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Este artículo traza un breve recorrido del concepto práctica artística como investigación en el contexto europeo, partiendo de autores que abren una estela que defiende y corrobora que el análisis de la propia obra artística puede ser científico, que tiene valor como investigación y fuente de conocimiento. Dichos teóricos trascienden la utilización de las artes como método de estudio, reivindicando el derecho de los artistas a contribuir al saber, práctico y no práctico, con la misma legitimidad que la investigación tradicional, monopolizada durante siglos por filósofos, historiadores del arte, filólogos, críticos o comisarios de arte. En estas páginas, describo la transformación de la mirada sobre la obra de arte que propone la práctica artística como investigación, estimulando a las nuevas generaciones de artistas a trabajar bajo el paradigma de libertad creativa; un arte implicado en la sociedad, la historia y la política, que deja de ser representacional para transformarse en autocrítico, en un proceso abierto de reflexión y exploración que nunca se acaba. De ahí no solo es relevante el resultado final de la obra o un concepto artístico, sino por la observación de los propios procesos, que conllevan tanto un mayor desarrollo académico como el avance de proyectos que beneficien a la sociedad en su conjunto, trabajando por el cambio individual y colectivo.

En este artículo se analiza la concepción del diletantismo de E.T.A. Hoffmann a partir del estudio de sus textos autobiográficos, es decir, de sus diarios y cartas. En primer lugar, se presenta el significado y el contexto de aparición de la crítica a los diletantes en Alemania en la segunda mitad del siglo XVIII. Luego, se detallan las particularidades de la concepción de Hoffmann sobre este fenómeno y sus consideraciones sobre su propio diletantismo. Si bien Hoffmann no intenta elaborar una reflexión estética sistemática ni específica sobre el diletantismo como Moritz o Goethe y Schiller, las consideraciones marginales que él tiene sobre este tema permiten conocer su visión sobre la institución artística contemporánea y su autopercepción como artista.

The Belgian artist Constantin Meunier championed themes of labour and mining during the successful mature stage of his career. In turn, this article focuses on his stay in Seville to carry out a commission for the Belgian government between October 1882 and April 1883. The article delves into this brief period by examining Meunier's correspondence with his wife Léocadie Gorneaux, the works he created in Spain and contemporary specialist criticism in the Franco-Belgian press. Many unforeseen obstacles initially forced Meunier to prolong what was meant to be a decisively short stay, and his letters detail this difficult experience through to the conclusion of the mission entrusted to him. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

Condicionada por el modo económico de cada formación social, la pintura ha participado -y no en menor medida- de la adaptación; sus imágenes rectoras han dado cuerpo y forma a los engranajes ideológicos, y su valor funcional se ha reconducido a la mera relación fetichista; de esta manera, en el instante en que hay pintura, deja de haberla propiamente. Por otro lado, el arte tiene por condición autonomía y libertad, y en el artista no es decisiva la conciencia armónica, puesto que carece de libertad, puesto que está en dialéctica con la realidad social, éste interviene en su transformación. El presente artículo intenta dar cuenta cómo la vida y la obra de John Singer Sargent remiten a dicha naturaleza antinómica, que nos hace recordar la idea y la realidad, de la propia libertad.

Questo saggio tratta del sottile limite tra non finito e non realizzato. Guardando al sistema contemporaneo, l'artista delinea un profilo in cui viene abbandonato un approccio tradizionale per dedicarsi ad altre attività, necessarie per sfuggire al binomio arte/non arte e alle dinamiche del mercato imperanti.

La vida de este extraordinario científico y pintor ha sido motivo de estudio por generaciones, pues fascinó la manera de poder unir armoniosamente sus pasiones. Santiago Felipe Ramón y Cajal, más conocido como don Santiago Ramón y Cajal (el "don" por un título de importancia de la época e "y" como una forma de darle renombre a sus apellidos), o referido por muchos simplemente como Cajal (por la sonoridad del apellido y la costumbre en España de utilizar el apellido materno). Nació en la provincia de Cataluña, primer hijo de la unión de Justo Ramón Casasús y Antonia Cajal Puentes. Su padre, médico del pueblo, vio en él un sucesor de la profesión, razón por la cual desde muy pequeño le exigió académicamente y le reprochó su fascinación por el arte. Su infancia fue marcada por múltiples sucesos que lo llevarían a tener un encanto por la naturaleza y querer plasmarla en sus dibujos. La influencia de su padre fue exitosa, ya que se convirtió en un prestigioso médico. Ansioso de conocer otros lugares y su sed de aventurero lo llevaron a viajar a Cuba para dar apoyo médico a las tropas españolas. A su regreso se encontró con múltiples oportunidades que forjaron su carrera como científico y le dieron solidez como persona. Se casó a la edad de 27 años con Silveria Fañanás, el motor de su vida y la madre de sus seis hijos. Su incansable curiosidad y su espíritu de pintor le permitieron describir y dibujar las células nerviosas de manera detallada, incluyendo su estructura magnífica y las relaciones de estas, comparándolas de manera muy acertada con la naturaleza, referidas por él mismo como "El jardín de la neurología". Siempre fue un paisajista romántico, que se intrigó tanto de lo macro (con sus dibujos sobre la naturaleza y la anatomía), como de lo micro (la histología) (Figura 1).

Since the concert and performance activity represents a flexible and mobile phenomenon, with inexhaustible possibilities of responding to what is happening in reality, the problem of an indepth analysis of the concert and performance activity foundations, both theoretical and practical ones, continues to be a relevant topic for researchers. This is what prompted this study to address and explore this issue. The purpose of this study is to reveal a general picture of the phenomenon that concert performance represents and how its content and functioning are directly influenced by its practical and theoretical components. The materials for studying the main theme include information that reveals the evolution of the concert and performance art, its continuous modernisation and broadening of its scope. The methods used to study the above-mentioned object are system analysis, the principle of deriving categories and generalising the data obtained by creating a panoramic picture reflecting the volume and multi-component nature of the phenomenon under study as a holistic system. The result of the work performed is, on the one hand, to establish a set of the most important categories - the elements of theoretical and practical components of concert and performance activity and, on the other hand, to form a picture-panorama which gives a general idea of the issue, its content and the ways of its implementation in the life of society. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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O presente artigo visa analisar um conjunto de imagens, de fotografias a reproduções fotográficas em periódicos uruguaios e brasileiros, como Anales: Revista Mensual Ilustrada, Mundo Uruguayo, O Cruzeiro e O Jornal. Estas imagens são indícios da trajetória artística da uruguaia Raquel Aliseris Bernadá [de Labaure-Casaravilla] (1923-1986), desde uma foto laureada em que aparece com a obra “Patos Pekineses” do Salón Nacional de 1938, de uma exposição portenha, da presença em museus europeus onde realizou cópias de obras consagradas, da presença em festas até o casamento em Montevidéu. As imagens permitem revelar a trajetória dessa artista com sinais de distinção social e identificar a moda e a cultura da aparência. O ponto de inflexão é o casamento, quando a noiva é representada nos periódicos montevideanos dentro da tradição com toques de modernidade, com vestido de cetim, véu, grinalda e bouquet originais. A pesquisa mostrou uma artista comprometida com sua arte e vestida com sobriedade e elegância nos lugares de sociabilidade artística, por outro lado, é vista pela imprensa platina e brasileira como uma socialite, com roupas que denotam distinção social e de acordo com as tendências da moda.

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La artista chilena Sara Malvar y la vanguardia.

En este artículo se analiza la construcción de la figura del artista moderno siguiendo tres de sus aspectos claves: el mito del genio, los comportamientos y conductas artísticas y la imagen pública y su relación con el reconocimiento profesional. En todos estos puntos se ha integrado la perspectiva de género con el objetivo de generar un marco teórico general para el análisis de esta figura. Las conclusiones muestran cómo esta, vinculada cada vez más al espacio público, se forma de acuerdo a la identidad masculina, aun cuando esta idea del artista no cumpla con las pautas de la masculinidad establecida.

This article analyzes the relationship between the revolution, Mexican public art, and the League of Revolutionary Writers and Artists (LEAR) during the period from 1934 to 1938. LEAR was a left-wing and anti-fascist organization that sought to collaborate with workers through public art. The importance of LEAR in the art and cultural scene is highlighted, as well as its political and artistic influence. [Extracted from the article]

Reflecting about the documentary heritage of artists requires the consideration of archival, legal, historical-artistic and museological factors. If the analogue productions of artifacts and the correlated documentation have been studied, transferring the creative perspective into a digital environment asks to face a reality in turmoil: the ways of expressing and representing contemporary art, in balance between digital and crypto art, require new visions in the production and management of works. In this redefinition of roles and relationships, which almost exclusively concern the documentary structure and the technological and digital components, document systems assume a primary role. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

The art movements of Cubism and Abstract Expressionism, influenced by Jung and Freud, emerged as a symbolic representation of the collective unconscious, and became an expression of the challenging times of a culture in transition. Similar to the technique of interpretation in psychoanalysis, Cubist painting was a method of demarcation, rather than an imitation of what was seen in the physical world. Also, as an expression of collective experience, the avant-garde movement of Abstract Expressionism emerged out of Cubism. It moved away from the logical idealism of Cubism into an expression of felt experience. This paper will review the art of the avant-garde Cubist and Abstract Expressionist movements. The psychology of the artistic process will be explored in relation to psychoanalysis and collective experience. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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En la primera mitad del siglo XX, el arte público fue un tema central en las discusiones respecto a cómo debía ser el arte mexicano. A menudo, el debate apuntaba a la articulación entre el arte y los artistas con la “lucha de los obreros”. Ambos actores eran considerados protagonistas y agentes de una revolución en marcha, codo con codo en la misma lucha. Este artículo pretende describir y analizar algunas resoluciones de arte público propuestas por la Liga de Escritores y Artistas Revolucionarios (LEAR), una organización de izquierda y antifascista que incluía a artistas e intelectuales de diversas disciplinas. Mi objetivo es mostrar cómo la LEAR propuso alternativas de arte público, proyectado como una herramienta útil para los trabajadores a partir un programa enfocado en la colaboración a través del arte.

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Se muestran los resultados del estudio “Identidades profesionales de los/as artistas-docentes en la Región de Los Lagos. Transformaciones de lo social en compromiso cultural”, que buscó conocer las subjetividades del profesorado de artes visuales de la Región de Los Lagos en Chile y comprender cómo dichas subjetividades contribuyen hacia el desarrollo social y cultural de la región. Se utilizó una metodología mixta; con la aplicación de una encuesta y cuatro grupos focales. Como principales resultados de la fase cualitativa, encontramos que la conformación de subjetividades de los/as artistas-docentes y su aporte social y cultural surge a partir de tres categorías: i) Creación Artística Personal Situada; su hacer es una práctica situada que conlleva decisiones políticas del cómo repensar el mundo en un contexto dado, por lo que es ontológico-episte-metodológico. ii) Lo Artístico; que transformará y mediará en el espacio social y iii) Agentes de cambio; donde saca del aula la acción transformadora, promoviendo la acción participativa más allá de lo formal. Estas prácticas onto-episte-metodológicas de los/as artistas-docentes son acciones que van directamente a disrumpir el espacio artístico-social previamente establecido. Las subjetividades del/la artista docente es la posibilidad misma de transformación social del territorio, generando nuevos sentidos, como una forma colaborativa de promover cambios a través de las artes.

En este artículo se analiza la metáfora “el público es la familia”, elaborada por el can-tante Abel Pintos (1984, Bahía Blanca, Argentina) para hacer referencia a la relación con sus seguidores. Primeramente, se hará un breve repaso por la vida del artista, su obra y su actividad actual de promoción artística. Luego, se revisarán las características prin-cipales de los movimientos de masas, en particular, en lo que hace a la relación de los artistas con su público (nivel de cohesión alto, organización para fines comunes, res-paldo y admiración por un personaje público, referencias internas, símbolos en común y uso de productos con la marca del artista). A continuación, se detallará la metodo-logía de la investigación y se presentarán los resultados del análisis discursivo de al-gunas publicaciones y comentarios de Facebook en los que la metáfora que focaliza-mos se hace presente. Se extraerán de estos las características de la relación entre Abel Pintos y sus seguidores, y se enumerarán otras conceptualizaciones existentes para ha-blar de dicha relación. La más importante de ellas consiste en constituir una comuni-dad con una unión tan fuerte como la de una familia. Otras características que se ad-vertirán son las siguientes: iniciativas de organización para hacer productos u ofrecer servicios en conjunto, referencias internas, creación de términos identificatorios (por ejemplo, el adjetivo abelero/a), lenguaje performativo, gran admiración por el cantan-te argentino. Por otro lado, se señalarán ocasionales inconsistencias entre la metáfora “el público es la familia” y algunos eventos que contradicen dicha conceptualización. Finalmente, se presentarán las conclusiones del estudio.

Este estudo teve como objetivo principal analisar e refletir sobre o ser negro no Brasil diante da exposição “Agora somos todxs negrxs?”, que teve como curador o artista Daniel Lima. A justificativa deste estudo surge a partir da questão do título da exposição, que indaga sobre o ser negra/negro e faz refletir sobre cor/raça no Brasil como um desafio na sociedade. O percurso metodológico escolhido neste trabalho aconteceu por meio de análise da exposição e levantamento de informações. Para realizar esse procedimento metodológico, foram analisados alguns sites, fotografias expostas na exposição e literatura. Os resultados conclusivos apontam que “Agora somos todxs negrxs?” foi de suma relevância, apresenta uma ideia de enfrentamento contra o racismo institucionalizado no Brasil a partir do ponto de vista da negritude e da desconstrução do impacto da colonização e da escravidão.

Resumo: Apresentação sobre a revista e o Dossiê Temático Palavras-chave: Pintura colonial; Iconografia Barroca; Perspectiva; Pintura de Teto

Ao revelar uma atenção renovada para as questões políticas e sociais, as práticas artísticas contemporâneas têm transformado a natureza da arte. Essa virada social, por sua vez, tem desencadeado o deslocamento do artista do lugar tradicionalmente a ele reservado na sociedade, um lugar que o mantinha atado às margens do tecido social, obrigando-o assim a enfrentar o processo de reinvenção de si à luz dessas mudanças nas relações entre arte e sociedade. Neste artigo procuramos refletir sobre as andanças desse artista pelo mundo, além de suas articulações, plenas de fricções, com as complexidades e instâncias do sistema de arte, em especial com o museu de arte.

O objetivo deste trabalho é compreender a concessão do título de “cidade da música” para Salvador pela Unesco e possíveis redefinições na vida e no trabalho de artistas locais. Indaga-se: como equilibrar a promoção internacional, o desenvolvimento da economia local e a participação dos artistas? A pesquisa informa que a prefeitura municipal ainda está com dificuldades práticas para tornar Salvador a cidade da música proposta por sua candidatura e propaganda iniciais. Isto é perceptível, pois não existe um alinhamento entre discursos e práticas no tocante aos direitos dos artistas, falta uma política cultural clara, há baixo investimento e manutenção precária de espaços de socialização artística. Chegou-se a essa conclusão depois da análise de legislações, relatórios de gestão e entrevistas com artistas.

Nossa proposta é analisar as obras de Cecilia Salles, Gesto inacabado e Redes da criação, à luz do que Espinosa apresenta na Ética como sendo o segundo e o terceiro gêneros de conhecimento. A intenção é avaliar em que medida as ideias de Salles, sobre processo de criação, e de Espinosa podem ser complementares. Nosso problema se constitui em avaliar os processos de criação descritos por Salles e colocá-los lado a lado com os gêneros de conhecimento de Espinosa por ambos abarcarem aspectos relacionados a uma teoria do conhecimento. Nossa hipótese é de que esse movimento é possível pelas características intrínsecas às descrições desenvolvidas pelos autores. Nosso método é de apropriação livre dos conceitos de Salles, como demonstração de procedimentos criativos, e posterior análise das obras em tela para concluir por suas ideias comuns em alguns pontos e por sua complementaridade.

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Considering the reinterpretations of the contemporary museum practices, the artist as a curator is currently a figure at the center of the critical debate that has arisen around the history of the exhibitions, in particular considering its potential to bring the precarious nature of exhibitions to its limits (ed. Filipovic, 2017 ) and its possibilities to move with extreme freedom between roles and types. This article aims at investigating one of its specific declination, focused on the collections and archives of the museum, starting from a case study, the project -2 +3 (2010) that Stefano Arienti and Massimo Bartolini realised at the Museion, Bolzano. For the whole duration of the project a selection of the collection has been brought by the artists, without changing the order and arrangement and keeping all the daily activities, from the warehouses inside the exhibition spaces. Intervening on what usually remains hidden from the public eye, Arienti and Bartolini through movements, installations, displays and new artworks created for the occasion had in fact staged a new relationship with the pieces of the collection, while questioning the functions and mechanisms that are part of the museum, without modifying them. Particularly significant in his desire to move the boundaries until the exhibition set up and artistic installation coincide, through a single, coherent conceptual operation, this project will be investigated starting from historicized models - from Andy Warhol Raid the Icebox I (1969) to Fred Wilson Mining the museum (1992-93) - considering the contemporary Italian context and the models that stress out the concept of exhibition itself, as well as the ones of collection and archive.

O artigo aborda a análise dos discurso do diretor do grupo do tempo Roberto Mallet, buscando identificar possíveis relações com a mitologia heróica, traçando também paralelos referente ao teatro de grupo brasileiro sob essa perspectiva.

Este artículo expone parte de las reflexiones del proceso llevado a cabo en el mes de julio de 2017 en la ciudad de Sao Paulo, Brasil, en el programa de Residencia Internacional de Investigación en Arte Contemporáneo Uberbau_house. Allí se realizó una reorganización de nociones y, a partir de éstas, unas relaciones sobre la gestión de artes visuales contemporáneas según el tamaño de la escena en donde se desenvuelve. Las conversaciones, diagramas y tablas de resultados giran en torno al papel que el arte cumple dentro de la cultura, la cantidad de espacios de interacción con otros profesionales y con el público general; la institucionalidad y sus modos de relación con el sistema de arte y las posibilidades de circulación según continuidad y consolidación de lugares. Por último, se busca relacionar dicho contexto con las posibilidades de la gestión cultural y comunicativa en el marco de unas prácticas artísticas que reconocen que la cultura es más que sus discursos, pero, a la vez, reafirma su capacidad para traspasar los límites: que incluyen y excluyen, tomando el derecho de no aceptar o de posicionar imaginarios colectivos que distan de la normalización cotidiana. Todo esto por medio de los procesos colaborativos, la permeabilidad entre contextos y la búsqueda del equilibrio en la institucionalización de sus propuestas o agentes.

O artigo propõe uma análise de O insigne pintor (1780), de Francisco Vieira de Matos (1699-1783), o Vieira Lusitano. Ele realizou desenhos de Corpus Domini em Roma, por encomenda de D. Rodrigo Anes de Sá Almeida e Meneses, embaixador de D. João V junto ao Papa Clemente XI. Sob sua direção fez o desenho da procissão, que serviria de modelo para Corpus Christi de 1719 em Lisboa, e para as procissões da monarquia portuguesa. O desenho, representado por escrito em O insigne pintor, deve ser situado no contexto de reforma da procissão. Trata-se de uma interpretação da obra, que constitui uma autobiografia de um pintor, categoria que não costumava gerar autobiografias no mundo português e católico do século XVIII. A intenção é analisá-la dando ênfase ao desenho do ritual e à mudança de status do artista.

A partir de fragmentos de um recorte autobiográfico, o texto procura, não responder, mas dialogar com a questão proposta pelo editor: “o que me/nos/vos motiva em arte?”. Sob a perspectiva da fenomenologia de Heidegger, parte da análise ontológica do Ser-aí, o modo de ser do ente que somos, em seus aspectos constituintes, para estendê-la ao ser do artista e da arte. Para isso, busca estender o diálogo às genealogias que afetam eletivamente o autor em sua relação prática e teórica com a arte, assim como com as condições contextuais que envolvem a produção, circulação e recepção do trabalho de arte na sociedade contemporânea, seus limites e contingências. Finalmente, debruça-se sobre o momento atual e recente do trabalho de seu autor, de modo a mergulhar em busca dos interesses e motivações que levam a sua realização, assim como ao trânsito entre linguagens do campo ampliado da arte e de campos afins.

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