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Ante la premisa de hipervisibilidad que rige a las sociedades contemporáneas, algunas fotografías argentinas imaginan una política y una poética de los espacios que resisten a estas formas de dominación. En ellas las envolturas, la niebla y el humo parecen operar como obstructores del control y del disciplinamiento necesarios para la puesta en disponibilidad de los territorios, propiciando a la vez un encuentro con las memorias del pasado reciente. Trabajamos aquí las series fotográficas La envoltura de las cosas (2013) de Marcela Cabezas Hilb y Bruma (2017) de Santiago Porter, y el cortometraje Las aguas del olvido (2011) de Jonathan Perel. Estos trabajos retoman la cuestión del paisaje y evidencian la complejidad de un espacio metamórfico.

Este artículo analiza la investigación artística desarrollada en el proyecto Algunos esfuerzos por entender el concepto de la filopatría (o aquella cualidad según la cual algunos animales volvemos continuamente nuestro lugar de origen). Dicha investigación se efectúa a través de una metodología de producción transdisciplinaria que fusiona la praxis del proyecto artístico y la ornitología de campo. Teniendo en cuenta que la transdicisplinariedad ofrece el máximo gradiente en las metodologías de cruce, los resultados de la investigación se presentan extremadamente contaminados por ambas disciplinas, generando enunciados altamente miscibles que generan una singular dialéctica arte-ciencia con sus consecuentes citas de cooptación. El proyecto, expuesto en una galería madrileña en 2022, pertenece a un conjunto de trabajos que, de manera sistemática, atiende a unas constantes conceptuales y procedimentales tales como la cita a los modelos representacionales de la ciencia que estudia las aves, la vuelta atrás a los códigos y lenguajes de una ornitología pasada, el acercamiento a los enunciados del arte conceptual de finales de los años 60 y comienzo de los 70, la zona de confluencia entre la ornitología y el conceptual ortodoxo mediante el uso de los signos del producto editorial o la puesta en escena del modelo archivo. En el caso específico del proyecto que analizamos, se exponen unos supuestos estudios científicos sobre dos especies de aves —La cigüeña blanca (Ciconia ciconia) y la grulla común (Grus grus)— alegorizando su comportamiento filopátrico en la nidificación y migración para así, en un trastocamiento controlado, expresar aspectos subjetivos del autor en su vuelta continua a varios temas y constantes de trabajo. De esta manera se podría afirmar que éste, al intentar comprender la etología de las aves, atisba un entendimiento de la suya propia.

O objetivo deste artigo é identificar e problematizar o significado háptico na fotografia contemporânea brasileira baseada na obra dos artistas Miguel Rio Branco, Bruno Veiga, Renato Velasco e Marcos Bonisson. Procura-se destacar​​ as recentes transformações na produção e na compreensão da fotografia, e compreender a​ reconfiguração dos modos de representação, que inclui novas tecnologias de produção visual e transformação do próprio sujeito, cuja subjetividade agora é mediada por novas interfaces. Nesse sentido, entende-se que existem indícios de uma desestabilização da visão como sentido predominante e uma reconfiguração geral das formas de representação do corpo e do sujeito que está ligada ao novo destaque do tato, a forma mais intensa e primitiva da percepção humana.

Imersos no teatro digital, estamos expostos a um contexto em que as imposições sociais são maiores do que nunca. Neste período, em que a esfera digital suplanta largamente as interacções físicas, o rosto ocupa um papel fundamental no corpo-avatar. Sendo o corpo feminino muitas vezes o mais pressionado por estas exigências, transformá-lo por todos os meios disponíveis é uma opção comum. Do filtro à cirurgia, o ser contemporâneo valoriza a perfeição estética acima de tudo. Encontramos diferentes representações deste contexto no trabalho de artistas como Jessica Ledwich, Yolanda Dorda, Laurie Simmons e Cristina Rizzie.

En la fotografía contemporánea mexicana, destaca la producción artística de Patricia Aridjis, en la que se distingue una mirada que se sumerge entre los límites sociales que marginan a distintos colectivos de mujeres en México. En este espacio, se realizará un breve recorrido por algunos de los proyectos fotográficos de Aridjis, como Arrullo para otros, Las horas negras y su reciente exposición Mujeres de peso, proyectos que han contribuido a generar otras narrativas visuales y que además han logrado posicionarse dentro del espacio museístico en la escena contemporánea mexicana, contribuyendo así, a la inserción de estas mujeres invisibilizadas, en el imaginario colectivo.

The photographs of the works "You are dead" and "The milk of the end" lead the writing by revealing new artistic visual representations about breastfeeding in contemporary times based on self-portraits. Three photographs from each trial were chosen for their visual connections to milk production by the human body. The works produced by visual artists, mothers, make visible an action reserved for the intimate space and tension the dominant representation regime on breastfeeding, enabling the construction negotiation for a new visual repertoire. Autoethnography and ethnography are recognized as critical scientific methodology and serve as an instrument for research. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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La obra de Hiroshi Sugimoto abarca más de cuatro décadas y el artista japonés se ha convertido en uno de los creadores más aclamados de su generación. Su práctica artística se cimienta sobre nociones como el tiempo, la memoria o la transitoriedad. En este texto examinamos las series Theaters y Seascapes, dos de los proyectos más celebrados del artista, en los que Sugimoto ofrece un registro visual de la duración. Con un enfoque conceptual y a través de una metodología paciente, basada en largos tiempos de exposición y un meticuloso proceso de revelado analógico, Sugimoto levanta cuestiones radicales en torno al binomio tiempo-fotografía. En el presente texto analizaremos cómo las estrategias de ralentización y dilación propuestas por Sugimoto alteran nuestra percepción y experiencia temporal. Para ello, revisaremos los vínculos de su trabajo con teorías sobre el Slow Art, categoría artística propuesta por Arden Reed, y nos acercaremos, de la mano de Juan Martín Prada, a la obra de Sugimoto en clave de contraimagen para demostrar que su fotografía nos brinda, destilada, una oportunidad para la contemplación y el descanso perceptivo: una imagen-tiempo.

O presente artigo apresenta uma análise de quatro imagens elaboradas pelo multiartista Eustáquio Neves. O conjunto de imagens faz parte da exposição intitulada Outros Navios: Fotografias de Eustáquio Neves, em cartaz no SESC/SP desde 07 de setembro de 2022. As fotografias das series anteriores, Objetificação do Corpo (1994-2000), A boa aparência (2000) respectivamente, em Outros Navios surge compreendendo novos discursos, provocações ao versar sobre a visualidade na contemporaneidade através da fotografia expandida. O breve estudo pretende abordar via hibridações de Eustáquio Neves, em diálogo com corpo capitalístico e transversalidades discriminatórias, - as membranas históricas, as rasuras registradas na superfície das imagens. E ainda dar a ver a presença, a impregnação dos preconceitos e das violências sociais e culturais sofridas pelas “minorias”.

Este artigo tem como objetivo analisar a agência de elementos não humanos, como os equipamentos fotográficos, na consolidação de uma estética caracterizada por ruídos e falhas, denominada aqui de estética da precariedade. Tal estética marca a produção fotográfica do artista checo Miroslav Tichý (1926-2011). Suas fotografias, singularizadas por falta de nitidez, ruídos e deterioração física, decorrentes de um processo fotográfico artesanal e peculiar, servem de estudo de caso para analisar a ingerência de elementos não humanos na configuração dessa estética da precariedade.

El proyecto (F)osario se compone de una serie de imágenes de violencia enterradas en ubicaciones georreferenciadas en algunos parajes de la República Mexicana. Las fotografías aquí presentadas son resultado de la documentación del acto de enterrar en un paisaje desolado.

El auge de las redes sociales y el protagonismo de la fotografía en ellas han traído cambios en la producción y en la recepción de las imágenes, así como en la construcción de nuestra intimidad. Dentro de este entorno social digital, nos convertimos en consumidores y productores de imágenes al mismo tiempo, voyeurs observados a uno y otro lado de la pantalla, que comparten vidas ficcionadas y fotografiadas compulsivamente para su consumo online. En este artículo, abordamos la autobiografía mediática construida en la esfera virtual y que compone la Happygram, poniendo el foco de atención en la transformación de la mirada y de la imagen fotográfica, así como en las nuevas narrativas visuales que se generan en nuestro archivo personal. Paralelamente, analizamos las respuestas fotográficas en el arte contemporáneo ante estas nuevas dinámicas, que reflexionan sobre el protagonismo del selfie y el registro de las experiencias que compartimos y consumimos en este panóptico digital.

This article presents an analysis of four images created by the multi-artist Eustáquio Neves. The set of images is part of the exhibition entitled Other Ships: Photographs by Eustáquio Neves, on display at SESC/SP since September 7, 2022. Other Ships emerge comprising new discourses, provocations when dealing with visuality in contemporaneity through expanded photography. The brief study intends to approach through Eustáquio Neves' hybridizations, in dialogue with the capitalistic body and discriminatory transversalities, - the historical membranes, the erasures registered on the surface of the images. And also to show the presence, the ingrained prejudices and social and cultural violence suffered by “minorities”. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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En este artículo se investiga sobre los recuerdos, el olvido y la memoria a través de la creación fotográfica, performativa y videográfica de David Catá. La obra de este artista gira en torno a su autobiografía, contada a partir del archivo fotográfico doméstico y del álbum familiar. Su proceso de creación parte de la memoria colectiva y de las experiencias, lugares y poéticas de la memoria individual que construye recuerdos fotográficos. Su proceso de creación, en constante fricción con su vida, pretende fotografiar el olvido. Para ello, también recurre a la performance, a través de la cual, emplea sus manos como soporte, cosiendo sobre ellas personas, familiares, espacios afectivos que interfieren en la vida del artista. Esta investigación ha sido el resultado de meses de documentación y creación del discurso de comisariado en la Universidad de Guanajuato (México). En este montaje expositivo, en formato fotográfico y audiovisual, el artista narra en primera persona, como las fotografías activan memorias y recuerdos personales que pueden ser similares a los de los espectadores.

Desde que la fotografía de Francesca Woodman comenzó a ocupar el interés de algunas personas dedicadas al ámbito de la Estética y de la Teoría de las Artes hace pocas décadas, muchos han sido los conceptos y temas filosóficos que se han estudiado a partir del propio análisis que la artista lleva a cabo en su obra. En este estudio nos adentramos a analizar la categoría de “cuerpo femenino”, present en la mayoría de las instantáneas de Woodman, a la par que iremos dilucidando todo el entramado teórico que la artista busca presentar en su obra como aquellos elementos que atraviesan la mirada social de este determinado cuerpo a partir de una introducción a la semiología. Con ello, podremos dar cuenta de cómo un conjunto de resortes interdisciplinares encuentra en determinadas propuestas epistemológicas y estéticas modernas un punto de proyección hacia ese interés tan marcado, casi convirtiéndose en un fetiche, como es el estudio y determinación filosófica, epistemológica y artística del cuerpo femenino. Finalmente, propondremos tomar esto desde lo sublime kantiano para entender cómo esta fotografía juega en un sentido dialéctico y crítico con todo ese entramado onto-lógico de base y descubrir las propuestas que desde una determinada propuesta puede realizar estética.

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El presente artículo se propone analizar proyectos fotográficos feministas que surgen en Buenos Aires (Argentina) durante 1980. Alicia D’Amico e Ilse Fusková son fotógrafas feministas que reflejan en sus trabajos las reivindicaciones de los movimientos de mujeres en los que participan. En un momento marcado por el final de la última dictadura argentina y el inicio de la recuperación democrática, estas artistas toman los cuestionamientos que las feministas viene realizando sobre las imágenes de las mujeres y desarrollan proyectos en donde la identidad está en construcción rompiendo con los estereotipos femeninos circulantes.

Entre 1993 y 1997, la artista de origen iraní Shirin Neshat (Qazvín, 1957) produjo en Estados Unidos la serie fotográfica Women of Allah, con la cual alcanzó amplio reconocimiento internacional. En ella reflexiona sobre el universo afectivo e identitario de las mujeres musulmanas iraníes que participaron en defensa de la nación en el contexto de la guerra Irán-Iraq (1980-1988). Neshat utiliza su propia imagen para encarnar, críticamente, el cliché de la mujer velada con chador que ha obsesionado a los medios de comunicación hegemónicos occidentales y que también responde al modelo de “mujer virtuosa” que ha construido el discurso oficial de la República Islámica de Irán. El objetivo principal de este estudio consiste en analizar cómo, a través de la autorrepresentación y de la poesía iraní escrita por mujeres, la artista subvierte estos modelos de representación.

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Este artículo explora la tensión dialéctica entre la fotografía analógica y la digital, con la finalidad de mostrar la supervivencia del imaginario moderno de la fotografía en la contemporaneidad. Los argumentos de este artículo fueron escritos a partir del trabajo del fotógrafo mexicano Oswaldo Ruíz, nacido en la ciudad de Monterrey, México, quien fue el ganador de la Bienal de Fotografía 2018 y es miembro del Sistema Nacional de Creadores del Fondo Nacional de las Artes (México). Este artículo tiene un carácter ensayístico que pone a prueba la construcción teórica de las relaciones entre afecto y representación en el arte y la cultura visual del siglo XX. El ensayo es un análisis en torno a la fotografía contemporánea basado en las propuestas teóricas de filósofos, historiadores del arte y psicoanalistas como Benjamin, Kracauer, Deleuze, Warburg, Didi-Huberman y Lacan.

O presente estudo tem como objeto as fotografias do sociólogo e artista belga Mishka Henner. As imagens analisadas neste artigo estão relacionadas a uma narrativa acerca das invisibilidades da cidade contemporânea. Tais imagens são apropriadas através dos dispositivos Google Maps e Google Earth. Pode-se inferir que a invisibilidade apresenta-se na obra de Henner em três principais dimensões: a social, na qual indivíduos se tornam socialmente invisíveis por não possuírem lugar de fala; política, quando governantes decidem ocultar imagens da cidade ou pela não percepção (sensível ou visual) de certas particularidades da imagem, como o apagamento das faces dos personagens. Sendo a fotografia um campo privilegiado de onde pode-se observar certos fenômenos sociais e comunicacionais, refletir acerca da fotografia por dispositivos tecnológicos contemporâneos e os processos de invisibilidade imagética nas cidades mostra-se estratégico na atualidade.

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Neste artigo, discutiremos as contribuições de Arlindo Machado para uma nova compreensão não só do ato fotográfico, mas do próprio estatuto do fotógrafo na contemporaneidade. Para tal, relacionaremos a obra Street View, do fotógrafo alemão Michael Wolf, com reflexões filosóficas sobre a fotografia desenvolvidas por Flusser, Benjamin e Didi-Huberman em diálogo com Machado. Para este autor, a noção histórica da fotografia está se expandindo e, nessa conjuntura, o lugar do fotógrafo também se transforma. Assim, sugerimos como hipótese que o fotógrafo aparece menos como um “caçador de imagens” e mais como um arqueólogo ou um montador, uma espécie de crítico-colecionador trabalhando a partir de fragmentos, retalhos, sobras de sonhos e imagens.

Este texto é um grito de resistência que pensa a coextensividade entre o coeficiente artístico e o coeficiente vida enquanto produção de mundos. Recorro a Gilles Deleuze, Félix Guattari, Michel Foucault, Jacques Rancière, Marcel Duchamp e François Soulages para pensar a arte, e a imagem fotográfica mais especificamente, enquanto ficção ética-estética-política. Num convite para inventar no mundo outras suavidades/sensibilidades, entendo a ficção como exercício político para desmistificar as verdades absolutas que crivam nosso corpo e a própria realidade. Num contexto de esvaziamento de nossa capacidade imaginativa, a ficção se torna ferramenta que reativa em nosso corpo/subjetividade fluxos crítico-inventivos. É nesse sentido que apostamos no /im/possível como forma de ultrapassar um aparente esgotamento do presente e resignificar a vida. Valendo-me de alguns trabalhos autorais, exploro a ideia de que em terreno de ficção o tempo ganha várias camadas, o presente se expande no encontro do passado com o futuro, e a realidade se desdobra em múltiplos e vastos mundos.

Este texto tem como objetivo discorrer sobre as motivações que me ligam à pesquisa teórica e prática em artes visuais que tenham implicações coletivas. Após uma breve introdução ao meu percurso de artista-pesquisadora, uma contextualização das disciplinas teóricas com as quais me envolvo é apresentada a fim de iniciar uma reflexão acerca da imagem fotográfica, no contexto da arte contemporânea, e sua produção de instantes, alinhada a um tempo aiônico coerente com sua lógica de manipulação. A teoria dos mundos possíveis visuais norteia essa reflexão, na qual as noções de “fingere” e de “imagem-ficção” se destacam. Um estudo de caso é apresentado, a partir do trabalho do artista Éric Baudelaire, que articula ambiguidades da imagem para pensar as potências do falso na re-construção de outras versões da dita realidade. Conclui-se que a imagem (pós-)fotográfica contemporânea transita entre três graus: o evento original, o histórico e o de imagem. Este último se vale da potência modificadora de mundos, que a imagem-ficção porta consigo, para estimular o movimento na direção e na criação de novos caminhos coletivos.

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Este artigo se propõe a discutir a fotografia contemporânea a partir da Exposição Coletiva CRUA, realizada no Museu da Imagem e do Som de Goiânia-Goiás, em 2018. Parte-se do referencial teórico e das diversas nomenclaturas dadas à fotografia na contemporaneidade por André Rouillé (1998), Tadeu Chiarelli (2002), Rubens Fernandes Jr. (2006) e Michel Poivert (2010) a fim de relacionar com as oito obras expostas na referida exposição. Com isso, passa-se a discutir a fotografia contemporânea produzida e veiculada no estado de Goiás, minimizando a invisibilidade percebida na produção desta região em relação ao contexto nacional.

There is a growing interest in producing analogue photographic images, supposedly obsolete. This phenomenon occurs both in professional photography (particularly in the field of art) and in its vernacular use. We aim to understand what makes these images still desirable by analyzing some examples. For this, we bring to light recent discussions about the impact of digital to photography, made by contemporary authors (SOULAGES, LENOT, BAIO, FATORELLI, DOBAL) and use the concept of noise (HAINGE) to elucidate what we believe to be an important tendency of the currently use of photochemical techniques: the inclination to the image's experimental vertent, ludically revisiting devices and inputs through diverse interventions in their original modes of operation. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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En este artículo se examina la fotografía contemporánea de la Región de Murcia a través de la faceta creativa de la fotógrafa María Manzanera encuadrada entre las décadas de los años setenta y ochenta. Se trata de una de las pocas fotógrafas que trabajan en ese período en la Región y cuyas contribuciones a la fotografía son de notable importancia a pesar de que no hayan sido estudiadas en profundidad hasta la fecha. La obra fotográfica de María Manzanera es caracterizada por una prolífica y heterogénea producción, ya que tiene numerosos proyectos sobre temas variados: retratos, macrofotografía, figura humana, fotografía de calle y naturaleza. Para estudiar su fotografía, queda estructurada temática y cronológicamente, por lo que son analizadas desde sus primeras creaciones hasta las más recientes. A pesar del carácter individual de sus creaciones, éstas se encuadran dentro de un determinado marco geográfico-temporal en el que desarrollan su obra una escasa lista de fotógrafas en la que María no queda representada. De ahí que el objetivo principal de este texto sea dar a conocer su obra creativa y sus aportaciones al medio fotográfico.

O texto parte do princípio de que as práticas fotográficas contemporâneas se encontram hoje influenciadas e contaminadas pela estética e pelos valores propagados pelos meios de comunicação de massas e pelas instituições socioculturais. A partir desta premissa propõe pensar as práticas fotográficas atuais a partir dos condicionamentos conceituais emanados pelas instituições culturais, estéticas, artísticas, mercantis, ideológicas que hoje são determinantes sobre os sistemas de pensamentos e valores dos diferentes grupos humanos. A reflexão tem como substrato os fundamentos já históricos que nos foram oferecidos por Roland Barthes sobre a codificação da fotografia, especialmente nas obras O óbvio e o obtuso e A Câmara clara, e que tem subsidiado o pensamento de incontáveis pensadores dessa área no decorrer da história, inclusive a tese proposta por Simon Watney de que as estruturas institucionais socioculturais constituem obstáculos para o deslizamento do ‘fotográfico’ em direção à sua pluralidade e diversidade. Esta base foi complementada e comparada a de outros pensadores de orientação alternativa, como é o caso dos coletivos sociais Luther Blisset e Sonia Brunzels que propõem uma ‘Guerrilha da comunicação’ – como recurso de resistência a homogeneização sociocultural – a partir das orientações e teses lingüísticas propugnadas também por Roland Barthes. Para a constituição dessa estrutura argumentativa o texto dialoga ainda com a obra de fotógrafos contemporâneos.

Este ensayo tiene como propósito especular sobre las correspondencias semánticas entre las nociones de “lugar” y “lugar común” ocupando la fotografía de paisaje como hilo conductor. Más específicamente, se expone que los cambios de paradigmas estéticos en la fotografía contemporánea son reactivos y dialogan con los otros usos sociales de la fotografía y en este caso, el turismo. Asimismo, se plantea que dichas relaciones se han ido complejizando en un contexto de mayor mercantilización y patrimonialización del paisaje, llevando a los artistas a optar por representar lugares banales. Para ello, se alude a la idea de fotografía estereotipada de paisaje típico en analogía con la figura del lugar común, para formular la hipótesis de cómo la sobreproducción visual afecta la renovación del imaginario paisajístico. Finalmente, esta relación es problematizada en el contexto de las artes visuales chilenas para concluir que el paisaje es ante todo un artefacto cultural dinámico que varía conforme mutan las miradas.

The city that looks at us: image and trace in the photo-series Noturnos, by Cássio Vasconcellos – This paper proposes a reading of the photobook Noturnos São Paulo (2002), by Cassio Vasconcellos, articulating considerations about the imagetic consistency of urban photographs that form it and issues associated to the memory of the device itself and of the book/object. The critical work is supported by authors such as Didi-Huberman, Derrida, Benjamin and Merleau-Ponty; it seeks to reflect upon the transtemporal links, the phantoms that the photographic image encompasses, thus reaching its own poetic core.

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