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Mon mémoire de recherche porte sur les représentations sur scène des différents types de folie féminine se retrouvant dans les pièces Hamlet de William Shakespeare et The Changeling de Thomas Middleton et William Rowley. Ceci est principalement réalisé par la rencontre de notions comme le genre, le corps féminin et les espaces domestiques. Dans mon analyse, je me base sur les conceptions de la folie qui prévalaient durant la Renaissance, en tandem avec les connaissances actuelles sur les traumatismes et les troubles mentaux. J’ai considéré dans ce mémoire la folie des personnages, simulée ou réelle, comme des formes d’(in)capacité mentale. Ce mémoire offre donc un point de vue nouveau sur la perception de la détresse féminine au début de l’époque moderne. Divisé en deux chapitres, le premier traite des causes engendrant le passage de la psyché d’Ophélie d’un état de lucidité à un état de folie, en mettant l’accent sur l’effet de sa jeunesse sur sa santé mentale. Le second chapitre s’intéresse aux états mentaux d’Isabella et de Beatrice-Joanna, respectivement, à travers l’intégration de concepts comme les troubles mentaux forgés, le ravissement et les traumatismes. Il est à mentionner à propos de cette démarche que ces personnages brouillent les distinctions entre la lucidité et la folie., My thesis examines the on-stage manifestations of the different types of female madness presented in William Shakespeare's Hamlet and Thomas Middleton and William Rowley’s The Changeling. This is mainly accomplished through the exploration of the interwoven relations between notions such as gender, the female body, and domestic spaces. In my analysis, I primarily draw on the Renaissance understanding of madness in tandem with modern trauma and disability theories. I read the madness of these characters, feigned and real, as forms of mental (dis)ability. This thesis thus offers novel insights on the perception of early modern female distraction. Divided into two chapters, the first deals with the causes engendering the metamorphosis of Ophelia’s psyche from a state of sanity into a state of madness, placing emphasis on the effect of her youth on her mental transition. The second explores Isabella and Beatrice-Joanna’s mental dispositions, respectively, through the incorporation of concepts such as dissembled disability, ravishment, and trauma. In this endeavor it is noteworthy that these characters blur the lines between sanity and madness.

Les deux récits Le Sari vert (2009) et Manger l’autre (2018) se placent aux extrêmes du spectre d’écriture d’Ananda Devi. Historiquement et stylistiquement, ces œuvres témoignent d’un engagement littéraire à représenter la condition féminine dans ce qu’elle a de plus sombre. Ces deux récits présentent un constat social qui perdure : le corps de la femme ne lui appartient pas. La présente étude a pour objectif d’exposer l’influence du discours social sur les personnages féminins, qui aboutit à une représentation essentiellement basée sur la seule apparence physique au détriment de l’identité globale de la femme. Cette apparence évoque, dans le corpus, un lieu insulaire, que le narrateur associe à l’île Maurice. Dans un premier temps, la représentation du corps de la femme est observée selon les théories féministes, l’identité de la femme étant réduite à son apparence. Dans un second temps, les appels à l’imaginaire qui caractérisent l’écriture de Devi sont convoqués pour analyser la construction discursive de la violence du quotidien et démontrer que les narrateurs des romans font systématiquement du corps de la femme l’origine des malheurs des personnages féminins. Dans un dernier temps, une approche géocritique est employée pour réfléchir sur le corps de la femme comme évocation de la morphologie insulaire mauricienne. De cette représentation du corps féminin émane violence et enfermement. Le corps est une prison de laquelle la femme doit se libérer pour ne plus faire de son insularité une tare., The two novels Le Sari vert (2009) and Manger l’autre (2018) are opposite in the spectrum of Ananda Devi’s work. Historically and stylistically, these narratives illustrate a literary commitment to represent the female condition in its darkest aspects. These two novels describe a social fact : woman’s body doesn’t belong to her. This study aims at exposing the impact of social discourse on female characters which creates a representation almost essentially based on physical characteristics regardless of overall identity. Physical appearance recalls an insular environment, like the Mauritian island. Firstly, the representation of female body will be observed through feminist theories which will show women’s identities are reduced to physical appearance. Secondly, the fiction as an instrument to describe everyday violence will be analyzed, especially because the female body is always presented as the cause of violence. Finally, geocriticism will help us think about the female body as a metaphor of the Mauritian island. The representation of female body evokes violence and confinement. Thus, the body is a prison; woman must escape from it to embrace her insularity instead of being held hostage.

Considered a geographical concept par excellence, space has invested the literary field, to underline the importance of its role in the configuration of a text, both in terms of decor, characters and plot. Much more than a simple scenic element, space crystallizes a set of data, the meanings of which reveal the way it is perceived or designed. In Le corps de ma mère the narrator evokes her mother and, through her, the life of Bedouin women in Tunisia. She recounts how she managed to free herself from a long ancestral tradition that is particularly restrictive for women and describes the changes that occurred with the Jasmine Revolution. The book shows a gap between the countryside and a big city in Tunisia, between traditional culture, religion, superstition, demons, ancestral customs, tales and modernization. In fact, the novelist gives us the extraordinary family story of Yamna, her mother, who lived in a small village in Tunisia, secluded for fifty years in her house. Then, ill, she found herself uprooted in Tunis, where her children insisted that she should be cared for. At the modern hospital where she is going to die, she is accompanied by her daughters to make confessions that reveal a perception of space that is based on the ambivalence between confinement and deliverance. The opposition between urban space and rural space, in particular the indictment drawn up against the capital, as well as the female body as an ideological space will be the objects of this study. Étant considérée par les critiques comme un art essentiellement temporel, la littérature se caractérise aussi par une ‘spatialité’, comme le souligne d’ailleurs Genette dans sa Figure II. En effet, le temps, les personnages et l’espace sont des composantes à pied d’égalité. Ceci dit, que l’espace est « une composante essentielle de la machine narrative » (Mitterand, 1980, pp. 211-212), qui détermine les relations entre les personnages et influe, d’une façon ou d’une autre, sur leurs actions. De fait, l’espace n’est pas un simple élément scénique, il établit des liens complexes avec les autres éléments du récit (temps, personnages et péripéties). L’analyse de ces liens et des significations de ces éléments révèle la façon dont le cadre spatial est perçu ou conçu. Dans Le corps de ma mère de Faouzia Zouari, la narratrice évoque la vie des femmes bédouines de Tunisie, et celle de sa mère, en particulier. Elle relate l’influence de l’espace dans laquelle cette dernière évolue, comment celle-ci est parvenue à se libérer d’une longue tradition ancestrale particulièrement contraignante pour les femmes, et décrit les mutations survenues avec la révolution du Jasmin. Le livre se compose de trois parties, et chacune d’elle se caractérise par son cadre spatial spécifique. Celui qui domine la première et la troisième partie, ‘le corps de ma mère’ et ‘l’exil de ma mère’, est Tunis (la capitale) et ses ‘cités de béton’. La romancière nous livre, dans ces deux chapitres, le récit familial extraordinaire de Yamna, sa mère qui a vécu dans un petit village de Tunisie, recluse pendant cinquante ans dans sa maison. Puis, malade, la vieille femme s’est trouvée déracinée à Tunis, où ses enfants insistaient pour qu’elle se fasse soignée. A l’hôpital moderne où elle va mourir, elle est accompagnée par ses filles, pour faire des confessions qui laissent transparaitre une perception de l’espace qui repose sur l’ambivalence entre réclusion et délivrance. La deuxième partie décrit le fossé entre campagne et grande ville en Tunisie, entre cultures traditionnelles, religion, superstition, djinns, coutumes ancestrales, contes et modernisation. L’opposition entre l’espace urbain et l’espace rural, en particulier le réquisitoire dressé contre la capitale, puis le corps féminin comme espace idéologique feront les objets de notre présente étude.

The purpose of this article is to examine the positive and negative properties of menstrual blood in Ancient Rome and its related uses. Building on such premises, I go on to explore the cultural practices involving this ambivalent substance. I argue that menstrual blood and its powers were manipulated to reinforce male order and state control over women’s bodies, becoming an instrument justifying the enactment of new rules to control Roman women. On the other hand, far from pushing away women from public and sacred spaces, the powers of menstruation contributed to strengthen their integration into the life of the city. Le but de cet article est d’examiner les propriétés positives et négatives du sang menstruel dans la Rome antique, ainsi que ses usages connexes. En partant de ces prémisses, j’explore les pratiques cultuelles mettant en œuvre cette substance ambivalente. Je soutiens la thèse que le sang menstruel et ses pouvoirs étaient manipulés afin de renforcer l’ordre masculin et le contrôle de l’État sur le corps des femmes, devenant ainsi un instrument justifiant l’adoption de règles nouvelles pour contrôler les femmes romaines. En revanche, au lieu d’éloigner les femmes des espaces publics et sacrés, le pouvoir du sang menstruel a contribué à renforcer leur intégration dans la vie de la cité.

En prenant comme cas d’étude deux artistes avec lesquelles nous nous sommes entretenue, cet article vise à montrer les liens épisodiques et ambigus que les plasticiennes colombiennes entretenaient avec les idées féministes dans les années 1970. Cette période est charnière pour la Colombie à trois égards : le gouvernement opte pour la répression, les guérillas s’emparent des zones urbaines et les groupes féministes se répandent dans les principales villes du pays. Ces derniers n’ont pas d’impact significatif sur le milieu artistique local : en effet, la majorité des plasticiennes considèrent ces groupes comme trop radicaux. Au moment où ils émergent, le dessin est renouvelé, les artistes expérimentent des matériaux inédits et le corps prend de nouveaux sens. Dans un contexte de renaissance artistique et de libération sexuelle, la question du corps féminin envahit de plus en plus souvent la production artistique locale. Qu’elle soit posée par des militantes ou par des sceptiques, cette question et sa généralisation révèlent la portée des idées féministes. Taking into consideration the works of two women visual artists who we interviewed, this paper aims to explain the episodic and ambiguous interactions that these artists had with feminist ideas during the 1970s. This was a pivotal period for Colombia in three ways: the government opted for repression, guerrillas controlled the urban areas, and feminist groups spread to the country’s main cities. They did not have an important impact on the local art scene: in fact, most of the women visual artists considered these groups too radical. When they appeared, drawing was revitalized, artists tested news materials and the body took on new meanings. In a context of artistic renaissance and sexual liberation, the question of the female body progressively conquered the local artistic production. Whether examined by activists or by sceptics, this question and its generalization reveal the scope of the feminist ideas.

Cet article interrogera la possibilité de dépasser une représentation érotisée du corps féminin, dans ce qu’elle comporte de distance et d’aliénation, pour lui substituer des représentations « de l’intérieur », fondées sur l’intimité et la proximité. S’il est vrai, comme l’écrivait Molly Haskell (1974), que les femmes se sont vues, dans les représentations culturelles, réduites à l’alternative entre méfiance et objectification, ou, plus fortement, à la binarité entre répulsion et désir, est-il possible d’imaginer des représentations du corps féminin qui dépassent la distance induite par l’érotisme ? Par-delà l’assimilation de la féminité à la maternité, la question posée par la citation d’ouverture est la suivante : le corps féminin – les corps féminins, dans leur diversité – se prêtent-ils à un usage comique ? On s’attachera ici spécifiquement, dans une perspective centrée sur les distinctions de genre, et mobilisant des catégories anthropologiques, au comique corporel, et même à une sous-catégorie définie par Bakhtine, le grotesque, mobilisant les fonctions corporelles supposément « basses ». (Bakhtine 1970). Kristen Anderson Wagner (2015 : 39) fait remonter au dix-neuvième siècle l’idée préconçue selon laquelle la féminité serait particulièrement incompatible avec l’humour, entendu comme recherche intentionnelle de la production d’un effet comique (Elgozy 1979 : 14). Cette répartition genrée a été souvent rattachée à des stéréotypes sociaux opposant à la passivité féminine l’activité masculine, « la femme réceptive et l’homme producteur » (Cezard 2012, Provine 2003). Traditionnellement, affirme ainsi Wagner, les femmes ont été considérées comme « trop émotives, trop passives et trop moralement pures pour accomplir des performances comiques, qui peuvent s’avérer rebelles, tapageuses et conflictuelles. » Elle ajoute que « les femmes ont historiquement été placées dans la position de gardiennes morales de la société, une position qui les exclut encore davantage du champ comique ».

Les nouvelles du recueil Volcaniques démontrent le caractère transgressif d’une parole qui se libère lorsque le sujet féminin se charge d’interroger son propre corps. Du déchiffrement de soi émerge l’affirmation d’une individualité comme lieu de pouvoir et de (re)construction identitaire. Sachant que sa sexualité est porteuse d’injonctions normatives, il s’agit de comprendre comment le volume Volcaniques suggère une autre économie du corps et des plaisirs de la femme noire.

As a complex fragmented and “syncopated” hypertext, Patchwork Girl by Shelley Jackson interpellates its reader to place hze in the position of multiple, interconnected subject whose task is to piece together the creature in and of the text, through the physical action of clicking on the hyperlinks. Piecing the female body and the body of the text together in order to read “herstory” forces the reader to adopt a position that ceases to be one of mastery and domination traditionally associated with the reading of print fiction. Rather, Patchwork Girl prompts the reader into adopting a gaze that is “modular and fragmentary” and facilitates her active participation in the textual criticity inherent in the rhizomatic form of the hypertext. By appealing to the reader’s demiurgic powers of imagination, the hypertext replaces the identity paradigm with the performance paradigm. The patched body of the monstrous female serves as a powerful metaphor for the hypertext itself and its capacity as a “feminine form” (Jackson) to deconstruct the binaries and boundaries introduced by modern science at the service of male hybris, which Mary Shelley’s Frankenstein, one of the key intertexts of Patchwork Girl, forcefully denounced. Thanks to its paradoxical materiality, the hypertext equates the female creature’s body with the monstrous form generating it. Thus, the technological medium makes it possible for Jackson to graft the text as body onto the body as text to deconstruct the logic of male-dominated technocapitalism. Engaging with the hypertext implies for the reader the letting go of the binaries (text/body, text/sex, text/technology) structuring traditional reading. Thus Patchwork Girl sollicits a “cyborg” approach (Hayles) which welcomes and performs multiple, hybrid forms of interconnectedness allowing for the creation of new subjective modalities in and of the text. Hypertexte à la structure complexe, fragmentaire et « syncopée », Patchwork Girl interpelle les lecteurs pour les placer dans la position de sujets multiples et interconnectés dont la tâche est de rassembler les morceaux de la monstrueuse créature que représente le texte mais qu’ils sont aussi, grâce à l’action physique qui consiste à cliquer sur les hyperliens. Rassembler les morceaux du corps féminin et du corps du texte pour pouvoir lire l’histoire de la créature force les lecteurs à adopter une position qui n’est plus celle de la domination interprétative qu’ils exercent dans la fiction classique. Plutôt, Patchwork Girl les conduit à porter un regard modulaire et fragmentaire sur le texte qui facilite leur implication active dans la criticité inhérente à sa forme rhizomatique. En faisant appel à leur pouvoir d’imagination démiurgique, l’hypertexte induit un remplacement du paradigme identitaire par celui de la performance. Le corps morcelé de la créature dans le texte sert de métaphore évocatrice pour la capacité qu’a l’hypertexte, en tant que « forme féminine », de déconstruire les binarismes hérités de la science moderne au service de l’hybris masculin que Mary Shelley, l’une des références intertextuelles de Patchwork Girl, dénonce dans Frankenstein. Grâce à sa matérialité paradoxale, ce nouveau type de fiction qu’est l’hypertexte permet l’articulation métaphorique du corps de la créature féminine avec la forme monstrueuse qui la crée, à la manière d’un cyborg. Ainsi, le medium technologique permet à Shelley Jackson de greffer le texte qui fait corps sur le corps du texte, pour déconstruire la logique masculiniste du technocapitalisme. Pour lire l’hypertexte il faut abandonner les binarismes qui structurent la lecture traditionnelle. Cette approche est « cyborg » (Hayles), car elle accueille de multiples formes hybrides d’interrelations, qui créent de nouvelles modalités du sujet dans le texte.

Cette thèse de doctorat renouvelle les réflexions autour du « carcéral » afin de le repenser comme un instrument politique et social coercitif, qui saisit et emprisonne des sujets, des collectivités, des alternatives émancipatrices et des capacités imaginatives. S’appuyant sur des récits de femmes du « tiers monde » (We Lived to Tell : Azadeh Agah, Sousan Mehr, Shadi Parsi, 2007 ; Memoirs from the Women’s Prison : Nawal El Saadawi, 1984 ; Imaginary Maps : Mahasweta Devi, 1994 ; Zoo City : Lauren Beukes, 2010 ; Moxyland : Lauren Beukes, 2008), nous explorons de multiples tropes et sites d’emprisonnement, d’enfermement, de sujétion et d’immobilisation, qui renforcent les logiques carcérales et qui entravent l’agence collective. Nous présentons une critique genrée des mécanismes locaux et mondiaux, micropolitiques et macropolitiques de la violence contre les sujets captifs et les communautés précaires. Ce dispositif de déconstruction se base sur une analyse multidisciplinaire des arrangements carcéraux, qui incluent des institutions punitives, des États-nations hétéronormatifs, des discours patriarcaux, le trafic sexuel, la servitude pour dettes, le capitalisme, la surveillance numérique, la privation économique et la déshumanisation politique. Ce travail de recherche invite également à une relecture de récits carcéraux qui permettent la réinvention des vocabulaires, des pratiques et de l’éthique de résistance, ainsi que l’émergence de projets collectifs de libération qui transgressent les confins politiques, sociaux, discursifs et épistémologiques de l’agenda néolibéral. À travers ses différents cadres théoriques, notre lecture s’engage dans un dialogue critique entre les études littéraires, féministes, postcoloniales et matérialistes, afin d’élucider de nouvelles façons de penser la carcéralité, la liberté et la résistance., This dissertation seeks to produce new understandings of the “carceral” as a mode of subject formation and social production that captures and contains subjects, collectivities, emancipatory alternatives, and imaginative capacities. Drawing on “Third-World” women’s narratives (We Lived to Tell : Azadeh Agah, Sousan Mehr, Shadi Parsi, 2007 ; Memoirs from the Women’s Prison : Nawal El Saadawi, 1984 ; Imaginary Maps : Mahasweta Devi, 1994 ; Zoo City : Lauren Beukes, 2010 ; Moxyland : Lauren Beukes, 2008), this dissertation investigates multiple tropes and sites of imprisonment, enclosure, subjection, and immobilization that reinforce carceral logics and impede collective agency. Through a multidisciplinary examination of carceral arrangements that include punitive institutions, heteronormative nation states, patriarchal discourses, sexual trafficking, debt bondage, global capital, political dehumanization, digital surveillance, and corporate violence, this dissertation offers a gendered critique of the local and global, micropolitical and macropolitical mechanisms of violence against captive subjects and precarious communities. The dissertation also invites a rereading of carceral narratives that enable the reinvention of vocabularies, ethics, and practices of resistance and the emergence of collective liberatory projects that transgress the political, social, discursive, and epistemological confines of the neoliberal agenda. Through its different theoretical frameworks, this dissertation engages in a critical dialogue between literary, feminist, postcolonial, and materialist studies in order to elucidate new ways of thinking about carcerality, freedom, and resistance.

Dans les discours du XVIe siècle, les femmes, dans leur nature jugée faible et facilement tournée vers le vice, sont considérées avoir le pouvoir de mettre en péril la société dans son ensemble. Cette problématique a d'autant plus d'implications pendant les années des conflits confessionnels. C'est pourquoi une volonté se lit dans les textes prescriptifs de « policer » le corps des femmes et de le rendre le plus exemplaire possible, afin que cette exemplarité, dans leurs pratiques, se répercute ensuite sur le corps social. La lecture des sources retenues – recoupant entre autres des manuels de comportements, des sermons ainsi que des traités moraux et des sources littéraires – permet d'appréhender la manière dont les divers auteurs, humanistes, catholiques ou réformés, cherchent à modeler le corps des jeunes filles, des épouses et des mères. Cela, au travers d'une instruction qui se perpétue au long de l'existence, et qui concerne tant l'esprit, les mouvements, les apparences, l'habillement, la posture, ou encore le corps dans sa puissance maternelle. En parallèle, des textes écrits par des femmes ou mettant en scène des femmes, témoignent de leur agentivité et d'une affirmation de soi qui s'éloigne parfois du portrait idéalisé et policé mis en avant par les discours normatifs dominants.

[ES] El presente estudio se propone analizar la poesía de la poeta Shirley Campbell Barr a partir del marco analítico de la “literatura afrodescendiente”. En lo que se refiere al caso específico costarricense, la dificultad con que las obras de las autoras afrodescendientes ganan espacio en el campo literario autóctono está contrarrestada por una circulación mucho más amplia de sus obras en el extranjero (Ravasio, 2020). Esto demuestra el valor de su escritura dentro de una perspectiva tanto local como global, al punto que Ravasio las señala como “an emerging local literary current contributing to the establishment of a global diasporic community through literary acts” (Ravasio, 2020). A partir de la relación entre texto y contexto diaspórico, el presente estudio se propone reflexionar acerca de los vínculos que la poesía de la afrocostarricense Shirley Campbell Barr mantiene con la ‘afrodescendencia’ en cuanto marco analítico que se ha impuesto en el ámbito literario en las últimas décadas (Valero, 2015). En particular, nuestro objetivo será analizar cuáles temáticas se desarrollan en su poesía y, al mismo tiempo, tomar en consideración la forma con la que Campbell Barr modela y trata las reclamaciones que se producen desde la identidad cultural afrodescendiente en el texto poético., [FR] Cette étude se propose d’analyser la poésie de Shirley Campbell Barr à partir du cadre analytique de la « littérature afro-descendante ». En ce qui concerne le cas particulier du Costa Rica, la difficulté pour les œuvres des autrices afro-descendantes de gagner de l’espace dans le champ littéraire autochtone est compensée par une circulation beaucoup plus importante de leurs œuvres à l’étranger (Ravasio, 2020). Cela démontre la valeur de leur écriture dans une perspective locale mais aussi globale, à tel point que Ravasio les considère comme « an emerging local literary current contributing to the establishment of a global diasporic community through literary acts » (Ravasio, 2020). A partir de la relation entre texte et contexte de diaspora, cet article propose de réfléchir aux liens que la poésie de l’afro-costaricienne Shirley Campbell Barr entretient avec l’‘afro-descendence’ à travers le cadre analytique qui s’est imposé dans les études littéraires au cours des dernières décennies (Valero, 2015). En particulier, notre objectif sera d’analyser quelles thématiques sont développées dans sa poésie et, en même temps, de prendre en considération la façon dont Campbell Barr modèle et traite les demandes posées par l’identité culturelle afro-descendante dans le texte poétique., Este artículo forma parte del proyecto “Connected Worlds: the Caribbean, Origin of Modern World” financiado por el programa de investigación e innovación de la Unión Europea Horizon 2020 (Maria Sklodowska Curie Grant Agreement nº 823846).

Situee dans le champ des etudes litteraires, des etudes de genres et des etudes culturelles (Kulturwissenschaften), l’analyse vise a eclairer les phenomenes qui peuvent etre subsumes sous ce qui est designe ici comme une « mise en texte » du corps. Il s’agit dans ce cadre d’etudier les differentes manieres dont le corps feminin s’articule vis-a-vis de certaines normes de genre, c’est-a-dire dont il est materialise et mis en scene au sein d’un texte litteraire, en l’occurrence d’un texte dramatique : Ombre (Eurydice parle) de l’ecrivaine autrichienne Elfriede Jelinek. Par ailleurs, la perspective choisie permet d’interroger les procedes par lesquels le corps feminin, au sein de l’esthetique jelinekienne, exprime sa propre individualite.Les questionnements qui guident l’analyse sont en somme les suivants : dans quelle mesure la notion de textualite conduit-elle a s’attacher a la pluridimensionnalite du corps en litterature et, partant, quel eclairage apporte-t-elle sur le genre dans ce meme domaine ?

Cette contribution étudie la représentation du corps féminin dans le roman Djazya et les derviches d’Abdelhamid Benhedouga. Ce personnage est l’avatar de la fameuse figure mythique Djazya de la geste hilalienne. Par sa beauté éblouissante, il est source d’harmonie et de multiples désordres qui se sont succédé dans le village depuis sa danse transgressive avec l’étudiant révolutionnaire Lahmar., This paper studies the representation of the female body in the novel Djazya et les Derviches by Abdelhamid Benhedouga. This character is the avatar of the well-known mythical figure Djazya of the Hilali epic. Due to her astounding beauty, the character is a source of harmony and of successive states of disorder that ensue in the village following her transgressive dance with the revolutionary student Lahmar.

National audience; Le diaporama qui suit a servi de support à une communication lors d'un séminaire sur le corps féminin au Moyen Âge organisé par l'association « Questes-Jeunes chercheurs médiévistes », en octobre 2020. Il n'y a pas eu d'enregistrement en direct de ma communication. En revanche, j'en ai fait quelques jours après une version plus longue que vous pouvez écouter ici : https://www.pearltrees.com/pla2/publications-de-nadia-pla/id33402228/item326842320

L’auteure se penche sur les manières de concevoir les effets sur le corps humain, plus spécialement féminin, du devenir-digital en utilisant comme objet d’analyse le film de science-fiction français de 2014, Lucy, écrit et réalisé par Luc Besson. En mobilisant des théories issues du nouveau matérialisme et du post-humanisme, l’auteure établit une analyse dans laquelle la technologie transforme et modifie la matérialité du corps humain féminin et qui réaffirme le potentiel dé-centralisant du devenir-digital. The author looks at ways of conceiving the effects of becoming digital on the human body, and particularly the female body, taking as its subject of analysis Lucy, a 2014 French science fiction film written and directed by Luc Besson. Drawing on new materialist and posthumanist theory, the author works out an analysis in which technology alters and transforms the materiality of the female human body and reasserts the de-centralizing potential of that becoming digital. La autora del artículo se centra en las maneras de concebir los efectos sobre el cuerpo humano, especialmente femenino, del devenir digital, utilizando como objeto de estudio la película francesa de ciencia ficción, Lucy de 2014, escrita y realizada por Luc Besson. Utilizando las teorías derivadas del nuevo materialismo y del posthumanismo, dicha autora realiza un análisis, en el que la tecnología transforma y modifica el aspecto material del cuerpo humano femenino y reafirma el potencial descentralizador del devenir digital.

Cet article présente l’œuvre de Sarah Kane, dramaturge britannique, comme une parodie du théâtre de Samuel Beckett. Kane faisait partie du mouvement théâtral "In-Yer-Face" qui se développa dans les années 1990 en Grande-Bretagne. Son style frontal rend hommage à celui qui fut son maître mais critique aussi la représentation des femmes chez l’écrivain de théâtre irlandais. Blasted (1995) de Kane peut en effet se lire comme une parodie de En Attendant Godot (1955), car elle y dénonce la domination masculine dans le monde de la presse tabloïde. Dans Blasted et 4.48 Psychose (1999), Kane remet en question la tendance de Beckett à contraindre le corps des femmes. L’article considère aussi la parodie en terme de mise en scène. Crave (1999) de Kane met en lumière la réticence à l’expérimentation scénique chez Beckett et, après sa mort, chez ceux qui gèrent son héritage. This article positions the work of British playwright Sarah Kane as a parody of the theatre of Samuel Beckett. Kane’s "In-Yer-Face" style of theatre is considered as both paying homage to her idol Beckett as well as a critique of the Irish playwright’s representations of women. The article argues that Kane’s Blasted (1995) parodies Beckett’s Waiting for Godot (1955) and in doing so elucidates male domination in the world of the British tabloid press that Kane depicts in Blasted. The article also posits that Beckett’s tendency to constrain female bodies in his plays is impugned via parody in Kane’s Blasted and 4.48 Psychosis (1999). Finally parody is also considered in terms of stage and production technique. Kane’s Crave (1999) spotlights Beckett’s and, posthumously, the Beckett estate’s closure to experimentation in the staging of Beckett’s plays.

Ce travail de recherche a pour objet une approche littéraire des textes de Marie Cardinal (1928-2001), autrice "pieds-noirs", née à Alger et ayant vécu la majeure partie de sa vie en France. L'axe de réflexion, centré sur "La transcription du corps dans les écrits de Marie Cardinal : un enjeu littéraire et politique", questionne ainsi les rapports entre corps et écriture , corps et parole ou encore corps et oppressions (sexisme, colonialisme) dans les onze textes constituant notre corpus. Marie Cardinal est une autrice célébrée en France dans les années 60-70 pour la puissance de son écriture (qualifiée de crue voire taxée d'indécence par les critiques) et est notamment reconnue par un large public avec la publication du roman Les Mots pour le dire (1975), considéré comme un "best-seller", qui aborde le sujet intime de la névrose. En dépit de ce succès dit "populaire", l'autrice adopte une posture particulière dans le monde littéraire français. Née d'une famille de colons en Algérie, elle n'hésite pas à aborder des sujets tabous à l'époque comme la guerre d'Algérie, ou encore le malaise des colons vis-à-vis de leur amour pour cette terre. Autre aspect audacieux de son travail, elle questionne en profondeur la langue française en soulignant les manques et les absences de celle-ci notamment en ce qui concerne le corps féminin. Loin de prôner une "écriture féminine", telle que peut la défendre Hélène Cixous ou plusieurs courants féministes de l'époque, Marie Cardinal, et c'est là l'un des nœuds de notre réflexion, s'engage à ouvrir la langue, à la vivifier, afin qu'elle puisse être manipulée à loisir par toutes et tous. Conséquence plausible de cet engagement politique et littéraire, l'autrice tombe peu à peu dans l'oubli et son œuvre n'est, à ce jour, plus rééditée. Le présent travail de recherche est donc avant tout un travail de résurrection littéraire d'une auteure dont la virtuosité ne saurait être ignorée, au regard des questions liées aux femmes, à leur corps et à leur place, qui tiraillent encore notre société contemporaine.

Cet article examine le corps féminin dans Le Chef-d’œuvre inconnu en fonction du titre du tableau, La Belle-Noiseuse, que Balzac a ajouté en 1837 mais a supprimé dans la version finale de 1847. Affirmant qu’il n’y a pas une Belle-Noiseuse mais deux, l’article soutient que le titre exprime le rôle des femmes comme noiseuses dans le texte. Leurs corps indomptables contrarient le génie de Frenhofer et l’intrigue de Balzac, tout en fournissant une nouvelle théorie de la créativité fondée sur le conflit., This paper examines the female body in Le Chef-d’œuvre inconnu in relation to the title of Frenhofer’s painting, La Belle-Noiseuse, which Balzac added in 1837 but then removed from the final 1847 publication. Arguing that there is not one Belle-Noiseuse but two, the paper claims that this title reflects the role of women as troublemakers in the text. Their unruly, troublemaking bodies thwart Frenhofer’s genius, frustrate the narrative, and provide a new theory of creativity based on conflict.

Cette thèse, basée sur l'analyse du discours pêcheuxtien, amorce des réflexions sur les discours liés à l'univers féminin, dont la trajectoire est rythmée par des thèmes travaillés par le féminisme au point où ils se croisent avec la voie cyclico-discursive de l'œuvre brésilienne Sangria, de Luiza Romão. L’œuvre étudiée nous incite à réfléchir à la rigueur avec laquelle les corps féminins sont soumis et à quel point les exigences sociales les oppriment. Face à des images de fragments de corps pressés par des mèches, cousus par des fils, superposés par des lames ou percés d'aiguilles, nous sommes appelés à abandonner l'état d'indifférence. L'impression de ces images s’enferme dans les effets des sens pénétrant les spirales de la mémoire où l'on (re)visite les embargos historiques sur les manifestations des subjectivités féminines. De plus, la transgressivité de certains poèmes dénonce l'interdiction de certains mots liés aux organes génitaux féminins, ce qui nous permet de questionner les raisons d'une telle interdiction lorsque nous la comparons, par exemple, à l'abondance synonymique des usages qui impliquent un “pouvoir supposé” lié aux organes génitaux masculins. Ainsi, nous réfléchissons à la façon dont les discours sur le féminin peuvent s'ouvrir à différentes possibilités analytiques, gênant et défiant, à la fois, la logique qui assure la transparence et la stabilité des significations. Dans la lecture de Sangria, nous voyons un espace pour questionner la manière dont lesfemmes étaient et continuent d'être signifiées. Comme fondement théorique pour les analyses, nous avons utilisé des notions développées par l'analyse du discours telles que: les conditions de production, la mémoire, les pré- construites, les formations discursives, entre autres. C’est avec eux que, au milieu des dispersions de discours et de significations auxquelles Sangria fait référence, nous poursuivons les régularités qui “parlent”' à travers les dénis, les transgressions, les ironies, les lumières, les ombres, etc. Et par rapport à l'analyse de la matérialité de l'imagerie, nous considérons qu'elle «dépasse» les preuves visuelles d'un ordre idéologique, souvent imposée à nos yeux. Esta dissertação, fundamentada na Análise de Discurso pecheuxtiana, enceta reflexões sobre discursos relacionados ao universo feminino, tendo sua trajetória timoneada por temas trabalhados pelo feminismo no ponto em que cruzam com o percurso cíclico-discursivo da obra Sangria, de Luiza Romão. A obra estudada nos instiga a pensar sobre o rigor pelo qual os corpos femininos são submetidos e o quanto as exigências sociais os oprimem. Diante de imagens de fragmentos de um corpo premidos por trancas, costurados por fios, sobrepostos por lâminas ou perfurados por agulhas, somos chamados a abandonar o estado da indiferença. A impressão que essas imagens nos causam embrenha os efeitos de sentidos penetrando em espirais de memória onde (re)visitamos embargos históricos sobre as manifestações das subjetividades femininas. Além disso, a transgressividade de alguns poemas, denuncia a interdição a determinadas palavras relacionadas à genitália feminina, o que nos permite questionar as razões de tal interdição quando a comparamos, por exemplo, à abundância sinonímica de usos que envolvem uma ‘suposta potência’ ligada à genitália masculina. Assim, refletimos sobre o modo como os discursos sobre o feminino podem se abrir a diferentes possibilidades analíticas, desacomodando e desafiando, a um só tempo, a lógica que prevê a transparência e a estabilidade de sentidos. Vemos na leitura de Sangria um espaço para o questionamento sobre formas pelas quais as mulheres foram e continuam a ser significadas. Como fundamentação teórica na condução das análises, recorremos a noções trabalhadas pela Análise do Discurso como: condições de produção, memória, pré-construído, formações discursivas, entre outras. E com elas é que, em meio às dispersões de discursos e sentidos aos quais a obra nos remete, perseguimos as regularidades que ‘falam’ através de negações, transgressões, ironias, luzes, sombras etc. E no que se refere às análises da materialidade imagética, consideramos que ela ‘sobre-excede’ as evidências visuais de ordem ideológica, frequentemente impostas a nossos olhares.

La débauche la décorait d’une beauté infernale.(Novembre, 1842) J’ai peur de n’aimer qu’une conception de mon esprit et de ne chérir en elle que l’amour qu’elle m’avait fait rêver.(Mémoires d'un fou, 1838) Lectures du collégien Flaubert Les œuvres de jeunesse de Flaubert reproduisent un certain nombre d’idées convenues dans lesquelles la société contemporaine est convaincue de reconnaître la vérité de la « nature » féminine. Ce phénomène de reflet n’a rien qui puisse surprendre. Comme tous le...

Ève, Circé, Dalila, Hélène, Cléopâtre, Dubarry et bien d’autres prouvent assez que, depuis le commencement du monde, elles sont faites pour combattre l’idéal, humilier l’homme et perdre les empires.(Le Sexe faible, 1873, acte I, sc. 6)Théorie du gant. – C’est qu’il idéalise la main, en la privant de sa couleur, comme fait la poudre de riz pour le visage ; il la rend inexpressive (...) mais typique ; la forme seule est conservée et plus accusée (...). Rien n’est plus troublant qu’une main gant...

La fréquentation de ces deux femmes faisait dans sa vie comme deux musiques : l’une folâtre, emportée, divertissante, l’autre grave et presque religieuse ; et, vibrant à la fois, elles augmentaient toujours, et peu à peu se mêlaient ; – car, si Mme Arnoux venait à l’effleurer du doigt seulement, l’image de l’autre, tout de suite, se présentait à son désir, parce qu’il avait, de ce côté-là, une chance moins lointaine ; – et dans la compagnie de Rosanette, quand il lui arrivait d’avoir le cœur ...

« La femme est un produit de l’homme. Dieu a créé la femelle et l’homme a fait la femme ; elle est le résultat de la civilisation, une œuvre factice. Dans les pays où toute culture intellectuelle est nulle, elle n’existe pas (...). Quelles femmes c’étaient que les courtisanes grecques ! Mais quel art c’était que l’art grec ! Que devait être une créature élevée pour contribuer aux plaisirs complets d’un Platon ou d’un Phidias ? ».(Lettre à Louise Colet, 27 mars 1853) « Je tourne beaucoup à la ...

A la femme la maison, à l’homme la place publique.Proudhon(Système des Contradictions économiques ou Philosophie de la Misère) En entreprenant cette étude sur les mythes et l’idéologie de la femme dans les romans de Flaubert, je n’ai pas sacrifié à une mode : les questions que je me suis posées à ce sujet sont plus anciennes. Toutefois j’ai conscience d’avoir été stimulée, encouragée dans cette voie, par la réflexion qui après 1970 a été plus systématiquement et méthodiquement conduite à prop...

« Quant à vivre avec une femme, à me marier comme vous me le conseillez, c’est un horizon que je trouve fantastique (...). L’être féminin n’a jamais été emboîté dans mon existence (...). Il y a en moi un fond d’ecclésiastique qu’on ne connaît pas ».(Lettre à G. Sand, 28 octobre 1872) INTRODUCTION : L’AGE DES BILANS Avec le « cataclysme » de la guerre de 1870, la Commune, cette « dernière manifestation du moyen âge », la mort de sa mère, de ses amis, les tracas consécutifs à la menace de faill...