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This article examines the emergence of Martinican Shatta music as a space for feminism in the French Caribbean. Born in 2015 and derived from the appropriation of Jamaican dancehall riddims, Shatta music has become a field of expression for Black French Caribbean youth.Characterized by a male-dominated space in its beginning, Shatta lyrics were prominently sexual and often objectifying women. Today, young women have appropriated the movement to voice their female experience. They sing about empowerment, confidence “‘m’en fous de c’ que tu penses je suis blindée de talent”’/ in English: “I don’t care what you think I’m full of talent” (Kryssy, Shannon, Queens, 2021);, ambition “‘La vie nou G , la vie nou belle , la vie nous rose, Biensur nou ka travail red , pou nou pé sa rouler en boss”’ /in English, our life is pretty, of course we work hard to be able to drive nice cars’.” (Kryssy, Shannon, 2021); or positioning the woman as a subject and not an object (“La chou veut pas de toi, range ton slip” / in English: “(the girl does not want you, hide your underwear”). In analyzing the lyrics, videos, and performances of these female artists, this research aims to analyze how they deconstruct the codes of the patriarchal system. It is true that French West Indian (F.W.I.) women are particularly impacted as they are at the heart of an intersectional position. First, they are located on islands that experience instances of subordination because of the ambivalent relation with France. Besides, they are battling stereotypes in which they are seen as too sexually deviant or too matriarchal. Because of all these elements, Shatta music has become a field of feminist expression in the French Caribbean.

Thèse dirigée par Sylvie Anne Goldberg (EJ), soutenue devant un jury composé de Barbara Kirshenblatt-Gimblett (New York University), Carole Lemée (Université de Bordeaux), Hankus Netsky (New England Conservatory), François Picard (Université Paris Sorbonne) et Mark Slobin (Wisleyan University). Résumé : Cette thèse, fruit de près de quinze ans de travaux de terrain académiques sur les arts vivants en langue yiddish, retrace l’histoire des Max and Frieda Weinstein Archive of YIVO Sound Recordi...

Les Baloutches vivent de part et d’autre de la frontière entre l’Iran et le Pakistan. Ils sont cependant présents au Sultanat d'Oman depuis plusieurs siècles. Certains éléments historiques seront présentés pour comprendre comment ils sont actuellement répartis à Mascate. Nous nous intéresserons principalement à une pratique musicale baloutche courante dans cette ville. À travers le parcours d’Ali, nous aborderons les enjeux que représente de jouer du sorûd (vièle baloutche) en Oman. Cet instrument est lié à la réalisation du damâl, une cérémonie fréquentée par les Baloutches omanais. Nous mettrons en évidence l’importance qu’Ali représente pour la sphère sociale dans laquelle il est inclus, ainsi que son rôle en tant que gestionnaire d'un ensemble musical. Le damâl décrit ici fait écho à des rituels qui ont été observés au Baloutchistan. Nous amorcerons un premier dialogue entre ces différentes pratiques culturelles sans pour autant statuer sur une assimilation omanaise du damâl asiatique. The Baloch live on both sides of the Iran-Pakistan border. This group of people has been present in the Sultanate of Oman for several centuries. Certain historical elements will be presented to understand how they are scattered over Muscat. This article will especially investigate the Balochi musical practice common in the city. Through Ali's journey, I will discuss the challenges of playing sorûd (Balochi fiddle) in Oman. This instrument is central to the damâl, a ceremony frequented by the Omani Baloch people. I will highlight the importance of Ali for the social sphere in which he is included, as well as his leader role of an musical ensemble. The damâl described here echoes ritual ceremonies that have been observed in Balochistan. I will initiate a dialogue between these different cultural practices while raising the question of the Omani assimilation of the Asian damâl.

International audience; La facture actuelle de l’accordéon diatonique entre la France et l’Italie est au cœur de l’analyse proposée dans cet article. Une fois retracés les temps forts de l’histoire de la facture des accordéons à partir du XIXe siècle dans ces deux pays, on examinera l’apport de l’un des protagonistes de son histoire récente. Pour ce faire, l’analyse, qui adopte une approche à la fois diachronique et synchronique, et s’appuie sur des sources écrites et orales, montrera si, et dans quelle mesure, ce milieu particulier de la facture instrumentale a cherché à prendre en compte les sources organologiques.

Research on the sensory reveals a twofold reality. One is that all human beings have innate sensory aptitudes whose inter-individual variability remains limited by a complexion specific to the species. The other is that social groups implement varied sensory modalities. Consequently, if sensory perception is an attribute of our biology, it is also learned. It is not only the encounter of the biological and the cultural, it is a biocultural phenomenon. Indeed, sensory perception is defined and limited by the information to which our sense organs are naturally sensitive, but the very sensitivity of the latter is partly modulated and shaped by the social and cultural environment. Considering sensory learning obliges us to go beyond the classic scheme opposing sensation of biological order to perception of cultural order.This book, with twenty chapters that draw mainly on anthropology, but also on sociology, psychology, neuroscience, primatology and archaeology, proposes a vast panorama of the forms of sensory sharing by human beings. It shows on the one hand that the discovery and learning of the world through the senses do not imply either a radical cognitive relativism, nor the confinement of each individual in a singular Umwelt, on the other hand that sensory and multisensory learning are always the object of a cultural modulation. We learn the senses, we learn by the senses., La recherche sur le sensoriel dévoile une double évidence. L’une est que tous les êtres humains disposent d’aptitudes sensorielles innées dont la variabilité interindividuelle reste bornée par une complexion propre à l’espèce. L’autre est que les groupes sociaux mettent en œuvre des modalités sensorielles variées. Par conséquent, si la perception sensorielle est un attribut de notre biologie, elle s’apprend aussi. Elle n’est pas seulement la rencontre du biologique et du culturel, elle est un phénomène bioculturel. En effet, la perception sensorielle est définie et limitée par les informations auxquelles sont naturellement sensibles nos organes des sens, mais la sensibilité même de ces derniers est en partie modulée et modelée par l’environnement social et culturel. Considérer les apprentissages sensoriels enjoint à dépasser le schéma classique opposant sensation d’ordre biologique à perception d’ordre culturel.Cet ouvrage, de vingt chapitres qui puisent surtout en anthropologie, mais aussi en sociologie, psychologie, neurosciences, primatologie et archéologie, propose un vaste panorama des formes du partage du sensoriel par les êtres humains. Il montre d’une part que la découverte et l’apprentissage du monde par les sens n’impliquent ni un relativisme cognitif radical, ni l’enfermement de chaque individu dans un Umwelt singulier, d’autre part que les apprentissages sensoriels et multisensoriels sont toujours l’objet d’une modulation culturelle. On apprend les sens, on apprend par les sens.

The attempt to reconstruct the music of the past and its history has been a longstanding concern. From the 19th century the orientalist imagination seriously nourished the notion of the existence of “original” music. Whether dealing with “Pharaonic”, “Arab” or “Hindu” music, the same reference to the past, seen as prestigious and immutable, helped to rationalise musical knowledge on the basis of constructed filiations. While the orientalist period is relatively well documented, this volume more specifically focuses on ways of talking about and recounting the past throughout the 20th century and into the beginning of the 21st. Bringing together anthropologists and historians, the aim is to pay particular attention not only to simple representations of the past but also to concrete processes in its narrativisation. The different contributions gathered here explore themes from within academic disciplines such as musicology and music archaeology, as well as those arising from artistic creation, both fields that are equally implicated in political issues on the local, national and international level., Chercher à reconstruire les musiques du passé et leur histoire est une préoccupation ancienne. Depuis le XIXe siècle, l’imaginaire orientaliste a considérablement alimenté l’idée de l’existence de musiques « originelles ». Qu’il s’agisse de musiques « pharaonique », « arabe » ou « hindoue », une même référence au passé, vu comme prestigieux et immuable, a contribué à rationaliser les savoirs musicaux sur la base de filiations construites. Si la période orientaliste est relativement bien documentée, le présent volume s’attache plus spécifiquement aux manières de dire et de raconter le passé au cours du XXe jusqu’au début du XXIe siècles. En réunissant anthropologues et historiens, il invite à porter une attention particulière, non plus aux seules représentations du passé mais également aux processus concrets de sa mise en récit. Les différentes contributions s’intéressent aux élaborations émanant des disciplines scientifiques, comme la musicologie et l’archéologie musicale, ou encore celles qui se jouent dans la création artistique elle-même, deux domaines qui s’inscrivent également dans des enjeux politiques locaux, nationaux et internationaux.

International audience; Cet article propose un double regard, celui de l’ethnomusicologue et celui du préhistorien sur l’étude des sensorialités. Le geste, au centre de toute activité technique et musicale, constitue l’une des clés d’accès. Les perceptions sensorielles du préhistorien permettent d’avancer des hypothèses sur celles de son autre lointain. Quels que soient le lieu et l’époque considérés, on peut supposer que l’artisan éprouvera par le toucher les qualités physiques immuables des matières premières et y adaptera son geste technique. De même, à éclairage équivalent, sa perception de l’espace et de la lumière guidera ses pas dans un espace souterrain peu éclairé. L’ethnomusicologue, quant à lui, combine ethnographie des apprentissages, analyse physique du mouvement et dispositif expérimental pour comprendre les sensorialités musicales des musiciens. L’emploi des archives sonores sur le terrain implique les musiciens dans une écoute du passé permettant à l’ethnomusicologue d’interroger les musiciens sur leurs perceptions des performances passées et contemporaines.

International audience

Within the framework of a programme supported by the Agence Nationale de la Re-cherche on the harps of Central Africa, a collaboration between ethnomusicologists and iconographers of Western music was established around the musical iconography contained in travellers' accounts in the 19th century. A wider exploration has led to the interest in older sources which will be presented in this paper. Our work does not consist so much in the study of instrumental records as in the study of the representation of musical scenes in their context, as well as of the "figures" of musicians.Our paper will be based mainly on the Description historique des trois roy-aumes... by Giovanni Antonio Cavazzi (1687) and his collaborators, on the use made of it later, notably by Filippo Bonanni in his Gabinetto armonico (1722), and on ethnomusicological knowledge of the documented musical practices and their inser-tion in their society. Based on works in African history and ethnology, we will try to better identify the authors of the stories. We will be interested in the dialectic between text and image in order to understand the genesis of the plates, the intervention of the drawers, en-gravers and publishers.For Cavazzi's account, we will give an account of its reception through its var-ious versions and translations and their illustrations, in particular how they are con-ceived, realised, and even modified according to the editions. We will also discuss the use of some of his illustrations in later Western musical treatises, which some-times reveal organological misunderstandings due to a mistaken understanding of the musical practices initially observed.Taking into account the historiographic work on the authors of the stories, the rele-vance of their observations for today's ethnologist on ancient practices, whether they have disappeared, been modified or maintained, will be assessed. Finally, current field observations in Central Africa can shed light on these ancient stories and visual representations.

Nous nous intéressons ici au Conservatoire national des arts et métiers et à André Didier qui fut officiellement « ingénieur du son » lors de l’expédition ethnologique Ogooué-Congo. Nous avançons que sa collaboration permit à la mission d’être un succès grâce à la collecte réussie de matériaux utiles à la réalisation de films ethnographiques et à l’étude musicologique. Pour rendre compte de l’apport de Didier et du Conservatoire, nous nous intéressons plus particulièrement à l’enregistrement du son. Pour saisir la plasticité de l’objet « sons » et analyser sa diffusion et sa mobilisation dans des milieux professionnels différents, nous mobilisons le concept d’« objet-frontière » introduit par Star et Griesemer (1989). Ce faisant, nous développons les différentes interprétations élaborées autour des sons dont Didier avait la responsabilité. L’investissement d’André Didier est mis en regard de ce qu’est l’institution formatrice Cnam dont il est issu. Our focus here is the Conservatoire national des arts et métiers [CNAM] and André Didier, who was officially the ‘sound engineer’ during the Ogooué-Congo ethnographic expedition. We argue that his presence made the mission a success due to the collecting of material for ethnographic film-making and musicological study. Didier’s and the Conservatoire’s contribution is best approached through sound recording. In order to grasp the malleability of ‘sound’ as an object of study, and to analyse its presence and mobilisation in different professional milieus, we borrow the concept of ‘boundary object’ from Star and Griesemer (1989). This enables us to analyse the different interpretations of the sounds for which Didier was responsible. André Didier’s commitment is considered in the light of the formative institution, the CNAM, from which he came.

Dans ce célèbre article initialement paru en 1996 et présenté ici en version française, Steven Feld introduit le concept d’« acoustémologie », ou connaissance par le son. Après avoir montré en quoi la recherche sur l’expérience acoustique et l’expression du lieu est demeurée relativement peu développée, l’auteur présente le monde sonore kaluli. Il propose ensuite deux parties ethnographiques portant sur l’acoustémologie de l’écoulement. La première traite des pratiques de dénomination kaluli, afin de montrer comment le caractère inséparable des eaux et des terres de la forêt tropicale est expérimenté et imaginé comme le flot de la voix à travers les contours du corps. Ce trope de l’écoulement est alors étudié tel qu’il apparaît dans des textes poétiques de chants, dans lesquels le fait de chanter une séquence de noms de lieux emmène les auditeurs dans un voyage qui s’écoule le long des cours d’eau et à travers les terres locales. L’écoulement de ces sentiers poétiques chantés est lié émotionnellement et physiquement au flot sensuel de la voix chantante. La mise en lien de ces sentiers qui s’écoulent révèle une acoustémologie kaluli des relations aux lieux, une fusion de l’espace et du temps qui assemble les vies et les événements en tant que souvenirs incorporés. Les pouvoirs évocateurs de cette acoustémologie atteignent un sommet esthétique dans la performance poétique, là où le flot expressif de la voix fusionne avec l’écoulement vécu des noms de lieux chantés, afin de créer des chants en cascade, un sens de la résonance du lieu. In this study, Steven Feld investigates the sense of place of Kaluli people in Bosavi, Papua New Guinea. Because sound and an ear and voice centered sensorium are central to Kaluli experience and expression in the tropical rainforest, the goal of this exploration is to interpret what Feld calls an acoustemology, by which he means local conditions of acoustic sensation, knowledge, and imagination embodied in the culturally particular sense of place resounding in Bosavi. The chapter opens with brief notes on sensation, sound, synesthesia, and soundscapes that provide context for the general framework of the inquiry. He outlines ways in which research on acoustic experience and expression of place has remained relatively underdeveloped and then introduces the sound world of the Kaluli. Next, he offers two ethnographic sections on the acoustemology of flow. The first treats Kaluli naming practices to show how the inseparability of rainforest waters and lands is encountered and imagined to be like the flow of voice through the body’s contours. This trope of flow is then examined as it appears in poetic song texts, where singing a sequence of named places takes listeners on a journey that flows along local waterways and through local lands. The flow of these poetic song paths is emotionally and physically linked to the sensual flow of the singing voice. Connecting these flowing paths reveals a Kaluli acoustemology of place relations, a fusion of space and time that joins lives and events as embodied memories. The evocative powers of this acoustemology reach an aesthetic apex in poetic performance, where the expressive flow of the voice merges with the experiential flow of sung placenames to create waterfalls of song, a sense of place resounding.

Ayant entrepris durant l’année 2019 un terrain ethnographique dans les monts d’Auvergne (et régions périphériques du Massif Central), plusieurs thématiques actuelles des Langues en Danger - thème de plus en plus central dans les études contemporaines d’anthropologie linguistique - seront ici soulevées et discutées. La langue auvergnate est un dialecte nord-occitan situé dans une aire marginale et périphérique de l’aire culturelle occitane, tout autant que de l’espace centralisé français, ce qui fait d’elle à bien des égards, le « patois du patois ». Elle est classée par l’UNESCO parmi les langues les plus menacées d’Europe. Basant ce travail de mémoire sur les questions d’usages linguistiques, je discute des registres, des représentations et des formations socio-culturelles rendus possibles par une action à la fois politique et poétique. Se trouvent au rendez-vous les intellectuels et académiciens de la normativité, les bourgeois-bohèmes du romantisme des derniers locuteurs et, toujours, les « grands absents du discours sur la langue » que sont les locuteurs naturels. Cette série de trois terrains situés à des saisons culturelles différentes, valorise l’approche des fêtes de village, des veillées nocturnes, des assemblées politiques et associatives occitanistes, des cafés urbains anarchistes ou ouvriers dans lesquels la langue se parle à l’heure de l’apéritif ; tout cela dans cet objectif de connoter des usages disruptifs et d’évoquer ces intérêts en revitalisation linguistique pour les potentiels romantique et politique. Si l’on concentre notre étude sur un panoccitanisme représenté notamment par la performativité des usages linguistiques militants et artistiques, il s’agirait d’évoquer dans le langage occitaniste, ces manifestations de création et d’hybridation qui forment d’une langue revitalisée, une langue nouvelle, se défiant du fort monolinguisme français. Cette étude a été complémentée par une approche comparative avec les dialectes occitans du Piémont (Italie), cela permettant de mettre en lumière les influences d’une politique linguistique sur les usages et représentations d’une langue et d’une culture., Beginning in 2019 an ethnographic field in Auvergne (and peripheral regions of the Massif Central in Southern France), several current themes of Endangered Languages - theme increasingly central in contemporary studies of linguistic anthropology - will be presented and discussed. The Auvergnat language is a North-Occitan dialect located in a marginal area of the Occitan cultural area, as well as the centralized French space, which makes it in many ways the "patois of patois”. It is classified by UNESCO among the most endangered languages in Europe. Basing my research work on the question of linguistic usage, I discuss the registers, representations and socio-cultural formations made possible by activity that is both political and poetical. Intellectuals and academicians of normativity, folklorists of the romanticism of last speakers and, above all, natural speakers, the "great absentees of the discourse on language", meet in these linguistic and cultural settings. The fieldwork reported here focused on village festivals, Occitanist political and associative meetings, and urban anarchist or worker cafes in which the Auvergnat language is spoken. This to evoke the contribution of disruptive practices and concerns for linguistic revitalization to the romantic and political potential of Auvergnat Occitan. This study concentrates on the Panoccitanism represented by the performativity of militant and artistic linguistic usages: these manifestations of creation and hybridization which form a revitalized language, a new language, defying the strong monolinguism dominating France. This study has been supplemented by a comparison with the Occitan dialects of Piedmont (Italy), thus making it possible to highlight the influences of a linguistic policy on the use and representation of a language and a culture.

This thesis focuses on the study of sound systems in the province of Phetchabun, located at the borders of the northern, northeastern and central regions of Thailand. The use of sound systems, an electro-acoustical apparatus investing extremes registers of sound and sound effects (reverb, echo, distortion, ubiquity), is there generalized. It is used on a daily basis and for the numerous rituals, broadcasting as loud as possible different sound contents so as to be heard by, and gathered, the maximum amount of people. In studying perception, the variety of the machines – musical, liturgical, audiophile, as well as ritual and state-implemented – this thesis intends to decipher the functions of sound system. Why using it? What have its incorporation and generalization changed in the Thai sound culture? The tools of ethnomusicology, anthropology of music and sound, as well as methods of anthropology of Buddhism and ritual will be put to use.If sound systems transform, its generalization also indicates its relevance to the sound world that welcomes it. They are thus integrated into a vernacular media and sound theory that preexisted that favors a propagation logic called here “maximalist” – the more, the better; the loudest, the better. Following this logic, the sound system has the possibility to, not only immerge individuals in sound, but to dissolve them in a single collective body of listeners: it extends community proportionally to the length of sound radiation emitted. The State makes good use of this function through a national “sound body” consisting in a centralized grid of sound systems heard everyday and everywhere in the country. Sound power is also proportional to the social status of the user. But there are deeper motives at stakes; mostly sensible when mythical space-times are being recreated, or when archetypal vibratory shapes as mandalas are manifested in sound. A quest of the ultimate sound undertaken by all social classes and through sound systems is ongoing in Thailand.; Cette thèse étudie les sound systems à Phetchabun, province à la lisière des régions du Nord, du Centre et du Nord-Est de la Thaïlande. L’usage du sound system, dispositif électro-acoustique mobilisant des registres extrêmes du son et des effets sonores (réverbération, écho, distorsion, ubiquité), y est généralisé. Il est utilisé au quotidien et dans les rituels locaux pour diffuser aussi fort que possible des contenus divers afin d’être entendu par un maximum de personnes. En étudiant la perception, la variété des dispositifs – musicaux, liturgiques, audiophiles mais aussi rituels et étatiques – la thèse illustre les fonctions du sound system. Pourquoi l’utiliser ? Qu’a changé son incorporation et sa généralisation dans le monde sonore de Phetchabun et de Thaïlande ? Pour y répondre, les outils de l’ethnomusicologie, de l’anthropologie de la musique et du son ainsi que les méthodes de l’anthropologie du bouddhisme et du rituel sont mis à profit. Si le sound system transforme, sa généralisation traduit aussi sa pertinence au sein de l’univers sonore qui l’accueille. Il s’intègre ainsi dans une conception vernaculaire des médias et du son lui préexistant, qui privilégie une logique de propagation dite « maximaliste » – plus il y en a, mieux c’est, plus c’est fort, mieux c’est. Par cette logique, le sound system renferme la possibilité, non seulement d’immerger l’individu dans le son, mais de le dissoudre dans le groupe : il étend la communauté à la mesure de son irradiation sonore. L’Etat fait usage de cette fonction à travers un « corps sonore » national, créé par un réseau de sound systems coordonné sur l’ensemble du territoire. La puissance sonore est donc aussi proportionnelle au statut social de l’utilisateur. D’autres ressorts peuvent être décelés lorsque des espaces et temporalités mythiques sont recréés ou lorsque des formes archétypales et vibratoires comme le mandala sont manifestées par le son. Une quête du « son ultime » se dessine alors à laquelle s’adonne toutes les classes sociales grâce aux sound systems.

We shall overcome, we shall overcome, We shall overcome someday ; Oh, deep in my heart, I do believe, We shall overcome someday. Toutes les musiques dites aujourd’hui populaires ou de masse sont dérivées, d’une manière ou d’une autre, de pratiques apparues au sein de sociétés organisées autour de l’esclavage dans des territoires conquis par des Européens : des odes françaises de Georges Brassens au rock chinois de Cui Jan, du reggae japonais au ska espagnol de Ska-P, des vagabondages de Emir ...

Les spirituals afro-américains, ce que l’on a coutume d’appeler les negro ou black spirituals, constituent aujourd’hui un répertoire emblématique de la musique noire des États-Unis. Considérés comme une des « sources » du jazz, ils ont toujours leur place dans les services baptistes, méthodistes voire sanctifiés. Popularisés par des artistes venus d’outre-Atlantique, chanteurs religieux mais aussi interprètes habituels de musique « classique » (dans le sillage de Marian Anderson), objet de tr...

J’ai deux amoursMon pays et ParisPar eux toujoursMon cœur est raviMa savane est belleMais à quoi bon le nierCe qui m’ensorcelleC’est Paris, Paris tout entier Les musiques voyagent ; elles ont toujours voyagé. Les musiques évoluent ; elles ont toujours évolué. Dès l’aube de l’humanité, les hommes se sont déplacés, et leurs pratiques avec eux. Lorsqu’ils se sont croisés, ils ont échangé et, de ces échanges, sont nés des formes, des systèmes nouveaux. De ce point de vue, rien n’a fondamentalemen...

De La Rey, De La Rey sal jy die Boere kom lei ? De La Rey, De La Rey Generaal, general soos een man, sal ons om jou val En mars 2006, parut en Afrique du Sud, sous le nom de Bok Van Blerk, un CD intitulé Jy praat nog steeds my taal (Tu continues à parler ma langue) qui, outre une chanson identiquement dénommée évoquant les « flammes nues » de l’afrikaans et la fierté des Afrikaners, contenait un air invoquant un général oublié de la seconde guerre anglo-boer (1899-1902), Koos De La Rey. Cette...

Tu seras mienne Tu seras la même Mais une autre Une autre Une autre à chaque fois « Appropriation » est devenu un terme courant dans les écrits sur la musique, il désigne en général toutes sortes de copies, d’emprunts ou de recyclages qui aboutissent à constituer une pièce musicale en utilisant des éléments préexistants. Omniprésente dans la pratique des compositeurs de musique écrite européenne, elle apparaît comme l’un des mécanismes essentiels de l’élaboration des musiques dites « actuelle...

F or the past twenty years, studies of music have used more and more frequently the notion of identity. Yet the meanings given to “ identity ” in these studies, and the functions ascribed to it, have not always been precisely defined. This paper tries to clarify the relationship between music and identity configurations. Based on studies dealing with the theory of identity and with musical iden- tities, it suggests that the social significations of music – identitarian significations included – must be understood as resulting from the intertwining of production, reception and the musical object itself. Music is not a language, but a symbolical system whose interpretants are infinite, it can consequently generate many diverse interpreta- tions, which vary according to situations and stakes, and it needs to be specifically fashioned to be put to political uses.

Get up, stand upStand up for your rightsGet up, stand upDon’t give up the fight[...]It’s not all that glitter is goldAnd half the story has never been toldSo now we see the lightWe gonna stand up for your rightsCome on Qui arrive à Kingston, capitale de la Jamaïque, réalise immédiatement que l’espace y trahit les divisions de la société. De l’aéroport, séparé de l’agglomération par une étendue de mer, on voit simplement quelques étagements de gratte-ciel sur fond de collines aux couleurs somb...

Laas toe ek ‘n meisie bemin hetHaar naam was Rosa DearSy was maar skaars sestien jare oudSy was ‘n meisie van haar woord.Sy sê sy sal my nooit verlaatSy volg my waar ek gaanRosa, Rosa die het een hartEn sy volg my waar ek gaan Quelles que soient les sociétés, quelles que soient les époques, il semble que la musique ait toujours suscité la compétition. L’expérience musicale est indissociable du plaisir : plaisir de faire, et de « bien faire », plaisir d’écouter, et d’écouter ce qui est « bien ...

Cape Town, wonderful Cape TownCape Town, the place for meCome down hear the sounds of Cape TownAnd see me playing, dancing, jolling in the streetsCape Town is the place for me... C’est en musique que furent accueillis les premiers Européens qui mirent pied sur la côte la plus méridionale d’Afrique. Le 2 décembre 1497, Vasco Da Gama et les siens abordèrent en un point qui plus tard fut nommé Mossel Bay, sur le flanc ouest du cap de Bonne espérance ; alors, peut-on lire dans son journal, probab...

Le myosotis, et puis la rose, Ce sont des fleurs qui dis’nt quèqu’chose ! Mais pour aimer les coquelicots Et n’aimer qu’ça... faut être idiot ! T’as p’t’êtr’ raison ! seul’ment voilà : Quand j’t’aurai dit, tu comprendras ! L’amour, la mort ; le langage des fleurs et la métaphore amoureuse des relations sociales ; des petites phrases, musicales encore plus que poétiques, « au goût de madeleine » (de Mijolla, 1982 : 13) ; tout se ligue dans l’infime drame fleuri colporté par Mouloudji pour fair...