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RESUMEN En los últimos años, la idea de lo que es la literatura viene diluyendo sus fronteras en el discurso de la crítica al punto tal de que es posible encontrar objetos de análisis ligados a cruces con otros lenguajes. En este artículo se abordan una serie de producciones críticas, englobadas alrededor de la categoría “crítica performática”, que se ven afectadas por dichas experiencias literarias y pretenden repensar, a partir de ellas, su soporte y su lugar de habla. ABSTRACT In the last several years, the concept of literature has blurred its borders in the critical discourse, to the point that it is possible to find topics of critical analysis examined alongside other forms of discourse. This article will address examples of critical production identified within the category of “performatic criticism” that are affected by the writers’ literary experiences and that, from these experiences, seek to rethink their support and their place of speech. RESUMO Nos últimos anos, a ideia do que é literatura tem diluído suas fronteiras no discurso da crítica a ponto de ser possível encontrar objetos de análise ligados a cruzamentos com outras linguagens. Neste artigo, são abordadas produções críticas, identificadas a partir da categoria "crítica performática", que são afetadas por essas experiências literárias e buscam repensar, a partir delas, o seu suporte e o seu lugar de fala.

Desenvolve-se uma reflexão em torno das noções de campo expandido, de hibridismo, de inespecifidade e, principalmente, de pós-autonomia que, embora tenham surgido em diferentes momentos da crítica literária contemporânea, convergem entre si no que diz respeito à recepção de produções literárias latino-americanas no último quartel do século XX e no início do século XXI. Para fins exegéticos, lê-se evidências de uma ficção pós-autônoma que também possibilita leituras críticas sob essa mesma perspectiva na produção recente da escritora brasileira Veronica Stigger, sobretudo em seu livro Sombrio Ermo Turvo (2019). Verifica-se que os vinte e quatro textos que compõem essa obra apresentam modos de expansividade de uma arte fora de si, o que os tornam “formas mutantes”. Por fim, conclui-se que o intenso crossover de dicções (autobiográfica, autofictícia, cômica, dramática, ensaística, irônica, intertextual, lírica, metafictícia, performática, realista, trágica), de discursos e de formas nos textos inclassificáveis de Sombrio Ermo Turvo expande os limites entre as fronteiras literárias tradicionais. Logo, os hibridismos típicos da escrita de Stigger tornam obsoletos os binarismos ficção x realidade, verdade x simulacro, autobiografia x autoficção e testemunho x invenção, o que possibilita a crítica ler seus escritos inespecíficos como ficções pós-autônomas.

This article reviews the three uses of “expanded field” by Rosalind Krauss, related respectively to the modern sculpture, the modernist painting and the medium. To do so, it interweaves some of Krauss’ texts, observing her shift of focus from the expanded field to the white cube. This reading exercise responds directly to the phenomenon of increasing appropriation of the “expanded field” in Brazilian recent artistic debates, seeking an adequate understanding of the uses of the structuralist square made by Rosalind Krauss. El presente artículo propone una lectura de los tres usos del cuadrado estructuralista realizados por Rosalind Krauss, respectivos a la escultura moderna, a la pintura modernista y al medium. Para ello, entrelaza algunas obras de la autora, observando en este proceso su desplazamiento de foco del campo expandido de la escultura al cubo blanco. Este ejercicio de lectura responde directamente al fenómeno de creciente apropiación del "campo expandido" en los debates artísticos brasileños recientes, buscando una comprensión más adecuada a los usos del cuadrado estructuralista realizado por Rosalind Krauss. x x O presente artigo propõe uma leitura dos três usos do quadrado estruturalista realizados por Rosalind Krauss, respectivos à escultura moderna, à pintura modernista e ao medium. Para isso, entrelaça algumas obras da autora, observando neste processo seu deslocamento de foco do campo expandido da escultura ao cubo branco. Este exercício de leitura responde diretamente ao fenômeno de crescente apropriação do “campo expandido” nos debates artísticos brasileiros recentes, buscando uma compreensão mais adequada aos usos do quadrado estruturalista realizado por Rosalind Krauss.

Esta investigación analiza dos obras de cada uno de los artistas colombianos Danilo Dueñas, Delcy Morelos y Verónica Lehner realizadas en la segunda década del siglo XXI. Aquí se propone una mirada que parte de la materialización de estas obras arte, con el fin de justificar que se tratan de pinturas expandidas a partir de la definición planteada por Mark Titmarsh en libro "Expanded Painting" (2017) y ampliada por Maria Clara Figueroa a partir de la práctica de estos artistas. En el arte contemporáneo colombiano de la segunda década de siglo XXI, encontramos una multiplicidad de prácticas que muestran diversas formas de expresión a partir de la constante reinvención del arte. Hoy en día, encuentro que hay muchos vacíos para abordar de manera apropiada obras que parecen integrar diversos elementos en el país. Para crear una forma de acercarse a estas obras, consideré necesaria la búsqueda de teorías y aproximaciones a las obras de arte que permiten realizar un análisis más complejo y apropiado para que se pueda englobar la esencia de una de estas prácticas contemporáneas. En esta investigación se abordaron dos obras de cada uno de los artistas colombianos Danilo Dueñas, Delcy Morelos y Verónica Lehner para entender la inclusión de estrategias diferentes de elaboración y materialización que integran nuevamente la práctica de la pintura en la contemporaneidad. En este texto se identifica cómo estas obras incluyen aspectos de esta práctica como elementos fundamentales y constitutivos a partir de un análisis detallado que contempla perspectivas, temáticas y aspectos que están contenidos en cada una de ellas. Todo esto para aclarar que no se tratan de meramente de esculturas o instalaciones. Partiendo de estos análisis encuentro que el término apropiado para acercarse a la materialización o forma de estas obras es el de pintura expandida. La bibliografía relacionada con estos artistas permitió evidenciar la inclusión de esta noción en el contexto colombiano sin haber sido abordada aún con profundidad. Por esta razón la tesis, define, incluye y justifica la pertinencia de esta noción del dentro del marco espacio-temporal seleccionado. Para lograr una aproximación a esta noción, se buscó su origen en la historia y la teoría del arte. Rosalind Krauss fue una de las primeras personas que se aproximaron a esta noción del ¿campo expandido¿ en la escultura y menciona que esto también se evidencia en la pintura sin haberlo analizado a profundidad. Posteriormente, Mark Titmarsh realizó un estudio detallado de esta noción enfocado en el campo de la pintura. Con esta investigación se llega a comprender que la pintura expandida permite la comprensión de las obras seleccionadas en aspectos que se encontraban ocultos en un primer acercamiento, más allá de la escultura y la instalación. A través de los análisis se muestran diversas estrategias artísticas en las que se aclara cómo se aborda la pintura desde la materialidad y cómo esta postura permite darle nueva perspectiva a una práctica que parecía estar muerta en diversos escenarios. Magíster en Historia del Arte Maestría área de historia del arte

Submitted by Joana Mateus (jmateus@campus.ul.pt) on 2021-11-18T11:52:58Z No. of bitstreams: 3 ULFBA_TES_1412_CAPA.jpg: 86463 bytes, checksum: 656c55768c54e1cff4bf53413a022128 (MD5) ULFBA_TES_1412.pdf: 56990719 bytes, checksum: dddb8d327424118887d6b0f44706e5ed (MD5) ULFBA_TES_1412_Anexos.pdf: 21369340 bytes, checksum: c1b50f46f463d5fb5a9d595b9e8cd646 (MD5) Made available in DSpace on 2021-11-18T11:53:29Z (GMT). No. of bitstreams: 3 ULFBA_TES_1412_CAPA.jpg: 86463 bytes, checksum: 656c55768c54e1cff4bf53413a022128 (MD5) ULFBA_TES_1412.pdf: 56990719 bytes, checksum: dddb8d327424118887d6b0f44706e5ed (MD5) ULFBA_TES_1412_Anexos.pdf: 21369340 bytes, checksum: c1b50f46f463d5fb5a9d595b9e8cd646 (MD5) Previous issue date: 2021-06-29

Orientador: Holly Elizabeth Cavrell Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: O trabalho que aqui se apresenta propõe trabalhar o conceito de Campo Expandido relacionando-o à História da Dança Cênica. Problematiza-se o uso das palavras espaços alternativos e não convencionais como terminologia utilizada para referir-se às danças feitas fora dos teatros, pensando que seu uso pode indicar uma confusa relação da saída dos palcos, ligando este fato exclusivamente ao uso do espaço e minimizando outros aspectos composicionais da obras. É trazido o cenário no qual se instalou a dança pós-moderna, especificamente nos anos de 1960 e 1970 no Estados Unidos da América por acreditar que os processos que estes artistas atravessaram, possibilitaram a ampliação de práticas expandidas na dança contemporânea. Acompanhamos este período, ilustrando o contexto por meio das práticas de artistas como Merce Cunningham, Anna Halprin e Trisha Brown. Partindo deste olhar, investe-se na busca de traçar como estas mudanças ainda ressoam no presente e caminham influenciando as convenções nas artes, possibilitando uma contínua ampliação da produção em áreas que se dedicam a implementação outras possibilidade de criação em dança, que àquela estabelecida nos palcos, trazendo exemplo destes comportamento por meio da observação da ação em dança de outros artistas e de práticas da própria autora Abstract: The work in question proposes working with the concept of Expanded Field by relating it to Dance History. It discusses the use of the words alternative and unconventional spaces as terminology used to refer to dances made out of theaters, thinking that their use may indicate a confusing relationship. To this end, it deals within the scenario of the post-modern dance generation, in the 1960s and 1970s in the United States. We follow this period, presenting the context and illustrating it through the practices of artists such as Merce Cunningham, Anna Halprin and Trisha Brown. It is believed that the processes that these artists developed, allowed for the expansion of practices in contemporary dance. From this point of view , we seek to trace how these changes still resonate in the present and continue influencing art's fronteirs, enabling an expansion of production in areas that are dedicated to implementing other possibilities for creating dance, other than traditional venues, bringing example of these behaviors by observing the action in other artists and self-authoring practices Mestrado Teatro, Dança e Performance Mestra em Artes da Cena

El grabado está viviendo en la actualidad una renovación sin precedentes, producto de un proceso de actualización en el arte gráfico contemporáneo, impulsado no solo por nuevas técnicas y tecnologías, sino también por una concepción más interdisciplinar. Por otra parte, algunos artistas, adeptos a las técnicas más puristas, apuestan por estrategias que cuestionan los fundamentos del grabado tradicional, encaminándose hacia una gráfica de campo expandido que rompe con los límites establecidos: la redefinición de la serie, la experimentación con soportes alternativos, la superación del plano bidimensional hacia la instalación gráfica, la hibridación y transdisciplinariedad, etc. Tecnologías diversas han irrumpido en el ámbito del grabado, poniendo a disposición del artista nuevas herramientas y estrategias de trabajo, economizando los tiempos y consiguiendo un mayor perfeccionamiento técnico, produciendo un cambio en la forma de entender, tanto en la manera de concebir la obra como en la ejecución técnica de la misma. Printmaking is currently undergoing an unprecedented renewal, as a result of a contemporary printmaking’s updating process, driven not only by new techniques and technologies but also by an interdisciplinary approach. On the other hand, there are some artists working under the purest techniques who are focusing on strategies that question traditional printmaking’s foundations, heading towards an expanded understanding of printing that breaks with the established limits: redefinition of the series, experimentation with alternative supports, overcoming the two-dimensional plane towards graphic installation, hybridization and trans-disciplinarity, etc. Digital technologies have barged into the printmaking field, making new tools and work strategies available to the artist, saving time and achieving greater tech- nical improvement. These qualities are producing changes on how we understand woodblock printing, both in the way of conceiving the artwork and in the technical execution of it.

Esta tese de doutoramento tem como interesse investigativo duas obras da ficção brasileira contemporânea – Os famosos e os duendes da morte, de Ismael Caneppele (2010), e Terminal, de Flávio Komatsu (2018). O objetivo principal desta análise é observar o modo como cada romance responde, nos âmbitos de sua produção, circulação, formalização material, bem como no que diz respeito às suas opções temáticas/formais e nas práticas de leitura que possibilita e/ou requisita, a um contexto de cultura e textualidades digitais. Assim, tendo em vista admitir que um conceito de literatura, ancorado em um paradigma disciplinar autônomo/fechado, já não consegue abranger o cenário literário na contemporaneidade digital, é que esta pesquisa lança mão de uma perspectiva expandida para pensar os “desenquadramentos” de categorias consolidadas ou as “inespecificidades” (a expessão é de Florencia Garramuño, 2014) das/nas textualidades que se lançam aos desafios – potencialidades/contingências – das mídias digitais. A metodologia desta pesquisa, que é de cunho bibliográfico, contempla os estudos teórico-críticos formulados por Canclini (2016), Garramuño (2014), Laddaga (2012), Ludmer (2010), Kluscinskas e Moser (2007), Jenkins (2009), Bolter e Grusin (2000), Resende (2008), Rocha (2014; 2016; 2018; 2019; 2020), dentre outros. Esperamos que os resultados contribuam com o debate acerca de como se configura o literário na contemporaneidade digital, e endossem as reflexões/problematizações sobre a expansão dos campos, tão urgentes e necessárias para que muitas textualidades da cena contemporânea não sejam excluídas ou invisibilizadas. This doctorate thesis has as investigative interest two works of the contemporary Brazilian fiction – Os famosos e os duendes da morte (The famous ones and the dwarfs of death), by Ismael Caneppele (2010), and Terminal (Terminal), by Flávio Komatsu (2018). The main goal of this analysis is to observe the way how each romance answers to, in the ambits of their production, circulation, material formalization, as well as about its formal/thematic options and in the reading practices that make it possible and/or request, to a culture context and digital textualities. So, in order to admit that a concept of literature, anchored in an autonomous/a closed disciplinary paradigm, is no longer able to cover the literary scenario in digital contemporaneity, it is that this research makes use of an expanded perspective to think about the “mismatches” of consolidated categories or the “non-specificities” (the expression is by Florencia Garramuño, 2014) of/in the textualities that face the challenges - potentialities/contingencies - of digital media. The methodology of this research, which is of bibliographic nature, contemplates the theoretical-critical studies formulated by Canclini (2016), Garramuño (2014), Laddaga (2012), Ludmer (2010), Kluscinskas and Moser (2007), Jenkins (2009) , Bolter and Grusin (2000), Resende (2008), Rocha (014; 2016; 2018; 2019; 2020), among others. We hope that the results contribute to the debate about how literary is configured in digital contemporaneity, and endorse the reflections/problematizations about the expansion of fields, so urgent and necessary so that many textualities of the contemporary scene are not excluded or made invisible. Outro

Resumen Aunque las obras de Marco Moreira no guardan las convenciones propias del medio del dibujo -saliendo del soporte tradicional del papel e invadiendo el espacio tridimensional y la experiencia temporal-, veremos como el artista elabora un discurso retórico plástico en torno a la experiencia del dibujar a partir de sus elementos y principios esenciales: herramienta y materialidad, gesto y proceso, tiempo y espacio, recepción. Analizaremos como desarrolla una argumentación visual de manera a implicar mejor al espectador, especialmente con sus máquinas de dibujar, y como sus últimas piezas manifiestan la complejidad de sus reflexiones que se fueron gestando desde la vida y la actividad en el taller, desplegando resultados encadenados a medida que las respuestas van generando nuevos enfoques.

En esta investigación se aborda la interacción entre la pintura y la arquitectura en el espacio urbano en los siglos XX y XXI, empleando el color como uno de los elementos del lenguaje plástico y visual principal. Para ello, se analizan los movimientos pictóricos del constructivismo, De Stijl y el neoplasticismo, así como las prácticas pictóricas que tienen lugar en el espacio público al aire libre, contextualizando entre ellas a la pintura expandida. Todo ello, da sentido y conforma la base teórica en la que se desarrolla el proyecto pictórico personal, propuesto para tres espacios de recreo y esparcimiento de la Ciudad de Murcia, llegando a la conclusión de la necesidad del proyecto y de las intervenciones que contiene porque, son capaces de conectar pintura y arquitectura así como espacio urbano y sociedad a través de una metodología propia, basada en el diseño de una estrategia cromática funcional. En relación a la unión de las disciplinas pintura y la arquitectura, así como la implicación del color en la misma y la salida de las prácticas pictóricas al espacio público, se plantean diversas preguntas de investigación para la consecución de unos determinados objetivos que se exponen a continuación. Entre ellas destacan las cuestiones acerca de ¿cómo se ha integrado la pintura en la superficie arquitectónica a partir del siglo XX? ¿qué papel juega el público en la salida de la pintura al espacio público? o ¿qué características tendría que tener una propuesta pictórica desarrollada en el espacio urbano en la actualidad, para ser innovadora sin dejar de responder a los intereses expresivos personales? Teniendo en consideración estas y otras preguntas de investigación, los objetivos principales (generales y específicos) que se plantean en la Tesis versan sobre: la contextualización de la unión pintura-arquitectura en la historia, atendiendo a etapas concretas; definir los términos y fenómenos implicados en las prácticas pictóricas que tienen lugar en el espacio público; indicar qué elementos del lenguaje plástico y visual intervienen en la unión de la pintura con la disciplina arquitectónica; hacer una selección de artistas que trabajen con el color sobre la superficie arquitectónica del espacio urbano, desde la abstracción, y por último definir las pautas de una metodología propia relacionada con el proyecto personal que implique la hibridación de pintura y arquitectura a través del color. En lo referente a la metodología, se plantea un método deductivo en el que se contextualiza la unión pintura arquitectura a través de las prácticas pictóricas, centrando la investigación en los siglos XX y XXI. Todos los temas abordados en la Tesis están acompañados de ejemplos gráficos, los cuales se han seleccionado para ser explicativos de la teoría vista y ser posibles referentes para el proyecto personal, donde además se plantea una metodología propia en la que se propone un diseño de estrategia cromática aplicado a las intervenciones, las cuales tienen lugar en el espacio de la Ciudad de Murcia. De esta forma y referente a todo lo anterior, se llega a las siguientes conclusiones o resultados de la investigación, en los que se atiende a la aplicación del color sobre la arquitectura a manos de arquitectos, artistas o la colaboración de ambos en un proyecto. El resultado de estos diseños cromáticos varía dependiendo de si se trabaja sobre una arquitectura dada o únicamente en boceto, pues el color puede condicionar la distribución de los planos arquitectónicos. En cuanto a su aplicación sobre una arquitectura dada, suelen intervenir tanto aristas en solitario como la unión de arquitectos y artistas, la diferencia en los resultados radica en la libertad de la mancha pictórica por parte de los artistas, frente al uso frecuente de motivos geométricos por parte de los arquitectos. En el caso de la unión arquitecto-artista en una construcción sobre plano, tal y como se puede ver en los ejemplos analizados, el color se aplica siguiendo la forma original de los planos, lo único que éste condiciona la composición o distribución en planta de las paredes y otros elementos arquitectónicos. Los arquitectos cuando se enfrentan a una arquitectura sobre boceto suelen aplicar colores adaptados a los planos arquitectónicos, limitando la introducción de dibujos o grecas geométricas, que potencian el aspecto decorativo. Y por último también es relevante la diferencia en los tonos empleados, ya que la gama cromática de los arquitectos es más limitada que la de los artistas, pues estos tienen en consideración a la hora de seleccionarlos, la función de los habitáculos y la incidencia de la luz del sol sobre las paredes; en cambio, los artistas son libres a la hora de escoger los tonos y ello se nota en la cantidad que aplican en un proyecto This research addresses the interaction between painting and architecture in urban space in the 20th and 21st centuries, using colour as one of the elements of the main plastic and visual language. To this end, it analyses the pictorial movements of constructivism, De Stijl and neoplasticism, as well as the pictorial practices that take place in the public outdoor space, contextualising expanded painting among them. All this gives sense and forms the theoretical basis on which the personal pictorial project is developed, proposed for three recreational and leisure spaces in the city of Murcia, reaching the conclusion that the project and the interventions it contains are necessary because they are capable of connecting painting and architecture as well as urban space and society through a methodology of their own, based on the design of a functional chromatic strategy. In relation to the union of the disciplines of painting and architecture, as well as the involvement of colour in it and the exit of pictorial practices into the public space, various research questions are raised in order to achieve certain objectives, which are set out below. Among them, it stands out the questions about how painting has been integrated into the architectural surface since the 20th century? What role does the public play in the exit of painting into the public space? Or what characteristics should a pictorial proposal developed in the urban space today have in order to be innovative while still responding to personal expressive interests? Taking these and other research questions into consideration, the main objectives (general and specific) of this Thesis are dealing with: the contextualization of the painting-architecture union in history, attending to specific stages; to define the terms and phenomena involved in the pictorial practices that take place in the public space; to indicate which elements of the plastic and visual language intervene in the union of painting with the architectural discipline; to make a selection of artists who work with colour on the architectural surface of the urban space, from abstraction; and finally to define the guidelines of an own methodology related to the personal project that implies the hybridization of painting and architecture through colour. Regarding the methodology, a deductive method is proposed in which the union of painting and architecture is contextualised through pictorial practices, focusing the research on the 20th and 21st centuries. All the subjects dealt with in the Thesis are accompanied by graphic examples, which have been selected to explain the theoretical concepts and to serve as a reference for the personal project. Furthermore, an own methodology is contemplated in which a design of chromatic strategy applied to the interventions is proposed, taking place in the space of the city of Murcia. In this way and referring to all the above, the following conclusions or results of the investigation are reached, in which the application of colour on architecture by architects, artists or the collaboration of both in a project is taken into account. The result of these chromatic designs varies depending on whether one is working on a given architecture or only on a sketch, since colour can condition the distribution of architectural plans. As for their application on a given architecture, they usually involve both solo artists and the union of architects and artists. The difference in the results lies in the artists' freedom from the pictorial stain, as opposed to the frequent use of geometric motifs by the architects. In the case of the union between architect and artist in a construction on plan, as can be seen in the examples analysed, colour is applied following the original form of the plans, but it conditions the composition or distribution on plan of the walls and other architectural elements. When architects are faced with an architectural design, they usually apply colours adapted to the architectural plans, limiting the introduction of drawings or geometric fretwork, which enhance the decorative aspect. And finally, the difference in the tones used is also relevant, since the chromatic range used by architects is more limited than that of artists. Architects take into consideration the function of the rooms and the incidence of sunlight on the walls whereas artists are free when choosing the tones and this is evident in the amount they apply in a project.

Resumo Neste artigo, analisamos a exposição fotográfica Corpo-poema, a partir das noções de campo expandido, pós-autonomia e inespecificidade, visando a compreender os processos criativos e vivenciais da arte, no projeto em questão, e os modos pelos quais o trabalho potencializa a liberação dos corpos femininos, assim como a restituição da literatura e do corpo aos espaços públicos. Num processo em que corpo e palavra são refuncionalizados, ambos desestabilizam a instituição literária e colaboram para um sentido de ampliação do campo da literatura contemporânea brasileira. Abstract This article discusses the photographic exposition titled Corpo-poema [Body-poem], drawing on concepts such as expanded field, post autonomy and unspecificity, seeking to understand both the creative and experiential artistic processes involved in this project, and the ways in which this work promotes the liberation of women’s bodies, as well as the restitution of literature and the body in public spaces. In a process in which body and word are repurposed, they both unsettle the literary institution and contribute to expanding the field of Brazilian contemporary literature. Resumen En este artículo analizamos la exposición fotográfica Corpo-poema [Cuerpo-poema] desde las nociones de campo expansivo, posautonomía e inespecificidad, intentando comprender los procesos creativos y de vida en el arte en dicho proyecto, además de los modos por los que este trabajo potencia la liberación de los cuerpos femeninos, así como la restitución de la literatura y del cuerpo a los espacios públicos. En este proceso, en el que el cuerpo y la palabra se refuncionalizan, ambos desestabilizan la institución literaria y colaboran para una reestructuración y ampliación del campo de la literatura brasileña contemporánea.

Las páginas que siguen buscan estudiar la tensión entre visualidad y escritura, contando con que esta zona de trabajo desafía a la lectura crítica pues las herramientas necesarias para este abordaje están dispersas y aún en construcción. Nos inscribimos en una perspectiva teórica que trabaja con la literatura como material irreductible al procedimiento explicativo que opera por interpretación. Tal enfoque propone recuperar aquellos lugares de la poesía que escapan a la cohesión definitiva del sentido en la obra. “Suplementos” es el nombre que ensayó Josefina Ludmer hacia 1973 en las primeras páginas de la famosa Revista Literal (2011, p. 81) para nombrar estos restos que no pueden capturarse de manera definitiva en el análisis literario. Para situar los alcances de dicha noción trabajaremos a partir de los movimientos propios de dos poemarios de Mauro Cesari, Una tarde en Ciudad Ganglio publicado en 2014 por Ediciones VOX y su publicación más reciente, de 2018 por Borde Perdido Editora, titulada El espía psíquico. En ese marco quisiéramos pensar el vínculo entre la literatura y la plástica en la condición expandida (KRAUSS, 1979, p. 30) de la poesía contemporánea. Fil: la Rocca, Paula. Consejo Nacional de Investigaciones Científicas y Técnicas. Centro Científico Tecnológico Conicet - Córdoba. Instituto de Humanidades. Universidad Nacional de Córdoba. Instituto de Humanidades; Argentina

Resumen Este artículo investiga la noción de Pintura no albergada, planteada por el pintor, arquitecto y profesor Francisco Méndez Labbé en la Escuela de Arquitectura y el Instituto de Arte de la Universidad Católica de Valparaíso. El concepto surgió desde un cuestionamiento de los medios tradicionales de la pintura a través de un abandono paulatino de la superficie, idea que se inserta dentro de una trayectoria mayor en donde el artista buscó tanto un desprendimiento del soporte como una relación con el entorno. Si bien fue formulado en 1979, cuando Méndez impartió un taller con ese nombre, las experiencias que cuestionaron el medio comenzaron con los “signos” realizados en los actos poéticos en la década de los sesenta y prosiguieron con murales abstractos hechos entre 1969 y 1973 en Valparaíso y los ejercicios de Pintura no albergada, llevados a cabo en Ciudad Abierta (Ritoque) y en viajes por Chile. Durante los noventa, se desarrollaron también en el Museo a Cielo Abierto y en las acciones de pintura digital. Pese a su diversidad, estas propuestas están aunadas por la supresión de los límites y el cuestionamiento del medio, lo que lleva a sugerir un vínculo con la noción de campo expandido definida por Rosalind Krauss. Las ideas de Krauss fueron introducidas a la Escuela de Arquitectura por Claudio Girola, quien las vinculó con su trabajo. Méndez, por su parte, no citó el texto, pero -como se demostrará a través de sus escritos y ejercicios- hay en su obra una reflexión sobre la teoría del campo expandido. Se propone que este arquitecto logró adaptar el planteo de la historiadora norteamericana a su obra, sugiriendo un análisis de la pintura que superara la especificidad medial para relacionarse con el entorno gracias a un soporte ya no bidimensional y rígido, sino abierto y ambiguo.

O presente artigo propõe uma reflexão sobre a especificidade da fotografia e as transformações proporcionadas pelo desenvolvimento da fotografia digital. Marcada desde o início por uma heterogeneidade de usos e processos, a imagem fotográfica parece ter recusado, desde sua invenção, uma definição específica de meio, englobando diversas técnicas. A essa originária falta de contornos da fotografia soma-se agora a consolidação da tecnologia digital, que, nos últimos anos, transformou definitivamente nossa relação com as imagens. Tomando como marco a discussão em torno da ideia de “campo ampliado” apresentada por Rosalind Krauss e escritos teóricos recentes sobre a imagem fotográfica, este estudo procura contribuir para a compreensão da fotografia digital a partir de duas questões principais: 1. É possível circunscrever a fotografia dentro de um campo, mesmo que ampliado? 2. Como a fotografia digital se relaciona com os diferentes procedimentos e usos reunidos, a partir da metade do século XIX, sob o nome fotografia?

CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior Esta tese é desenvolvida a partir de diversas leituras analíticas de escritos produzidos por diferentes autores nos últimos três séculos. Textos que no interior dos quais discutiram-se propostas para o ofício da crítica da literatura e das artes que se faz e se experimenta no bojo da inventividade. Em primeiro lugar nutre-se uma concepção, já compartilhada com autores de referência, de que é mais fecunda a crítica que se apropria de seu objeto referencial e a ele se funde, criando uma estrutura nova, dotada do mesmo status da obra abordada e, assim, sendo compreendida no limiar da literatura. A proposta que se torna o problema do trabalho de pesquisa, contudo, é um exercício crítico-performático com um poema sobre o surfe, escrito pelo poeta brasileiro Alberto Pucheu, a partir do qual se busca uma ideia de paradigma para a relação entre a produção crítica e a produção literária hoje. Para tanto, o parâmetro estético da tese mira no tom livre e rigoroso do ensaio, bem como no apelo às experiências corporais de modalidades esportivas acessadas numa correspondência com a experiência artístico-literária. Isso pode ser compreendido na medida do pareamento dessa experiência com os múltiplos movimentos do corpo, na manutenção de uma saúde, assim como preconizam pensadores como Gilles Deleuze. Em seguida, ensaios de envergadura experimental e heterodoxa são produzidos à luz dos parâmetros estabelecidos a priori, na medida em que tecem uma linha de leitura aproximativa entre os fragmentos de Friedrich Schlegel, parte da obra autobiográfica de Henry Miller e os escritos e performances de Roberto Corrêa dos Santos, cada qual ilustrando uma atitude do corpo como sendo correspondente ao ofício de escritores, críticos e artistas que eles são. Cria-se, ao fim, um elo entre os recortes analisados de cada autor, que se solda numa parábola nietzschiana pensada junto com a imagem dos levantadores de peso olímpico. A tese pode, de alguma forma, contribuir para o debate inserido no campo expandido dos estudos literários contemporâneos. The present thesis is developed from several analytical readings of writings from different authors in the last three centuries, inside which are discussed proposals for the metier of literary and arts review, made and experienced through inventiveness. Firstly, there is a fostered conception, already shared with authors of reference, which sees the criticism which appropriates its referential object and merges with it as more fruitful, creating a new structure endowed with the same status of the work approached and thus being understood at the threshold of the literature. The proposal that becomes the core of this research, however, is a critical and performative exercise with a poem about surfing, written by Brazilian poet Alberto Pucheu, from which a paradigm idea is sought for the connection between the critical and literary production today. Therefore, the aesthetic parameter of this thesis looks at the free and rigorous tone of the essay, as well as the appeal to the corporal experiences of sports modalities approached in correspondence with the artistic and literary experiences. This can be understood through the pairing of this experience with the multiple movements of the body, in the maintenance of health, as advocated by thinkers such as Gilles Deleuze. Subsequently, experimental and heterodox essays are produced in the light of the parameters established earlier, as they weave an approximate reading thread between the fragments of Friedrich Schlegel, part of Henry Miller's autobiographical work and the writings and performances of Roberto Corrêa dos Santos, each illustrating an attitude of the body as corresponding to the craft of writers, critics and artists they are. At the end, a link is created between the analyzed excerpts of each author, welded in a Nietzschean parable thought through the image of the Olympic weight lifters. This thesis may in some way contribute to the debate within the expanded field of contemporary literary studies.

El presente artículo propone dos perspectivas complementarias sobre la instalación sonora, ambas animadas por un esfuerzo semejante: incardinarla en un sistema de referencia de mayor amplitud para identificar desde ahí ciertas pulsiones estéticas recurrentes que, con independencia del ámbito de procedencia, la determinan. En la primera parte, abordamos los principales debates estéticos que las artes plásticas anudan en la práctica instalativa. Veremos cómo frente a la autosuficiencia, la autonomía y la especificidad medial del formalismo moderno, la instalación se presenta como manifestación emblemática de un proceso de mundanización del arte que afirma la relación de codependencia entre la obra, sus relaciones externas y el sujeto. Inmerso en ese mismo proceso, el sonido encuentra en las propuestas espaciales de la instalación un terreno excepcional para emanciparse de las estructuras autorreferenciales de la música y explorar su potencial expresivo desde el entramado relacional que conforma su campo expandido. A partir de estas ideas, analizaremos algunas estrategias recurrentes en la instalación sonora proponiendo dos grandes tendencias: la primera, heredera de posiciones fenomenológicas, se apoya en la literalidad del espacio y la inmediatez de las presencias, mientras que la segunda, más próxima al pensamiento de la diferencia, entronca con el arte conceptual para explorar, a través del discurso, vías de dilatación y diversificación de lo presente. En la segunda parte del artículo partimos de tres tecnologías fundamentales: el sonido grabado, el sonido electrónico y el sonido transmitido a distancia, como formas específicas de interferir y diferir lo real, cuya influencia en la instalación sonora es necesario artísticas New Media. Pivotando alrededor de tres obras paradigmáticas, una que devalúa el presente a través de su grabación, otra que desestabiliza el espacio mediante el sonido electrónico y una última que encarna la pugna entre un paradigma visual y otro aural, el artículo trata de identificar cómo la instalación sonora refleja y responde a las tensiones de un presente sometido a presión técnica y cómo esos modos de constitución se encuentran con la tradición crítica del Media Art., The present article suggests two complementary perspectives on sound installation, both encouraged by a similar intention: to incorporate sound installation into a broader reference system in order to thence identify certain recurring aesthetic drives that determine them, regardless of their origin. Firstly, the main aesthetic debates that fine arts have tied to installation practice will be presented. We will see how unlike the self-sufficiency, autonomy, and media specificity posed by modern formalism, sound installation appears as an emblematic manifestation of a process of mudanization of the arts that asserts the codependent relationship between the art work, the context, and the subject. Sound, involved in this same process, finds in the spatial proposals of installation an exceptional field to become independent of the self-referential music structures and explore its expressive potential in the relational framework that forms its expanded field. On the basis of that ideas we will analyse some frequent strategies in sound installation, posing two extended tendencies: the first, heir to phenomenological perspectives, has its foundations in the literalness of space and the immediacy of presence, whilst the second, closer to the thinking of difference, connects with conceptual art to explore ways of expansion and diversification of the present. On the second part of the article three basic technologies are put forth as specific tools to interfere with and differ from reality: recorded sound, electronic sound, and broadcast sound –the influence of which on sound installation must be understood to map the open field that separates sound art from New Media practices. This article aims to identify how sound installations reflect and respond to the strains of a time currently under technical scrutiny and how those modes of production are met by Media Art’s questioning tradition. Three paradigmatic works serve as centre for the discussion: one that devalues the present through the use of recorded sound, other which unsettles its space through electronic sound and last, one which embodies the dispute between a visual and an aural paradigm.

O projeto desta dissertação propõe um percurso pelo conjunto da obra do artista norte-americano Tony Smith produzidas entre a década de 1960 à 1970. Este recorte é desenvolvido mediante uma abordagem bibliográfica das obras e vida do artista inter-relacionado ao contexto estético e histórico norte-americano do período. No entanto o projeto é também uma inter-relação entre análise e ensaio, pois aqui desenvolvemos não apenas um levantamento objetivo como tambémuma reflexão a respeito da poética a qual percebemos nas obras analisadas. Tal reflexão é construída segundo o paradoxo presença e/ou ausência das obras no espaço que as contêm, considerando também que o negrume de suas volumetrias possivelmente confrontariam sua própria existência. A pesquisa se estende ainda na análise da expansão das obras e sua relação com o espaço arquitetônico e urbano, implicando suas possíveis dialéticas e/ou confrontos. The present thesis proposes a trajectory through the work collection created by the North- American author Tony Smith from 1960 to 1970. The examination of this interval of his artwork is developed based on a bibliographical approach of the life and work of the same era in terms of the aesthetic and historical time in North-America. In addition, this thesis also investigates the interrelation of the analytical aspects of the theme and attempts make a critical review or essay on the topic, as it proposes not only an objective analysis of the subject but also a consideration on the poetic observed in the in the studied artworks. This reflection is built according to the paradox presence/absence of the artworks in the space they occupy. Such cogitation also takes into consideration the fact that the blackness of these artwork volumes could possibly confront their own existences. Finally, this research concentrates on the analysis of the expansion of Tony Smith's artwork in relation to both architectonic and urban spaces, with implications on their possible dialects and/or confrontations.

Comunicação apresentada no "8th International Conference on Digital Arts – ARTECH 2017", realizada em Macau de 6-8 de setembro de 2017 In this article the authors aim to contribute to the definition of an aesthetics in the expanded field of Media-Art. Based on the discussion about the post-digital aesthetics, which we interpret as a field of expanded digital, we propose a definition of an aesthetic that is the reflection of the contemporaneousness, of doing and, above all, of Digital Media Art. This article follows a study to define an aesthetic resulting from the interrelationship between Fashion, Media-Art and Theatre. info:eu-repo/semantics/publishedVersion

O artigo apresentado possui como foco o trabalho do artista visual brasileiro Cássio Vasconcellos (1965). Dentro da amplitude de seu trabalho, escolheu-se para ser apresentada e discutida a série Aéreas (20 10 ), presente no fotolivro Cássio Vasconcellos: aéreas (2010). Trata-se de um conjunto de 50 imagens de paisagens com ponto de vista em plongée, imagens que atordoam e fascinam o observador, levando-o a ser, junto com o fotógrafo, coautor na produção de sentido das imagens. A partir do desenvolvimento dos conceitos de Fotografia Expressão (Rouillé, 2009) e Fotografia expandida (Fernandes, 2002; 2006) se tentará entender esse percurso estético e ético. Thisarticle focuseson thework ofvisual artist Cássio Vasconcellos (1965). In the width o f his work, the series "Aéreas"- Aerials (2010), in the photobook Cássio Vasconcello: aéreas (2010), was chosen to be presented and discussed. It is a set oj5o imageswith plongée point ofview, images that stun and fascinate, taking the observer, with the photographer, as a co-author in producing sense to the images. The concepts ofPhotography- Expression (Rouillé, 2009) and Expanded Photography (Fernandes, 2002;2oo6) will be a startong point to understand this ethical and esthetical route.

CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior Inventários pictórico-carnavalescos: memória e visualidade das escolas de samba no processo de criação em pintura é uma pesquisa de caráter teórico-prático, a partir da qual busca-se compreender a participação da memória individual relacionada à visualidade dos desfiles das escolas de samba do Rio de Janeiro e de Uberlândia no processo de criação em Pintura. Através da autoetnografia, realiza-se um levantamento memorial que evidencia níveis distintos de interação pessoal com as escolas de samba, que se relacionam às produções artísticas desenvolvidas a partir dessa temática. A pesquisa dedica-se também a aprofundar o entendimento sobre a visualidade das escolas de samba, considerando seu processo histórico de espetacularização, seus artífices, e por meio de uma análise de seus elementos principais: a fantasia e a alegoria carnavalesca. Por fim, a investigação plástica da pesquisa é apresentada, e os estudos decorrentes dos trabalhos artísticos realizados são fundamentados nos dados memoriais e carnavalescos levantados, e também se aprofundam nas linguagens envolvidas na sua confecção, destacando-se a pintura em campo expandido, resultante da presença do objeto e da materialidade como interfaces pictóricas. Pictorial-carnival inventories: memory and visuality of the samba schools in the process of creation in painting is a research of a theoretical-practical nature, from which it is sought to understand the participation of individual memory related to the visuality of the parades of the samba schools of the Rio de Janeiro and Uberlândia in the process of creation in Painting. Through the autoethnography, a memorial survey is carried out that shows different levels of personal interaction with the samba schools, which are related to the artistic productions developed from this theme. The research is also dedicated to deepening the understanding about the visuality of schools of samba, considering its historical process of spectacularization, its artificers, and by means of an analysis of its main elements: the fantasy and the carnival allegory. Finally, the investigation of the research is presented, and the studies derived from the artistic works are based on the memorable and carnivalesque data collected, as well as on the languages involved in its preparation, especially the expanded field painting resulting from presence of the object and materiality as pictorial interfaces. Dissertação (Mestrado)

Orientador: Maria de Fátima Morethy Couto Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Esta dissertação se propõe a investigar as ações/instalações realizadas por Tunga entre os anos de 1997 e 2014, que possuem como foco a questão do corpo em transformação. Na obra de Tunga entende-se por "corpo" o conjunto de objetos, ações, instalações, publicações literárias e instaurações que se encontram conectados por uma trama de relações vinculadas à temática "corpo", próprias ao processo criativo do artista. Em constante "mutação", "metamorfose" e "transmutação", esses trabalhos estão no limiar entre as artes cênicas e as artes visuais, dialogando, portanto, com a noção de "campo expandido" na arte contemporânea. O primeiro capítulo analisa os mecanismos criados por Tunga para o desenvolvimento de sua poética, por meio da interpretação de algumas de suas obras, de revisão bibliográfica e de pesquisa conceitual. Em seguida, a partir do mesmo viés investigativo, a dissertação apresenta/discute o Pavilhão Psicoativo ¿ Tunga, em Inhotim. Por fim, a pesquisa se dedica à série de exposições intituladas "From La Voie Humide" e à performance "Sem Título", realizada na mostra Made By: Feito por brasileiros, na cidade de São Paulo, em 2014 Abstract: This dissertation investigates the actions/instaurations made by Tunga between 1997 and 2014, which are thematically focused on the body in transformation. On Tunga's work "body" is defined as a set compounded by objects, actions, installations, literary publications and instaurations constituting a thread of ties that are related to the theme of body within Tunga's creative process. In constant "mutation", "metamorphosis" and "transmutation", these works are situated in the threshold concerning scenic and visual arts, and refer to the idea of "expanded field" in the contemporary art. Through the interpretation of some of his artworks, reviewing main bibliographical references and doing conceptual research, the first chapter analyses the mechanisms through which Tunga develops his poetic. Then, carrying on the same frame of investigation, this dissertation presents/discusses Pavilhão Psicoativo - Tunga, located in Inhotim. The ultimate chapter is dedicated to analyze "From La Voie Humide" and the performance "Untitled", displayed in Made by: Feito por brasileiros, in São Paulo, 2014 Mestrado Artes Visuais Mestra em Artes Visuais

Orientador: Grácia Maria Navarro Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Esta dissertação apresenta três exercícios poéticos que têm um fim em si mesmos. São três filmes com atuações que reúnem os conceitos de teatralidade (Caballero, 2011, 2013, 2014; Féral, 2008, 2015), auto-mise-en-scéne (Comolli, 2008) e corpo abjeto (Butler, 2003) como premissas de uma identidade artística travesti e que são autônomos e suficientes para testemunhar sobre si próprios. Os filmes são: Os sapatos de Aristeu, Quem tem medo de Cris Negão? e Vaca profana, todos dirigidos pelo autor desta dissertação, Luiz René Batista Guerra Mota. Eles são aqui trabalhados a partir de materiais descontínuos: set de filmagem e reflexão acadêmica, fazendo dessa descontinuidade estado fértil para a criação da sua poética. A trilogia é produção de uma identidade artística dinâmica que adota a imaginação como procedimento metodológico fundador, destituindo limites de linguagem ao criar lugares específicos e possibilidades críveis das quais os filmes são indício e fato. Aliando o teatro ao cinema, o diretor trabalha entre o overaction da interpretação teatral e o naturalismo da interpretação cinematográfica, entre a rua e o set de filmagem, "campos expandidos" (Caballero, 2011, 2014) de experimentação para acolher um cinema que é documentário e ficção, ou uma teatralidade travesti que na vida chama a atenção da câmera. As atrizes travestis aqui apresentadas têm consciência de serem uma construção, na sua fisicalidade e na recriação estética do feminino na qual uma presença artística se instala em meio à violência do seu cotidiano, aliando aspectos que nesta dissertação são reconhecidos como equivalentes a recursos artísticos de atuação teatral e cinematográfica. Abstract: This dissertation gathers three poetic exercises that have an end in themselves. Three films in which the actresses have the concepts of theatricality (Caballero, 2011, 2013, 2014; Féral, 2008, 2015), auto-mise-en-scéne (Comolli, 2008) and abject body (Butler, 2003) as a premise for an artistic transvestite identity, being autonomous and sufficient to testify for themselves. The films are: The shoes of Aristeu, Who is afraid of Cris Negão? and Profane cow, all directed by Luiz René Batista Guerra Mota, also the author of this dissertation. The author works from discontinuous material: film sets and academic reflections, turning this discontinuity into a fertile state for his poetic creation. The trilogy is the production of a dynamic artistic identity that embraces imagination as a founding methodological procedure, disrupting language limits by creating specific places and conceivable possibilities of which the films are evidence and fact. Combining theater and film, the director works between the theatrical overacting and the naturalism in film acting, between the streets and the film set, "expanded fields" (Caballero, 2011, 2014) of experimentation to embrace a filmmaking that is both documentary and fiction, or a transvestite theatricality that, in life, gets the camera¿s attention. The transvestite actresses presented here are aware of being a construction, in their physicality and in the aesthetic recreation of the feminine in which an artistic presence is installed amid the violence of their daily lives, combining aspects that, in this dissertation, are recognized as equivalent to artistic resources of theatrical and filmic acting Mestrado Teatro, Dança e Performance Mestre em Artes da Cena

[ES] La investigación que estamos desarrollando trata de cómo se mantiene o evoluciona la frescura y las sutilezas que se observan en los apuntes de un cuaderno de artista cuando éste se proyecta hacia una dimensión nueva y mayor. Con la acción del cambio de escala se ponen en paralelo ambos formatos y nos transporta de un plano íntimo y personal a un plano público, más cercano al espectador. Se observa que las piezas adquieren un nuevo discurso desde el montaje del propio artista, hasta la lectura posterior. El interés reside en el despliegue del cuaderno en el espacio (collages hechos con artículos de colección, recortes de prensa interesantes, bocetos inmediatos, líneas que crean nuevos espacios, etc.). Se observa la convivencia de todas estas ideas tomadas en los cuadernos y lo que sucede en la ejecución de éstas piezas en el espacio expositivo, es decir, lo que se mantiene con las mismas características, lo que se añade o muta.

[EN] Summary in EnglishThis doctoral thesis seeks to explain, describe, and understand the phenomenon of authorial Mexican photography from 1994 to 2014 through the concept of expanded image. I describe expanded image as a key to new discursive, conceptual, and supportive possibilities that articulate post-modern practices and as a strategy of visual arts production in which the traditional forms are modern. Photography in Mexico since the 1990's was primarily influenced by Performance and Installation Art, but lost its qualities related to documental photography and was far from being an iconic register of social reality. Since the 90's, photographers started to use other art disciplines to widen their limits and production fields, and by such means photography began to redefine itself as expanded image. The display fields of photography have changed radically and bit-by-bit this change becomes familiar. For the analysis of images I use the visual art critique methods of Professor Carlos Blas Galindo of the National Research, Documentation, and Information Center of Plastic Arts (CENIDIAP) of the National Institute of Fine Arts (INBA). The method consists of describing and analyzing three principal elements: 1. Esthetics: Expressive Force, 2. Thematics: Motive or principal matter, Thematic Treatment, the author's Posture towards the work, the author's Opinion towards the time period, Psychological implications and communicative Efficacy and 3. Artistics: Maturity of individual style, Originality, Technical repertoire and manner of application, Materials and procedures, Justification, Quality of production, Solutions of composition, chromatics, and Relationship of the work with the artistic context. Research consists of three thematic axes: Body, Time, and Space. In the first chapter Body/Performance in Mexican photography, I mainly approach the existing link between Performance Art and Photography as a metaphor of construction of meaning, thinly linked with feminist stances, and where, evidently, the discourse of gender is a characteristic. As in the chapter on space, I intend to analyze photography not only as a register, but also as the final support of a performative process. In the second chapter I approach the last thematic axis: Time/Memory, linked to the staging, nostalgia, footprint, and inquiry of archives as an appropriation of memory. In this chapter I analyze authors who link photography with practices such as Installation or object art. In the conclusions I can, with certainty, make an analysis of photographers from 1994 to 2014, and will be capable of linking Mexican photography with expanded image from a theoretical and historical reflection. In the third chapter of my thesis Space/Installation in Mexican photography, I approach the artistic practices linked to space as a significant part of the work, specifically with disciplinary crossings with the installation and the intervention of the landscape, in which photography is no longer used as a medium for obtaining a visual register of reality, but rather as a symbolic interpretation of it. Photographers start linking installation in their projects, which is where I detect an expansion of image in the mode of producing works, by the use of space as an intrinsic part of the piece, where there is a disciplinary cross between Photography and Installation art. My interest centers on how photographers and visual artists widened or expanded the fields of artistic production through photography through other disciplines, lending meaning to space at the same time., [ES] Resumen en CastellanoLa presente tesis doctoral busca explicar, describir y entender el fenómeno de la fotografía mexicana autoral de 1994 a 2014 a partir del concepto de imagen expandida. Describo a la imagen expandida como las nuevas posibilidades discursivas, conceptuales y de soporte que articulan las practicas posmodernistas; como una estrategia de producción de las artes visuales en donde las formas tradicionales modernistas. La fotografía en México desde la década de los noventa fue influida principalmente por la performance y la instalación perdió sus cualidades relacionadas con la fotografía documental, lejos de ser un registro icónico de la realidad social. Desde los noventa los fotógrafos comenzaron a utilizar otras disciplinas del arte para dilatar sus límites y campos de producción, y de tal modo la fotografía comenzó a redefinirse como imagen expandida. Los campos de representación de la fotografía han cambiado radicalmente y poco a poco ese cambio se torna familiar. Para el análisis de la imágenes utilizo el método de critica de artes visuales del maestro Carlos Blas Galindo del Centro Nacional de Investigación, Documentación e Información de Artes Plásticas (CENIDIAP) del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), el método consiste en describir y analizar tres elementos principales: 1. Estéticos: Fuerza Expresiva, 2. Temáticos: Motivo o asunto principal, Tratamiento temático, Postura del autor ante su obra, Opinión del autor sobre su tiempo, Implicaciones psicológicas y la Eficacia comunicativa. y 3. Artísticos: Madurez de estilo individual, Originalidad, Repertorio técnico y manera de aplicarlo, Materiales y procedimientos. Justificación, Calidad de factura, Soluciones de composición, cromáticas y la Relación de la obra con el contexto artístico.La investigación consta en tres ejes temáticos: Cuerpo, Tiempo y Espacio. En el primer capitulo Cuerpo / Performance en la fotografía mexicana, abordo principalmente el vínculo existente entre el performance y la fotografía como metáfora de construcción de significado, estrechamente vinculado con posturas feministas, y donde, evidentemente, el discurso de género es una característica. Al igual que en el capítulo de espacio pretendo analizar a la fotografía no sólo como registro, sino como soporte final de un proceso performático. En el segundo capítulo abordo el último eje temático: Tiempo/Memoria, vinculado a la puesta en escena, la nostalgia, la huella y la indagación de archivos como apropiación de la memoria. En este capítulo analizo autores que vinculan la fotografía con prácticas como la instalación o el arte objeto. En las conclusiones podré, con certeza, hacer un análisis de fotógrafos desde 1994 a 2014, y seré capaz de vincular a la fotografía mexicana con la imagen expandida desde una reflexión teórica e histórica.En el tercer capítulo de mi tesis Espacio / Instalación en la fotografía Mexicana, abordo las prácticas artísticas vinculadas al espacio como parte significativa de la obra, específicamente con cruces disciplinarios con la instalación y con la intervención del paisaje, en donde la fotografía ya no sólo se utiliza como un medio de obtener registro visual de la realidad, sino como una interpretación simbólica de la misma. Los fotógrafos comienzan a vincular a la instalación en su proyectos y es en donde detecto una expansión de la imagen en el modo de producir obras, por el uso del espacio como parte intrínseca de la pieza, donde se cruzan disciplinariamente la fotografía y la instalación. Mi interés se centra en el cómo los fotógrafos y artistas visuales dilataron o expandieron los campos de la producción artística desde la fotografía a través de otras disciplinas, significando al espacio al mismo tiempo., [CAT] La present tesi doctoral cerca explicar, descriure i entendre el fenomen de la fotografia mexicana autoral de 1994 a 2014 a partir del concepte d'imatge expandida. Descric a la imatge expandida com les noves possibilitats discursives, conceptuals i de suport que articulen les practiques posmodernistes; com una estratègia de producció de les arts visuals on les formes tradicionals modernistes; la fotografia a Mèxic va ser influïda principalment pel performance i la instal·lació va perdre les seues qualitats relacionades amb la fotografia documental, lluny de ser un registre icònic de la realitat social. Des dels noranta els fotògrafs van començar a utilitzar altres disciplines de l'art per a dilatar els seus límits i camps de producció, i de tal manera la fotografia va començar a redefinir-se com a imatge expandida. Els camps de representació de la fotografia han canviat radicalment i a poc a poc aqueix canvi es torna familiar. Per a l'anàlisi de la imatges utilitze el mètode de critica d'arts visuals del mestre Carlos Blas Galindo del Centre Nacional de Recerca, Documentació i Informació d'Arts Plàstiques (CENIDIAP) de l'Institut Nacional de Belles arts (INBA), el mètode consisteix a descriure i analitzar tres elements principals: 1. Estètics: Força Expressiva, 2. Temàtics: Motiu o assumpte principal, Tractament temàtic, Postura de l'autor davant la seua obra, Opinió de l'autor sobre el seu temps, Implicacions psicològiques i l'Eficàcia comunicativa. i 3. Artístics: Maduresa d'estil individual, Originalitat, Repertori tècnic i manera d'aplicar-ho, Materials i procediments. Justificació, Qualitat de factura, Solucions de composició, cromàtiques i la Relació de l'obra amb el context artístic.La recerca consta en tres eixos temàtics: Cos, Temps i Espai. En el primer capitule Cos / Performance en la fotografia mexicana, aborde principalment el vincle existent entre el *performance i la fotografia com a metàfora de construcció de significat, estretament vinculat amb postures feministes, i on, evidentment, el discurs de gènere és una característica. Igual que en el capítol d'espai pretenc analitzar a la fotografia no solament com a registre, sinó com a suport final d'un procés performático. En el segon capítol aborde l'últim eix temàtic: Temps/Memòria, vinculat a la posada en escena, la nostàlgia, la petjada i la indagació d'arxius com a apropiació de la memòria. En aquest capítol analitze autors que vinculen la fotografia amb pràctiques com la instal·lació o l'art objecte. En les conclusions podré, amb certesa, fer una anàlisi de fotògrafs des de 1994 a 2014, i seré capaç de vincular a la fotografia mexicana amb la imatge expandida des d'una reflexió teòrica i històrica.En el tercer capítol de la meua tesi Espai / Instal·lació en la fotografia Mexicana, aborde les pràctiques artístiques vinculades a l'espai com a part significativa de l'obra, específicament amb creus disciplinaris amb la instal·lació i amb la intervenció del paisatge, on la fotografia ja no només s'utilitza com un mitjà d'obtenir registre visual de la realitat, sinó com una interpretació simbòlica de la mateixa. Els fotògrafs comencen a vincular a la instal·lació en el seu projectes i és on detecte una expansió de la imatge en la manera de produir obres, per l'ús de l'espai com a part intrínseca de la peça, on es creuen disciplinàriament la fotografia i la instal·lació. El meu interès se centra en el com els fotògrafs i artistes visuals van dilatar o van expandir els camps de la producció artística des de la fotografia a través., Meneses Gutiérrez, JP. (2016). La imagen expandida. Cuerpo, tiempo y espacio en la fotografía mexicana (1994-2014) [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. doi:10.4995/Thesis/10251/62591., TESIS

The metacriation modified the process of artistic creation through the interaction between human thought, artificial intelligence and algorithms of composition and construction of automated speech. This essay investigates some issues that arise from this. A metacriação modificou o processo de criação artística através da interatividade entre o pensamento humano, inteligência artificial e algoritmos de composição e construção de discursos automáticos. Este ensaio investiga algumas questões que surgem a partir disso.

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