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Nombreuses sont les correspondances entre les écrits de Denis Diderot et le théâtre de Luigi Pirandello. Notre intention n’est pas ici de soutenir l’idée d’une anticipation ou d’une influence directe de l’un sur l’autre ; néanmoins, il nous apparaît qu’une étude des similitudes peut mettre en lumière l’intérêt de la théorie diderotienne du comédien et des expérimentations méta-théâtrales. There are many connections between the writings of Denis Diderot and the theatre of Luigi Pirandello. Our intention here is not to support the idea of an anticipation or a direct influence of one on the other; nevertheless, it seems to us that a study of the similarities can highlight the interest of Diderot's theory of the actor and meta-theatrical experiments.

Grâce à la perspective actionnelle, leCadre européen commun de référencepour les langues met à disposition une conception de la communication comme étant une action où l’énonciateur est tenu pour un acteur social censé agir et réagir dans l’environnement où il se trouve. Notre présent article expose un scénario-apprentissage construit autour de tâches comme activités qui permettent aux réfugiés de s’impliquer dans la découverte de la ville pour devenir acteurs de leur appren­tissage en position originale, authentique et réelle de communication. Ce qui nous apparait très important et essentiel à leur apprentissage pour éveiller leur motivation, leur intérêt et leur évolution vers l’indépendance. Ainsi que leur aider à s’intégrer dans la ville. Cette approche va permettre de révéler de quelle façon les réfugiés assimilent les compétences linguistiques et culturelles dont ils ont besoin pour leur intégration et nous mener aussi à s’interroger sur la progression du rôle de l’enseignant.

This article focuses on new knowledge perspectives proposed by research on onstage practice within the performing arts. It is based on the notion of the laboratory as a backbone, methodological framework, and place for exploring research-creation projects. Our study offers critical reflections on research procedures, taking the actor’s creative process as our object of study. We go on to establish a connection between theoretical dimensions and practical expressions, through analysis of two research projects that confront performance practice with its underlying scientific premises. Lastly, different modes for publishing and disseminating the results of research on onstage practice are discussed. Cet article met l’accent sur les nouvelles perspectives de connaissances proposées par la recherche performative dans le domaine des arts de la scène basée sur la notion de laboratoire comme axe vertébré, cadre méthodologique et espace d’exploration pour les projets de recherche-création. L’étude propose donc une réflexion critique sur les procédures de réalisation de ces recherches, considérant ainsi comme un objet d’étude le processus créatif de l’acteur. En outre, il établit un lien entre la dimension théorique et la mise en pratique à partir de l’analyse de deux projets de recherche qui confrontent la pratique scénique aux fondements scientifiques qui la sous-tendent. Enfin, il évoque les différentes modalités de publication et de diffusion des résultats de la recherche basée sur la pratique scénique. El presente artículo se centra en las nuevas perspectivas de conocimiento que propone la investigación performativa respecto a las artes escénicas a partir de la noción de laboratorio como eje vertebrador, marco metodológico y espacio de exploración para proyectos de investigación-creación. El estudio plantea una reflexión crítica de los procedimientos para llevar a cabo dicha investigación, destacando como objeto de estudio el proceso creativo del actor. Además, establece una conexión entre la dimensión teórica y la plasmación práctica a partir del análisis de dos proyectos de investigación que confrontan la práctica escénica con los fundamentos científicos que la sustentan. Finalmente, plantea las diferentes modalidades para publicar y difundir los resultados de la investigación basada en la práctica escénica.

El presente artículo se centra en las nuevas perspectivas de conocimiento que propone la investigación performativa respecto a las artes escénicas a partir de la noción de laboratorio como eje vertebrador, marco metodológico y espacio de exploración para proyectos de investigación-creación. El estudio plantea una reflexión crítica de los procedimientos para llevar a cabo dicha investigación, destacando como objeto de estudio el proceso creativo del actor. Además, establece una conexión entre la dimensión teórica y la plasmación práctica a partir del análisis de dos proyectos de investigación que confrontan la práctica escénica con los fundamentos científicos que la sustentan. Finalmente, plantea las diferentes modalidades para publicar y difundir los resultados de la investigación basada en la práctica escénica. This article focuses on new knowledge perspectives proposed by research on onstage practice within the performing arts. It is based on the notion of the laboratory as a backbone, methodological framework, and place for exploring research-creation projects. Our study offers critical reflections on research procedures, taking the actor’s creative process as our object of study. We go on to establish a connection between theoretical dimensions and practical expressions, through analysis of two research projects that confront performance practice with its underlying scientific premises. Lastly, different modes for publishing and disseminating the results of research on onstage practice are discussed. Cet article met l’accent sur les nouvelles perspectives de connaissances proposées par la recherche performative dans le domaine des arts de la scène basée sur la notion de laboratoire comme axe vertébré, cadre méthodologique et espace d’exploration pour les projets de recherche-création. L’étude propose donc une réflexion critique sur les procédures de réalisation de ces recherches, considérant ainsi comme un objet d’étude le processus créatif de l’acteur. En outre, il établit un lien entre la dimension théorique et la mise en pratique à partir de l’analyse de deux projets de recherche qui confrontent la pratique scénique aux fondements scientifiques qui la sous-tendent. Enfin, il évoque les différentes modalités de publication et de diffusion des résultats de la recherche basée sur la pratique scénique.

RÉSUMÉ L’interprétation en jeu: faire spectacle d’un laboratoire – Cet article analyse un dispositif de performance qui donnait à voir une équipe -- comédien.ne.s, dramaturges et un metteur en scène -- en situation de travail sur Le Cid de Corneille afin de rendre visible, pour un public, le processus de pensée de l’acteur·rice au moment où il·elle choisit son jeu. Interprétation. L’Amour fou du théâtre s’appuyait sur une technique issue de l’analyse-action et donnait à voir l’interaction entre analyse sémantique et jeu d’acteur·rice. Cette analyse permet de constater que ce dispositif, bien que ne révélant pas la totalité du mécanisme d’une pensée au travail sur un texte, donne à voir le processus d’appropriation du sens à partir de réflexions, discussions et discordances entre dramaturges, acteur·rice·s, metteur en scène et personnages fictifs. ABSTRACT This article analyzes a performance device that exposed a team - actor·resse·s, playwrights and a director - in a working situation on Le Cid written by Corneille in order to make visible, for an audience, the process of thought of the actors when they choose their acting. Interpretation. L’Amour fou du théâtre was based on a technique derived from action-analysis and succeeding in seeing the interplay between semantic analysis and acting. This analysis shows that this device, although not revealing the totality of the mechanism of a thought at work on a text, shows the process of appropriation of meaning from the reflections, discussions and discordances between playwrights, actor·resse·s, director and fictional characters. RESUMO A interpretação em cena: transformar um laboratório em espetáculo – Este artigo analisa um dispositivo de performance que mostra uma equipe - atores, dramaturgos e um diretor - trabalhando no Cid de Corneille a fim de tornar visível, para um público, o processo de pensamento do ator no momento em que ele escolhe sua atuação. Interprétation. L’Amour fou du théâtre era um espetáculo baseado em uma técnica proveniente da análise-ação e mostrava a interação entre a análise semântica e a atuação. O presente estudo permitiu constatar que embora esse dispositivo não seja capaz de revelar todo o mecanismo de pensamento em um trabalho sobre um texto, ele torna observável o processo de apropriação do significado baseado em reflexões, discussões e discordâncias entre dramaturgos, atores, diretores e personagens fictícios.

Este artigo analisa um dispositivo de performance que mostra uma equipe – atores, dramaturgos e um diretor – trabalhando no Cid de Corneille a fim de tornar visível, para um público, o processo de pensamento do ator no momento em que ele escolhe sua atuação. Interprétation. L’Amour fou du théâtre era um espetáculo baseado em uma técnica proveniente da análise-ação e mostrava a interação entre a análise semântica e a atuação. O presente estudo permitiu constatar que embora esse dispositivo não seja capaz de revelar todo o mecanismo de pensamento em um trabalho sobre um texto, ele torna observável o processo de apropriação do significado baseado em reflexões, discussões e discordâncias entre dramaturgos, atores, diretores e personagens fictícios. This article analyzes a performance device that exposed a team – actor resse s, playwrights and a director – in a working situation on Le Cid written by Corneille in order to make visible, for an audience, the process of thought of the actors when they choose their acting. Interpretation. L’Amour fou du théâtre was based on a technique derived from action-analysis and succeeding in seeing the interplay between semantic analysis and acting. This analysis shows that this device, although not revealing the totality of the mechanism of a thought at work on a text, shows the process of appropriation of meaning from the reflections, discussions and discordances between playwrights, actor resse s, director and fictional characters. Cet article analyse un dispositif de performance qui donnait à voir une équipe – comédien.ne.s, dramaturges et un metteur en scène – en situation de travail sur Le Cid de Corneille afin de rendre visible, pour un public, le processus de pensée de l’acteur·rice au moment où il·elle choisit son jeu. Interprétation. L’Amour fou du théâtre s’appuyait sur une technique issue de l’analyse-action et donnait à voir l’interaction entre analyse sémantique et jeu d’acteur·rice. Cette analyse permet de constater que ce dispositif, bien que ne révélant pas la totalité du mécanisme d’une pensée au travail sur un texte, donne à voir le processus d’appropriation du sens à partir de réflexions, discussions et discordances entre dramaturges, acteur·rice·s, metteur en scène et personnages fictifs.

Comment Carlo Goldoni passe-t-il « de rien à quelque chose » ? Fondant son écriture sur une étroite collaboration avec l’acteur, Goldoni écrit certaines de ses pièces sur requête d’acteurs ou pour un acteur ou une actrice qu’il entend valoriser. Cette méthode impacte considérablement le début des pièces considérées, en appliquant un système propre à la commedia dell’arte du xviie siècle alors que l’incidence de l’acteur sur le texte prenait le pas sur celle du dramaturge.

Y-a-t-il une spécificité à jouer un personnage de fantôme shakespearien plutôt qu’un personnage de chair et d’os ? À travers une création scénique de la scène 5 de l'Acte I de Hamlet avec trois actrices, nous commençons par creuser cette question en rendant visibles les processus de création et de représentation de l’acteur-spectre et de son fils et en observant comment se construit et évolue l’imaginaire scénique des actrices à partir et en regard des multiples strates de l'écriture shakespearienne. En partant de cette pratique actorale, nous cherchons à décrire comment le matériau que propose Shakespeare à son interprète sédimente en lui et comment s’incarne dans l’acteur une figure désincarnée. Cela nous mènera à une réflexion plus large sur la dimension spectrale de la notion de personnage dramatique qui s’apparente plus à un fantôme qu’à l’être humain avec lequel nous avons coutume de le confondre. Are there specific conditions to consider when playing a Shakespearean ghost character rather than a character of flesh and bone? Through a scenic creation of Act I, scene 5 of Hamlet with three actresses, this discussion probes this very question by making visible the processes of creation and representation of the actor-ghost and his son and by observing how the scenic imagination of the actresses is built and evolves from and in relation to the multiple layers of Shakespearean writing. Starting from actoral practice, this discussion explores how the material that Shakespeare offers his interpreter sediments in him and how a disembodied figure is embodied in the actor. This will lead us to a broader reflection on the spectral dimension of the notion of the dramatic character who is more like a ghost than the human being whom we usually mistake him for.

RESUMO O artigo apresenta resultados de pesquisa sobre a criança como modelo na pedagogia teatral a partir da concretização, por Jacques Copeau e Suzanne Bing, de laboratórios da infância. Evidencia-se um desses laboratórios – o grupo de crianças do Club de Gymnastique Rythmique, considerado o embrião da École du Vieux Colombier – a fim de se ressaltar o papel de Bing e a importância da brincadeira infantil na pedagogia teatral de Copeau. Conclui-se que esse laboratório foi de extrema relevância para a preparação pedagógica de Copeau e Bing bem como para a abertura de horizontes de pesquisa, como a mímica e a imitação de animais, posteriormente aprofundados na École du Vieux Colombier. RÉSUMÉ L’article présente les résultats de recherches sur l’enfant comme modèle dans la pédagogie théâtrale à partir de la création, par Jacques Copeau et Suzanne Bing, de laboratoires de l’enfance. L’un de ces laboratoires - le groupe d’enfants du Club de Gymnastique Rythmique, considéré l’embryon de l’École du Vieux Colombier – est évoqué afin de souligner le rôle de Bing et l’importance du jeu de l’enfant dans la pédagogie de Copeau. On en conclut que ce laboratoire a été extrêmement pertinent pour la préparation pédagogique de Copeau et Bing ainsi que pour l’ouverture d’horizons de recherche, tels que le mime et l’imitation d’animaux, approfondis par la suite à l’École du Vieux Colombier. ABSTRACT The article presents the results of research on the child as a model in the theatrical pedagogy from the concretization, by Jacques Copeau and Suzanne Bing, of childhood laboratories. One of these laboratories – the children’s group of the Club de Gymnastique Rythmique, which is considered as the embryo of the École du Vieux Colombier – is highlighted to emphasize the role of Bing and the importance of children’s play in Copeau’s theatrical pedagogy. It is concluded that this laboratory was extremely relevant for the pedagogical preparation of Copeau and Bing as well as for the opening of research horizons, such as mime and animal imitation, later deepened at the École du Vieux Colombier.

International audience; Cet article propose une réflexion sur le « capital spatial », concept proposé pour compléter les capitaux introduits par Pierre Bourdieu dans sa théorie de la pratique et y intégrer la dimension spatiale comme enjeu de société. Mais ce concept provoque un débat chez les géographes. Cet article propose d’y contribuer en discutant en détail le cadre conceptuel bourdieusien et en soulevant sept principaux enjeux à considérer pour y intégrer un « capital spatial ». L’objectif est de montrer en quoi ce concept est nécessaire, spécifiquement dans la compréhension des spatialités humaines, et plus largement dans une contribution géographique à la théorie de la pratique.

Cet article propose une comparaison entre Il viaggio di Capitan Fracassa d’Ettore Scola et son modèle littéraire, Le Capitaine Fracasse de Théophile Gautier. Par ses choix esthétiques et narratifs originaux, Scola livre sa propre vision de l’histrion et du théâtre. Au-delà de la reformulation de la correspondance entre le monde et le théâtre, Fracassa donne à Scola l’occasion de retracer l’évolution de la comédie italienne tout en rendant hommage à la vitalité de la commedia dell’arte. L’articolo propone un raffronto fra Il viaggio di Capitan Fracassa di Ettore Scola e il suo modello letterario, Le Capitaine Fracasse de Théophile Gautier. Operando scelte estetiche e narrative originali, Scola propone una personale visione dell’istrione e del teatro. Al di là della riformulazione della corrispondenza fra mondo e teatro, Fracassa permette a Scola di ritracciare l’evoluzione del genere comico italiano rendendo omaggio alla vitalità della commedia dell’arte. The article proposes a comparison between Ettore Scola's Il viaggio di Capitan Fracassa and his literary model, Le Capitaine Fracasse by Théophile Gautier. Making original aesthetic and narrative choices, Scola proposes a personal vision of the histrion and of theatre. Beyond the reformulation of the correspondence between the world and theatre, Fracassa allows Scola to retrace the evolution of the Italian comic genre, and to pay homage to the vitality of the commedia dell’arte.

This text deals with the study of theatre as intersubjective relationships between human beings, highlighting the dialogue with researches in cognitive neurosciences. It presents a comparison between these two disciplines, guided by the question: if the actor on stage organizes his own body-mind system in a different way, is it possible to study this difference in terms of neuroscience? It discusses the answer to that question from the need to formulate theoretical hypotheses to prepare and forward experimentations: expanded intention, ambiguity of the actor, the co-constitution of scenic space and the spectator’s performative experience., Ce texte envisage l’étude du théâtre comme une relation intersubjective entre les êtres humains et propose, dans cette perspective, un dialogue avec les recherches récentes en neurosciences cognitives. Il met en place une comparaison entre ces deux champs disciplinaires. Cette analyse comparative est guidée par la question: si l’acteur sur scène organise son propre système corps-esprit de manière différente, est-il possible d’étudier cette différence d’un point de vue neuroscientifique ? Pour tenter d’y répondre, l’auteur formule quelques hypothèses théoriques qui préparent et qui conduisent aux expérimentations : l’intention dilatée, l’ambigüité de l’acteur, la co-constitution de l’espace scénique et l’expérience performative du spectateur., Este texto trata do estudo do teatro como relação intersubjetiva entre seres humanos e põe em evidência o diálogo com as recentes pesquisas das neurociências cognitivas. Apresenta-se uma comparação entres esses dois campos disciplinares e guia-se tal comparação a partir da pergunta: se o ator em cena organiza o próprio sistema corpo-mente de maneira diferente, é possível estudar essa diferença do ponto de vista neurocientífico? Discute-se a resposta para essa pergunta a partir da necessidade da formulação de algumas hipóteses teóricas que preparam e encaminham as experimentações: a intenção dilatada, a ambiguidade do ator, a co-constituição do espaço cênico e a experiência performativa do espectador.

This paper addresses the issue of the actor's work with the aidofelements from neurosciences and philosophy. It presents texts byHorace in which he gives indications to actors and speakers.Suchassumptions are elaborated with texts by Diderot and Copeauin orderto raise comprehensions about the emotions and morerational tasks ofthe actor's work. It presents the concept of mirrormechanism to showhow mirror neurons in the brain are responsiblefor chain actions inthe nervous system. It compares thosemechanisms with the actor'swork., Ce texte aborde la question du travail de l‟acteur dans la perspective des neurosciences et de la philosophie. Il s‟appuie sur des textes d‟Horace contenant des indications aux acteurs et orateurs. Ces présupposés sont ensuite croisés avec des textes de Diderot et de Copeau pour faire émerger une réflexion sur les émotions et sur les tâches les plus rationnelles du travail de l‟acteur. Présentant le concept de mécanisme-miroir, l‟auteur montre comment les neurones miroir du cerveau sont responsables des actions en chaîne qui se produisent dans le système nerveux. Enfin, il propose de mettre ces mécanismes au profit d‟une analyse sur le travail de l‟acteur., Este texto aborda a questão do trabalho do ator por intermédio de elementos das neurociências e da filosofia. Apresenta-se textos de Horácio nos quais haveriam indicações aos atores e oradores. Trama-se tais pressupostos com textos de Diderot e Copeau para fazer emergir compreensões sobre as emoções e as tarefas mais racionais do trabalho do ator. Apresenta-se o conceito de mecanismo espelho para mostrar como os neurônios espelho do cérebro são responsáveis por ações em cadeia no sistema nervoso. Compara-se tais mecanismos ao trabalho do ator.

This text covers the concepts of body and embodiment, creating a lexicon of words serving as instruments to think about the latest theatre studies. It discusses the distinction between body and flesh and their theoretical-practical combination in the notion of embodiment. Likewise, it is supported by works by Marcel Jousse, Richard Schechner, Jean-Marie Pradier, among others, to extend the spectrum of possibilities of thinking about the body in the contemporary scene. Connections are made between Neurosciences, Ethnoscenology and Performance Studies, in particular from the concept of mirror neurons as an embodied simulation of actions and intentions, showing possibilities to expand theatrology by including the study of the relationship between actor and spectator in an interdisciplinary perspective., Ce texte aborde les concepts de corps et de corporéité, mettant en place un lexique censé fonctionner comme un outil à travers lequel il serait possible d’envisager une nouvelle théâtrologie. Il propose une réflexion à la fois sur la distinction entre corps et chair et sur leur rapprochement théorico-pratique dans la notion de corporéité. De même, il invoque des auteurs comme Marcel Jousse, Richard Schechner, Jean-Marie Pradier, entre autres, pour élargir le spectre des possibilités d’envisager le corps sur la scène contemporaine. Il établit des connexions entre les neurosciences, l’ethnoscénologie et les performance studies, à partir notamment du concept de neurone-miroir, envisagé en tant qu’une simulation incarnée dans les actions et dans les intentions. Il montre ainsi quelques possibilités pouvant élargir le champ de la théâtrologie, en y incluant l’étude de la relation acteur spectateur dans une perspective interdisciplinaire., Este texto aborda os conceitos de corpo e corporeidade, levantando um léxico de palavras que pretendem funcionar como instrumento por intermédio do qual pensa-se uma nova teatrologia. Discute-se a distinção entre corpo e carne e sua junção teórico-prática na noção de corporeidade. Da mesma forma, convoca-se autores como Marcel Jousse, Richard Schechner, Jean-Marie Pradier, entre outros para ampliar o espectro de possibilidades de pensar o corpo na cena contemporânea. Efetiva-se conexões entre Neurociências, Etnocenologia e Performance Studies, em especial, a partir do conceito de neurônio-espelho como uma simulação encarnada das ações e intenções, mostrando possibilidades de alargar a teatrologia ao incluir o estudo da relação ator espectador numa perspectiva interdisciplinar.

According to a number of Anglo-Saxon scholars, François Delsarte’s ideas had repercussions in Russia, in the work of Stanislavski, Vakhtangov and Mikhaïl Tchekhov. The search for correspondences between emotion and gesture implies an organic conceptionof the creative act. From a Soviet/Russian point of view, Delsarte is regarded, however, as the father of a new anthropology of actor-machine. The goal of this article of to shed light on the misunderstandings that distorted the data, and show that in Russia their dissemination happened in ways that modified the manner the Delsarte system was received., Pour nombre d’exégètes anglo-saxons, l’enseignement de FrançoisDelsarte trouve des échos, en Russie, du côté de Stanislavski, Vakhtangov et Mikhaïl Tchekhov. La quête de correspondance entre l’émotion et le geste traduit une conception organique de l’acte créateur. Vu d’Union soviétique-Russie, Delsarte est tout au contraire le père d’une nouvelle anthropologie de l’acteur-machine. L’objet de cet article est de mettre à jour les malentendus qui ont faussé les pistes et de montrer qu’en Russie, la transmission a suivi des voies qui ont infléchi la réception du système de Delsarte., Para um grande número de estudiosos anglo-saxões, os ensinamentos de François Delsarte encontram ecos na Rússia, no trabalho de Stanislavski, Vakhtangov e Mikhaïl Tchekhov. A procura por correspondências entre a emoção e o gesto implica uma concepção orgânica do ato criador. Visto, entretanto, a partir da União Soviética-Rússia, Delsarte é, ao contrário, o pai de uma nova antropologia do ator-máquina. O objetivo deste artigo é atualizar os mal-entendidos que distorceram os dados e mostrar que, na Rússia, a transmissão seguiu caminhos que desviaram a orientação na recepção do sistema de Delsarte.

This article considers the origins of Stanislavski’s system and his insistence that the actor’s skills, like the musician’s, must be honed through daily exercises. Such practice must become the actor’s second nature, as Stanislavski terms it. It also compares what Stanislavski has to say about the skills acquisition with the psychologist William James’ discussion of the role of habit in learning. This raises some problems in theorizing the system today, as it was rooted in the science of more than a century ago, when much less was known aboutthe mechanisms of memory and learning., Cet article se penche sur les origines du système de Stanislavski et, plus particulièrement, sur la récurrence de l’idée que les habilités de l’acteur, comme celles du musicien, doivent être entretenues grâce à des exercices journaliers. Cette pratique doit devenir une seconde nature pour l’acteur, selon Stanislavski. Le discours de Stanislavski sur l’acquisition de ces nouvelles habilités est mis en rapport ici avec la réflexion sur le rôle de ’accoutumance dans l’apprentissage développée par le psychologue William James. Cela soulève en effet quelques problèmes dans la théorisation du système aujourd’hui, puisque ce dernier est enraciné dans une science qui date de plus d’un siècle, lorsque l’on ne savait que très peu sur les mécanismes de la mémoire et de l’apprentissage., Este artigo considera as origens do sistema de Stanislavski e a sua insistência na ideia de que as habilidades do ator, assim como as do músico, devam ser afinadas por intermédio de exercícios diários. Tal prática precisa se tornar a segunda natureza do ator nos termos de Stanislavski. Compara-se aqui o que Stanislavski tem a dizer sobre a aquisição dessas habilidades com a discussão sobre o papel do hábito na aprendizagem do psicólogo William James. Isso levanta alguns problemas na teorização do sistema hoje, uma vez que o mesmo está radicado na ciência de mais de um século atrás, quando muito menos se sabia sobre os mecanismos da memória e da aprendizagem.

This article is a critical review of the book Towards a Poor Theatre by Jerzy Grotowski, recently published in Brazil with a new Portuguese version by Ivan Chagas. This book is considered one of the most important works ever written in the field of the Performing Arts, having contributed to setting new standards for theatre as a practice in the late twentieth century. In this review a brief background of the book is presented and its main ideas are briefly described, such as the notions of: ‘poor theater’, ‘holy actor’ and ‘via negativa’. Ivan Chagas’s translation is critically discussed, especially his change of title., Cet article est un résumé critique du livre Vers un Théâtre Pauvre de Jerzy Grotowski, récemment publié au Brésil avec une nouvelle traduction d’Ivan Chagas. Ce livre est considéré comme l’un des ouvrages les plus importants dans le domaine des arts du spectacle, ayant contribué à établir de nouveaux paramètres pour la pratique théâtrale, aux dernières décennies du XXème siècle. Après une brève présentation de l’histoire de ce livre, les principaux concepts introduits par l’auteur sont ici soulignés, tel que les notions de ‘théâtre pauvre’, d’‘acteur saint’ et de ‘voie négative’. La traduction est aussi commentée, notamment le changement du titre dans cette nouvelle édition., Este texto é uma resenha do livro Para um Teatro Pobre, de Jerzy Grotowski, recentemente publicado no Brasil com nova tradução de Ivan Chagas. Primeiramente, apresenta-se um breve histórico desse livro, que é uma das mais importantes obras escritas na área de Artes Cênicas, uma vez que contribuiu expressivamente para estabelecer novos parâmetros para o fazer teatral, nas últimas décadas do século XX. Após esse breve histórico, são sinteticamente descritas as principais ideias e conceitos apresentados ao longo do livro, tais como as noções de: ‘teatro pobre’, ‘ator santo’ e ‘via negativa’. Por último, a nova tradução é criticamente comentada, dando destaque à mudança do título feita por Ivan Chagas, antes traduzido como Em Busca de Um Teatro Pobre.

This article aims to demonstrate through a historical perspective that the neurophysiological and expressive study of emotions emerges as an important vector of facilitation of the dialog between theater and live being sciences. Also part of this work is the exploration of certain neuroscientific concepts currently used in experimental researches of the human emotions, as well as a reflection about possible connections between neuroscience of emotions and the actor’s work., Cet article a pour but de démontrer, à travers une perspective historique, que l’étude neurophysiologique et expressive des émotions surgit en tant que vecteur facilitateur du dialogue entre le théâtre et les sciences du vivant. Font également partie de ce travail l’exploration de certains concepts neuroscientifiques actuellement utilisés dans la recherche expérimentale sur les émotions humaines, ainsi que la réflexion sur les liens possibles entre la neuroscience des émotions et le travail de l’acteur., Cet article a pour but de démontrer, à travers une perspective historique, que l’étude neurophysiologique et expressive des émotions surgit en tant que vecteur facilitateur du dialogue entre le théâtre et les sciences du vivant. Font également partie de ce travail l’exploration de certains concepts neuroscientifiques actuellement utilisés dans la rechercheexpérimentale sur les émotions humaines, ainsi que la réflexion sur les liens possibles entre la neuroscience des émotions et le travail de l’acteur.

As the archives from the second half of Grotowski’s life were made available, this text focuses on the Polish master’s conceptions of theatre where he describes theatre as the art of the encounter. This paper simultaneously places this proposition in the context of questions of a specific time period, and reveals how this encounter is the anathema that will revert viewpoints both about the art of acting and the creation of theatrical relations. These researches on theatre as the art of the encounter continue today through the Open Program, one of the two groups of the Workcenter of Jerzy Grotowski and Thomas Richards, and, notably, their creations around American poet Allen Ginsberg, an author whose poetry intends, in a similar way, to encounter the other and the world., À l’occasion de l’ouverture à la recherche des archives de la seconde partie de la vie de Grotowski, ce texte revient sur les conceptions du théâtre du maître polonais qu’il décrit comme un art de la rencontre. Il s’agit à la fois de replacer cette proposition dans les interrogations d’une époque et de montrer comment cette “rencontre” est l’anathème qui renversera les perspectives tant pour l’art de l’acteur que pour la création et la relation théâtrale. Enfin, ces recherches sur le théâtre comme art de la rencontre se poursuivent aujourd’hui à travers l’Open Program, l’un des deux groupes du Workcenter of Jerzy Grotowski and Thomas Richards, et notamment leurs créationsautour du poète américain Allen Ginsberg, auteur dont la poésie se veut également l’occasion d’une rencontre avec l’autre et avec le monde., A partir da abertura para pesquisas dos arquivos da segunda parte da vida de Grotowski, este texto se debruça sobre as concepções de teatro do mestre polonês, nas quais ele o descreve como a arte do encontro. Trata-se, ao mesmo tempo, de colocar essa proposição nas interrogações de uma época e de mostrar como esse encontro é o anátema que reverterá as perspectivas tanto sobre a arte do ator, quanto sobre a criação e as relações teatrais. Enfim, essas pesquisas sobre o teatro como arte do encontro têm continuidade hoje por intermédio do Open Program, um dos dois grupos do Workcenter of Jerzy Grotowski and Thomas Richards e, notadamente, suas criações em torno do poeta americano Allen Ginsberg, autor cuja poesia pretende, da mesma forma, um encontro com o outro e com o mundo.

The text is based on the transcript, revised by the author, of A. R. Ciamara of part of a seminar given by the author in 2000 at the University of Rome “La Sapienza.” The text is constructed on the basis of the author’s answers to questions on important themes for understanding the work of the Workcenter of Jerzy Grotowski and Thomas Richards. It deals with the issue of Grotowski’s legacy, problematising work without audience and the concept of physical action. The text also discusses the function of vocal vibration in the work of Grotowski and the Workcenter and discusses the difficulty in defining and putting into words certain dimensions of their work. Finally, the text questions the relationship between those who work with theatre and those who study it, and the meaning of working as an actor., Ce texte s’appuie sur la transcription de A.R. Ciamara, revue par l’auteur, d’une partie d’un séminaire animé par l’auteur à l’Université de Rome “La Sapienza” en 2000. Le texte s’articule à partir de réponses de l’auteur à des questions portant sur des thématiques importantes pour la compréhension du travail du Workcenter de Jerzy Grotowski et Thomas Richards. Il s‘interroge sur l’héritage de Grotowski et analyse la question du théâtre sans public et du concept d’action physique. Le texte propose encore une réflexion sur la fonction des chants vibratoires dans le travail de Grotowski et au sein du Workcenter et exprime la difficulté de définir et de traduire en mots certaines dimensions du travail. Pour finir, il est question des relations entre celui qui fait et celui qui étudie le théâtre et, aussi, du sens du métier d’acteur., O texto é baseado na transcrição, revista pelo autor, de A. R. Ciamara de parte de um seminário ministrado pelo autor, no ano de 2000, na Universidade de Roma “La Sapienza”. O texto se articula a partir de questões respondidas por Biagini sobre temas importantes para a compreensão do trabalho do Workcenter of Jerzy Grotowski and Thomas Richards. Trata-se a questão do legado de Grotowski, problematiza-se a questão do trabalho sem público e o conceito de ação física. O texto discute, ainda, a função dos cantos vibratórios no trabalho de Grotowski e do Workcenter e discorre sobre a dificuldade de definir e colocar em palavras determinadas dimensões do trabalho. Por fim, o texto se pergunta sobre as relações entre quem faz e quem estuda teatro e sobre o sentido do ofício de ator.

This text is based on some notions of the actor presence, aiming to discuss this quality of being and the effect of presence. It discusses the status of presence in theatre, between actors and spectators, in the here an now, live, and questions the fact that not all actors on a stage have presence. This paper addresses presence as a quality of the actor, not as constant or as something we learn and reproduce. Thus, we discuss different notions like extra-daily body, dilated body, inner action, being in the present, among others., Ce texte s’appuie sur quelques notions de présence de l’acteur pour envisager cette qualité particulière d’être là ainsi que l’effet de présence. Il propose une réflexion sur le statut de la présence sur scène, parmi les acteurs et spectateurs, au présent et en direct. Considérant qu’il n’existe pas toujours d’acteur avec présence sur scène, celle-ci serait alors un état que l’acteur arrive parfois à atteindre, au-delà de sa simple présence physique. Des notions telles que corps extra-quotidien, corps dilaté, action intérieure, être au présent, entre autres, y sont également abordées., Este texto parte de algumas noções de presença do ator, objetivando versar sobre essa qualidade do estar e o efeito de presença. Discute-se o estatuto da presença no teatro, entre atores e espectadores, no presente e ao vivo, e questiona-se o fato de que nem sempre há na cena um ator com presença. Este texto trata a presença como qualidade do ator, não como algo constante ou alguma coisa que aprendemos e reproduzimos. Passeia-se, assim, por noções como corpo extracotidiano, corpo dilatado, ação interior, estar no presente, entre outras.

This article discusses the actor’s work as a possibility of creation and invention of the self. This concept is related to ways of fictionalising oneself, that is, ways to think an actor’s work on themselves as a possible way to project the self beyond artistic creation, even coming to reverberate in ordinary daily life. To support this discussion, we addressed the concepts of ethics, truth, and care of the self, as they are discussed in the work of Michel Foucault and others. Furthermore, we drew from theatre notions of second nature and fictitious body, problematised based on the ideas of Constantin Stanislavski, Franco Ruffini, Eugenio Barba, and Nicola Savarese., Cet article envisage le travail de l’acteur comme une possibilité de création, d’invention de soi. Cette idée est mise en rapport avec des modes de fiction de soi-même, c’est-à-dire, des manières d’envisager le travail de l’acteur sur soi comme une formation qui tend à dépasser la création artistique, pouvant réverbérer dans le prosaïque de la vie quotidienne. Cette réflexion s’appuie sur les concepts d’éthique, de vérité et de soin de soi, tels qu’ils ont été traités dans l’oeuvre de Michel Foucault; entre autres. Du champ théâtral sont empruntées les notions de seconde nature et de corps fictif, problématisées à partir de Constantin Stanislavski, Franco Ruffini, Eugneio Barba et Nicola Savarese., Este artigo trata sobre o trabalho do ator como possibilidade de criação, de invenção de si. Relaciona-se essa ideia a modos de ficcionar a si mesmo, ou seja, a maneiras de pensar o trabalho do ator sobre si como uma formação possível de projetar-se para além da criação artística, chegando a reverberar no prosaico da vida cotidiana. Para sustentar tal discussão, foram abordados os conceitos de ética, verdade e cuidado de si, além de outros, conforme tratados na obra de Michel Foucault. Além disso, do campo teatral tomam-se as noções de segunda natureza e corpo fictício, problematizadas a partir de Constantin Stanislavski, Franco Ruffini, Eugenio Barba e Nicola Savarese.

Through the analysis of contemporary propositions and postulating the game of framings as the principle of scene poetics building, this article analyzes the notions of theatricality and performativity as co-existing functions. Displaced from the field of theater criticism to the performance, theatricality and performativity appear as operational notions of an analysis of the actorly praxis, providing the basis for a review of theory and the place of the dramatics as an alleged practice of signification, allowing its presentation as a framing mode among others., A travers a l’analyse des propositions contemporaines et postulant le jeu de cadrage comme un principe de la poetique de la scene, et article contextualise les notions de theatralite et de performativite tandis que fonctions qui coexistent. Deplace du champ de la critique theatrale pour la performance, theatralite et performativite apparaissent tandis concepts operationnels de une analyse de la praxis des actors, purge comme base a une revision de la theorie et le lieu de dramatique tandis que un exercice de signification, permettant presenter cette en tant que mode de cadrage entre autres., Através da analise de proposições contemporâneas e postulando o jogo de enquadramentos como principio da construção da poética da cena, este artigo contextualiza as noções de teatralidade e performatividade como funções que coexistem. Deslocadas do campo da critica teatral para o da atuação, teatralidade e performatividade aparecem como noções operacionais de uma analise da práxis atoral, servindo de base para uma revisão da teoria e do lugar do dramático como uma suposta pratica da significação, permitindo apresenta-lo como uma modalidade de enquadramento entre outras.

International audience; This paper presents the cross-regional comparative analysis of a participatory scenario planning exercise conducted in 13 regions of 13 countries in both Europe and Africa as part of the H2020 research project SALSA “Small farms, small food business and sustainable food security”. The objective of the analysis is threefold: (i) to better understand how small farms and small food businesses would perform, in terms of their contribution to regional food and nutrition security, in a set of common scenarios for the year 2050; (ii) to assess how the evolution of certain drivers of change could impact on their future situation, and (iii) to derive some policy implications aimed to preserve and strengthen their capacity to contribute to food and nutrition security.

Resumo: Propõe-se a transparência como qualidade que emerge do percurso da atriz Iben Nagel Rasmussen, representante de uma dimensão laboratorial, de trabalho sobre si, do teatro europeu. Sugere-se uma analogia entre o tempo aromático de Han e a qualidade da transparência. A maturidade artística de Stanislavski é ponto de partida para indagar-se sobre o sentido das experiências do ator maduro, à luz de princípios da arte do ator nô, provenientes de Zeami. É salientada a qualidade da transparência na autonomia de Rasmussen com relação ao Odin Teatret, na criação de espetáculos de inspiração biográfica, além de projetos pedagógicos, e como valor a ser cultivado na cena expandida contemporânea. Résumé: Il est proposé la transparence comme qualité qui émerge de la carrière de l’actrice Iben Nagel Rasmussen, représentative d’une dimension laboratoriale, du travail sur soi, du théâtre européen. Une analogie est suggérée entre temps aromatique de Han et la qualité de la transparence. La maturité artistique de Stanislavski est point de départ pour se demander sur le sens des expériences de l’acteur mature, à la lumière des principes de l’acteur nô, émanant de Zeami. La transparence de l’autonomie de Rasmussen vis-à-vis d’Odin Teatret, dans la création de spectacles biographiques, ainsi que dans projets pédagogiques et en tant que valeur à cultiver dans la scène contemporaine, est soulignée. Abstract: Transparency is proposed as a quality that emerges from the career of the actress Iben Nagel Rasmussen, a representative of a laboratory dimension, of work on oneself in the European theater. An analogy is suggested between Han’s aromatic time and the quality of transparency. The artistic maturity of Stanislavski is a starting point to inquire about the meaning of the mature actor’s experiences, in light of the principles of the Noh actor by Zeami. The quality of transparency in Rasmussen’s autonomy in relation to the Odin Teatret, in the creation of biographical performances, as well as pedagogical projects, and as a value to be cultivated in the contemporary scene is highlighted.

International audience; This paper aims to present the results of the Erasmus + RUR'UP project that developed educational tools for scientists, public managers, practitioners, and agricultural advisors living and working in peripheral rural areas. Based on the assessment of the educational needs and gaps for the sustainable development of the EU peripheral rural areas of Greece.

Afin de comprendre les relations entre une revue médicale coloniale française (vue d’abord comme un moyen de diffusion des savoirs) et un empire colonial (pris comme cadre politique nécessitant un positionnement des acteurs), nous testons la validité et traçons les limites du concept d’acteurs et de réseau. Ces concepts – légitimes à certaines conditions – vont nous aider à mieux cerner les intentions, les rôles et les moyens des différents types d’acteurs qui constituent un réseau. Ils vont nous permettre aussi de mieux comprendre la création, le financement, la direction, la longévité, la diffusion et les choix éditoriaux de cette revue. Ce sera enfin l’occasion de proposer un grand nombre de pistes d’investigation pouvant intéresser à la fois l’histoire des sciences et des savoirs et l’histoire coloniale et, nous l’espérons, contribuer à alimenter les échanges entre ces différents domaines de l’historiographie. In order to understand the relationships between a French colonial medical review (first seen as a mean of disseminating knowledge) and a colonial empire (taken as a political framework requiring a positioning of the actors involved), we test the validity and draw the lines of the concept of actors and network. These concepts, legitimate under certain conditions, will help us in better identifying/defining the intentions, roles and means of the different types of actors that constitute a network. They will also enable us to better understand the creation, funding, direction, longevity, distribution and editorial choices of this review. Finally, it will be an opportunity to propose a large number of leads for eventual investigations which can interest both the history of science and knowledge and colonial history, and hopefully, contribute to nurturing exchanges between these different fields of historiography.