturgia became an updating entry for the Laban Dictionary designed by Lenira Rengel. Choreodramaturgy, as a process methodology, was already in gestation at Pega Teatro (1981), a book that marked a whole generation of art educators in Brazil and Latin America. Choreodramaturgy establishes an intimate relationship with reteatralization, a key concept of theatrical revolutions of the 20th century, especially with German expressionism in dance (Ausdruckstanz) and Dance Theater (Tanztheater). KeywordsJoana Lopes. Choreodramaturgy. Rudolf Laban. Choreology. Dramatic Play.

The play [cells] and them was created through the process of theatrical devising and performative lectures. It mixes the testimonials of incarcerated women, statistics and reflections about carceral processes and reentry in Brazil, along with an original script about women and social oppression. The play [cells] debuted in 2011 and had many performances until 2015. It was devised anew using experiences provided by the Theatre with Incarcerated Women program, founded in 2019 by Daiane Dordete and Samira Sinara with women of Presidio Regional de Joinville-SC. The project was made possible by Edital de Apoio a Cultura 2016, supported by Sistema de Desenvolvimento pela Cultura of Joinville-SC.

Na entrevista, a Professora Doutora Sayonara Pereira discorre sobre o legado de Rudolf Laban e Kurt Jooss no seu trabalho, desde sua experiência de quase 20 anos como bailarina e coreógrafa na Alemanha, até os desdobramentos de sua prática artística e acadêmica no Brasil nos últimos 15 anos. Palavras-chavesDança. Tanztheater. Carreira em Dança. Sayonara Pereira., In this interview, Professor Sayonara Pereira reflects on the legacy of Rudolf Laban and Kurt Jooss in her work. She talks about her life and career as dancer and choreographer in Germany during almost 20 years and how this influenced her artistic and academic practice in Brazil at the last 15 years. KeywordsDance. Tanztheater. Dance Career. Sayonara Pereira.

Este artigo discute estratégias dramatúrgicas que estruturam peças-conferência, ou conferências-espetáculo. O trabalho comenta exemplos dessas formas recorrentes na cena contemporânea e, como perspectiva teórica, baseia-se nas noções de crise do drama e desvio, formuladas respectivamente por Peter Szondi e por Jean-Pierre Sarrazac. O estudo também dialoga com o trabalho de outros artistas e teóricos como Fernando Kinas, Patrice Pavis e Cleise Mendes. Palavras-chavesPeça-conferência. Dramaturgia contemporânea. Desvio., This article discusses dramaturgical strategies that structure conference plays, or conference shows. The work comments on examples of these recurrent forms in the contemporary scene and, as a theoretical perspective, is based on the concepts of crisis of the drama and deviation, formulated respectively by Peter Szondi and Jean-Pierre Sarrazac. The study also dialogues with the work of other artists and theorists such as Fernando Kinas, Patrice Pavis and Cleise Mendes. KeywordsConference Piece. Contemporary Dramaturgy. Deviation.

Entre el 20 de Mayo y el 7 de junio del año 2020 se realizó el evento “Ciudad Moviente” uno de cuyos propósitos fue el de poner en circulación prácticas inclusivas e igualdad de los derechos de las personas con discapacidad en el campo de la danza. Aunque fuera pensado originalmente para ser desarrollado de manera presencial, debido a la actual situación de pandemia y aislamiento físico obligatorio dispuesto en Argentina desde el 20 de marzo de este año, los organizadores decidieron convertirlo a la modalidad on line mediante el uso de plataformas y atrayentes estrategias. A partir del trabajo de campo realizado con “participación observante” de la línea de los talleres, algunas entrevistas de carácter público y varias comunicaciones personales, se presenta un análisis crítico de las múltiples mediaciones que atravesaron los diversos encuentros. Posteriormente se discuten algunas situaciones sucedidas durante el evento desde el enfoque de la interculturalidad crítica y la teoría de la performatividad. Entre os dias 20 de maio e 7 de junho de 2020, foi realizado o evento “Cidade em Movimento”, que teve como um dos objetivos divulgar práticas inclusivas e igualdade de direitos das pessoas com deficiência na área da dança. Embora originalmente pretendido para ser desenvolvido pessoalmente, devido à atual situação de pandemia e isolamento físico obrigatório na Argentina desde 20 de março deste ano, os organizadores decidiram convertê-lo para o modo online através do uso de plataformas e atrativos. estratégias. Com base no trabalho de campo realizado com “participação observadora” da linha das oficinas, algumas entrevistas públicas e várias comunicações pessoais, é apresentada uma análise crítica das múltiplas mediações que percorreram os vários encontros. Posteriormente, algumas situações ocorridas durante o evento são discutidas sob a ótica da interculturalidade crítica e da teoria da performatividade. &nbsp

This article discusses the performance of Hamlet that premiered at Teatr Wielki [Grand Theater] in Warsaw on 24th March 1871. Produced as part of the celebrations of Helena Modrzejewska’s achievement, it is regarded as an important chapter in the history of Warsaw theater in the second half of the 19th century. The author separates historical documents dating from the period in question from later interpretations in order to complicate and problematize the image of this legendary staging created by Józef Szczublewski in the 1960s. Research using archive materials enables a discussion of the instability of facts, the mechanism of creating theater legends, and the dilemmas concerning the description and evaluation of historical phenomena. An important part of the historiographic analysis undertaken in the article is also to problematize the tension between a literature-oriented and theater-oriented approach to studying theater history.

A proposta deste artigo é o relato de uma experiência em dança com jovens internos no Centro de Atendimento Socioeducativo de Cuiabá (CASE-MT) e uma reflexão sobre as estratégias criadas para o enfrentamento de uma situação complexa e conflituosa. No espaço de encarceramento que tem em seu cerne a perspectiva coercitiva, como trabalhar o corpo na dança, com adolescentes encarcerados?

O artigo se dedica a mapear, cruzar e agrupar saberes que abordam voz por uma perspectiva dos estudos do movimento desenvolvidos pelo Sistema Laban/Bartenieff. A pesquisa gira em torno, portanto, da construção de fundamentos para o trabalho vocal por parâmetros do mover. Durante tal processo, discussões ligadas aos desdobramentos propostos por autoras como Regina Miranda, Barbara Adrian e Bonnie Bainbridge Cohen são desenvolvidas. Frisa-se, assim, maneiras plurais de entender a voz como movimento, como perturbação espacial e como agente do mover. Por fim, se pontua a importância de um trabalho vocal na abertura de possibilidades de estar no mundo, reconhecendo a dinâmica entre escuta e produção vocal como uma que enfatiza os nossos processos de autoatualização. Palavras-ChavesEducação Somática. Voz. Sistema Laban/Bartenieff. Escuta., The article is dedicated to map, cross and group knowledges that addresses voice from a perspective of the Laban/Bartenieff System of movement studies. The research, therefore, revolves around the construction of foundations for a vocal work through parameters of movement. During this process, discussions related to posits of authors such as Regina Miranda, Barbara Adrian and Bonnie Bainbridge Cohen are developed. Thus, plural ways of understanding voice as movement, as spatial disturbance and as an agent of movement are emphasized. Finally, it is highlighted the importance of vocal work in widening possibilities of being in the world, recognizing the dynamics between listening and vocal production as one that underlines our self-updating processes. KeywordsSomatic Education. Voice. Laban/Bartenieff System. Hearing.

Este artigo, fruto de tese de doutorado recém defendida, apresentou aspectos históricos do teatro nas prisões do Brasil; propôs uma linha do tempo que incluiu antecedentes históricos desta modalidade de teatro e elencou experiências de teatro nas prisões brasileiras de 1937 a 2019. Na perspectiva da necessária sistematização dos estudos sobre o tema, certamente não se atingiu a totalidade das experiências de teatro em nossas prisões, mas a pesquisa realizada complementou o panorama histórico do teatro nas prisões elaborado por Concilio (2008) em sua dissertação de mestrado. Os debates do campo, bem como aspectos da relação arte e prisão no contexto nacional, numa ótica historicizada, foram abrangidos.

Zbójcy Friedricha Schillera w teatrze lwowskim pod dyrekcją Jana Nepomucena Kamińskiego weszli w skład teatralnej ofensywy romantyzmu – ostrożnej w warunkach cenzury i rozciągniętej w czasie, ale konsekwentnie przez lwowskiego antreprenera realizowanej nie tylko w polityce repertuarowej, lecz także w doborze środków inscenizacyjnych, przede wszystkim aktorskich. Kamińskiego przekład Zbójców z 1817 roku (lub wcześniejszy) na długie lata ustalił kształt niemieckiego arcydzieła epoki „burzy i naporu” dla polskich teatrów – wpłynął też na zasady scenicznego opracowania późniejszych, literackich przekładów. Zachował się w późnym, bo pochodzącym z 1864 roku, odpisie przechowanym w Bibliotece Teatru Lwowskiego. Kamiński oparł swój przekład na skróconej i zmienionej niemieckojęzycznej wersji dramatu, opracowanej w 1781 roku dla teatru w Mannheim i tam wydanej drukiem, choć zachowany odpis zdradza też ślady użycia redakcji kanonicznej, znanej z pierwodruku i kolejnych autoryzowanych przez Schillera wydań. Późny teatralny odpis – zawierający ślady wielu ingerencji i pewnie również ingerencje, których ślady zatarła praca kopisty – podsuwa w niektórych miejscach oryginalne rozwiązania inscenizacyjne, mogące pochodzić od pierwszego tłumacza i adaptatora scenicznego.

Tekst jest omówieniem książki Davida Wilesa Theatre and Citizenship: the History of a Practice (Cambridge 2011), której lektura inspiruje autora do rozważań dotyczących historycznego i aktualnego znaczenia praktyki teatralnej dla propagowania idei obywatelskich. Krytyczna refleksja inicjowana jest pytaniami odnoszącymi się do zmieniającego się charakteru więzi społecznych w dobie komunikacji cyfrowej. We współczesnej, zatomizowanej perspektywie społecznej postulowane przez Wilesa uznanie wspólnotowego charakteru estetycznego i etycznego doświadczenia teatralnego wydaje się w pewnej mierze archaiczne. Ma jednak istotne znaczenie z historycznego punktu widzenia, wskazując źródła przekonań dotyczących teatralności, które do dziś warunkują oczekiwania odbiorcze wobec sztuk widowiskowych. Historyczne prezentacje Wilesa stanowią punkt wyjścia do krytycznej dyskusji dotyczącej polityczności teatru i znaczenia sposobów jego organizacji instytucjonalnej.

This text narrates the experience of a feminist photographer in the project [Celas] e Elas: [des]montagem teatral sobre mulheres e carceres. The theatrical project was realized in 2019 by Daiane Dordete and Samira Sinara with inmates of the Regional Prison of Joinville, with support from the Sistema Municipal de Desenvolvimento pela Cultura - SIMDEC/2016. It was produced by Cia VAi! - Nucleo de Pesquisa em Artes Cenicas (Joinville/SC). The exhibition “Para alem das celas” was produced with photographs made by Jessica Michels, during the theater workshops with inmates of the Regional Prison of Joinville through a project called Teatro com mulheres em privacao de liberdade. This text takes the liberty of being written in such a way as to be a fluid and authentic account of a photographic experience with prisonersin the female prison system in the city of Joinville.

Este artigo propõe o compartilhamento da pesquisa de Mestrado “Mergulho no Escuro: O teatro é [no] encontro com o outro no mundo”, realizada na Escola de Belas Artes da Universidade Federal de Minas Gerais, na linha de pesquisa Artes da Cena. Nesta pesquisa foi proposta uma residência artística em três unidades prisionais femininas tendo como referência práticas e concepções contemporâneas em teatro. O trabalho foi realizado a partir da ideia de que a escrita e o compartilhamento de cartas pessoais poderia ser mote para um acontecimento teatral. A investigação revelou a potência das artes da cena na proposição de encontros de intimidades junto às mulheres presas.

A partir de uma oficina de teatro desenvolvida no Presídio Feminino de Florianópolis, com mulheres em situação de privação de liberdade, nasceu a peça Estendemos nossas memórias ao sol. Num dia de chuva, uma criança se depara com o desaparecimento dos avós. Somos convidadas a traçar junto a ela um caminho de busca de (re)encontros. A fábula é entremeada com memórias das atrizes. Uma memória feita de água pode ser transformada numa carta, em um convite para lançar ao sol, para estender no pátio, no solo público que é (ou deveria ser) mundo.

Este trabalho procura discutir o que é e qual a utilidade da notação ou escrita Motif, assim como fundamentar seu emprego e realização. Baseia- -se na sistematização da experiência pessoal da autora apoiada em revisão de literatura. O texto aborda conceitos, funções e traz uma exemplificação dessa notação. A escrita do movimento em Motif traz maior consciência do fazer de dança e é uma ferramenta valiosa para trabalhos que se propõem a analisar estéticas de dança e assinaturas pessoais de movimento corporal de artistas. This work seeks to discuss what is and what is the use of Motif notation or writing, as well as to justify its use and realization. It is based on the systematization of the author’s personal experience supported by literature review. The text addresses concepts, functions and provides an example of this notation. The writing of the movement in Motif brings greater awareness to the dance making and it is a valuable tool for works that aim to analyze dance aesthetics and personal signatures of artists’ body movement.

The author reviews the volume Teatry londyńskie [London Theaters], a collection of Tymon Terlecki’s writings on theater, edited by Edward Krasiński and Mariola Szydłowska (Warsaw 2016). Erudite and grounded in London’s topography, Terlecki’s reviews were originally published in the émigré Polish weekly Wiadomości in 1945–1964. Their grand meta-themes lie in Terlecki’s awareness of tradition and a search for the roots of European culture and identity. In his diverse essays, Terlecki describes London theaters (from peripheral ones to The Old Vic), reflects on classical and contemporary drama, analyses the work of directors (including the young Peter Brook) in the context of the ideas of Edward Gordon Craig and pre-war Polish theater (in particular the achievements of Leon Schiller), and presents leading London actors. His discussions are set against the backdrop of Polish theater. The whole volume is a masterpiece of comparative analysis, revealing interconnections and influences. Terlecki’s writings about London theaters published in the Polish émigré press played an important part in the integration of the Polish diaspora, alleviating the feeling of isolation and helping to understand British culture.

In 1854, the city of Munich had arranged for the “First General German Industrial Exhibition” to promote German industry to the world and invited a global audience to the event. At the same time, Franz Dingelstedt, director of the National Theater, organized a festival displaying the finest actors from Germany. Right after the opening of the festival, cholera started raging in the city and leaving 3,000 deaths in the final count. The author sketches out the role of the theatre in this crisis, when Dingelstedt was ordered by the king to keep the theatre open at any cost. This appears awkward, in regard to the current global pandemic crisis where theaters have been identified as risk zones for infection and consequently closed down. Why was the theatre at the time considered a safe and appropriate place even helping to counter the disease?