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[spa] Este trabajo se articula en torno a las posibilidades de la «presentación» en contraposición a la «re-presentación» en el ámbito artístico. Prestando atención al exceso de mediatización que se padece en todos los ámbitos, se dibuja, en primer lugar, un panorama general de la experiencia del mundo, para ir estrechando el punto de vista sobre el arte y sobre el sujeto, así como sobre el contexto en el que el individuo se encuentra con la obra de arte. Se describe lo que se viene a llamar crisis de la representación para indicar un nuevo y viejo camino a través del cual la “presentación” se abre paso. En sus líneas fundamentales, este trabajo analiza aspectos y estrategias dentro de la misma presentación, que tienen por objeto poner en duda la estabilidad aparente del edificio de la cultura, entrelazando obras de artistas a nivel internacional, a partir de los conceptos que de ellas emanan con aportaciones de interés a este ámbito de estudio. Se traza un recorrido de actuaciones en la configuración del hecho artístico a partir de la propia práctica artística del autor, que va desde la perturbación de la presentación a la presentación de la perturbación, para acabar valorando la capacidad de artistizar la mirada y cuestionar de ese modo el sistema jerárquico de legitimación del arte, a la vez que se aporta una nueva categoría experimental que he denominado «proto-arte», que revindica una concepción del arte más plural, expansiva y emancipadora.

[spa] El primer límite en que situamos nuestro trabajo es de orden geográfico (y por extensión, de tipo cultural). Hunde sus raíces en la isla de Mallorca. Nuestro interés, por ello, parte de un conocimiento directo de este contexto, tanto de sus instituciones como de sus mecanismos culturales, sin dejar de lado su sistema de galerías. En el ejercicio del trabajo artístico y creativo radicado en la isla de Mallorca, si nos centramos en la pintura, podemos encontrar un grupo heterogéneo y activo de artistas, que, de forma rigurosa y profesional vienen dedicándose con asiduidad a la práctica de la pintura abstracta. Nacidos en las décadas de los años cincuenta y sesenta (con algunos antecedentes previos) y a los que han ido añadiéndose nuevas generaciones, sus autores desarrollan su trabajo en el taller y hacen pública su actividad en exposiciones en una continuidad que se extiende desde los años setenta hasta la actualidad. Su relevancia crítica puede rastrearse principalmente en la prensa de las Islas Baleares, en un contexto local. El estudio de investigación que presentamos engloba también a artistas foráneos, mayores en edad, venidos de Estados Unidos, Inglaterra o Argentina y que han ocupado un lugar relevante en el desarrollo de la plástica abstracta de la isla durante el periodo mencionado. La primera idea del estudio que nos proponemos se gestó con motivo de la exposición de pintura de la Conselleria de Cultura del Govern Balear que, bajo el título de Abstraccions (Pintura no figurativa a les Illes Balears), se realizó en la La Lonja de Palma de Mallorca (un edificio emblemático de la ciudad) durante los meses de Septiembre y Octubre del año 1996. Incluía una amplia nómina de artistas cuyo número total era de cincuenta y siete pintores, todos relacionados con la pintura abstracta. Estudiamos este grupo de artistas porque su trabajo se encuentra en muchas ocasiones oscurecido, sobre todo, por pertenecer a una rama del arte que no exhibe características de moda o actualidad. Tratamos de reafirmar la vitalidad de esta tendencia, a la que estos pintores se entregan desde el ejercicio individual, conocedores todos ellos de las corrientes actuales. La práctica de la pintura de taller exige unas cualidades de dedicación lenta que no se prodiga demasiado en la posmodernidad. El hecho de que sigan practicando la pintura, y el respeto personal hacia ellos así como la creencia en la validez artística de su trabajo, me han animado así mismo a realizar este estudio. Su elección se justifica también por el buen nivel plástico reconocido de las obras de estos artistas, motivo que les hace merecedores de un estudio que ofrezca un testimonio conjunto de su actividad, ya que todos ellos continúan trabajando en lo que creen: La práctica de la pintura abstracta, independientemente del hecho que ésta no pertenezca demasiado al discurso principal establecido por una crítica centrada principalmente en otras cuestiones (tales como el cuerpo, el lenguaje, la performance, la instalación, las cuestiones de sexo e identidad, el arte del tercer mundo y el arte dirigido a aspectos sociológicos diversos). Son asimismo válidos por la necesidad de inclusión de estas prácticas pictóricas en nuestra cultura y sociedad, por su interés por preservar la legitimidad de la identidad artística en una sociedad de masas, con la total ubicuidad de los media como agentes de transformación del pensamiento y conducta del hombre actual, por su interés en la necesaria coexistencia y dialéctica del mundo de las nuevas tecnologías y soportes electrónicos en lugar del soporte tradicional de la técnica de la pintura. Existe, por todo ello, una necesidad de definir y acotar el ejercicio de la pintura abstracta en los años en que el mundo ha sufrido grandes transformaciones -el mundo de la globalización- y ello ha afectado las características tanto del artista como de la recepción y presentación de la obra de arte. Y, finalmente, nos sigue interesando el estudio de la existencia de proyectos artísticos específicos concretos que siguen valorando la abstracción como medio expresivo.

This paper reports the preliminary results obtained from the data acquired during the diagnostic survey, begun in September 2011, to evaluate the state of conservation of the mural Tuttomondo (1989) by Keith Haring (1958-1990). Multispectral imaging technique, ultra-high resolution photography, ultraviolet (UV), visible (Vis), and near infrared (NIR) Fiber Optic Reflectance Spectroscopy (FORS), colorimetry, and Pyrolysis-Gas Chromatography/Mass Spectrometry (Py-GC/MS) analysis were performed directly on the mural or on samples taken from the mural to support the conservation intervention, which was focused on cleaning and the subsequent consolidation of the painting. These analyses were carried out as part of the research project "Preventive Conservation of Contemporary Art" (COPAC). The COPAC Project is a 2-year research project (2011-2013) financially supported by the Regione Toscana (Tuscany, Italy) in the PAR-FAS program, Disciplinary Framework Science and Technology for the Safeguard and Valorisation of Cultural Heritage. The COPAC 2 Project is a joint effort of research institutions, conservators, city councils, museums, and art collections in Tuscany. COPAC activities are focused mainly on the study of the materials used by contemporary artists to produce their artworks with a twofold goal: defining artworks materials and monitoring their conservation and/or their degradation processes over time. In order to achieve this goal the research team adopted a plan based on the use of several diagnostic methodologies for the study of selected contemporary artworks belonging to museums, galleries, and collections in Tuscany. The purpose of this approach was to acquire as much data as possible about artists' materials and techniques and, also, to monitor both the state-of-conservation of the artworks and the surrounding environmental conditions (Learner, T. 2005; Chiantore, O., Rava, A. 2013). All of the collected data will be used to evaluate the conservation-state of the artworks selected for investigation and to identify their risk factors in order to select the most appropriate preservation practices. The ultimate goal of the COPAC Project is to set up an interactive archive to manage and disseminate the acquired information for the benefit of all of the curatorial and technical participants.