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La peinture Jésus guérit le fils du centenier de Capharnaüm sert de point de départ à un examen comparé des échos du tournant sensualiste dans les arts plastiques et le théâtre (respectifs) vers 1750. Ce tournant se manifeste avant tout dans le langage corporel. Désormais, le concept de la vraisemblance ne se modèle plus sur les formes d’expression codifiées par l’académie au cours du siècle précédent, mais sur ce qui combine à la fois le simple et la perfection, le naturel et l’énergie.

La notion de plasticité, délicate à définir, peut être éclairée en fonction du domaine précis dans lequel elle est contextualisée et envisagée. Le point de vue qui la met au cœur d’une dynamique de pensée est ici celui de l’analyse littéraire. En important dans le champ littéraire une réflexion a priori liée aux arts plastiques, en nommant des modalités de la plasticité révélées dans l’écriture, ce recueil d’articles explore les œuvres littéraires avec un regard nouveau, une approche originale, car il relève ce qui, dans les écritures, suggère et réalise un rêve des écrivains, la possibilité d’une dimension sensible donnée à leur œuvre, celle-ci transgressant les limites du lisible pour s’accomplir comme forme également visuelle et visible, sonore et audible. Ces articles ne limitent pas leurs corpus à une époque ou à un genre littéraire (poésie, roman, théâtre). Ils prennent le parti de dégager, tant dans le contenu que dans la forme des textes, ce qui stimule chez le lecteur une perception complexe et un imaginaire doué de plasticité. Ces propositions de définitions de la plasticité centrées sur la littérature participent d’une réflexion rendue cruciale dans un contexte plus général où l’utilisation fréquente du mot « plasticité » est avérée dans de nombreux domaines.

[L]es sensations n’ayant rien qui ressemble essentiellement aux objets, c’est à l’expérience à nous instruire sur des analogies qui semblent être de pure institution Divertissement cher aux voyants, la fantasmagorie est l’épreuve des limites, rendues sensibles par leur subversion, de nos représentations imaginaires. Le plaisir de l’imagination à former des fantômes se montre en proportion du rapport rassuré aux formes stables de la perception de la réalité, que l’imagination fantastique débri...

[C]ent ans de photographie et deux décennies de film nous ont formidablement enrichis et l’on peut affirmer que nous voyons le monde avec de tout autres yeux. [L’]œil est enjoué et généreux ; il crée ; il orne ; il rehausse. Un espace de jeu Dans Mrs Dalloway, fraîchement débarqué des Indes, Peter Walsh évolue dans un Londres qu’il ne connaît plus et qui, à ses yeux, est devenu la source d’une fascination quasi exotique, d’un « ravissement délicieux et irrépressible » : il appréhende et obser...

« Scarron, chef de l’école burlesque, était contrefait et bossu comme une figure du Bamboche. Les déviations de ses vers se répétaient dans les déviations de son épine dorsale et de ses membres : les idées, comme les marteaux des orfèvres, repoussent la forme extérieure, et lui font prendre leurs creux et leurs saillies » (T. Gautier, « Paul Scarron », Revue des deux mondes, 1844, t. 3, p. 30). Scènes primitives Les œuvres de Scarron ne sont pas de sa main : elles sont de son corps tout entie...

C’était comme le sanctuaire et le lupanar des possibilités. Cet homme avait connu de bonne heure l’importance de ce que l’on pourrait nommer la plasticité humaine. Il en avait cherché les limites et le mécanisme. Combien il avait dû rêver à sa propre malléabilité ! Dans l’esprit des ravissements plastiques de Monsieur Teste, mais bien plus tard et dans l’actualité des innovations techniques de son époque, Roland Barthes, dans Mythologies, en 1957, fit le même rêve plastique transcrit dans un ...

Il y a comme une barrière infranchissable à l’achèvement de la connaissance. Mais on peut y voir aussi une incitation au dépassement de la connaissance, à la constitution de méta-systèmes, mouvement qui, de méta-système en méta-système, fait progresser la connaissance, mais toujours en même temps apparaître une nouvelle ignorance et un nouvel inconnu. Le passage d’un paradigme du système à celui des modèles continus définis par leur plasticité n’est pas seulement une évolution de l’heuristiqu...

Ainsi de l’élasticité à l’esprit des paroles, et de la poésie comme je l’entends. Lorsque la mort frôle le cinéaste Jean-Daniel Pollet en 1989, un accident le blessant de plus de vingt fractures, la lecture du Parti pris des choses de Francis Ponge, dont les œuvres complètes lui sont apportées à l’hôpital par sa compagne et monteuse de plusieurs de ses films Françoise Geissler, lui est d’un grand secours. Rendant hommage à Ponge, J.-D. Pollet donne dans Dieu sait quoi un portrait du poète à p...

Blancheneige Avant la Blancheflor de Chrétien de Troyes, la Blancheneige des Grimm : Un jour, c’était au beau milieu de l’hiver et les flocons de neige tombaient du ciel comme du duvet, une reine était assise auprès d’une fenêtre encadrée d’ébène noir, et cousait. Et tandis qu’elle cousait ainsi et regardait neiger, elle se piqua le doigt avec son aiguille et trois gouttes de sang tombèrent dans la neige. Et le rouge était si joli à voir sur la neige blanche qu’elle se dit : « Oh, puissé-je a...

La singularité de l’écriture de Barbey d’Aurevilly oriente sans doute l’attention du lecteur vers les multiples références aux arts plastiques qui émaillent les écrits du dandy, amateur de « sensations d’art », mais la personnalité de l’écrivain normand l’emporte bientôt sur les références culturelles de l’esthète et permet d’exalter l’importance que prennent, à ses yeux, les phénomènes physiologiques, les troubles occasionnés par l’intensité des passions, et son écriture adopte alors les pro...

Sixième roman de Jean-Philippe Toussaint, publié en 2002 après une interruption de cinq ans, Faire l’amour marque l’évolution vers une gravité inédite chez un auteur jusque-là plutôt caractérisé par une forme de burlesque un peu décalé. Cette inflexion nouvelle, remarquée par les critiques, signe effectivement la raréfaction des éléments comiques, qui se limitent à de brèves ruptures de ton faisant brusquement irruption dans le récit, ou à la juxtaposition surprenante mais peu appuyée d’éléme...

L’éducation artistique est perçue comme pouvant développer des compétences qui permettraient à chacun de s’ouvrir et de s’intégrer au monde. C’est pourquoi cet article questionne le rôle particulier des arts plastiques dans le développement d’habiletés métacognitives, notamment le processus d’autorégulation afin de renforcer le respect d’autrui présenté par le ministère de l’Éducation nationale comme un savoir fondamental. Au travers d’un dispositif anglo-saxon inspiré des enseignements Science, Technology, Engineering, Arts and Mathematics, le Tinkering for Learning, appliqué à la pratique des arts plastiques à l’école élémentaire, nous posons l’hypothèse que cet enseignement participe à l’apprentissage du respect d’autrui au cœur des compétences sociales nécessaires au citoyen de 2030. Le public visé par cette étude est constitué d’élèves scolarisés en réseau d’éducation prioritaire, souvent éloignés de la culture artistique. Il s’agit d’évaluer l’efficience d’un dispositif pédagogique impliquant la mise en œuvre, par les enseignants, d’une pratique expérientielle en arts plastiques sur le renforcement du savoir fondamental « respecter autrui » chez des élèves âgés de six à huit ans. Arts education is seen as being able to develop skills that would allow everyone to open up and integrate into the world. This is why this article questions the particular role of the visual arts in the development of metacognitive skills, in particular the process of self-regulation in order to strengthen respect for others presented by the Ministry of National Education as fundamental knowledge. Through an Anglo-Saxon system inspired by Science, Technology, Engineering, arts and Mathematics, Tinkering for Learning, applied to the practice of plastic arts in elementary school, we hypothesize that this teaching participates in learning respect for others at the heart of the social skills necessary for the citizen of 2030. The target audience for this study is made up of pupils enrolled in priority education networks, often far from artistic culture. It is a question of evaluating the efficiency of a pedagogical device involving the implementation, by teachers, of an experiential practice in plastic arts on the reinforcement of fundamental knowledge “respect others” in pupils aged 6 to 8 years.

Outside. Outside of society. That’s where I want to be. If you’re looking, that’s where you’ll find me. This is what Patti Smith sang back in 1978 on ‘Rock’n’Roll Nigger’ (Easter). A personal manifesto, a rallying cry, a statement of love for the margins, the outcasts, the pariahs, her community. Where is she in 2015, 37 years later? With all the fame, and money, though less than other rock stars of the same generation. With official recognition, including by the French Government (she has be...

Patti Smith once said, ‘being any gender is a drag,’ To her gender was like clothing, to be changed at will. In transvestism she found a way to experiment with her own gender identity and then to challenge the gender divide. To explore how she did so, I analyze her creative works, starting with her early poems in Seventh Heaven, Babel, and WĪTT, and moving to her punk rock song ‘Land’. I draw on Judith Butler’s notion of performative gender and then reveal the significance of what Smith eventually achieved, the sonic language she presented in her musical performances. Pour Patti Smith, ‘devoir appartenir à un genre est vraiment pénible’. Pour elle, le genre devrait être comme un vêtement, dont on pourrait changer à volonté. Elle a trouvé dans le transvestisme une façon d’expérimenter avec sa propre identité genrée et de remettre en question la dichotomie du genre. Pour explorer la façon dont elle a procédé, j’analyserai sa production artistique, en commençant par ses premiers poèmes, parus dans Seventh Heaven, Babel et dans WĪTT, puis le morceau de punk rock ‘Land’. Je m’appuierai sur la notion de genre performatif développée par Judith Butler, et conclurai en insistant sur l’importance de ce que Smith a élaboré, un langage sonique qu’elle utilise pour son œuvre musicale.

“Outside. Outside of society. That’s where I want to be. If you’re looking, that’s where you’ll find me.” This is what Patti Smith sang back in 1978. Where is she in 2015? With all the fame and recognition. With thirteen original albums released, her poetry regularly reprinted, her paintings and photographs on show in galleries around the world, an induction in the Rock and Roll Hall of Fame, a National Book Award for her first prose work, Just Kids. Is she still outside? Is she still the iconic, rebellious, rock’n’roll figure of her youth? Patti Smith has lived a rock’n’roll life, a life of words and sounds, of poetry and images. She has slept on doorsteps, on park benches. But perhaps she never meant to be outside. Perhaps she did not want to be a rebel. Perhaps being outside is only a price she had to pay. These are the issues addressed in this collection of essays, not from a historical or sociological angle, but through her artistry. An attempt at locating Patti Smith by assessing her trajectory, her complex, unpredictable moves. “Oh I just move in another dimension,” she sings on “Ain’t It Strange”, before inviting us to come and join her. We have tried and followed her.

This paper traces the imagery and conceptual activity of Patti Smith in her visual art, with an emphasis on the kinetic, and corporeal methods that Smith employs within the spectrum of her artistic production, and the sense of reverence for beauty and the ecstatic as a conception of value that does not ignore the painful, political, or abject. This paper looks at texts such as ‘A Conversation with Patti Smith,’ contributed to the book Antonin Artaud: Works on Paper, Smith’s writing in Woolgathering, her memoir Just Kids, and the work of Antonin Artaud, as well as other artists whose creative output involves the merging of the ecstatic and temporal with the visual and the graphic as a means of passionate expression. Cet article explore l’imagerie et l’activité conceptuelle que Patti Smith utilise dans son œuvre graphique, en particulier ses pratiques cinétiques et corporelles et le sens du beau et de l’extase qui nourrit les valeurs qu’elle exprime, sans pour autant négliger le douloureux, le politique ou l’abject. Nous nous appuyons sur des œuvres telles que ‘A Conversation with Patti Smith,’ contribution de Patti Smith à l’ouvrage Antonin Artaud : Works on Paper, Woolgathering, ou Just Kids, et sur les travaux d’Antonin Artaud, ainsi que sur les œuvres d’autres artistes dont la production mêle l’extatique et le temporel au travail visuel et graphique afin d’exprimer toute leur passion.

In this interview, Lenny Kaye reminisces about his life playing and composing with Patti Smith, their working methods and the importance of art in her life. Dans cette interview, Lenny Kaye évoque les moments passés à jouer et à composer avec Patti Smith. Il parle aussi de leur méthode de travail et de l’importance de l’art dans sa vie.

I wrote ‘Rimbaud and Patti Smith: Style as Social Deviance’ before Just Kids came out in 2010. Thus, I was not able to include and make sense of Smith’s important meditations on Rimbaud found in that book. In 1993 (when I began writing my essay), my primary intention was to challenge the way French poetry was—and still, largely, is—studied in the academy. It seemed to me important at the time to ask whether a reader beyond the academy had something to teach someone in the academy about a canonical literary figure. I was inspired to write about Patti Smith’s relationship to Rimbaud in particular when I was flipping through a pile of second hand records in a small shop on Bleecker Street and my eye fell on the album cover of Easter. Suddenly, my life as an Assistant Professor chasing tenure at Columbia University did not seem utterly divorced from my punk/rock-filled high school days. I could perhaps recognize something of myself in Smith’s fascination with the figure of Rimbaud. In the end, I think I learned a lot about Rimbaud by reading him through Smith’s eyes. In addition, I believe I revealed some of the impulses residing within Smith’s work, impulses that also inhabit the lyric tradition to which Rimbaud belongs. A few years after the essay was published, my mother (inspired by my interest) went to a poetry reading by Patti Smith at the New York Public Library. After the reading, she walked up to Ms Smith with a copy of my essay, held it out to her, and said ‘My daughter wrote this for you.’ Smith exclaimed with pleasure that indeed, she knew of the article and was happy to meet ‘the author’s mother’. Then she signed a copy of Early Work (from which she had been reading) and handed it to my mother. My mother died just a few months ago (October 31, 2013). I treasure her gift—and Patti Smith’s gift—to this day. J’ai écrit ‘Rimbaud and Patti Smith : Style as Social Deviance’ avant la sortie en 2010 de Just Kids. Je n’ai donc pas eu la possibilité d’inclure ni d’exploiter les réflexions importantes qu’y livre Patti Smith sur Rimbaud. Lorsque j’ai commencé à écrire mon essai, en 1993, mon intention première était de remettre en question la façon dont la poésie française était (et est encore) étudiée dans le monde universitaire. À l’époque, il me paraissait important de me demander si un lecteur qui n’appartenait pas au milieu universitaire pouvait apporter quelque chose à un universitaire à propos d’une figure littéraire canonique. J’ai eu l’idée d’écrire cet article sur la relation qu’entretient Patti Smith avec Rimbaud alors que je passais en revue une pile de disques d’occasion dans une petite boutique de Bleecker Street et que je suis tombée sur la couverture de Easter. D’un seul coup, ma vie de maître de conférences en attente de titularisation à l’université de Columbia ne m’a plus paru si éloignée de mes années de lycéenne fan de rock et de punk. Je retrouvais peut-être quelque chose de moi-même dans la fascination de Smith pour la figure de Rimbaud. Au bout du compte, je crois que j’ai beaucoup appris sur Rimbaud à le lire à travers le regard de Smith. De plus, j’ai la conviction que j’ai réussi à révéler certaines des lignes de force qui traversent l’œuvre de Smith, et que l’on retrouve dans la tradition lyrique à laquelle Rimbaud appartient. Quelques années après la parution de mon essai, ma mère, stimulée par mon propre intérêt, s’est rendue à une lecture de poésie que donnait Patti Smith à la New York Public Library. Après la lecture, elle s’est approchée de Patti Smith et lui a tendu un exemplaire de mon article en lui disant ‘ma fille l’a écrit pour vous’. Smith s’est exclamé qu’elle le connaissait et était très heureuse de faire connaissance de ‘la mère de l’auteur’. Elle a dédicacé un exemplaire de Early Work dont elle venait de lire des extraits et l’a donné à ma mère. Ma mère est décédée il y a quelques mois à peine, le 31 octobre 2013. Je garde précieusement le cadeau qu’elle, et Patti Smith, m’ont fait.

Patti Smith, particularly as a result of her poetry, has been perceived as a connecting link with the Beat Generation writers who emerged in the 1950s and were still active in her home city of New York in the 1970s as her life as performer gained its crucial momentum. But her continued association with Allen Ginsberg and William Burroughs—as friends until their deaths in 1997 and via subsequent recordings and filmed documentaries, for example—have prompted some post-Millennium commentators, particularly on the web, to question her Beat credentials and indeed her motivations. This essay considers the evidence of transgenerational relationship in her own writing and those accounts by several biographers. It also seeks the views of a number of figures linked to various cultural worlds—the literary and musical, the journalistic and academic—on Smith’s status as post-Beat. The piece concludes that a wide constituency of artists, thinkers and critics broadly regard Smith’s frequent homage to earlier movements and practitioners—the Beats among them, the Symbolists, too, alongside a string of rock heroes from James Brown to the Rolling Stones and Hendrix—as a legitimate and enriching strategy to her career for an eclectic artist crossing several disciplines. On a souvent considéré Patti Smith, en particulier à cause de sa poésie, comme un lien avec les écrivains de la Beat Generation qui ont émergé dans les années cinquante et qui étaient toujours en activité dans les années soixante-dix à New York, où elle habitait, lorsque sa carrière a pris son essor. Mais le fait qu’elle soit si souvent associée à Allen Ginsberg et à William Burroughs, avec lesquels elle est restée amie jusqu’à leur mort en 1997, et par la suite via des enregistrements et des films documentaires, a amené certains commentateurs du xxie siècle, en particulier sur Internet, à remettre en question sa légitimité et même ses motivations vis-à-vis de la Beat Generation. Cet essai est consacré aux traces de cette relation transgénérationnelle telles qu’elles apparaissent dans ses propres écrits et dans les biographies qui lui ont été consacrées. Il fait également appel au point de vue d’un certain nombre de personnalités appartenant à différents milieux artistiques et culturels, littéraires, musicaux, journalistiques et universitaires, quant au statut d’artiste post-Beat octroyé à Patti Smith. L’article aboutit à la conclusion que pour un nombre important d’artistes, d’intellectuels et de critiques, les hommages fréquents et appuyés que Patti Smith rend aux mouvements et aux artistes des générations précédentes, en particulier aux Beats, mais aussi aux Symbolistes, ainsi qu’à de nombreuses stars du rock, de James Brown aux Rolling Stones et Jimi Hendrix, sont en général légitimes et constituent une façon d’enrichir la carrière d’une artiste qui multiplient les croisements et les rencontres entre les disciplines.

Patti Smith’s late work is invariably connected by critics and fans to the work of her ‘classic’ era (the 1970s punk scene) and the extent to which recent work lives up to, develops or exceeds that on which the artist’s reputation was based. Smith herself has been no stranger to such memory work, via her involvement in biographical projects such as her book Just Kids and the film Dream of Life. Her musical output since the 1990s has been characterized by memory work, not least in a number of pieces written in response to the passing of friends and family. Yet this work is complemented by an embrace of new beginnings and adventure, often achieved by returning to places, themes and styles Smith has explored before but looking for fresh angles and new perspectives. This essay explores the dynamic of adventure and memory via analysis of Smith’s 2012 album Banga, in which this dynamic is played out in informative ways. I focus on the music of Banga too, and on the different voices utilised by Smith. In the second part of the essay, I consider the canonisation of Smith and her work in light of what I term ‘late chronicles’, a series of documents and events over the past fifteen years that have seen Smith’s work fixed into the rock canon and have provided further context to situate her work and her many cultural reference points. I finish with some further observations on Banga, filtered through the knowledge we have of Smith from the late chronicles that preceded it. Les œuvres récentes de Patti Smith sont systématiquement comparées, par les fans comme par les critiques, à celles de sa période ‘classique’ (la scène punk des années soixante-dix). Ils cherchent à apprécier dans quelle mesure ces œuvres sont au même niveau (voire à un niveau supérieur) que celles qui ont fait la réputation de l’artiste. Patti Smith elle-même a joué un rôle dans ce travail de mémoire, via des œuvres autobiographiques telles que Just Kids ou le film Dream of Life. Sa production musicale depuis les années quatre-vingt-dix est représentative de ce travail de mémoire, ne serait-ce qu’en raison des nombreux morceaux consacrés au décès d’amis ou de membres de sa famille. Néanmoins, ce travail s’accompagne par de nouveaux départs, un sens de l’aventure, qu’elle accomplit en revenant à des lieux, des thèmes et des styles qu’elle avait déjà explorés, mais sous des angles nouveaux et avec de nouvelles perspectives. Cet article explore la dynamique de l’aventure et de la mémoire via l’album Banga paru en 2012. Je me suis concentré aussi bien sur la musique de l’album que sur les différentes voix que Smith y utilise. Dans la seconde partie de cet essai, j’examine le processus de canonisation dont Smith et son œuvre font l’objet à la lumière de ce que j’appelle ses ‘chroniques tardives,’ une série de documents et d’événements qui ont, au cours des quinze dernières années, établi l’œuvre de Smith dans le canon du rock et ont fourni un contexte supplémentaire au sein duquel il est possible d’évaluer son œuvre et ses nombreuses références culturelles. Je conclus par quelques ultimes observations sur Banga, au filtre des ‘chroniques tardives’ qui l’ont précédé et de la meilleure compréhension de Patti Smith qu’elles nous permettent.

Fine arts are becoming more and more attractive. The socio-occupational uncertainties and the challenges artists are bound to have to cope with made us question their commitment and the way they lead their lives as artists and view their work. Paying attention to involvement, artistic calling or passion for making art, we focused our survey on an undifferentiated population of artists in terms of socio-occupational groups, exposure on markets or even style. This enabled us to follow the significant outlines of experiments of creative work through the manifold conjunctions that gather artisticities and sociabilities, materialities and imaginations, subjects and objects, administrative situations and ambitions but also private stories and great histories of art. Thus, this research led us to underline the fact that, in the field of art or artists, and for the whole entities of this sphere, any attempt to model, typify or determine will face the opposition of personal experiences., Les arts plastiques exercent un attrait grandissant. Face aux incertitudes socio professionnelles et aux enjeux de réussite qui attendent pourtant les artistes, nous nous sommes interrogés sur l’engagement et la façon dont ils mènent leur « vie d’artiste » et conçoivent leur travail. Attentif à l’engagement, vocation ou passion à « faire de l’art », nous avons fait porter notre enquête sur une population d’artistes indifférenciée en termes de catégorie socio professionnelle, de visibilité sur les marchés ou encore de style. Nous avons pu ainsi décrire les contours marquants des expériences d’un travail de création sous l’angle des multiples interférences qui assemblent des artisticités et des sociabilités, des matérialités et des imaginaires, des sujets et des objets, des statuts administratifs et des ambitions mais aussi des histoires particulières et des grandes histoires d’art. Cette recherche nous a donc conduit à mettre en relief le fait que dans le domaine de l'art ou des artistes et pour l'ensemble des entités qui constituent ce champ, toute tentative de modélisation, caractérisation, détermination se trouve confrontée à la résistance des expériences singulières.

Les Archives nationales conservent les fonds de l’échelon central des services de l’Architecture depuis ses origines révolutionnaires jusqu’au milieu du XXe siècle (service des Bâtiments civils et Palais nationaux ; conseil général des Bâtiments civils). Cette administration et cette instance ont supervisé la plupart des travaux de construction, d’aménagement ou de rénovation des édifices destinés aux services de la Justice pendant toute cette période. Durant celle-ci, le bureau des Beaux-Arts puis bureau des Travaux d’art fut, quant à lui, chargé de contribuer au décor de ces bâtiments judiciaires, par le biais de commandes spécifiques ou bien d’attribution d’œuvres d’art acquises par l’État. Les archives de ce service sont également conservées aux Archives nationales. Cet article se propose donc de dresser un panorama des fonds utiles pour documenter, sur la longue durée, l’histoire du patrimoine de la Justice. L’exemple des lieux de justice dans la ville de Bordeaux permet de mieux se représenter le potentiel historiographique de ces documents d’archives et de leurs croisements féconds. The French National Archives preserve the collections of the central Architecture services from its revolutionary beginning until the middle of the 19th century (“service des Bâtiments civils et Palais nationaux”, Civil buildings and National Palaces service; “conseil général des Bâtiments civils”, Civil Buildings General Council). This administration and this body supervised most of the construction, fitting out and renovation works of the buildings used for Justice services throughout that period. During that time, the “bureau des Beaux-Arts”, Fine Arts Office, then “bureau des Travaux d’art”, Works of Art Office was responsible for helping in the decoration of these judicial buildings, by means of specific commissions or the granting of artworks acquired by the State. The archives of that department are also preserved in the National Archives. This article aims at providing an overview of the collections helpful to document, over a long period of time, the history of Justice heritage. The example of the places of justice in the city of Bordeaux gives a better picture of the historiographical potential of these archival documents and of their fruitful cross-checking.

The term usually used in France to name intermediate places covers a multiplicity of project-spaces with a strong artistic dimension, initiated by actors of civil society pursuing primary goals other than profit-making, without necessarily being considered as cultural institutions. Their essential place – although it is still insufficiently recognized in cultural development – calls for a more precise identification of what they are. The purpose of the present study based on a set of intermediate places is to specify what both brings together and differentiates these project-spaces from the currently highly valued third-places dynamics.The body of this work consists of some two hundred websites of cultural places that signed the charter of the National Coordination of Intermediate and Independent Places. The study shows two types of results. The first one makes it possible to clarify the specific morphology of this set of places, that are nevertheless crossed by significant differences in the way each one has to present, qualify and decline their project, its stakes and the way to achieve them. These differences are partly due to the way in which these experiences were initiated (by a few people, by an already existing organization, by a collective of actors, etc.) and by the cultural approach that has been privileged (live performance and/or visual arts, artistic and/or social dimensions, etc.). The second type of results enables us to sketch out a kind of common identity matrix for these places, each of which remains singular nonetheless. The importance of the artistic issue and the aesthetic question that underlies it, as well as the question of the relations with the populations of the nearby territory, thus largely order the collective identity of these places. In this way, the image of organizations participating in the evolutions of the place of the art in our societies is strengthened, as well as in the development of entrepreneurial forms first structured around the dimensions of sensitivity, meaning and cooperation., L'appellation usuelle de lieux intermédiaires recouvre en France une multiplicité d'espaces-projets à forte dimension artistique, initiés par des acteurs de la société civile et qui poursuivent des buts premiers autres que lucratifs, sans pour autant relever des institutions culturelles. Leur place essentielle – quoique encore insuffisamment reconnue au titre du développement culturel – appelle à une identification plus précise de ce qu'ils sont. La présente étude vise à préciser, à partir d'un ensemble de ces lieux, ce qui simultanément rapproche et distingue ces espaces-projets de la dynamique actuellement fortement valorisée des tiers-lieux.Le corpus de travail est constitué par quelque deux cents sites Internet de lieux culturels, signataires de la charte de la Coordination nationale des lieux intermédiaires et indépendants. Son étude fait apparaître deux types de résultats. Le premier permet de préciser la morphologie spécifique de cet ensemble de lieux, néanmoins traversé par des différences notables quant à la manière que chacun a de présenter, qualifier et décliner son projet, ses enjeux et la manière de les mettre en œuvre. Pour partie, ces différences tiennent à la façon dont ces expériences ont été initiées (par quelques personnes, par une organisation déjà existante, par un collectif d'acteurs...) et par l'approche culturelle privilégiée (spectacle vivant et/ou arts plastiques, dimensions artistique et/ou sociale...). Le second type de résultats permet d'esquisser une sorte de matrice identitaire générique pour ces lieux, pourtant à chaque fois singuliers. La prégnance de l'enjeu artistique et de la question esthétique qui lui est sous-jacente, aussi bien que la question des relations avec les populations du territoire de proximité ordonnent ainsi largement l'identité collective de ces lieux. Par là, se renforce l'image d'organisations participant aussi bien aux évolutions de la place de l'art dans nos sociétés, qu'au développement de formes entrepreneuriales d'abord structurées autour des dimensions du sensible, du sens et du coopératif.

International audience; Écrit par le plasticien Alexandre Takuya Katô, La visite (2019) est un opuscule qui échappe à toute forme de catégorisation : ouvrage d’art autant que catalogue raisonné d’une collection imaginaire ; essai sur ce qu’habiter veut dire autant que dialogue entre un moine japonais vivant à la charnière des XIIe et XIIIe siècles, un poisson rouge et une œuvre d’art ; description d’une maison par ses pièces autant que visite d’un musée, ce dispositif textuel articule un cahier de reproductions d’œuvres et un texte lui-même constitué d’un collage de citations et d’un entrelacs de récits. Lire cet ouvrage, c’est donc réfléchir à l’art, questionner le musée, investir une maison et parcourir une collection. Ces éléments apparemment éloignés sont réunis par un point commun : tous procèdent de la même réflexion sur l’habiter. Dans la mesure où la géographie a opéré depuis une vingtaine d’années un recentrage autour de ce concept, j’étudierai depuis la géographie ce dispositif autant textuel que spatial dans une double perspective : d’une part ce qu’une lecture géographique peut apporter à la compréhension de cet opuscule ; d’autre part questionner la géographie, ses concepts et ses méthodes, à partir de l’expérience singulière et limite d’habiter que propose Alexandre Takuya Katô. La communication prendra la forme d’une enquête, qui permettra de questionner autant cette Visite que les méthodes de recherche, d’enquête et de terrain que partagent les artistes et les chercheurs.

Aquest estudi es desenvolupa en el marc de l’escola inclusiva i presenta els resultats d’una experiència innovadora de l’ús del cinema per a l’assignatura Educació Plàstica, Visual i Audiovisual. L’objectiu de l’estudi és informar i sensibilitzar l’alumnat sense discapacitat de la realitat i necessitats que l’alumnat amb discapacitat visual presenta i, d’aquesta manera, desenvolupar actituds positives vers aquest col·lectiu. Per a mesurar l’actitud, s’administra un qüestionari amb escala Likert a 31 adolescents de 1r d’Educació Secundària Obligatòria abans i després de la intervenció. La intervenció es desenvolupa durant 4 hores i el nucli d’aquesta consisteix en la projecció d’una escena cinematogràfica privant l’alumnat del sentit de la vista i la posterior elaboració d’un storyboard. Els resultats mostren que l’alumnat presenta diferències significatives en l’actitud; tant les noies com els nois milloren l’actitud vers els discapacitats visuals. Amb això, es conclou que tant la informació proporcionada com l’ús del cinema amb privació visual i la realització del storyboard augmenten el coneixement i la sensibilitat vers els discapacitats visuals i generen canvis d’actitud vers aquest col·lectiu., This study is developed within the inclusive education framework and it shows the results of an innovative experience about the use of film in the subject of Plastic, Visual and Audiovisual Education. The aim of this study is to inform and make the students without disabilities aware of the reality and the necessities that visually disabled people suffer, thus developing positive attitudes in the collective with no handicaps. To measure their attitude a questionnaire with a Likert scale was administered to 31 teenagers in the 1st course of Secondary School. The intervention takes place over 4 hours and it consists in, first, the projection of a cinematographic sequence depriving the students of their sight sense, and the realization of a storyboard after that. The students present significant attitudinal differences as the results show, both girls and boys improve their attitude towards disabled people. The conclusion is that the information given, the use of cinema without any sense of sight and the realization of a storyboard, increases the knowledge and sensitivity of the students towards visually handicapped people while generating attitudinal changes in the collective., El presente estudio se desarrolla en el marco de la escuela inclusiva y presenta los resultados de una experiencia innovadora del uso del cine para la asignatura de Educación Plástica, Visual y Audiovisual. El objetivo del estudio es informar y sensibilizar al alumnado sin discapacidad de la realidad y las necesidades que el alumnado con discapacidad visual (AcDv) presenta y, de esta forma, desarrollar actitudes positivas hacia dicho colectivo. Para medir la actitud, se administra un cuestionario con escala Likert a 31 adolescentes de 1º de la Educación Secundaria Obligatoria antes y después de la intervención. La intervención se desarrolla a lo largo de 4 horas y el núcleo de esta consiste en la proyección de una escena cinematográfica privando al alumnado del sentido de la vista y la posterior elaboración de un storyboard. Los resultados muestran que el alumnado presenta diferencias significativas en la actitud, tanto las chicas como los chicos mejoran la actitud hacia el AcDv. Con ello, se concluye que tanto la información proporcionada como el uso del cine con privación visual y la realización del storyboard aumentan el conocimiento y la sensibilidad hacia el AcDv y generan cambios de actitud hacia dicho colectivo.

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To question the way art is « delivering the world » - in all the polysemy of the expression - is an invitation to take an interest in two emblematic figures of the current artistic production: the book and the library. Taken in their plastic and empirical, aesthetic and metaphysical occurrences - but also as full concepts - books and libraries are understood both as a theoretical model and as a practical access to a reading experience of art (Marielle Macé). While studies on the tyranny of readability multiply (Georges Didi-Huberman, Emmanuel Alloa, Muriel Pic, Maud Hagelstein, etc.), current art continues to undermine the reader paradigm that seemed to govern our perceptual habits. Iconological theories and the metaphor of the book of nature have given rise to a paradigm of classic readability that artists refute in a plastic critique of readability, in order to read the artwork at the risk of illegibility. Reading, if it crosses the historical and aesthetic vocabulary of art, remains for many an unthought of plastic theories of the image. Always implied, the idea of a reading of art (and its postulates) remains too rarely explained - and too often confused with the notions of interpretation and hermeneutics. The intensification of book and library alteration phenomena questions reading as a principle of figurability and expression. This thesis intends to question the ways of reading artwork. After the reflections of G. Didi-Huberman and E. Alloa, we wonder how "to read what has never been written"? Without eliminating the notion of reading, we will try to consider a specific reading system, alternative - which does not reduce a plastic artwork to a textual reading system. So what would be a visual reading of the artworks ? Undoubtedly, a reading that strictly evades semiotic logics to initiate a reading made up of corporeality, in a symptomatic and somatic approach to artworks and their speeches. The call to mantic (rather than to a hermeneutics) and the proposal to reconnect with an affective and divinatory dimension of the artworks’ reading, opens up empathic perspectives (from the phenomenological model of Maurice Merleau-Ponty), cognitive (by questioning the attention treated by Jean-Marie Schaeffer and Yves Citton), but also ethical or political (through the hypothesis of aesthetic illiteracy and by questioning the banishment of the sensitive and the empathy in educational and scientific practices). The metaphysical perspective, going beyond and continuity of these, will help us to think of a transversal reading plan, an "it reads" or metaphysical reader principle at work in the artwork and its viewer. Through a cosmo-aesthetic approach, guaranteeing a natural history of art, we will call for constellatory, mantic and empathic readings, poetically nourished from the divinatory roots of the omen., Questionner la façon dont l'art « livre le monde » – dans toute la polysémie de l'expression – est une invitation à s'intéresser à deux figures emblématiques de la production artistique actuelle : le livre et la bibliothèque. Pris dans leurs occurrences plastiques et empiriques, esthétiques et métaphysiques – mais également en tant que concepts à part entière – livres et bibliothèques s’entendent à la fois comme modèle théorique et accès pratique d’une expérience lectrice (Marielle Macé) de l'art. Alors que les études sur la tyrannie de la lisibilité se multiplient (Georges Didi-Huberman, Emmanuel Alloa, Muriel Pic, Maud Hagelstein, etc.), l'art actuel n'a de cesse de mettre à mal le paradigme lecteur qui semblait régir nos habitudes perceptives. Les théories iconologiques et la métaphore du livre de la nature ont fait émerger un paradigme de lisibilité classique que les artistes réfutent dans une critique plastique de la lisibilité pour lire l’œuvre d'art au risque de l'illisibilité. La lecture, si elle parcourt le vocabulaire historique et esthétique de l’art, reste pour beaucoup un impensé des théories plastiques de l’image. Toujours sous-entendue, l’idée d’une lecture de l’art (et ses postulats) n’est que trop rarement explicitée – et trop souvent confondue avec les notions d’interprétation et d’herméneutique. L’intensification des phénomènes d’altération du livre et de la bibliothèque vient interroger la lecture comme principe de figurabilité et d’expression. Cette thèse entend questionner les manières de lire une œuvre. Après les réflexions de G. Didi-Huberman et E. Alloa, il s'agira donc de se demander comment « lire ce qui n'a jamais été écrit » ? Sans évincer la notion de lecture, nous tenterons d’envisager un système de lecture propre à l’œuvre d'art, alternatif – qui ne rabatte pas un système de lecture textuel sur une œuvre plastique. Que serait donc une lecture plasticienne des œuvres ? Assurément, une lecture qui se soustrait aux logiques strictement sémiotiques pour amorcer une lecture faite de corporéité(s), dans une approche symptomatique et somatique des œuvres et de leurs discours. L’appel à la mantique (plutôt qu’à une herméneutique) et la proposition de renouer avec une dimension affective et divinatoire de la lecture des œuvres, nous ouvre des perspectives empathique (avec comme point de départ le modèle phénoménologique de Maurice Merleau-Ponty), cognitive (en la question de l’attention traitée chez Jean-Marie Schaeffer et Yves Citton), mais aussi éthique ou politique (à travers l’hypothèse d’un illettrisme esthétique et en interrogeant la mise au ban du sensible et de l’empathie dans les pratiques pédagogiques et scientifiques). La perspective métaphysique, dépassement et continuité de celles-ci, nous aidera à penser un plan de lecture transversal aux choses, un « ça lit » ou principe métaphysique lecteur à l’œuvre dans l’œuvre et son spectateur. Par une approche cosmo-esthétique, garantie d’une histoire naturelle de l’art, nous en appellerons à des lectures tour à tour constellatoire, mantique et empathique, nourries poétiquement aux racines divinatoires du présage.

Professeure stagiaire en classe de moyenne section de maternelle, j’ai observé que plus la contrainte était élevée, moins la créativité et l’expression pouvaient avoir lieu. En effet, un élève de 3 ans ne peut s’exprimer sur sa production artistique si elle n’a pas été vécue, ou si elle n’est pas le reflet d’une envie qui lui est propre. Qu’importe l’outil utilisé, qu’il soit un pinceau, un rouleau ou un tampon, la main reste le premier outil utilisé par l’enfant. C’est avec elle qu'il agit le plus, c’est l’outil qu’il maîtrise le plus et qui lui permet de sentir le plus de choses. Le « touché », geste le plus primitif qui soit, est au cœur des apprentissages en maternelle; c'est dans cette perspective que l'on questionnera l’importance et la place des sens et plus particulièrement du toucher au travers des arts plastiques et qu'on envisagera comment les arts plastiques, par le biais du toucher, peuvent contribuer à aider les élèves en difficulté.

Cet article rend compte d’une situation d’enseignement-apprentissage en histoire des arts, en classe de CM1. Les œuvres étudiées sont la chanson des Beatles A Day in The Life et la pochette de l’album Sgt Pepper’s Lonely Hearts Club Band où figure cette chanson. L’analyse des séances de classe se situe dans le cadre de la Théorie de l’Action Conjointe en Didactique (TACD). Elle vise à comprendre comment l’action conjointe du professeur et des élèves produit des liens entre ces œuvres, avec d’autres œuvres qui les éclairent et avec leur dimension historique. Cet enseignement d’histoire des arts appelle le croisement de différents domaines disciplinaires. L’objet de cet article est d’essayer de comprendre les modalités de cette rencontre. En ce sens, il constitue un objet d’étude privilégié pour une approche comparatiste en didactique. The aim of this article is to describe a class situation where the teacher has to teach the history of the arts to nine-year olds. This Year Four class studied a song by the Beatles, A day in the life as well as the cover of the Sgt Pepper's Lonely Hearts Club Band album. The analysis of these classes is carried out in the framework of the JATD. It tries to understand how this joint action of teacher and pupil creates connections between these artistic works and other works that shed light on them within their historical context. The teaching of the history of the arts involves the interaction of different disciplinary fields. It consists of the study of this subject, which is not common, in order to undertake a comparative approach.

Si les fonds de l’Éducation nationale sont probablement les plus appropriés pour aborder la question de l’histoire de la construction des lycées en France, d’autres sources conservées aux Archives nationales peuvent également contribuer très utilement à documenter ce champ d’étude : les archives produites par l’administration des Bâtiments civils et celle des Beaux-Arts permettent d’aborder, selon leur propre point de vue, la question de la construction, de l’aménagement et de la décoration des lycées durant les Trente Glorieuses. Un parcours dans ces fonds, illustré de deux exemples de lycées construits à la même période, à Arcachon et à Marseille, permet d’en saisir l’intérêt historiographique, aussi bien sous l’angle de la richesse de leur articulation que des nouvelles questions suscitées par la recherche. Even though the collections of the Éducation nationale (France’s Ministry of National Education) are likely to be the most appropriate to approach the question of lycées (French high schools) construction history in France, other sources held at the Archives nationales de France can also make a very useful contribution to documenting this field of study: the archives produced by the administration of the Bâtiments civils (Civil Buildings) and the administration of the École des Beaux-Arts allow to approach, from their own perspective, the question of construction, layout and decoration of high schools during the thirty years of post-war economic growth in France. A review of these collections, illustrated by two examples of high schools built during the same period, in Arcachon and in Marseilles, enables us to appreciate their historiographical interest, in terms of both their rich articulation and the new questions arising from research.

Il faut analyser les réformes des Écoles des beaux-arts comme une tentative de réinsertion de la production plastique française sur la scène internationale. S’adressant à la demande publique dans le cadre de réseaux institutionnels, la production née de ces réformes donne le primat à un « art discursif » qui ne trouve pas ses débouchés hors du marché administré. Cultural policies started in the early 1980s contain several sections for reinserting French Fine Arts in the international scene: support for artists, the development of an institutional market, the reform of Fine Arts schools, all with the intention to decentralize. These policies deeply change the ways of recognizing value by giving preference to ‘discursive art’ over ‘works-objects’ in the institutional market. Fine Arts schools echo this change. Alongside local, commercial networks for selling art (networks turned toward private demand and lacking much cultural legitimacy), an institutional network has been set up that is turned toward public demand but whose cultural legitimacy does not ensure that French Fine Arts will find a place on the international scene.

La chanson fleurit dans les arts du nouveau siècle. Est-ce le signe du « tout-émotionnel » de notre postmodernité ? Ou celui d'une réunion des arts à l'heure ultra repérée des fusions et autres transversalités ? La chanson fonctionne en tout cas comme ancrage « évident », repère, clin d'oeil, voire publicité pour l'oeuvre entière qu'elle défend facilement.