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La presente investigación se sumerge la exploración de la soledad masculina a través de dos aclamados largometrajes de animación stop motion: Anomalisa (2015) dirigida por Charlie Kaufman y Duke Johnson, así como Mary and Max (2003) dirigida por Adam Elliot. La misma se llevará a cabo a través de un análisis multimodal, que permitirá examinar cómo se utilizan distintos recursos semióticos para construir historias que reflejan la soledad masculina y problemas de salud mental, considerando las normas de género desde una perspectiva interseccional. Desde este enfoque interdisciplinario, se busca correlacionar técnicas de análisis semiótico-sociales con estudios de género, para detectar las particularidades con las que ambas animaciones presentan a sus personajes masculinos lidiando con la soledad y el aislamiento, así como sus respectivos problemas de salud mental.

La animación se ha hecho eco de la importancia que la salud mental ha adquirido recientemente en la sociedad. Identificar las emociones propias e interpretarlas para saber cómo desarrollar habilidades, tomar decisiones y, en definitiva, conocerse individualmente, suponen uno de los principales retos a los que se enfrenta el sujeto contemporáneo. Este artículo explora, desde una perspectiva de género, el tratamiento de la inteligencia emocional en la ficción surcoreana a través de la serie Yumi’s Cells (2021-2022), que combina imagen real y animación. Mediante un análisis textual, se confirma que la representación de los personajes animados sirve como una herramienta pedagógica para que la audiencia aprenda a detectar las emociones cotidianas, particularmente en un contexto como el de la sociedad surcoreana que adolece de determinados recursos psicológicos, pues la extroversión de las emociones es considerada un tabú social.

La comunicación de los trastornos mentales en la población juvenil es un reto que se presenta a las instituciones públicas y privadas debido al gran alcance que los trastornos mentales tienen entre la población juvenil (Costas-Pérez et al., 2023). Esta comunicación debe ir encaminada a concienciar a la sociedad, pero también debe servir para luchar contra estereotipos que se han enquistado en ella (López et al., 2008). El escenario actual nos plantea determinar cuáles son las herramientas necesarias para difundir mensajes conciliadores a los más jóvenes. En este estadio, nos planteamos si la animación, debido a su proceso creativo, puede posicionarse como el soporte adecuado para conseguir los dos objetivos marcados: concienciar para desestigmatizar. Siguiendo la teoría de González-Pacanowski y Medina-Aguerrebere (2009); Okan et al., (2016) y Vivas (2021) que aseguran que los recursos visuales y gráficos pueden mejorar la comprensión de este tipo de información al simplificar mensajes complejos, realizaremos un estudio de los cortometrajes de animación What’s Up With Everyone? (Aardman, 2021), con el objetivo de determinar cómo se construye el discurso narrativo y cómo los elementos audiovisuales son clave para conseguir comprender y empatizar con las personas que sufren de trastornos mentales. El análisis de estos cinco cortometrajes de animación nos permite afirmar que la animación logra, gracias a la creatividad y a la creación de universos imaginarios, conectar con la audiencia mediante la empatía, un requisito básico para despertar conciencias.

Yo, Elvis Riboldi (Javier Galán y Raphaël Lamarque, 2020) nos presenta la historia de un niño lleno de energía, fan de AC/DC, optimista y apasionado que representa un desafío para muchas personas por su forma de ser. Elvis encarna la vida cotidiana de un niño con trastorno por déficit de atención e hiperactividad (TDAH). Este estudio se propone analizar el personaje de Elvis para conocer y profundizar en cómo se presenta y representa la salud mental de un niño con TDAH y examinar de qué forma es tratado en los diferentes ámbitos: familiar, escolar, comunidad. Para ello se analizan los elementos audiovisuales y las estructuras narrativas que componen a esta animación pensada para un público infantojuvenil de entre 7 y 11 años. El estudio revela que los elementos que componen a esta obra permiten expresar de manera más fluida y didáctica la vida de un niño diagnosticado con TDAH. Este anime se destaca por la facilidad con la que se logra empatizar con el protagonista habilitando un espacio clave en la diversidad de personalidades y promoviendo diferentes instrumentos para la resolución de conflictos.

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Entretener y narrar son dos cualidades de los videojuegos, por ello son tan populares y tomados como inspiración para crear historias en otros medios de comunicación. En la actualidad, lo diferencial radica en que han surgido creadores independientes, como Alan Becker, que los incorporan en la narrativa de sus animaciones. Este artículo tiene como objetivo estudiar Animation vs. Arcade Games, uno de sus cortos más populares que incorpora 9 videojuegos arcade como parte de su relato. Para investigar este crossover se empleó el enfoque cualitativo aplicando el análisis del texto fílmico, lo que permitió determinar que algunos de los personajes, acciones, tiempos y espacios incorporados de los videojuegos transitan entre ser modificados, para formar parte del nuevo relato, o ser respetados en sus configuraciones originales, lo que implica la aplicación de un equilibrio narrativo transvers

Gracias a la evolución de las imágenes generadas por ordenador (CGI, del inglés Computer Generated Images) y los softwares 3D, la industria de la animación ha propiciado la realización de imágenes digitales, lugares y contextos culturales en busca de un resultado fotográfico más próximo a la realidad. Dentro de la producción del mayor distribuidor (Disney) la situación pandémica derivada de la covid-19 ha provocado que los productos destinados a las salas de cine se exhiban por un único medio: Disney+. El presente estudio pretende arrojar luz sobre el significado en la aprehensión y el desarrollo de los paisajes cuando el medio de exhibición se traslada al consumo enteramente digital mediante un sistema de vídeo bajo demanda (VBD). De este modo, se han estudiado las realizaciones generadas durante la crisis sanitaria (2020 2021) para comparar los resultados estéticos en los diferentes contextos representados a través de la exhibición digital.

A diferencia de lo sucedido en el escenario bélico, donde desató las hostilidades y mantuvo la iniciativa en varios frentes a la vez, el régimen nacionalsocialista apenas si pudo equipararse a los países aliados en el uso político de la animación a pesar de conceder a la propaganda una importancia excepcional. A la vista de este fracaso, el artículo indaga su marco causal y se adentra para ello en un campo de fuerzas donde instituciones rivalizan con empresas y figuras de talento con oportunistas en la gestación de filmes de tono y calidad muy desigual que rápidamente cayeron en el olvido pero que, dado su valor documental, conviene tomar en cuenta en el marco general de la historia de la animación.

This article examines the intersections between memory, documentary, and animation through an analysis of the film Gurs, historia y memoria (2017). Verónica Sáenz's documentary incorporates animated sequences by the renowned cartoonist Paco Roca to recuperate the memories of Spanish Republican exiles in the French camp Gurs. Although the graphic novel of the Spanish Civil War has piqued the interest of academics and critics, there are few studies devoted to the intersections between this genre and animation. In this article, I propose that the animated segments of Gurs, historia y memoria function as a reflective membrane that regulates the viewer's affective response based on the affirmative and future-centric structure of hope, with the goal of reconstructing a multidirectional memory of the Gurs camp aimed at promoting solidarity with Syrian refugees. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

In contrast to the war scene, where it unleashed hostilities and maintained the initiative on several fronts at the same time, the National Socialist regime was hardly able to match the Allied countries in the political use of animation, despite the exceptional importance it attached to propaganda. In view of this failure, the article explores the causal framework and delves into a field of forces where institutions compete with companies and talented figures with opportunists in the development of films of very uneven tone and quality that quickly fell into oblivion but which, given their documentary value, should be taken into account in the general framework of the history of animation. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

This article aims to approach the traditional adaptive phenomenon in reverse; that is, the process by which the narrative world of a film is expanded through literature. To this end, the focus is on the Disney-Pixar film Coco (2017) and four children's picture books that rewrite it. A mixed methodological design has been used, based on the content analysis of multimodal products from a comparative-narratological approach. It has been possible to distinguish two clear uses of rewriting: one of a more illustrative nature, aimed at disseminating the original material, and a more creative one, focused on expanding the original universe. In any case, all the proposals reaffirm the current trend towards the creation of narratives that are expanded through different media, within the new transmedia environment, which requires the updating of the contents of literary and filmic skills and related knowledge. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

The article analyzes the format of the Spider-Man animated series (1994-1998), which combines elements of a procedural series and a serial series. The importance of studying both the narrative format and the representation of the world in the series is highlighted. It is concluded that the recurring narrative elements in the series are not only the result of production factors, but also contribute to the construction of the protagonist's social and personal world. The article was written by Arturo Encinas Cantalapiedra and Rodrigo Miguel Morgado Gonçalves from the Francisco de Vitoria University in Spain. [Extracted from the article]

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Disney se entiende como una productora de animación americana que crea un discurso e imaginario colectivo que arraiga en la ciudadanía. A raíz de dicha influencia descontextualizada en la actualidad se forja un contra-discurso artístico para contrarrestar dichos posicionamientos sesgados. El objetivo de esta investigación consiste en visbilizar la influencia de Marina Salazar a través de su colección escultórica Broke Disney para aproximar a la población a unos mensajes más actualizados y respetuosos con respecto a la diversidad. Para ello, se recurre a la ARTografía como metodología incluida en la Investigación Basada en las Artes, ya que combina el arte, la investigación y la enseñanza. Con todo, se concluyen ejemplos didácticos-artísticos a través de los cuales educar a la ciudadanía en principios feministas y queer.

La fenomenología ha enriquecido los estudios fílmicos a través de los trabajos de Christian Metz, Gilles Deleuze y Vivian Sobchack, entre otros, pero su metodología descriptiva también puede contribuir a la investigación de la animación. En este texto analizamos fenomenológicamente la experiencia de ver una narración ani-mada para sacar a la luz la estructura y dinámicas a priori en las que cobra sentido. Mostramos cómo la actitud particular del sujeto que permite su inmersión en el mundo narrativo animado presupone una dimensión intersubjetiva, que articula su proceso de crecimiento personal con prácticas culturales orientadas por expectativas de encuentro y reconocimiento pro-pias de la comunicación contemporánea. Esta descripción fenomenológica permite comprender el valor que ese público encuentra en las narraciones animadas. Asimismo, expone los presupuestos que fundamentan las disciplinas que estudian la animación desde sus marcos teóricos y metodologías propios, ofreciendo así orientaciones para sistematizar y fortalecer su investigación interdisciplinaria.

Objective: To identify and characterize animation videos on health education related to elimination ostomies. Method: Study of quantitative nature of the descriptive type with a stage of technological prospection in the literature and on the Youtube video sharing platform. Results: The study did not identify articles in the literature; however, 19 videos were identified on YouTube, of which the most discussed topics were: the making and definition of colostomy, definition and manufacture of ileostomy, preparation of urostomy and causes of manufacture of elimination ostomies. Most of the animations found on the platform were in English and none in Portuguese, revealing the scarcity of this material for people with elimination stomas in Brazil. Conclusion and implications for practice: The study was limited to the identification and characterization of the available videos, partially reaching the objective, thus, emphasizing the need for other studies that address this issue so that it can support the construction and validation of an animation video on elimination stomas based on scientific evidence, so that it is used as a tool for health education. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

Phenomenology has enriched film studies through the work of Christian Metz, Gilles Deleuze and Vivian Sobchack among others, but its descriptive methodology can also contribute with animation research. In this text we analyze phenomenologically the experience of watching an animated narrative in order to bring to light the a priori structures and dynamics in which animation makes sense. We will delve into the particular attitude of the subject that allows immersion in the animated narrative world, which assumes an intersubjective dimension that articulates a personal growth process with cultural practices oriented by expectations of encounter and recognition typical of contemporary communication. This phenomenological description allows us to understand the value that the audience find in animated stories. The essay also exposes the assumptions that underlie animation studies from their own theoretical frameworks and methodologies. It therefore offers a primary guidance for systematizing and strengthening interdisciplinary research. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

La presente investigación muestra cómo el artista Txuspo Poyo a través de su pieza artística Delay glass transforma en imagen en movimiento la obra inconclusa El Gran Vidrio y la completa con referentes extraídos de otras obras de Marcel Duchamp. Poyo trabaja con tecnología 3D para dotar de vida a unos personajes simulados por máquinas que simbolizan el amor, el deseo, las relaciones sexuales y las frustraciones humanas. Txuspo Poyo a través de su obra de videoarte1 en 3D2 Delay glass, materializa la obsesión de Duchamp de representar el movimiento y la tercera dimensión y la transforma en una animación generada por ordenador. La investigación utiliza una metodología exploratoria, descriptiva y explicativa. Asimismo, incluye una entrevista personal con el artista Txuspo Poyo y un análisis fílmico de Delay glass que permite entender los diferentes universos que conforman la obra. Este texto explora los primeros usos y manifestaciones de la tecnología 3D en la producción de piezas animadas de videoarte y algunas de las conclusiones que cabe destacar de la investigación son, entre otras, que Poyo conecta con el espíritu y la irrealidad de los espacios que se observa en la obra de los primeros artistas de videoarte que trabajaron el software 3D y que trabaja la abstracción frente a la narrativa que se advierte en otros productos audiovisuales de consumo general. El artista absorbe la simbología de las máquinas de El Gran Vidrio y desarrolla una aproximación tecnológica que podría definirse como un amor carnal transformado en deseo mecánico que completa la obra inconclusa de Duchamp e incluye dentro de Delay glass el concepto de voyeurismo audiovisual y fetichismo industrial. Abstract This research shows how the artist Txuspo Poyo, through his artwork Delay glass, turns the unfinished work The Large Glass into moving image and completes it with references taken from other works by Marcel Duchamp. Poyo works with 3D technology to bring to life characters simulated by machines that symbolize love, desire, sexual relations, and human frustrations. Txuspo Poyo, through his 3D video artwork Delay glass materializes the obsession of Duchamp for representing movement and the third dimension and transforms it into computer-generated animation. The research uses an exploratory, descriptive, and explanatory methodology. It also includes a personal interview with the artist Txuspo Poyo and a film analysis of Delay glass that allows to understand the different universes that make up the work. This text explores the first uses and manifestations of 3D technology in the production of animated videoart practices and some of the conclusions to be drawn from the research are, among others, that Poyo connects with the spirit and unreality of the stages observed in the work of the first video art artists who worked with 3D software and that he works with abstraction as opposed to the narrative seen in other overall consumer audiovisual products. The artist absorbs the symbolism of the machines of The Large Glass and develops a technological approach that could be defined as a carnal love transformed into mechanical desire that completes unfinished work of Duchamp and includes within Delay glass the concept of audiovisual voyeurism and industrial fetishism.

Lotte Reiniger fue una directora alemana pionera en la animación cinematográfica, autora del primer largometraje animado que aún se conserva: Las aventuras del príncipe Achmed (Die Abenteuer des Prinzen Achmed, 1926). Pese a ello, su animación no ha sabido encuadrarse en la vanguardia, por alejarse de la corriente abstracta del cinéma pur, la vertiente de animación no narrativa en boga en la Europa de los años veinte. En esta investigación se profundiza en la figura y cine de la animadora, exponiendo las bases de su filmografía, analizando su animación narrativa, corroborando la influencia del Jugendstil en su técnica de stop motion y reivindicando su adscripción a la corriente vanguardista del expresionismo alemán, con la que emparenta en estética y en temática (leyendas y fantasía, adaptaciones de óperas, claroscuros, estilización de las formas, exotismo y orientalismo). Tras analizar su filmografía tanto estética como temáticamente, se concluye que se trata de una cineasta que debe ser situada dentro de la nómina de directores del expresionismo alemán, lugar de la historia del cine que legítimamente le corresponde.

Para la animación española, 2022 ha sido celebrado como el año del reestreno de un filme prácticamente perdido y olvidado, aunque singular para su historia: Érase una vez…, largometraje dirigido por José Escobar y Alexandre Cirici Pellicer, que llevaba al cine la versión de La Cenicienta descrita por Charles Perrault. Su producción no solo supuso un esfuerzo ímprobo para el tejido industrial y artístico de la animación española, sino que padeció el sino de competir con La Cenicienta disneyana, obligando el llamado mago de Burbank a cambiar el título de la versión española. En las siguientes páginas, Luciano Berriatúa e Isabel Benavides, protagonistas de la recuperación del filme, narran los detalles de un arduo proceso que duró siete años, comprendiendo diferentes técnicas y procedimientos para aproximarse con rigor a la verdad histórica de Érase una vez…

Este artículo analiza la película Sueños de Tay Pi (1951), dirigida por Franz Winterstein para la productora Balet y Blay, a raíz de la reciente proyección de una copia conservada en Filmoteca Española. Comparando esta versión con dos documentos inéditos como el tratamiento original y el guion técnico de Winterstein podemos valorar las diferencias entre versiones y las intenciones personales del autor, que se encontró con numerosas dificultades de producción. También comprobaremos que la película sí tuvo una distribución comercial, contrariamente a lo que se pensaba. Todo ello nos permite reconsiderar una obra insólita que a pesar de los problemas referidos intentó abrir caminos nuevos en el cine de animación español, con una propuesta arriesgada y moderna.

Tradicionalmente la máquina estroboscópica, conocida como “zoótropo”, ha sido estudiada como una herramienta primigenia para la creación óptica del movimiento en la imagen animada. Sin embargo, este artículo aborda el zoótropo desde la perspectiva del pensamiento artístico de la imagen en movimiento, por tanto, como “máquina” para la creación artística. En el texto se interrelaciona tres aspectos aparentemente dispares (correspondientes a disciplinas como la historia del arte, la teoría del arte y diseño digital). Estos aspectos son: la búsqueda cinemática de la imagen en términos de arte y la generación del movimiento, origen de la animación, en cuya historia se inserta este instrumento como punto conceptual de partida; el análisis de diversos artistas que trabajan actualmente a partir de los resultados cinéticos del zoótropo para desarrollar un discurso conceptual desde la contemporaneidad, dando un nuevo vigor a este instrumento que sirven como marco fenomenológico para la investigación; y el modelo de diseño digital del zoótropo como fase inicial de investigación teórico-práctica de este equipo, que busca relacionar aspectos entro lo analógico y lo digital como base de la creación artística contemporánea.

Con la asimilación industrial de los servicios VBD (Vídeo Bajo Demanda) para la distribución y exhibición de largometrajes animados, las plataformas se han configurado como un nuevo medio de relación. La irrupción de estos servicios ha derivado en resultados cinematográficos que han asumido dos líneas determinantes: la representación de una cultura estimulada con identidades y rasgos antes diferenciados, y un carácter gráfico unificado frente a la variedad técnica que antes determinaba el estilo de cada producto. Así, este estudio expone cómo las obras cinematográficas de animación, por medio del flujo de las nuevas plataformas y de Disney+, han adaptado sus narrativas y su estructura visual para proporcionar un resultado que incorpora la globalización cultural y gráfica de la inmediatez digital.

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Technologies have increasingly invaded school environments and teachers seek to follow this race, bringing new ways to stimulate Geography classes. But sometimes they forget that not-so-modern technologies, such as television, are still in frequent use by young people. Thus, the Cartoons provide a playful way to approach the Teaching of Geography, through an accessible language. Here we do an analysis in Brother of Jorel who goes with his family to the mall and embarks on an adventure in this universe that is a symbol of Capitalism. In the present study, a dialogism between Bakhtinian concepts and the Brother of Jorel is proposed, such as autobiography, carnival, polyphony. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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Dentro de la animación 3D, el diseño no es tan simple como hacer un buen o un mal diseño, hay otros factores que influyen si el personaje genera o no empatía hacia el espectador; uno de los factores críticos que indica que el diseño no cumplió con las expectativas es si entra dentro del valle Inquietante, un fenómeno estudiado en el diseño robótico pero que se ha extendido hasta llegar a la animación 3D. Si bien es únicamente una teoría, hay que considerarlo para tener la posibilidad de corregir diseños de personajes y que sean agradables a la vista, así como para buscar alternativas modernas para crear diseños o animaciones 3D ultrarealistas.

La asociación española de Mujeres en la Industria de la Animación MIA, nace en 2018 con el objetivo de visibilizar el trabajo de las mujeres en la animación y de cambiar la situación actual de desigualdad que hay en el sector. En este artículo se presentan los factores que motivan la creación de la asociación y se presentan las acciones realizadas en sus casi cinco años de trayectoria, particularmente el Informe MIA, el cual recoge los datos de la representación femenina en la industria española de la animación, y el programa de mentoría MIANIMA, cuyo fin es impulsar proyectos de mujeres líderes de España y Latinoamérica.

Este artículo analiza la transformación del personaje principal del filme El Castillo Ambulante (Hauru no ugoku shiro, Hayao Miyazaki, 2004), dado que la metamorfosis es uno de los temas destacados en la filmografía de Miyazaki en general y de esta película en particular. La edad física de Sophie fluctúa a lo largo del largometraje para reflejar su estado psicológico y su visión del mundo, su autoestima y la manera en que quiere representarse a sí misma. La forma en que su apariencia oscila provoca que la protagonista no tenga realmente una edad definida, sino varias al mismo tiempo, dando lugar a una visión realmente innovadora del personaje que influye de manera vertebral en toda la película, y que permite explorar cómo la apariencia física de la mujer puede convertirse en símbolo para desmarcarse del modelo narrativo androcéntrico dominante.

Esta investigación desarrolla el análisis estético, formal e ideológico de tres cortometrajes de animación stop motion, filmados por Rita Basulto, Karla Castañeda y Sofía Carrillo en Jalisco, entre 2012 y 2017. Cada cineasta muestra una perspectiva diferente en su obra, pero con una riqueza de elementos en común, como el diseño apoyado en diferentes tradiciones pictóricas, incluyendo personajes que no intentan ser elegantes con una actitud convencional, sino que se califican como seres oscuros envueltos en atmósferas tenebrosas. Este estudio destaca qué misión posee el cine fantástico en cada cortometraje, complementando con el análisis sobre las atmósferas, estereotipos y algunas de las distinciones psicológicas más relevantes en cada caso de estudio.

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This paper analyzes the film Sueños de Tay Pi (1951), directed by Franz Winterstein for the production company Balet y Blay, as a result of the recent showing of a copy preserved in the Spanish Filmoteca. Comparing this version with two unpublished documents such as the original treatment and the technical script by Winterstein’s, we can assess the differences between versions and the personal intentions of the author, who experienced numerous production difficulties. We will also verify that the film did have a commercial distribution, contrary to what was thought. All this allows us to reconsider an unusual work that, despite the aforementioned problems, tried to open new paths in Spanish animated cinema, with a risky and modern proposal. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

For Spanish animation, 2022 has been celebrated as the year of the re-release of a practically lost and forgotten film, although singular for its development: Érase una vez…, a feature film directed by José Escobar and Alexandre Cirici Pellicer, which adapted for the screen the tale of Cinderella described by Charles Perrault. Its production not only meant a tremendous effort for the artistic industry of Spanish animation, but also suffered the fate of competing with Disney’s Cinderella; thus, the so-called wizard from Burbank force their creators to change the title of the Spanish version. In the following pages, Luciano Berriatúa and Isabel Benavides, protagonists of the recovery of the film, narrate the details of an arduous process that lasted seven years, including different techniques and procedures to rigorously approach the historical truth of Érase una vez… [ABSTRACT FROM AUTHOR]

Fidelio, the animated short film (Vindevogel, 2020) es un cortometraje de animación que se sirve de la única ópera de Beethoven para condensar en quince minutos una actualización de su argumento. A partir de él, te artículo analiza la inserción musical en relación con los elementos visuales, para atestiguar de qué modo las metáforas aportan agilidad narrativa y efectividad simbólica a un mensaje complejo, ya que aborda cuestiones como la desigualdad, la justicia social, el papel activo de la mujer o los problemas derivados del capitalismo. Se concluye que el lenguaje visual intencionadamente restringido es potenciado de manera singular por las connotaciones inherentes a la música, de forma que la pieza de animación goza de un acabado eficaz y un gran potencial como transmisor de un mensaje de hermandad.

This article addresses the development and application of the educational product, which consists of a guide entitled “Animation - guide for video production with animation techniques, providing teaching support material for video animation production. The objective is to encourage the use of Digital Communication and Information Technologies and provide students with a leading role. To this end, the guide is presented in a digital and interactive format, considering a teenage audience. Prepared based on the theory of Creative Learning, proposed by Seymor Papert and Michel Resnick. It was applied in a real classroom context, in a public school in Joinville, SC, with students in the 2nd year of high school, inserted as a resource for carrying out a video production activity by students as a proposal for an activity in the Active Room Methodology Flipped Class. Validation took place through an anonymous questionnaire applied to students who had contact with the e-book. The results indicate that students were satisfied with the content and presentation of the material, highlighting the following as positive aspects: the ease of understanding the texts, the fun and informative nature of the material. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

Worker and Parasite is an animated scene of less than twenty seconds in length from the episode Krusty Gets Kancelled of The Simpsons (4th season / year 1993) that parodies the avant-garde cartoons of 20th century Eastern Europe, as well as being a contemporary critique of American capitalism towards the defeated communist model of the late 1990s. By means of semiotics, the aim is to analyse and compare all the information that this popular "sketch" promotes to the audience by means of the introduction to the cartoon, the five scenes that make it up and the outcome of its broadcast during the episode. The results indicate that Worker and Parasite can be fully identified with the so-called experimental animation, its great contrast with commercial animation being the key to the success of this iconic animated scene, although the scene would only reflect a preconceived idea that the American people have of Eastern European animation and not its enormous value. This stereotype would also spread to Spain due to the popularity of the tv series. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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El presente artículo expone los resultados de una investigación aplicada en animación digital a partir del registro de los patrones respiratorios y sus respectivos movimientos corporales a la hora de expresar emociones mixtas o complejas. Para recabar esta información, se ha trabajado con el registro audiovisual y análisis de dichas emociones a partir de la colaboración de una actriz especializada en el método actoral Alba Emoting, método actoral basado en el análisis de tres elementos, o efectores, para el acceso y la expresión de las emociones: postura corporal, gesto facial y patrones respiratorios. Los dos primeros se han usado ampliamente en animación, mientras que los patrones respiratorios han sido utilizados en menor medida cuando el objetivo es transmitir mensajes emocionales. Por otra parte, el método postula que existen seis emociones básicas y que, a partir de combinaciones de los efectores de aquéllas se puede acceder a todo el rango expresivo del ser humano. Los resultados permiten construir un modelo tridimensional experimental de cómo la respiración puede dar acceso a una serie de emociones mixtas, que son difíciles de representar utilizando solamente postura corporal y gesto facial. Estos resultados se ordenan en una matriz que identifica los efectores de las seis emociones básicas y los reordena para producir un rango amplio de emociones mixtas o complejas. Finalmente, se propone una metodología práctica para construir una secuencia animada que exprese emociones mixtas representadas usando como base los patrones respiratorios.