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none 1 si Si tratta di una discussione sul volume "Pigliare occhi per aver la mente", un botta e risposta fra l'autrice e la studiosa Giulia Puma per mettere in risalto le tematiche più rilevanti. mixed Laura Pasquini Laura Pasquini

Il contributo traccia sinteticamente la fortuna del tema iconografico della donna intenta alla scrittura, a partire dagli archetipi legati alla cultura classica, fino a giungere alle immagini emblematiche del Medioevo (la monaca, la mistica, le donne virtuose del De cleres et nobles femmes, ma anche l’allegoria della Grammatica e la raffigurazione della scrittrice Christine de Pizan) e dell’Età moderna (la Vergine come allieva di Anna o maestra di Gesù, il modello ideale della “donna di palazzo”, la compositrice e l’accademica, l’aristocratica o la borghese colte nell’atto di scrivere una lettera privata). Questo saggio non ha la pretesa di presentare una rassegna completa delle iconografie relative al rapporto fra donna e cultura scritta, ma di mostrare alcuni esempi emblematici, privilegiando per quanto possibile tre punti di osservazione: le testimonianze figurative in cui la figura femminile è colta nell’atto di scrivere, più che di leggere; le immagini in cui il testo manoscritto è reso fruibile alla lettura, in modo da esplicitare i contenuti ritenuti idonei all’occhio femminile; le opere dipinte da mano di donna, interessanti in quanto esito di un’ottica interna rispetto alla genesi di una coscienza di sé. The paper explores the meaning and role of the adoption of the iconographic motif of the woman in the act of writing in different contexts and ages, by outlining an overview starting with the archetypes related to classical culture, then examining the emblematic images created in the Middle Ages (not only the nun, the mystic, the virtuous women of De cleres et nobles femmes, but also the allegory of the Grammar and the representation of the writer Christine de Pizan), and concluding with the modern age cases (the Virgin as a pupil of Anna or teacher of Jesus, the ideal model of the “palace woman”, the composer, the academic, the aristocrat or the well educated middle-class woman while writing a private letter). This paper is not intended to present a complete overview of the iconographies concerning the relationship between woman and written culture, but to cast light on some emblematic examples, by giving priority as far as possible to three analysis themes: the figurative cases in which the female figure is caught in the act of writing rather than reading; the images in which the handwritten text is made visible in order to indicate the contents suitable for the female eye; the works painted by women artist, interesting as the result of an internal perspective connected with the emergence of a specific self-awareness.

Nel saggio l’autrice indaga il valore dell’immagine e il rapporto della scrittura petrarchesca con le arti figurative. I testi fondamentali sono i due sonetti sul ritratto di Laura eseguito da Simone Martini (RVF 77 e 78) e il sonetto «della Veronica» (RVF 16). L’analisi dei testi mostra di più come il punto focale della meditazione petrarchesca sia la trasformazione dell’idolo in icona mediante un processo di «visualizzazione spirituale» dell’immagine concreta che ha il suo esempio significante proprio nella Veronica, la «vera immagine» del Volto Santo., In this essay, the author enquires into the value of the image and the relationship between Petrarchan writing and the figurative arts. The basic texts are the two sonnets by Simone Martini (RVF 77 and 78) on the portrait of Laura and the sonnet «della Veronica» (RVF 16). The analysis of the texts highlights the manner in which, at the centre of Petrarchan meditation, there is a transformation from idol to icon through a process of the «spiritual visualisation» of the specific image, whose most significant example is Veronica, «true image» of the Holy Visage.

I cosiddetti “zoo umani” rappresentarono un fenomeno di vastissima diffusione e popolarità nell’Europa delle grandi esposizioni nazionali, internazionali e universali a partire dalla metà dell’800. Forme spesso brutali di pubblica esibizione di esemplari di umanità selvaggia, gli “zoo umani”, completi di “villaggi” ricostruiti nel dettaglio e popolati di “indigeni” importati come animali da esposizione, costituirono un ingrediente importante – per quanto raccapricciante – della mentalità e dell’auto-rappresentazione dell’Occidente “progredito”, imperialista e colonizzatore. Grazie a questo libro, dopo che numerosi studi hanno indagato il fenomeno in larga parte del mondo occidentale (Germania, Francia, Inghilterra, Stati Uniti, Spagna, Svizzera, Russia, Danimarca) disponiamo ora della prima ricerca sistematica sulle “esposizioni umane” nell’Italia liberale e fascista, viste non solo nella loro funzione politico-ideologica, ma anche in rapporto ai loro antecedenti storici più antichi e nella varietà di declinazioni che, ben oltre la nozione restrittiva di “zoo umani”, esse assunsero nel mondo dello spettacolo, in quello delle attività missionarie oltremare e negli ambienti della ricerca medica e antropologica. L’interesse suscitato dal libro ne ha reso necessaria una seconda edizione riveduta e accresciuta e con una Prefazione di Sandra Puccini. ll volume è attualmente in corso di traduzione presso la prestigiosa casa editrice inglese Routledge.

La funzione della "trasparenza", tra letteratura, arti figurative e architettura, è indagata alla luce delle trasformazioni socio-culturali indotte dalla pandemia di Covid-19 del 2020

Il volume offre una ricognizione sul collezionismo in Sicilia e prende in esame, per la prima volta nella sua interezza, una collezione privata proponendo la riscoperta di opere di autori rappresentativi della cultura figurativa italiana del XIX e del XX secolo, tra cui Michele Catti, Ettore De Maria Bergler, Onofrio Tomaselli, Pippo Rizzo, Alfonso Amorelli e Pina Calì. La collezione privilegia la pittura dell’isola ma include anche il pittore non siciliano Giuseppe Amisani e la coppia di bronzi di Antonio Ugo e trova nelle opere "Costumi" di Salvatore Lo Forte del 1839 e "Sogno del carabiniere" di Pippo Rizzo degli anni ’50 i propri limiti cronologici. Questa raccolta privata, per lo più inedita, è la testimonianza tangibile di un consapevole collezionismo di qualità che oggi consente di riscoprire opere particolarmente significative, a lungo sconosciute o ritenute disperse, come "Dante e Virgilio" di Tomaselli, datato 1891 circa e presentato all'Esposizione Nazionale di Palermo del 1891/92, e "Pensosa (o Lettrice)" di De Maria Bergler , datato 1917 e presentato alla seconda mostra palermitana della “Pro Patria Ars”.

Il contributo traccia sinteticamente la fortuna del tema iconografico della donna intenta alla scrittura, a partire dagli archetipi legati alla cultura classica, fino a giungere alle immagini emblematiche del Medioevo (la monaca, la mistica, le donne virtuose del De cleres et nobles femmes, ma anche l’allegoria della Grammatica e la raffigurazione della scrittrice Christine de Pizan) e dell’Età moderna (la Vergine come allieva di Anna o maestra di Gesù, il modello ideale della “donna di palazzo”, la compositrice e l’accademica, l’aristocratica o la borghese colte nell’atto di scrivere una lettera privata). Questo saggio non ha la pretesa di presentare una rassegna completa delle iconografie relative al rapporto fra donna e cultura scritta, ma di mostrare alcuni esempi emblematici, privilegiando per quanto possibile tre punti di osservazione: le testimonianze figurative in cui la figura femminile è colta nell’atto di scrivere, più che di leggere; le immagini in cui il testo manoscritto è reso fruibile alla lettura, in modo da esplicitare i contenuti ritenuti idonei all’occhio femminile; le opere dipinte da mano di donna, interessanti in quanto esito di un’ottica interna rispetto alla genesi di una coscienza di sé. The paper explores the meaning and role of the adoption of the iconographic motif of the woman in the act of writing in different contexts and ages, by outlining an overview starting with the archetypes related to classical culture, then examining the emblematic images created in the Middle Ages (not only the nun, the mystic, the virtuous women of De cleres et nobles femmes, but also the allegory of the Grammar and the representation of the writer Christine de Pizan), and concluding with the modern age cases (the Virgin as a pupil of Anna or teacher of Jesus, the ideal model of the “palace woman”, the composer, the academic, the aristocrat or the well educated middle-class woman while writing a private letter). This paper is not intended to present a complete overview of the iconographies concerning the relationship between woman and written culture, but to cast light on some emblematic examples, by giving priority as far as possible to three analysis themes: the figurative cases in which the female figure is caught in the act of writing rather than reading, the images in which the handwritten text is made visible in order to indicate the contents suitable for the female eye; the works painted by women artist, interesting as the result of an internal perspective connected with the emergence of a specific self-awareness.

La sfida proposta dal volume di Carbone è ambiziosa perché intende analizzare all’interno dell’opera buzzatiana quattro macro-questioni che intrecciano scritture e immagini, dedicando a ciascuna di esse un preciso capitolo: Buzzati critico d’arte, Buzzati e le forme estetiche di massa, L’immaginario dipinto di Dino Buzzati, Buzzati disegnatore.

Il volume prende in esame le vicende legate alla costituzione della raccolta museale del Teatro Massimo di Palermo, con particolare attenzione alle opere d’arte custodite all’interno del teatro in riferimento a un avvenimento storico degno di nota quale l’istituzione del Museo d’Arte Teatrale, inaugurato da Pietro Mascagni il primo maggio del 1940, dopo un lungo periodo dedicato a raccogliere testimonianze sulla storia del Teatro Massimo e dei principali teatri della Sicilia. Grazie ai documenti consultati presso l’Archivio Storico e la Biblioteca del Teatro Massimo e ai sopralluoghi che hanno consentito la visione diretta dei materiali, il saggio - che scaturisce dalla collaborazione tra la Fondazione Teatro Massimo e l’Università degli Studi di Palermo - ripercorre le principali tappe che portarono alla costituzione del primo nucleo di opere, negli anni incrementato da nuove acquisizioni e donazioni che oggi fanno sì che il Teatro Massimo si configuri non soltanto come uno tra i simboli più amati della città di Palermo ma anche come prezioso contenitore capace di custodire materiali di alto profilo storico-artistico. Viene dunque indagata un’ampia selezione di lavori tra dipinti, sculture, disegni di architettura, archetipi, fotografie e stampe realizzati da esponenti importanti della cultura del tempo, tra cui Giovan Battista Filippo Basile, Ernesto Basile, Giuseppe Sciuti, Antonio Ugo, Mario Rutelli, la cui analisi viene strettamente connessa all’indagine del contesto storico-artistico e della temperie culturale palermitana dei secoli XIX e XX.

Starting from the analysis of a painting by Domenico Beccafumi, this paper reconstructs the different figurative and literary forms of the myth of “Hercules prodicio” and brings into focus the complex allegorical meanings and remarkable philosophical and ideological implications of the image of “bivio erculeo” (i.e. Hercules choice). Such examination will be provided as a guide for interpretation to frame the contents of Giraldi’s Ercole in a new perspective, highlighting the innermost relations in his pedagogic project and the cognitive values conveyed by the myth. Partendo dall’analisi di un dipinto di Domenico Beccafumi, il saggio ricostruisce le varie forme, figurative e letterarie, del mito dell’“Ercole prodicio” e mette a fuoco i complessi significati allegorici e le notevoli implicazioni filosofiche e ideologiche dell’immagine del “bivio erculeo”. Tale excursus si offre come chiave di lettura per inquadrare in una rinnovata prospettiva i contenuti dell’Ercole di Giraldi, evidenziando le intime connessioni tra il suo progetto pedagogico e i valori conoscitivi veicolati dal mito., Studi giraldiani. Letteratura e teatro, Vol 1 (2015)

Nel saggio viene indagata la figura femminile della ninfa, sulla base di una suggestione di Aby Warburg che si ritrova in alcuni autori come d'Annnzio e Gozzano

Il saggio si offre come guida alla lettura dei maggiori fenomeni artistici fioriti in Inghilterra nel XIX secolo e affronta la genesi e lo sviluppo di tendenze e movimenti straordinari che si estendono dal Gothic Revival alle Arts and Crafts, dai Preraffaelliti all'Aesthetic Movement, dal Japonisme all'Art Nouveau. Il volume, ampiamente illustrato e corredato di bibliografia aggiornata, traccia un quadro storico-critico dell'età vittoriana senza tralasciare l'analisi delle maggiori opere d'arte dell'epoca, realizzata da artisti quali William Morris, Dante Gabriel Rossetti, Albert Moore, Lawrence Alma-Tadema, Aubrey Beardsley e molti altri autori, oggi al centro di un rinnovato interesse da parte del pubblico e della critica.