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Orientador: Rubens Jose Souza Brito Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: O principal objetivo da presente pesquisa é mostrar como a poética cômica desenvolvida pelo dramaturgo Luís Alberto de Abreu para a Fraternal Companhia de Arte e Malas-Artes é parte de sua continuada contribuição à cena nacional. São objetos de nossa análise: a relação desse autor com o grupo a que se destinam esses textos, a evolução de sua poética cômica e o espaço por ela ocupado na história do teatro brasileiro. Para tanto, analisamos a atualização dos elementos da tradição cômica brasileira feita por Abreu para o projeto Comédia Popular Brasileira. Assim, estudamos a maneira pela qual os princípios da comédia popular são inseridos nos textos montados pela Fraternal Companhia entre 1993 e 2002, e como os tipos fixados no imaginário da Cultura Popular brasileira inserem-se nesse contexto. Debruçamo-nos sobre as referências teóricas que Abreu declara utilizar em seu processo de construção do texto cômico, tais como as idéias de Bakhtin (1987) sobre cultura popular, a teoria do riso de Bergson (2001), a estrutura dramática da commedia dell¿arte e seus referentes na Cultura Brasileira, os arquétipos cômicos dos índios Winnebagos divididos em ciclos heróicos por Paul Radin (1964). Perquirimos ainda a coexistência dos valores aristotélicos e brechtianos através da ¿máscara tripla¿ presente em parte da obra cômica de Abreu (Brito, 1999). Dividimos o repertório do CPB em duas etapas, e apontamos como as peças de Abreu foram do jogo, no primeiro ciclo de quatro textos, para o pensamento das cinco obras do segundo ciclo. Nosso trabalho conclui que, por meio do sentimento do contrário, o conceito de humor encontrado na poética cômica do autor do projeto CPB é o mesmo que o estabelecido por Luigi Pirandello (1999) Abstract: The main objective of the present research is to show how the comic poetical developed by the playwright Luís Alberto de Abreu for the Fraternal Companhia de Arte e Malas-Artes is part of his continued contribution to the national scene. The relation of this author with the group to which his texts are destined, the evolution of his comic poetical and his space in the Brazilian theater history were the object of our analysis. To this end, we analyzed the updating of the Brazilian comic tradition elements made by Abreu to Comédia Popular Brasileira project. Thus, we studied the way through the principles of the popular comedy are inserted in the texts staged by Fraternal Companhia between 1993 and 2002, and how the types fixed in the imaginary of the Brazilian Popular Culture are inserted in this context. We studied the theoretical references that Abreu declares to use in his process of of the comic text construction, such as the ideas of Bakhtin (1987) on popular culture, the theory of the laughter of Bergson (2001), the dramatical structure of the commedia dell¿arte and its references in the Brazilian Culture, the comic archetypes of Winnebagos¿ indians divided in heroic cycles for Paul Radin (1964). We still investigate the coexistence of the aristotelian and brechtnian values through the ¿triple mask¿ present in part of the comic workmanship of Abreu (Brito, 1999). We divided the repertoire of the CPB in two stages, and showed how the plays of Abreu changed from the game, in the first cycle of four texts, to the thought of the five ones of the second cycle. Our work concludes that, by means of the feeling of the the opposite, the concept of humour found in the comic poetical of the author of the CPB project is the same established by Luigi Pirandello (1999) Mestrado Artes Mestre em Artes

Orientador: Ana Luiza Bustamante Smolka Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Faculdade de Educação Mestrado

Orientador: Suzi Frankl Sperber Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Esta pesquisa analisa a produção dramatúrgica de João das Neves, compreendendo, assim, os seguintes textos: O último carro (1964), O quintal (1978), Mural mulher (1979), Café da manhã (1980) e A pandorga e a lei (1983-1984), que, na sua totalidade, foram produzidos durante a ditadura militar no Brasil. O engajamento político de João das Neves possibilitou o desenvolvimento de um teatro voltado para os problemas candentes da realidade social brasileira, levando-o a formular uma obra de estrutura épica com suas especificidades próprias. Seu teatro, nesse sentido, procura esclarecer ao público certos aspectos da engrenagem social, integrar o espectador no espaço cênico e apresentar as personagens a partir de uma ótica social - e não individualizada, como é o caso do drama burguês Abstract: This research analyses the dramaturgic production of João das Neves, encompassing the following plays: O último carro (1964), O quintal (1978), Mural mulher (1979), Café da manhã (1980) e A pandorga e a lei (1983-1984). These works were produced during the military dictatorship in Brazil. The political engagement of João das Neves made possible the development of a theatre turned to the effervescent problems of the Brazilian social reality, and leading the author to formulate an epic-structured play with its particular specificities. In this sense his dramaturgy aims to enlighten the public about some aspects of the social machinery, integrating the viewer to the scenic space. He also presents the characters from a social perspective ¿ non-individualized, as it is the case of the bourgeois drama Mestrado Artes Mestre em Artes

Orientador: Antonio Arnoni Prado Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Estudos da Linguagem Resumo: A dissertação é composta por seis capítulos. No 1o. deles, fazemos uma análise da peça "Os Sete Gatinhos", de Nelson Rodrigues. Procuramos aí compreender alguns elementos básicos da dramaturgia do autor, como a questão do trágico e do cômico delineando as situações dramáticas e as personagens. Nos 2o. e 3o. capítulos, pretendemos uma análise da questão do erotismo e da morte, temas recorrentes na dramaturgia do autor, bem como uma investigação sobre a presença da doença marcando o elemento corpóreo, fisiológico, tão explorada por Nelson. Algumas idéias do filósofo Georges Bataille orientaram-nos nesse sentido. O 4o. capítulo procura dar conta de uma contextualização do universo rodrigueano no seu ambiente social, resgatando sua historicidade. Processos literários pertinentes a essa dramaturgia também são aqui abordados. No momento seguinte, um paralelo entre o teatro de Nelson e as experiências de vanguarda da dramaturgia universal, principalmente o que se convencionou chamar por "Teatro do Absurdo". E finalmente, no último capítulo, um esforço no sentido de compreender o universo dramático de Nelson Rodrigues valorizando-a a partir de critérios mais restritos ao literário. Abstract: Not informed. Mestrado Teoria e Crítica Literária Mestre em Letras

Orientadores: Neyde de Castro Veneziano Monteiro, Sara Pereira Lopes Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Esta pesquisa teve como finalidade identificar de que maneira algumas especificidades histórico-sociais brasileiras se projetaram na dramaturgia cômica de Martins Pena e Arthur Azevedo. Tendo como ponto de partida estudos reconhecidamente importantes sobre o país, foram analisadas as comédias desses dois autores, buscando destacar os pontos em que as peculiaridades locais estivessem refletidas na estrutura da forma dramática, como assimilação e/ou alteração dos modelos de dramaturgia adotados por eles. Muitas características das obras de Pena e Azevedo mostraram ter correspondência com fundamentos sociais brasileiros apontados por Sérgio Buarque de Holanda e Maria Sylvia de Carvalho Franco, entre outros estudiosos de sociologia, história e estética do Brasil Abstract: This research was conducted to identify how some social-historical Brazilian specificities stood out in the comic dramaturgy work of Martins Pena and Arthur Azevedo. With acknowledged important studies of the country as a starting point, the comedy work of those two authors were analyzed with the purpose of identifying where the local characteristics were reflected in the structure of the dramatic work, as assimilation and/or change of the dramaturgy models adopted by them. Many characteristics of the works of Pena and Azevedo have shown similarities with the Brazilian social foundations mentioned by Sérgio Buarque de Holanda and Maria Sylvia de Carvalho Franco, among other Brazilian researchers of Sociology, History and Aesthetics Doutorado Teatro, Dança e Performance Doutor em Artes da Cena

Orientador: Eusebio Lobo da Silva Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Esta pesquisa apresenta uma reflexão sobre as dramaturgias da contemporaneidade, entendendo que seus significados atuais não são sinônimos de texto dramático, mas suas acepções contemporâneas dizem respeito às estruturas artísticas que determinam a composição cênica. A primeira parte desta tese é destinada à apresentação do panorama atual das pesquisas sobre o tema e, a uma revisão histórica sobre o(s) conceito(s) de dramaturgia desde o início da civilização ocidental até os dias de hoje. Na atualidade, a dramaturgia passa a ser um campo de investigação presente nas Artes da Cena. Essas estruturas cênicas podem ser estabelecidas em diversas configurações dramatúrgicas. O texto dramático é entendido como uma das possibilidades de registro, documentação e estruturação cênica; mas, não como a única. O processo de estruturação cênica está diretamente atrelado à poética daquele que cria a obra artística, na figura do diretor, coreógrafo, de quem assina a concepção. As dramaturgias contemporâneas se manifestam como protocolos de criação dos artistas responsáveis pela autoria dos espetáculos. A segunda parte desta tese destina-se à reflexão sobre as perspectivas atuais de análise espetacular, sobre a conceituação de dramaturgia como protocolos de criação e à discussão de novas terminologias dramatúrgicas como dramaturgias do corpo, dramaturgia do ator, dramaturgias da dança, dramaturgias da forma, dramaturgia de tensões, etc.. Em uma última etapa da pesquisa, desenvolve-se uma reflexão sobre a pesquisa de campo desta tese, que envolveu a reflexão sobre um processo dramatúrgico laboratorial - Projeto Jogo Coreográfico - e, processos dramatúrgicos de quatorze artistas residentes na cidade do Rio de Janeiro. A pesquisa de campo se desenvolveu a partir de diretrizes de uma metodologia experimental qualitativa compreendendo entrevistas e observação de espetáculos. Abstract: This research synthesizes the contemporary dramaturgy concepts, understanding that its current meaning is not synonymous of dramatic text, but its contemporary interpretation is about artistic structures that determine the scenic composition. The first part of this PHD research is destined to the presentation of the current panorama of research on the theme and a historical review of the dramaturgy concept since the first civilization up to now. In current days, dramaturgy starts to be a field of investigation present in all Performing Arts. These scenic structures can be established in different dramaturgy configurations, so the dramatic text is one way of record, documentation and scenic structuring, but it is not the only one. The process of scenic structuring is connected to the poetic of the one who creates the artistic work, in the role of the director, choreographer, of who signs the conception. Contemporary dramaturgies are manifested as creation protocols of the artists responsible for the authorship of the plays. The second part of this research is destined to the reflection over the current perspectives of spectacular analysis, over the concept of dramaturgy as creation protocols and to the discussion of new dramaturgy terminologies as dramaturgies of the body. Doutorado Artes Doutor em Artes

Orientador: Suzi Frankl Sperber Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Estudos da Linguagem Resumo: Essa dissertação propõe uma leitura das peças Álbum de Família, Anjo Negro, Dorotéia e Senhora dos Afogados, de Nelson Rodrigues, com o propósito e analisar as obras enquanto textos, enquanto obras dramatúrgicas, e não enquanto espetáculos teatrais em que estas se concretizam. Restringe-se, pois, às obras nos termos dos diálogos, com seus silenciamentos, embates, exclamações; das indicações cênicas e rubricas, dos elementos constitutivos do gênero trágico, assim como da construção das personagens. Isso posto, essa dissertação propõe que, a despeito das obras dramatúrgicas em questão, seja possível demarcar um viés de leitura em que figuram conceitos e elementos oriundos da mitologia cristã. De todas as dezessete peças de Nelson Rodrigues,a leitura que propomos diz respeito a Álbum de Família, Anjo Negro, Dorotéia e Senhora dos Afogados por entendermos que elas se destacam das demais pela recorrência de referências e indícios de idéias de moralização oriundas do cristianismo. Além disso, entendemos que, nessas quatro peças, Nelson Rodrigues engendra um trabalho com os elementos do gênero trágico - que constitui parte importante da análise que fazemos - que não se acha tão marcadamente presente nas outras obras dramatúrgicas do autor. Através de gênero trágico peculiar, tipicamente rodriguiano, que se caracteriza, principalmente, pela ênfase no horror, entendemos que Nelson Rodrigues trabalha com elementos cristãos em um mecanismo de moralização, que pode ser percebido, nas quatro peças, por um engendramento de "não-ditos". Sendo assim, nossa leitura questiona a caracterização comumente aceita da obra rodriguiana como pornográfica, torpe, amoral e imoral. Essa dissertação aponta um caminho através do qual se pode identificar uma intenção moralizante de raízes cristãs na obra dramatúrgica rodriguiana em questão, em uma espécie de mecanismo de constatação à verificação, feita por George Bataille, de que "a literatura é, com efeito, o prolongamento das religiões". Abstract: This dissertation proposes a reading of the plays Álbum de Família, Anjo Negro, Dorotéia and Senhora dos Afogados, by Nelson Rodrigues, with the puppose of analysing them as texts, dramaturgical works, not as the theatrical entertainment in which they come true. It is restricted, so, to the works in terms of dialogues, with silences, clashes, exclamations; in terms of stage indications and rubrics, of constitutive elements of tragic genre, as well as of the construction of the characters. Having all that in mind, this dissertation proposes that in spite of these dramaturgical works, it would be possible to mark out an approach of reading in which are present concepts and elements from christian mithology. Of all the seventeen Nelson Rodrigues' plays, the reading that we propose concerns Álbum de Família, Anjo Negro, Dorotéia and Senhora dos Afogados for the fact we conceive they stand out from the others due to the recurrence of references and evidences of ideas of moralization from christianism. Besides, we believe that in these four plays, Nelson Rodrigues comes up with a work with elements of tragic genre - what constitutes important part of the analysis carried out here - which is not so remarkably present in other dramaturgical works of the author. Through his peculiar tragic genre, typical of Nelson Rodrigues, which is mostly characterized by the emphasis in the horror, we see that Nelson Rodrigues works with christian elements in a mechanism of moralization, which can be realized, in the four plays, by an engendering of what is not said. Therefore, our reading questions the characterization normally accepted of Rodrigues' work as pornographic, vile, amoral and immoral. This dissertation points out a way through which it is possible to identify a moralizing intention with christian roots in the Nelson Rodrigues' work cited, in a sort of mechanism of observation to the checking, done by George Bataille, in what "literature is, with effect, the extension of religions". Mestrado Teoria e Crítica Literária Mestre em Teoria e História Literária

Orientador: Larissa de Oliveira Neves Catalão Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campínas, Instituto de Artes Resumo: A presente dissertação apresenta dois objetos de análise: uma discussão sobre a arte na contemporaneidade, por meio do estudo de conceitos da Semiótica e da Teoria da Recepção, relacionando-os à dramaturgia produzida nos dias de hoje; e a produção de um exercício de dramaturgia sob a forma de transcriação enquanto operação intersemiótica. Esse exercício tem como base o texto de Shakespeare "Noite de Reis", no qual buscamos elementos que, nas entrelinhas, procurassem identificar questões relacionadas à nossa contemporaneidade. Por se tratar de um exercício de dramaturgia, demos o nome a esta tarefa de "Caderno de Dramaturgia". Pensadores como Peirce, Umberto Eco, Deleuze e Guattari, Walter Benjamin, Wolfgang Iser, além de artistas como Haroldo de Campos e Júlio Plaza, bem como críticos da obra de Shakespeare como Harold Bloom, Jan Kott e René Girard contribuem para formar o nosso quadro conceitual de referências Abstract: This dissertation presents two objects of analysis: a discussion on contemporary art, through the study of concepts of Semiotics and Reception Theory, relating them to the drama produced today, and the production of an exercise in playwriting in the form of intersemiotic transcreation. This exercise is based on the comedy "Twelfth Night", by Shakespeare, in which elements that we read between the lines suggest issues of our times. Since it is an exercise in drama, we have called this task "Drama Notebook." Philosophers such as Peirce, Umberto Eco, Deleuze and Guattari, Walter Benjamin, Wolfgang Iser, and artists such as Haroldo de Campos and Julio Plaza, and Shakespeare critics as Harold Bloom, Jan Kott and Rene Girard contributed to form our conceptual framework of references Mestrado Artes Cênicas Mestre em Artes

Acompanha DVD Orientador: Renato Ferracini Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Nesta pesquisa teórica e prática, trato de alguns temas emergentes do processo de treinamento e criação do Grupo Peleja, do qual faço parte como dançarina e pesquisadora, tendo como campo de investigação a corporeidade do Cavalo Marinho - manifestação popular brasileira - associada ao trabalho de ator do Lume (Núcleo Interdisciplinar de Pesquisas Teatrais da Unicamp). O Cavalo Marinho, foco principal desta pesquisa, é uma brincadeira original da Zona da Mata Norte de Pernambuco realizada principalmente por trabalhadores da cana. A partir de experiências práticas, uma narrativa reflexiva é construída tendo como base o conceito de corpo-subjétil, um corpo-em-arte e as idéias sobre níveis de dramaturgia gerados a partir de um trabalho corporal específico. Estes conceitos vão sendo apresentados entremeados aos encontros no campo de pesquisa do Cavalo Marinho, do treinamento com o Grupo Peleja e ao processo de criação do espetáculo "Gaiola de Moscas", resultado prático desta investigação. Abstract: In this practical-theoretical research, I deal with a number of themes emerging from the training and creative process of the Group Peleja, within I am a dancer and researcher, which include investigations into corporality of popular Brazilian folk manifestation in association with the actor's work within Lume (Interdisciplinary Center for Theatrical Research- UNICAMP). The focus of my research are the corporal process experienced during the investigation based on the dance of Cavalo Marinho, the play - as it is called by its participants- that originated in the Mata North Zone of the state of Pernambuco, practiced principally by sugar-cane workers. Starting from this practiced experience, a reflective narrative is constructed using as base the concept of "subjectilebody", a "body-in-art" that comprises the notion of levels of dramaturgy generated by specific physical work. The reflections stern from meetings, during the field research into Cavalo Marinho, Group Peleja' training and the creative process of the performance "Gaiola de Moscas", the practical result of this investigation. Mestrado Mestre em Artes

O presente trabalho investiga a representação da mulher cangaceira em dois textos escritos para o Teatro: Lampião (1953) de Rachel de Queiroz e Cangaceiras (2018) de Maria Cristina Siqueira. Os dois trabalhos apresentam o cangaço como mote central de suas narrativas. Esse trabalho leva em consideração a diferença temporal entre as duas produções: São 65 anos que separam as duas escritas. Dessa forma, buscou-se evidenciar algumas características dos contextos sociais, políticos, acadêmicos e artísticos em que as obras foram elaboradas. Os textos são estudados sob três aspectos: análise dramatúrgica, referências norteadoras e modo de representação das personagens cangaceiras. Como referencial teórico são utilizados a(o)s seguintes autores: Durval Muniz de Albuquerque Júnior (2003; 2017), Jean-Pierre Sarrazac (2002; 2012; 2018) e João Sanches (2016). El presente trabajo investiga la representación de la mujer cangaceira en dos textos escritos para el teatro: Lampião (1953) de Rachel de Queiroz y Cangaceiras (2018) de Maria Cristina Siqueira. Ambas obras presentan el cangaço como tema central de sus narrativas. Este trabajo tiene en cuenta la diferencia temporal entre las dos producciones: Son 65 años que separan los dos escritos. Así, buscamos resaltar algunas características de los contextos sociales, políticos, académicos y artísticos en los que se desarrollaron los trabajos. Los textos se estudian bajo tres vertientes: análisis dramatúrgico, referencias orientadoras y modo de representación de los personajes de cangaceiras. Se utilizan como marco teórico los siguientes autores: Durval Muniz de Albuquerque Júnior (2003; 2017), Jean-Pierre Sarrazac (2002; 2012; 2018) y João Sanches (2016).

Orientadores: Veronica Fabrini Machado de Almeida, Elisabeth Bauch Zimmermann Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Esta pesquisa apresenta uma reflexão e articulação teórico-prática sobre a poética e construção da dramaturgia corporal a partir dos conceitos pneuma, qi e prana, os quais foram indagados em laboratórios práticos de treinamento, exploração coreográfica e criação cênica. O Corpo Conectado apresenta-se como um termo que condensa a idéia de um todo in(di)visível do ser cênico: corpo físico e espírito em movimento unidos, fusionados e potencializados através de uma série de princípios e metáforas que apontam aos aspectos invisíveis, mas perceptíveis do corpo. Estabelecendo um diálogo com artistas como Kandinsky, Alex Grey, Mark Olsen e Yoshi Oida, esta pesquisa formula a idéia de que obra e criação encontramse permeadas por um componente espiritual, por tanto a dramaturgia do corpo e do movimento, pode ser entendida como uma organização interior, uma dramaturgia da alma, uma forma de estruturar e organizar os invisíveis que sustentam o gesto, à ação física e o movimento. Entrelaçando delicadamente uma rede de reflexões e experiências práticas interdisciplinares, esta pesquisa aborda noções da anatomia sutil e energética do corpo em relação com a prática criativa e o treinamento cênico, onde conflui o que finalmente chamaremos de princípios e manifesto de dramaturgia e criação do corpo conectado Abstract: This research presents a reflection and a theoretical-practical articulation about the poetics and construction of corporal dramaturgy from the concepts pneuma, qi and prana, which were investigated in laboratories of training, choreographic explorations and scenic creation. The Connected Body is presented as a term that condenses the idea of a whole in(di)visible of the scenic being: physical body and spirit in movement, united, fused and enhanced through a series of principles and metaphors that point to the invisible, but perceptible aspects of the body. By establishing a dialogue with artists such as Kandinsky, Alex Grey, Mark Olsen and Yoshi Oida, this research formulates the idea that the work of art and creation are permeated by a spiritual component; therefore, body and movement dramaturgy, can be understood as an inner organization, a dramaturgy of the soul, a way to structure and organize the invisibles that support the gesture, the physical action and the movement. Delicately interlacing a network of interdisciplinary thoughts and practical experiences, this research addresses subtle and energetic notions of the anatomy of the body in relation to the creative practice and scenic training, which finally merges in what we call as principles and manifest of creation and dramaturgy of the connected body Mestrado Artes Cênicas Mestre em Artes Cênicas

Orientador: Alexandre Soares Carneiro Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Estudos da Linguagem Resumo: Esta dissertação tem o objetivo de analisar a personagem de Chichisbéu na peça O Precipício de Faetonte, de Antônio José da Silva (1705-1739), representada em 1739 no Teatro do Bairro Alto, Lisboa, Portugal. Partindo de perspectivas teóricas diversas, mas convergentes no sentido de compreender a pouco explorada dramaturgia do período, buscase um entendimento dos textos joco-sérios do comediógrafo. Observando as diferentes leituras do mito de Faetonte, originalmente contado por Ovídio (43 a.C.~18 d.C.) em suas Metamorfoses (séc. I d.C.), em comparação com a peça El hijo del Sol, Faetón (1662), de Calderón de La Barca (1600-1681), percebe-se no Judeu um outro tom na exploração da narrativa, usada apenas como mote, sem relação direta com grande parte das cenas da ópera. Tendo em vista que se reconhece a peça de Antônio José enquanto pertencente ao gênero tragicômico, procede-se uma análise do cômico, uma vez que cômico e trágico, mesmo que unidos num mesmo gênero, ainda preservam características distintas. Como o forma tragicômica foi amplamente difundido na Espanha no século anterior, com grande influência em toda a Europa, em seguida buscamos demonstrar como esta influência se deu em Portugal, mais precisamente nesta peça do Judeu. Como principal representante do cômico neste gênero teatral, identificamos a figura do gracioso, que se torna tema de um capítulo no qual se estudam as diversas facetas que este personagem-tipo representa em O Precipício de Faetonte, enquanto fonte de riso, entretenimento e entendimento do público em relação à fábula e às relações estabelecidas na cena. Por fim, busca-se o entendimento deste mesmo personagem (Chichisbéu, no caso) em suas relações com o galán e a relação da obra do dramaturgo com as preceptivas e técnicas de escrita teatral vigentes no período Abstract: This dissertation is intented to analyse the character Chichisbéu in the play O Precipício de Faetonte by Antonio José da Silva (1705-1739), represented in 1739 at Bairro Alto theater, Lisbon, Portugal. Starting from different theorical perspectives, yet converging towards the comprehension of the little-explored drama of the period, it aims to understand the joco-serious texts of the comedy writer. Observing the different readings of Phaeton myth, originally told by Ovid (43 B.C.~18 A.C.) in Metamorfoses (cent. I A.C.) compared to the play El hijo del Sol, Faetón (1662), by Calderón de La Barca (1600- 1681), it is noticed in the Jew a different tone in the exploration of narrative, only used as a motto, without a direct relation to great number of the scenes of the opera. Since the play of Antonio José is regarded as belonging to the tragicomic genre, the proceeding is an analysis of the 'comic', once comic and tragic, even though gathered in the same genre, yet retain distinct characteristics. Considering that the genre of tragicomedy was widely spread in Spain in the previous century, with great influence throughout Europe, subsequentely we aim to point out how its influence took place in Portugal, more precisely in this play of the Jew. As the main representative of the comic in this theatrical genre, we identify the figure of gracioso, who becomes theme of a chapter in which are studied the various facets that this kind of character represents in O Precipicio de Faetonte, while source of laughter, enterteinment and understanding of the public concerning the plot-structure and the relations established in the scene. Finally, we seek the understanding of the character (Chichisbéu, in the case) in his relations to the galán and the relation of the playwright's work to the preceptives and writing techniques which existed in the period Mestrado Mestre em Teoria e História Literária

Orientador: Mariana Baruco Machado Andraus Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Esta dissertação analisa o desenvolvimento do modo de endereçamento no processo criativo de MÚTUO, espetáculo que envolve dança e circo gestado para esta pesquisa. É investigado o conceito de modo de endereçamento, originário da área do cinema, no contexto das artes presenciais. Trata-se de como é construída a relação com o público por meio das escolhas feitas no processo criativo, permeadas pelo contexto em que se inserem. Foram investigadas as maneiras pelas quais o modo de endereçamento se aproxima das dramaturgias na dança e no circo, uma vez que são artes presentes no espetáculo, e também a trama dos modos de gestão, produção e criação artísticas, vividas nesse processo criativo e fundamentais para a análise desenvolvida. Os critérios para a análise foram construídos a partir do contágio da investigação teórica com a prática criativa, e os dados para a análise foram obtidos mediante diário de criação e relatos dos ensaios abertos. Percebe-se que o modo de endereçamento está intimamente ligado à dramaturgia, entendida como o que é apreciado na hora do acontecimento cênico e o que constrói o imaginário em torno da obra, indo além do que podem escolher os artistas criadores Abstract: This dissertation analyzes the development of the mode of address in the creative process of MÚTUO, a show created for this research that involves dance and circus. The concept of mode of address, originally from the cinema, is investigated in the context of performing arts. It talks about how the relationship with the public is built through the choices made in the creative process, permeated by the context in which they are immersed. The ways in which the mode of address approaches dramaturgies in dance and circus was investigated, since they are arts present in the show MÚTUO, and also the modes of artistic management, production and creation experienced in this creative process and fundamental for the analysis. The criteria for the analysis were built from the contact of theoretical research with creative practice, and the information for the analysis was obtained through the creation diary and reports from rehearsal open to the public. It is noticed that the mode of address is closely linked to dramaturgy, which is understood as what is appreciated at the time of the scenic event and also for what builds the imaginary around the show, going beyond what the creative artists can choose Mestrado Teatro, Dança e Performance Mestra em Artes da Cena FAPESP 2018/25696-1 CAPES 001

Orientador: Cássia Navas Alves de Castro Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Esta pesquisa apresenta e organiza, metodologicamente, os procedimentos de criação desenvolvidos pela Cia. Corpocena e tem, como foco de análise, o processo de criação do espetáculo Fui educado pela Imaginação (2012). Apresenta o processo dramatúrgico desde a elaboração dos procedimentos e seus desdobramentos, levando em consideração as muitas possibilidades de referências geradoras de sentido que podem surgir do campo híbrido da cena contemporânea. Nomeados em seu conjunto metodológico de Do procedimento à cena, os procedimentos, muito diferentes entre si, revelam o viés processual da composição dramatúrgica Abstract: This research presents and organizes methodologically the creation procedures developed by Corpocena Company. The focus of the analysis is the creation process of the play Fui educado pela Imaginação (2012). It presents the dramaturgical process from the elaboration of the procedures and their unfolding, considering the many possibilities of meaningful references that may arise from the hybrid field of the contemporary scene. Nominated in their methodological set as "From procedure to scene", the procedures, very different from one another, reveal the procedural bias of the dramaturgical composition Mestrado Teatro, Dança e Performance Mestra em Artes da Cena

CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior Este trabalho é uma contribuição aos Estudos da Edição no que concerne à sua atividade no âmbito teatral. Busca estabelecer um pensamento editorial próprio a esta prática artística que marque um modo singular de trabalho do editor diante do fenômeno teatral. Para isso, mobiliza conceitos da Semiologia do Teatro que fundam uma compreensão do texto dramático como prática cênica, voltado, portanto, à encenação. Nesse sentido, ele é parte de um fenômeno mais complexo, que manifesta a sua totalidade somente no acontecimento cênico. A essa consciência se agrega outra, a de que embora texto e cena tenham vínculos indissociáveis no teatro, a cena tem valor artístico autônomo e pouca tradição de registro no mundo livresco. Estes serão os nortes que nos levarão a especular novos horizontes editoriais para o teatro, materializados no conceito de “livro latente” – um projeto de leitura que vincula o texto e a cena a partir de um trabalho gráfico que se aproprie dos arquivos deixados pela obra. Trata-se de uma prática que, embora sem um marco teórico, tem um rastro histórico desde os primeiros tempos da imprensa, que é brevemente apresentado no início do trabalho. O livro latente conta também com exemplos contemporâneos, como mostram as quatro publicações estudadas ao longo da dissertação, que no entanto ainda não constituíram uma tradição editorial. As obras analisadas têm em comum o fato de terem sido conduzidas por editores emancipados, que tomam para si, portanto, o desafio de mediar a cena no livro, são elas: "As três irmãs, de Tchékhov, por Stanislávski", de Tieza Tissi; "Bodas de café", de Sonia Pascolati; "A navalha na carne", de Pedro Bandeira; e "Hysteria/Hygiene", do Grupo XIX de Teatro. As análises demonstram distintas formas de se materializar um livro como este, contribuindo assim para consolidar os horizontes editoriais que este trabalho pretendeu traçar. This work is a contribution to the Publishing Studies, in regards to its activity in the theatrical scope. It seeks to establish an editorial thought specific to this artistic practice, that marks a singular way of working for the editor in the face of the theatrical phenomenon. To this end, it mobilizes concepts from the Semiology of Theatre, which has founded an understanding of the dramatic text as a scenic practice, therefore aimed at staging. In this sense, the text is part of a more complex phenomenon, which manifests its totality only in the scenic event. To this awareness is added another, that although text and scene have inseparable links in theatre, the scene has autonomous artistic value and little tradition of registration in the bookish world. These will be the guiding points that will lead us to speculate new publishing horizons for theatre, materialized in the concept of “latent book” – a reading project that links the text and the scene through a graphic work that appropriates the archives left by the scenic process. It is a practice that, although without a theoretical framework, has a historical trace since the early days of the press, which is briefly presented at the beginning of the work. The latent book also has contemporary examples, as shown by the four publications studied throughout the thesis, which, however, have not yet constituted a publishing tradition. The analysed works have in common the fact that they were conducted by emancipated editors who, therefore, take on the challenge of mediating the scene in the book They are: "As três irmãs, de Tchékhov, por Stanislávski", by Tieza Tissi; "Bodas de café", by Sonia Pascolati; "A navalha na carne", by Pedro Bandeira; and "Hysteria/Hygiene", by Grupo XIX de Teatro. The analysis demonstrates different ways of materializing a book such as this, thus contributing to consolidate the publishing horizons that this work intended to outline.

CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior Este trabalho estuda o conceito de Dramaturgia e relaciona seus possíveis usos nas aulas de Teatro dentro do ensino formal. Nesse sentido, destaca-se a noção que considera a Dramaturgia como um constituinte cênico diverso. Considera-se diverso, também, o ambiente escolar com suas várias possibilidades de ensinar e apreender. Com essa consonância de ideias, a Dramaturgia encontra no componente curricular Arte um espaço producente de abordagens educacionais. O mesmo acontece com a escola ao encontrar, nas dramaturgias, um campo pedagógico e didático vasto para o trabalho de diferentes habilidades na formação do indivíduo. Entre os autores pesquisados estão Ana Pais (2004), Fabrício ANDRADE (2006), Eugênio Tadeu PEREIRA (2015) e Eleonora FABIÃO (2009). This article approaches the concept of Dramaturgy and connects its possible uses in Theater classes inside the Formal Educational System. In this sense, highlights the idea of Dramaturgy as a diverse scenic component. It is also considered diverse, the scholar environment, and its many possibilities of teaching and learning. With all these ideas assembled, Dramaturgy finds at school subject Art, a profitable space for educational approaches. The same happens with the School itself, which finds in Dramaturgy a wild pedagogical and didactic field to develop several abilities in the human formation process. Among the authors surveyed are Ana Pais (2004), Fabrício ANDRADE (2006), Eugênio Tadeu PEREIRA (2015) and Eleonora FABIÃO (2009).

Orientador: Marcelo Ramos Lazzaratto Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Esta pesquisa articula, em âmbito teórico e prático, poesias de Carlos Drummond de Andrade e aspectos de sua biografia à características estéticas e de métodos de trabalho baseados na obra de Bertolt Brecht sobre o acontecimento teatral. Estes dois elementos se relacionam, por sua vez, através de uma abordagem materialista dialética dos fenômenos e suas relações, que procura conjugar o conteúdo da pesquisa sob análises de historicidade. Compreende um material que investiga: o universo artístico do poeta brasileiro bem como seu momento histórico, a linguagem cênica e os métodos de trabalho do teatrólogo alemão e seu momento histórico, e estética marxista. Apresenta pontes de diálogo que se manifestam em caráter teórico e prático; este último instaurado por material audiovisual denominado ‘algumas poesias de memória’, que configura o exercício cênico do presente estudo. Abstract: This research articulates, in theoretical and practical scope, poetry by Carlos Drummond de Andrade and aspects of his biography with aesthetic characteristics and working methods based on the work of Bertolt Brecht on the theatrical phenomenon. These two elements are related, in turn, through a dialectical materialist approach to phenomena and their relations, which seeks to combine the content of the research under historicity analyzes. It comprises material that investigates: the artistic universe of the Brazilian poet as well as his historical moment, the scenic language and the working methods of the German theatrical and his historical moment, and Marxist aesthetics. It presents bridges of dialogue that are manifested in a theoretical and practical character; the latter created by audiovisual material called "some poetry of memory", which constitutes the scenic exercise of this study. Mestrado Teatro, Dança e Performance Mestra em Artes da Cena CAPES 88887.481443/2020-00

Orientador: Marcelo Ramos Lazzaratto Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Este trabalho visa à construção de um novo modelo dramatúrgico, ou de escrita da dramaturgia, a partir da encenação de peças teatrais que operem em chave pós-dramática ou contemporânea, cujo texto dramático não tenha sido o elemento principal da criação cênica. A pós-dramaturgia, aqui nomeada, pressupõe a escrita de um texto teatral (literário) autônomo a partir do texto espetacular (da representação in loco), de modo que o dramaturgo não gere o texto a ser encenado, mas que a cena seja o material bruto para a escrita da dramaturgia. A partir do estudo de conceitos como texto, texto performativo, texto espetacular, pós-modernismo, pós-produção (bourriaudiana) e pós-dramático, se apresenta a proposta de pós-dramaturgia. Ao final, são apresentados quatros textos "pós-dramatúrgicos" a partir de quatro peças teatrais encenadas na cidade de São Paulo entre os anos de 2010 e 2016 Abstract: This work attempts to construction of a new dramaturgical model, or writing of the dramaturgy, based on the staging of plays that operate in a post-dramatic or contemporary key, whose dramatic text was not the main element of the scenic creation. The post-dramaturgy, named here, presupposes the writing of an autonomous theatrical (literary) text from the spectacular text (of on-site representation), so that the playwright does not generate the text to be staged but the scene be the raw material for the writing of the dramaturgy. From the study of concepts such as text, performance text, spectacular text, post-modernism, post-production (bourriaudian) and post-dramatic, the proposal of post-dramaturgy is presented. At the end are presented four "post-dramaturgical" texts from four plays performed in the city of São Paulo, between 2010 and 2016 Doutorado Teatro, Dança e Performance Doutor em Artes da Cena CAPES

Orientador: Claudiney Rodrigues Carrasco Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Este trabalho tem como objetivo descrever o processo de criação de uma obra de teatro musical, desde a concepção da ideia até sua finalização enquanto produto dramatúrgico-musical. Como introdução ao trabalho de pesquisa, um breve histórico do gênero foi descrito, desde a Antiguidade Clássica até os dias atuais. Em uma segunda etapa, foram realizadas entrevistas com autores contemporâneos do gênero, com o intuito de compreender seus processos criativos. Para a realização da obra a qual se propõe essa pesquisa, intitulada 47 ¿ O Musical, foram pesquisadas ferramentas da dramaturgia e da música aplicadas ao gênero teatro musical. Para a confecção da obra, estudou-se as estruturas pré-literárias de premissa, história e enredo, e a estrutura dramática da Jornada do Herói, conhecida por monomito, conforme descrita por Joseph Campbell e Christopher Vogler. A criação do arco dramático das personagens foi pesquisada tendo como base o trabalho de K. M. Weiland. As estruturas musicais que permeiam o universo do teatro musical foram observadas e descritas, para a realização do processo de composição. O produto final, 47 ¿ O Musical, é então apresentado, assim como seus quatorze números musicais, que contam a história da chegada de um bebê com síndrome de Down e a revolução que esse acontecimento provoca na vida de dois casais: Cris e Pedro - seus pais; e Rafael e Lucas - seus melhores amigos Abstract: This research aims to describe the creative process of a musical theatre work, from the conception of the idea until its final completion as a musical-dramatic product. As an introduction to the research work, a brief history of the genre is described, from Classical Antiquity to our days. Second, interwiews with contemporary brazilian authors of the genre were made, in order to understand their creative processes. For the making of the work aimed at this research, named 47 ¿ O Musical, dramatic and musical tools applied to musical theatre were researched. Also the pre-literary structures of premise, story and plot, and the dramatic structure of the Hero¿s Journey, known as the Monomith, were studied, as described by Joseph Campbell and Christopher Vogler. The dramatic arc of the charachters was researched based on the Works of K. M. Weiland. Musical structures that permeate the universe of musical theatre were observed and described, for the making of the composition process. The final product, 47 ¿ O Musical, is then presented, as well as its fourteen musical numbers, which tell the story of the coming of a baby with Down Syndrome and the revolution it provokes in the lives of two couples: Cris and Pedro - his parents; and Rafael and Lucas ¿ their best friends Doutorado Música, Teoria, Criação e Prática Doutora em Música CAPES 001

Orientador: Isa Etel Kopelman Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Esta pesquisa persegue questões acerca de um trabalho de atuação que se depara com a dramaturgia específica de Michel Vinaver (tendo como estudo de caso a peça Dissidente), de conversação fragmentada, cujas falas se caracterizam por um diálogo em crise, que aderem tanto os fragmentos narrativos quanto os conflitos interpessoais. Por outro lado, a pesquisa busca apoio na ferramenta do étude do sistema stanislavskiano, que propõe ao ator uma fabulação imaginária mais coesa, subjacente, paralela e coincidente ao texto, explorando detalhadamente cada situação da peça de Vinaver Abstract: This research pursues questions about the actor¿s work that is faced with the specific dramaturgy of Michel Vinaver (specifically the play Dissident), of fragmented conversation, whose speeches are characterized by a "dialogue in crisis", which adhere both narrative fragments and interpersonal conflicts. In the other side, the research looks for a actor¿s work support - the étude of Stanislávski¿s system, that proposes to the actor an imaginary fable more cohesive, underlying, parallel and coincident to the text, exploring in detail each situation of the Vinaver¿s plays Mestrado Teatro, Dança e Performance Mestra em Artes da Cena

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior A presente dissertação propõe um estudo comparativo entre a peça inglesa Macbeth (1605-06), de William Shakespeare, e a adaptação sul-africana uMabatha (1969), de Welcome Msomi. Esta pesquisa é embasada pelos Estudos Comparados e pela Teoria da Adaptação através dos trabalhos de Linda Hutcheon (2013), Robert Stam (2008), Julie Sanders (2006), Daniel Fischlin e Mark Fortier (2000), e visa analisar as diferenças e similaridades da obra de Msomi em relação à obra shakespeariana, bem como as estratégias utilizadas pelo autor para criar a sua adaptação Zulu. São observadas, ainda, através da transposição cultural, as particularidades da peça sul- africana que a tornam uma obra singular como, por exemplo, a origem do autor, o período político em que a África do Sul estava imersa quando Msomi criou sua obra e, principalmente, qual peça shakespeariana ele escolheu para adaptar. Após uma profunda análise e discussão, foi possível perceber que a relação intertextual entre as obras é parte de um processo natural da constituição da Literatura. Verificamos, também, que este intercâmbio de ideias e inspirações está presente, também, nas relações entre as artes de modo geral e que, de forma alguma, este processo deve ser visto como algo negativo, legando às obras posteriores a conotação de “cópias” das obras-fonte. Detectamos, da mesma maneira, que não existe um texto “puro”, sem interferências textuais de outras obras, e que isso não retira em nada a originalidade de um texto, pois cada autor é único, e ainda que se trate de uma obra adaptada, há sempre a forma particular de o autor interpretar e trazer à vida a sua própria arte. É isso o que vemos em uMabatha. This dissertation proposes a comparative study between the English play Macbeth (1605-06) by William Shakespeare and the South African adaptation uMabatha (1969), by Welcome Msomi. This research is based on Comparative Studies and Theory of Adaptation through the work of Linda Hutcheon (2013), Robert Stam (2008), Julie Sanders (2006), Daniel Fischlin and Mark Fortier (2000), and aims to analyze the differences and similarities of Msomi's work in relation to the Shakespearean work and the strategies used by the author to create his Zulu adaptation. It is observed yet, through the cultural transposition, the particularities of the South African play which make it a singular work, such as the origin of the author, the political period in which South Africa was immersed when Msomi created her work and, mainly, which play written by Shakespeare he chose to adapt. Upon a deep analysis and discussion, we perceive that the intertextual relation between the works is part of a natural process of the constitution of Literature. We verified also that this exchange of ideas and inspirations is also present in the relations between the arts in general and that in no way can this process be seen as negative, bequeathing the subsequent works the connotation of "copies" of the source works. We also find that there is no "pure" text without textual interferences from other works, and that this does not remove the originality of a text, since each author is unique, and even if it is an adapted work, there is always a particular way in which the author interprets and brings to life his art - and this is what we see in uMabatha.

Resumo: Este texto, escrito a seis mãos, insiste na não-dicotomia entre corpo e mente, ação e pensamento, objetividade e subjetividade, de modo a alcançar as férteis relações adulto-criança no âmbito da ficcionalidade. Defende o exercício da docência do teatro tanto na universidade quanto na escola, na chave de uma dramaturgia encarnada: modo de escrita e de uso do texto dramatúrgico no qual a corporalidade é central. Apresentando mais perguntas do que respostas, busca por um trabalho dramatúrgico que narra, dialoga, propõe performatividade e mudança nos mundos de vida dos discentes das Licenciaturas em Teatro, bem como os mundos de vida de seus futuros alunos, crianças e jovens brasileiros. Résumé: Cet article, écrit à six mains, insiste sur la non-dichotomie entre le corps et l'esprit, l'action et la pensée, l'objectivité et la subjectivité, afin d'arriver aux fécondes relations entre l'adulte et l'enfant au sein de la fictionalité. Défend la pratique de l'enseignement du théâtre à l'université et à l'école, dans le cadre d'une dramaturgie incarnée: façon d'écriture et d'usage du texte dramaturgique dans lequel la corporéité est central. Présentant plus de questions que de réponses, on cherche un travail dramaturgique que raconte, converse, et propose performativité et changement dans les mondes de vie des étudiants du premier cycle de Théâtre, ainsi que les mondes de la vie de ses futurs étudiants, les enfants et les jeunes Brésiliens. Abstract: This six-hand written paper insists on the non-dichotomy between body and mind, action and thought, objectivity and subjectivity, in order to reach the fertile adult-child relationships within fictionality. It supports the practice of theater teaching both at the university and at school, in the key of an embodied dramaturgy: a writing mode and usage of the dramaturgical text in which corporeality is central. Presenting more questions than answering them, it searches for a dramaturgical work that narrates, dialogues, and proposes performativity and changes in the worlds-of-life of teachers in Undergraduate Theater Teachers Education as well as in the worlds-of-life of their prospective students, Brazilian children and teenagers.

Tese (doutorado)—Universidade de Brasília, Instituto de Letras, Departamento de Teoria Literária e Literaturas, Programa de Pós-Graduação em Literatura, 2016. A tese recupera aspectos do teatro em Brasília e discute sua relação com o contexto político dos anos 1960 e 1970. Para isso, é feita a recuperação do panorama do teatro político no século XX no Brasil, para analisar a produção da cidade dentro desse contexto mais amplo e como parte de um sistema que compartilhava dos mesmos conteúdos e muitas vezes das mesmas metodologias teatrais. O trabalho dialoga com a fortuna crítica do teatro político como Brecht, Piscator dentre outros e sobre as artes cênicas na cidade. Ainda, pretende formar um campo de visão que permita a análise da dramaturgia produzida nas primeiras décadas de Brasília, e identificar seu forte comprometimento com as questões políticas da época. Fatos relacionados à censura durante a ditadura militar e à produção do teatro e da dramaturgia local igualmente fazem parte desta tese. Também é feita a análise literária das peças Um Uísque para o Rei Saul, de César Vieira, Cristo x Bomba e As Caravelas de Sylvia Orthof, O Homem que enganou o diabo... e ainda pediu troco de Luiz Gutemberg, O Quarto de Dácio Lima e Capital da Esperança, do Grupo Carroça, dirigida por Humberto Pedrancini. The thesis recovers aspects of the theater in Brasilia and discusses its relationship to the political context of the 1960’s and the 1970’s. To achieve that the panorama of the political theater in the twentieth century in Brazil is retrieved in order to analyze the city's theatrical production within this broader context and as part of a system sharing the same content and often the same theatrical methodologies. The work speaks to the critical fortunes of the political theater like Brecht, Piscator among others and about the performing arts in the city. Moreover it intends to form a visual field that enables the analysis of the dramaturgy produced in the first decades of Brasilia and identify its strong commitment to the political issues of the time. Facts related to the censorship during the military dictatorship and the theatrical production and local dramaturgy are also part of this thesis. Additionally a literary analysis of the following plays are made: Um Uísque para o Rei Saul, by César Vieira, Cristo x Bomba e As Caravelas by Sylvia Orthof, O Homem que enganou o diabo... e ainda pediu troco by Luiz Gutemberg, O Quarto by Dácio Lima, Capital da Esperança, by Grupo Carroça, directed by Humberto Pedrancini.

Orientador: Matteo Bonfitto Júnior Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Esta pesquisa consiste na investigação da construção dramatúrgica de Rodrigo García (dramaturgo e encenador do grupo La Carnicería Teatro) e a produção de corporeidades a partir da análise dos processos de criação e das obras selecionadas, considerando a perspectiva de um Teatro Performativo, com foco na co-presença de uma camada de exploração das materialidades cênicas ¿ como as palavras, corpos, objetos, cenários, sons e luzes ¿ e uma camada de criação de significados e discursos carregados de conteúdo fortemente político. A metodologia baseou-se na fenomenologia e os caminhos da pesquisa indicaram um trabalho específico de dramaturgia performativa que busca articular não somente os sentidos, mas também as corporeidades, a partir de uma constante fricção, proporcionando uma multiestabilidade perceptiva tanto nos atores quanto no público Abstract: This research is to investigate the dramaturgical construction of Rodrigo García (playwright and director of the group La Carnicería Teatro) and the production of corporealities from the analysis of the processes of creation and the selected works, considering the prospect of a Performative Theatre, focusing on co-presence of a layer of exploitation of scenic materiality - as the words, bodies, objects, scenery, sounds and lights - and a layer of creating meanings and speeches laden with strong political content. The methodology was based on phenomenology and the search paths indicated a specific work of performative dramamaturgy that seeks to articulate not only the senses but also corporealities from constant friction, providing a perceptive multistability both in the actors and in the audience Mestrado Teatro, Dança e Performance Mestra em Artes da Cena FAPESP 2013/26717-9

Orientador: Mario Alberto de Santana Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Estudo sobre o caráter pedagógico do processo colaborativo no que se refere à formação de dramaturgos. O processo colaborativo é um modo de criação teatral surgido a partir da década de noventa do século vinte, que está relacionado às condutas contemporâneas de produção e compartilhamento de conhecimento. Neste trabalho, são utilizadas três matrizes operacionais, que são as estruturas comuns aos variados processos colaborativos praticados pelos grupos de teatro. Elas possibilitam aos dramaturgos a formulação de diversos procedimentos de criação. As três matrizes são: o tema, a hierarquia flutuante e o retorno crítico. As reflexões desenvolvidas nesta pesquisa estão baseadas na compreensão da dramaturgia colaborativa realizada nos grupos de teatro observados e na análise de sua influência na concepção do projeto pedagógico do curso de dramaturgia da SP Escola de Teatro Abstract: This is a study about the collaborative process and its pedagogical character for the training of playwrights. The collaborative process is a model of theatrical creation arisen from nineties of the twentieth century. It is also related to current forms of knowledge production and sharing. This work surveys three operational matrices that constitute the common structures used by various theatre groups in their own collaborative processes. They allow the formulation of different creation procedures by the playwrights. The three matrices are: the theme, the variable hierarchy and the critical feedback. The ideas elaborated in this study were developed from the observation of the collaborative playwriting performed in theatre groups and its influence in the pedagogical project of the playwriting course of the SP Escola de Teatro Doutorado Artes da Cena Doutor em Artes da Cena FAPESP

Orientador: Larissa de Oliveira Neves Catalão Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Esta pesquisa pretende estudar as peças Sortilégio de Abdias do Nascimento e Transegum de Cuti a partir da ideia de uma construção da memória e identidade afrodescendente brasileira. Para tanto se apresenta um breve percurso histórico da personagem negra no teatro brasileiro e a evolução desta personagem na dramaturgia produzida em épocas específicas. Em seguida, analisamos as peças de modo a procurar mostrar a importância destes textos como arquivos de memória significativos da historiografia do teatro brasileiro e principalmente para o estudo da construção da identidade do negro no país Abstract: This research intends to study the theater plays Sortilégio, written by Abdias do Nascimento and Transegum, by Cuti, considering Afro-Brazilian memory and identity construction. We present a brief history of the black character in Brazilian Theater and it's transformations in time. Then we intend, by the dramatic analysis of the plays, to show the importance of this texts as memory archives of Brazilian Theater History and, mainly, for a study of the identity construction of black people in Brazil Mestrado Artes da Cena Mestre em Artes da Cena

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:27Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2013-08-27Bitstream added on 2014-06-13T20:49:00Z : No. of bitstreams: 1 ataide_c_me_ia.pdf: 1788197 bytes, checksum: baac220f3a23514819fe57a87a54254d (MD5) Partindo de uma abelhudice do pesquisador sobre o ato criador do grupo de teatro Os Fofos Encenam, que desenvolve seus trabalhos artísticos na cidade de São Paulo, essa pesquisa atravessa o período dos procedimentos e processos da atividade criadora do projeto Memória da Cana, Parte II – O Pentateuco, que tinha em seu principal objetivo, a investigação das manifestações e rituais sacro-profanos da cultura da cana-de-açúcar nos cinco séculos de Brasil, um pretexto para estabelecer um olhar sobre a sociedade brasileira contemporânea e a busca de uma tradução dramatúrgica e cênica desta relação. Esta pesquisa buscou compreender a gênese, a essência, o modus operandis desta atividade de criação artística, tratando-se, dessa forma, de uma análise fenomenológica embasada parcialmente na proposta metodológica de pesquisa-ação, visto que o pesquisador-ator é também um ator-pesquisador do processo de criação, e atrelada à metodologia pluralista de Paul Feyerabend e à relação de complementaridade defendida por Niels Bohr, que possibilitam uma percepção perspectivista e menos racional sobre o percurso do projeto de Os Fofos Encenam e seus resultados: o texto dramatúrgico pós-cênico e o texto espetacular Terra de Santo. Texto construído em processo colaborativo entre o dramaturgo e os atores; uma encenação como forma primária de site-specific e atos de criação de personas fundamentados na memória pessoal. Arising from the researcher's curiosity about the creative activity of the theater group Os Fofos Encenam, which develops its artwork in the city of São Paulo, the present research was conducted along the procedures and processes of the creative activity of the project Memória da Cana, Parte II - O Pentateuco, whose main goal was to investigate the manifestations and sacred-profane rituals of Brazil's sugar cane cultivation throughout the country's five centuries, a pretext to perceive the Brazilian contemporary society in order to portray a dramaturgical and scenic translation of it. The present research sought to understand the genesis, the essence, the modus operandis of the referred artistic creation activity, therefore, it is a phenomenological analysis partially grounded in the methodological approach of action-research, seeing that the researcher-actor is also an actor-researcher of the creation process. The research is linked to Paul Feyerabend's methodological pluralism and the complementarity principle, formulated by Niels Bohr, which enables a perspectival and less rational perception of the route of the project Os Fofos Encenam and its results: the post-scenic playscript and the spectacular Terra de Santo script. Playscript made by the collaborative process of the playwright and the actors; a primary form of site-specific art staging and the act of creating personas based on personal memory.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Arte, 2013. O presente estudo contempla a farsa, o grotesco e a paródia, que são gêneros que dialogam com a linguagem teatral da máscara na sua estrutura mais abrangente. Através da máscara e por meio das estratégias físicas, o intérprete pode compor um texto de representação, não apenas por meio da perspectiva individual de sua personagem, mas por meio da rede de interações que sua personagem realiza no momento de sua performance no espaço cênico, construindo assim uma intertessitura de ações, ou seja, um texto de representação. Neste treinamento percebi as possibilidades de escritas que se apresentam, chegando a compreender que as estratégias podem compor texto de representação por meio de improvisações com máscara, ou gerando vocabulário físico que pode ser reapropriado em outras situações cênicas. ______________________________________________________________________________ ABSTRACT This study contemplates the farce, the grotesque and the parody which are genres that establish dialogue with the theatrical language of the mask in its more comprehensive structure. With the use of the mask and through physical strategies the actor can compose a performance text, not only within the individual perspective of his character, but by means of the network of interactions that his character realizes while he acts in the theatrical space, constructing an intertessitura of actions, namely, a performance text. In this training I realized the compositional possibilities that revealed themselves, coming to understand that these strategies can be used to compose a performance text by means of improvisations with mask or generating physical vocabulary that can be reappropriated in other theatrical situations.

Made available in DSpace on 2014-08-27T14:36:47Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2013-06-26Bitstream added on 2014-08-27T15:57:16Z : No. of bitstreams: 1 000778121.pdf: 2126598 bytes, checksum: e05c37744ec7bcd30756160267742633 (MD5) O objetivo deste trabalho foi investigar os processos de criação e encenação no teatro contemporâneo. Nesse sentido, dois estudos de caso foram evocados e analisados: a Companhia Hiato, com seu Projeto Ficção e o projeto realizado por mim dentro do Centro de Pesquisa e Experimentação Cênica do Ator (CEPECA), na USP, intitulado Experimento Pas de Deux. Os dois estudos, durante a realização dessa dissertação, se encontraram e parte de um passou a compor a cena do outro, provocando, desse modo, – na perspectiva em que participei dos dois - um imbricamento entre as pesquisas. Dentre todos os aspectos e características significativas no tocante às citadas criações, serviram de base para a análise: os atores e as atrizes, que se percebem narradores de si mesmos; o duplo, a transição entre a personagem e a não personagem; e, por fim, a metalinguagem e a teatralidade, um desnudamento dos expedientes constituintes da cena. O estudo aqui desenvolvido buscou respaldo em diversos pesquisadores cujas obras teóricas, sugeriram um caminho possível de abordagem e análise para os dados levantados e as crises descobertas. Entre esses pesquisadores estão, Jean-Pierre Sarrazac (2012), Patrice Pavis (2008), Hans-Thies Lehman (2010), entre outros, dos quais esse estudo citou passagens que puderam elucidar pontos importantes The aim of this study is to investigate creating and staging processes in contemporary theater. Accordingly, two case studies are addressed and analyzed: the Hiato Theater Company with their named Fiction Project and a enterprise undertaken by the author at the Center for Research and Experimentation of Scenic Actor (CEPECA), USP, titled Experimento Pas de Deux. These two studies are apart at their beginnings and a piece of one passed to compose the scene of another, causing thereby an interweaving of research. Among all the aspects and characteristics were significant in relation to the aforementioned creations and serve as a basis for analysis: actors and actresses who perceive of themselves, the double, the transition between the character and the non character, and, finally, the meta-language and theatricality, one strip of expedients of the scene. The study here developed seeks support in various researchers whose theoretical works suggest a possible way of approach and analysis to the data collected and the findings crises. Among these researchers are Sarrazac Jean-Pierre (2012), Patrice Pavis (2008), Hans-Thies Lehman (2010), and others of which this study cited passages that may elucidate relevant points

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:26:53Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2012-12-12Bitstream added on 2014-06-13T19:14:17Z : No. of bitstreams: 1 zago_ces_me_assis.pdf: 751122 bytes, checksum: 8a44a52ee5ae1c54d8ce565bf60a3e29 (MD5) Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) Este trabalho apresenta uma leitura interpretativa de parte do teatro de Hilda Hilst, escrito no final da década de 1960. Encontram-se, no primeiro capítulo, comentários acerca da fortuna crítica já existente sobre os textos dramáticos da autora paulista, aproximando perspectivas e pareceres semelhantes a fim de estabelecer possíveis linhagens críticas. Já na segunda parte analisa-se a peça O novo sistema, buscando compreender como nela se representa o processo de instauração de um Estado de exceção e se problematiza a dialética entre barbárie e esclarecimento, sobretudo a partir dos paradigmas modernos da evolução científica e da razão instrumental. O trabalho segue com uma leitura interpretativa de As aves da noite, procurando captar sua atmosfera infernal, em diálogo intertextual com Dante Alighieri, para então aproximá-la de certas faces da modernidade, encontradas em estruturas sociais e administrativas pautadas no cerceamento da evolução espiritual. A última reflexão é sobre a peça A morte do patriarca, em que se busca indicar, sobretudo, a figuração do fim das utopias e a proposição de novas formas de narrar e de construir o discurso histórico. Ao longo da dissertação, persegue-se o constante diálogo de Hilda Hilst com um vasto arcabouço de discursos, autores e textos de vários gêneros e áreas do saber -, como literatura, ciência, pedagogia, filosofia e teatro -, configurando uma estrutura em mosaico, resultante do processo de bricolagem com o qual a escritora compõe as três peças aqui estudadas This dissertation presents an interpretive reading of part of Hilda Hilst’s theater, written at the end of the 1960s. At its very first chapter one comes across with comments on the critical fortunes already found in her dramatic writings, comparing similar perspectives and concepts in order to establish possible critical affiliations. In its second part one analyzes the play O novo sistema, trying to understand in it how the process of instauration of a State is represented and how the dialectics between barbarism and enlightenment is questioned, mainly based on the modern paradigms of scientific evolution and instrumental reason. The dissertation continues with an interpretive reading of As aves da noite, trying to capture its infernal atmosphere, in an intertextual dialog with Dante Alighieri, comparing it to certain aspects of modernity, found in social and administrative structures organized into the restriction imposed on spiritual evolution. The last pondering is on the play A morte do patriarca, in which one tries mainly to point out the figuration of the end of utopias and the proposition of new ways of narrating and creating the historical discourse. Along the dissertation, one pursues the constant dialog held by Hilda Hilst with a wide framework of discourses, authors, and texts of various genres and fields of knowledge - such as literature, science, pedagogy, philosophy, and theater -, configuring a structure in mosaic, resulting from a bricolage process with which the playwright from São Paulo Satate writes the three plays focused here

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Artes, 2012. A dramaturgia contemporânea não se refere mais a um conceito singular, a arte de escrever dramas, mas antes, abarca todas as artes da cena e suas articulações. Percebe-se que nas últimas décadas o conceito de dramaturgia tem-se expandido, e essa expansão assinala novos paradigmas na criação artística, baseada no questionamento das noções de autoria, na desierarquização das artes e em novos protocolos de criação. A democratização dos processos criativos e o fim da supremacia do texto possibilitam a criação de conceitos de dramaturgia que se baseiam ora em outro conceito de palavra, ora no movimento, na imagem, na sonoplastia. Não encontrando espaço nas definições dramatúrgicas convencionais, novos grupos, atores, bailarinos e pensadores de teatro vêm cunhando outros conceitos como dramaturgia da cena, dramaturgia do som, dramaturgia da luz, dramaturgia do ator, dramaturgia do corpo, dramaturgia do movimento, dramaturgia coletiva, a dramaturgia colaborativa, a dramaturgia da imagem, entre outros. Nesta dissertação, escolhemos como foco as dramaturgias da cena, do ator e do corpo, por seu papel emblemático nessa expansão no que diz respeito às suas contribuições para a cena contemporânea. _______________________________________________________________________________________ ABSTRACT Contemporary dramaturgy no longer refers to a single concept, the art of writing drama, but rather encompasses all performance arts and their family ties. It is noticeable that in the last decades the concept of dramaturgy has expanded, which marks the ascension of new paradigms of artistic creation based on questioning notions of authorship, on the dehierarchization of the arts and new creation protocols. The democratization of creative processes and the end of the supremacy of the text make way for the creation of concepts of dramaturgy based either in novel concepts of text, or of movement, image, sound. Finding no space within conventional definitions of dramaturgy, new groups of actors, dancers and thinkers of theater have been carving different concepts such as dramaturgy of the scene, dramaturgy of the sound, dramaturgy of lighting, dramaturgy of the actor, dramaturgy of the body, dramaturgy of movement, collective dramaturgy, collaborative dramaturgy, dramaturgy of the image, among others. For this dissertation, we have chosen to focus on the dramaturgies of the scene, the actor and the body, as we view their role as emblematic within the aforementioned expansion, for their contribution to contemporary drama.

Orientadores: Claudia Mariza Braga, Sara Pereira Lopes Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Desde o início dos anos 90, vem acontecendo uma expansão dos limites da dramaturgia para além das já conhecidas demarcações exclusivas da prática teatral. Atualmente, a dramaturgia é um dos mais importantes temas da arte contemporânea, pois se fala não apenas da dramaturgia do texto teatral, mas da dramaturgia do corpo, da dramaturgia da dança e da dramaturgia do espetáculo. Dentro desse universo, buscaremos compreender a construção da dramaturgia na dança contemporânea por meio das discussões que emergem da relação entre coreógrafo e dramaturgo, com a intenção de identificar, em cena, a concepção expressa por elas sobre o que vem a ser a dramaturgia e suas especificidades na concepção coreográfica. Para tanto, será utilizada uma abordagem teórico-analítica, implementada pela combinação da análise de espetáculo com levantamento documental e aplicação de entrevistas semiestruturadas que possam suscitar questões e respostas sobre o tema. A pesquisa proposta é, assim, relevante, se entendido que o conhecimento acerca do conceito de dramaturgia em dança é fundamental para melhor compreensão da necessidade de algumas danças, que se configuram como contemporâneas, e têm dramaturgos na realização de seus trabalhos Abstract: Since the early nineties, the boundaries of dramaturgy have expanded beyond the already known exclusive theatrical practice demarcations. Nowadays, dramaturgy is one of the most important themes of contemporary art, inasmuch as it is not only about the dramaturgy of theatrical text, but also of the body, dance, and show. Within this universe, we seek to understand the construction of dramaturgy in contemporary dance, through the discussions that emerge from the relation between choreographer and playwright, with the intent of identifying, in the scene as well as in the speech, the concept expressed by them on what dramaturgy happens to be, and the insertion of the playwright into the specificities of the choreographic concept. Therefore, we'll make use of a theoretical-analytical approach, implemented through the combination of show analysis with collecting of documents and the use of semi-structured interviews that might bring questions and answers up on the theme. Certainly, there will be difficulties in accomplishing this research, insofar as this is an ongoing theme within contemporary art. Nevertheless, its accomplishment also hints at fascinating discoveries, which are essential to the work of stage artists, so that it's feasible to foresee a relevant contribution to the understanding of dramaturgy in dance and the performance of playwrights in some contemporary dance companies Mestrado Artes Cênicas Mestra em Artes

Orientador: Larissa de Oliveira Neves Catalão Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Oduvaldo Vianna Filho é reconhecidamente um dos dramaturgos brasileiros de maior relevância da década de sessenta e setenta. Em sua obra buscou retratar o panorama político nacional, refletindo sobre questões como o imperialismo norte-americano, o papel da militância, a realidade do operariado e do camponês, a universidade, enfim, temáticas que, apesar de serem classificadas como "datadas", ainda hoje geram controvérsias. Dessa forma, esta dissertação de mestrado buscou aprofundar os estudos sobre a obra de Vianinha, tendo como foco central a análise das seguintes peças: A mais-valia vai acabar, seu Edgar; Brasil versão brasileira; O Auto dos 99%; Quatro quadras de terra e Os Azeredos mais os Benevides, produzidas pelo dramaturgo no período em que esteve vinculado ao Centro Popular de Cultura (CPC) da União Nacional dos Estudantes (UNE). As análises foram realizadas com base nas obras de alguns teóricos que exerceram influências sobre o trabalho de Vianinha como, por exemplo, Bertolt Brecht, Erwin Piscator dentre outros. Sendo assim, foram utilizados os conceitos de teatro épico, teatro de revista e agitprop, fundamentais para a compreensão das peças. O resultado deste trabalho visa demonstrar que as obras dramáticas em questão possuem valor artístico e não apenas histórico, social ou político. Abstract: Oduvaldo Vianna Filho is recognized as one of Brazil's most significant playwrights of the sixties and seventies. In his work he tried to portray the national political landscape, reflecting about some subjects ,like the American imperialism, the role of militancy, the reality of the laborer and peasant, the university, finally, it shows that, despite of being classified as "dated" it still generates controversy. Therefore, this dissertation brought to deep studies on the work of "Vianinha", having as its central focus the analysis of the following plays : "A mais valia vai acabar ", "Seu Edgar";" Brazil versão brasileira";" O Auto dos 99%", " Quatro quadras de terra" and " Os Azeredos e mais Benivedes", produced by the playwright in the period he was linked to the Center for Popular Culture (CPC) of the National Students Union (UNE). The analyzes were performed based on the works of some theorists who have exercised influence on the work of Vianinha such as Bertolt Brecht, Erwin Piscator among others. Therefore, concepts of epic theater were used , musical theater and agitprop, essential for understanding the plays. The result of this paper demonstrates that the dramatic works in question have not only social,historical or political value, but it has more: artistic value. Mestrado Artes da Cena Mestre em Artes da Cena

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:27Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2011-09-19Bitstream added on 2014-06-13T19:48:46Z : No. of bitstreams: 1 macari_mc_me_ia.pdf: 499714 bytes, checksum: c82e094059ab1877163b6c0fb3d79de4 (MD5) Esta pesquisa teve como principal objetivo estudar procedimentos pedagógicos de treinamento corporal de atores. Para isso, o processo artístico e pedagógico da diretora, atriz e professora da Escola de Arte Dramática EAD-USP, Cristiane Paoli Quito, serviu de guia e condutor desta pesquisa. Os sujeitos observados foram os alunos do terceiro ano da Escola de Arte Dramática, Turma 59/EAD-USP. O período estudado foi de agosto a dezembro de 2009. Foram observados e analisados os procedimentos pedagógicos de construção da dramaturgia corporal, utilizadas por essa diretora na montagem da peça teatral O Gato Malhado e a Andorinha Sinhá, adaptada ao teatro pelo dramaturgo e professor da Escola de Arte Dramática (USP), Rogério Toscano, com a colaboração de todo o elenco de atores/estudantes da turma 59/EAD-USP. A montagem da peça, O Gato Malhado e a Andorinha Sinhá, fez parte da aula de Estudos e Práticas de Montagem e foi dirigida por Cristiane Paoli Quito. Mesmo tendo observado e analisado a montagem teatral como um todo, concentrei-me em um foco principal: descrever e analisar o processo pedagógico de construção da dramaturgia corporal na montagem da peça O Gato Malhado e a Andorinha Sinhá de modo a compreender como Cristiane Paoli Quito trabalha, pedagogicamente, a construção da dramaturgia corporal com alunos/atores na criação de um espetáculo. Sendo assim, o trabalho pedagógico de construção das ações físicas com os atores da turma 59 EAD/USP teve maior importância nesta pesquisa, se comparada a outros elementos que envolvem uma montagem teatral (texto, direção, luz, cenário, música, figurino etc.). O trabalho da coreógrafa e bailarina Tarina Quelho também foi analisado, uma vez em que essa fez a parte da preparação corporal dos alunos/atores, através da técnica do BMC... The main aim of this study is to understand pedagogical procedures of the bodily training of actors. For this, the artistic and pedagogical process of Cristiane Paoli Quito director, actress and teacher at the School of Dramatic Art EAD-USP served as a guide. The third year students of the School of Dramatic Art, Group 59 EAD-USP were the subjects observed. The study took place between August and December 2009. The procedures utilised by this director while putting together the play The Swallow and the Tom Cat : A Love Story were observed and analysed. This literary work by Jorge Amado was adapted to the stage by Rogerio Toscano, teacher and dramatist at the School of Dramatic Art EAD-USP, with the collaboration of the whole cast of actors / students of Group 59. The putting together of the play The Swallow and the Tom Cat: A Love Story was part of a class called Estudos e Praticas de Montagem (Studies and Practices of plays) and was directed by Cristiane Paoli Quito. Even having observed the putting together of the whole play, the study main focus is: describe and analyse the pedagogic construction of the physical dramatisation of the play. This study can be summed up with one main question: how is it that Cristiane Paoli Quito work, pedagogically with the construction of the physical drama with students/actors in the creation of the play? In this way the pedagogical work of the construction of the physical actions of the actors of Group 59 EAD/USP was the most important thing in the study, if compared to the other elements which are involved in putting together a play (text, lights, scenery, music and costumes). The work of the choreographer and ballerina Tarina Quelho was also analysed, as she prepared the students/actors using a technique called BMC (mind body centring). Rogerio Toscano took part as a dramatist, helping Group 59 in reinterpretation of Jorge Amado's original text. He is also extensively quoted in this dissertation

Orientador: Mario Alberto de Santana Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Estudo sobre a função dramaturgia realizada em processo colaborativo, a partir das características matriciais que estabelecem pontos em comum entre experiências de criação teatral deste tipo. A pesquisa reflete sobre o exercício da dramaturgia empreendida por um sujeito com atribuições específicas e capaz de criar em consonância com as outras funções. A análise realizada do fenômeno aponta para a compreensão de sua natureza ética, tendo em vista princípios recorrentes, que permitem a organização de uma diversidade de procedimentos de criação Abstract: Study about the dramaturgy function performed in the collaborative process. This study was conducted based on matrix characteristics to establish common ground among similar experiences of theatrical creation. The research reflects on the exercise of dramaturgy, undertaken by a subject with specific skills and able to create in accordance with the other functions. The analysis of the phenomenon points to the understanding of their ethical nature. Their recurring principles allow the organization of a variety of creating procedures Mestrado Artes Cênicas Mestre em Artes

Dissertação (mestrado)-Universidade de Brasília, Faculdade de Educação, Programa de Pós-Graduação em Educação, 2010. A participação da platéia em espetáculos teatrais foi objeto de investigação e de na obra de diferentes autores ao longo do século XX. Um dos fatores que influencia a participação da platéia é o uso de ferramentas, pela direção e pelos atores, que organizam, fomentam e permitem esta inserção; o conjunto desses instrumentos denominamos "dispositivos". O uso desses dispositivos tanto qualificam a participação quanto favorecem o entendimento do espetáculo como uma obra aberta à interferência do público - uma dramaturgia aberta. Assim, a Dramaturgia Aberta parte do pressuposto de que a construção do texto cênico e do próprio espetáculo pode ser considerada como acontecimento cênico fluído, em detrimento da compreensão restrita ao texto escrito ou a sua forma "fechada", contando com a participação ativa do público de modo direto, objetivo e necessário. O objetivo desta dissertação é analisar comparativamente espetáculos onde foi utilizada a "dramaturgia aberta" apontando semelhanças e particularidades a fim de se discutir criticamente sua pertinência. Os espetáculos "Viração", "Casa de Bonecas - servido por homens" e "Com que roupa?" são descritos e analisados à luz das categorias "dispositivos", "abertura" e "participação". Os resultados exemplificam diferentes maneiras e propósitos na utilização de dispositivos, bem como revelam que esse uso pode favorecer a abertura da obra e a participação do público. São apresentados e comentados depoimentos da platéia apresentando aspectos favoráveis e desfavoráveis a apresentações do tipo "dramaturgia aberta". As críticas em muitos aspectos são as mesmas apontadas no referencial teórico às experiências de diversos autores no século XX. As avaliações positivas reforçam o argumento inicial, segundo o qual o teatro não é obra acabada, mas processo continuado, ainda em sua apresentação. A participação aponta, ainda, elementos que favorecem a educação estética e a formação crítica da platéia. _________________________________________________________________________________ ABSTRACT The participation of audience in theatrical performances was object of investigation and the works of authors throughout the twentieth century. One of the factors that influence the participation of audience is the use of “tools” by the director and actors, who organize, promote and permit this insertion; the set of these instruments we nominated “devices”. The use of these devices so much qualify the participation as favor the understanding of the performance as a script open to the interference of the audience – an open dramaturgy. In such, an Open Dramaturgy parts from the premise that the construction of the scenic text and the performance itself can be considered as a fluid scenic event, in detriment of the comprehension confined to the written text or its “closed” form, counting on the active participation of audience in a direct, objective and necessary form. The objective of this dissertation is to comparatively analyze performances in which an “open dramaturgy” was used, pointing out similarities and particularities in order to discuss critically its pertinence. The performances “Viração”, “Casa de Bonecas” and “Com que roupa?” are described and analyzed in light of the categories “devices”, “opening” and “participation”. The results exemplify different manners and purposes in the use of devices, as well as reveal that this use can favor the opening of the script and the participation of the audience. Testimonies of the audience are presented and commented showing favorable and unfavorable aspects to performances of the “open dramaturgy” type. The critics in many aspects are the same pointed out in the theoretical reference to the experiences of diverse authors of the twentieth century. The positive evaluations reinforce the initial argument, whereby the theater is not a finished work, but a continued process, still in its presentation. The participation points out, still, elements that favor the aesthetic education and the forming of critical thinking audience.

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:25:23Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2010-03-03Bitstream added on 2014-06-13T19:32:24Z : No. of bitstreams: 1 abib_jr_me_arafcl_prot.pdf: 470315 bytes, checksum: aee73f979451fa2d1e4b6c02a865ab74 (MD5) Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico (CNPq) Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) Sabe-se que a dramaturgia constitui um gênero que ainda não ocupa, nos currículos de Letras das universidades brasileiras, o mesmo espaço privilegiado que é dedicado ao estudo da poesia e da narrativa, e se isto é um fato que afeta mesmo o teatro produzido no Brasil, o que dizer então do teatro produzido além-fronteiras? O que dizer, por exemplo, do teatro produzido em Portugal ao longo do século XX? E o que dizer então daquela dramaturgia que é marginal no quadro deste teatro contemporâneo? É claro que pouco ou nada ouvimos falar, no Brasil, da literatura dramática de autoria feminina produzida em Portugal durante os tempos difíceis da ditadura salazarista. No entanto, pelo menos uma das dramaturgas que tentaram inserir seu nome no teatro produzido nesse período é merecedora de uma posição de destaque pelas peças que compôs. Natália Correia foi poetisa, ensaísta, romancista e dramaturga e é reconhecida principalmente por suas poesias. Porém, apesar de não ser reconhecida como dramaturga tanto quanto é como poetisa, a autora escreveu peças teatrais que merecem ser destacadas em meio à dramaturgia portuguesa devido ao caráter inovador de algumas das suas composições. A variedade de recursos cênicos nas suas peças, bem como a presença de elementos surrealistas e de características do Teatro do Absurdo, demonstram um certo vínculo estabelecido pela autora com estas duas estéticas. A nossa proposta, para a Dissertação de Mestrado, é a de um estudo de duas das peças teatrais produzidas por Natália Correia – O Homúnculo (1964) e O Encoberto (1969) –, com o intuito de esmiuçar os seus elementos componentes, relacioná-los com o Surrealismo e o Teatro do Absurdo e mostrar a inovação formal que caracteriza seu teatro We know that, the theatre is not so much studied in Brazilian Universities. And if this happens here in Brazil, what can we say about the plays that were produced in Portugal during the 20 century? And what can we say about those plays that are considered marginal among the contemporary theatre? We sure don’t hear almost anything about the dramatic literature produced by Portuguese women during the difficult period of the salazarista dictatorship. But, at least one of the women who tried to insert their names among the theatre that was produced during this period, deserves being highlighted because of the plays she wrote. Natália Correia wrote poems, novels essays and plays and she is known around the world especially as a poet, but she should be known as a playwright as well because of her singular plays that show formal innovation. The large quantity of scenic resources used by the playwright in her plays and some characteristics from the Surrealism and the Theatre of the Absurd show that she is linked to these aesthetics. Our aim in this dissertation is to study two of the plays written by Natália Correia – O homúnculo (1964) e O Encoberto (1969) intending to show all their component elements, relating them to the Surrealism and the Theatre of the Absurd and show the formal innovation which is one of the main characteristics of her plays

Orientador: Mario Alberto de Santana Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Luís Alberto de Abreu, dramaturgo brasileiro, propôs na Escola Livre de Teatro de Santo André um núcleo de pesquisa intitulado Narradores de Passagem. Esse Núcleo visa a formação de narradores na atualidade, embasando-se no narrador tradicional proposto por Walter Benjamin, mas realizando as adaptações necessárias para os dias de hoje. A formação deste narrador de passagem segue etapas específicas: discussões, estudos e análises sobre o narrador e as estruturas narrativas, aulas corporais, vocais e de memorização, apresentações em sala de aula e apresentações em campo. O objetivo dos narradores de passagem é gerar, por meio de apresentações artísticas de suas narrativas, reflexões acerca do tema passagem nos espectadores. O trabalho baseia-se na comparação das aulas assistidas no Núcleo, como aluna, no ano de 2006, com alguns trabalhos, pesquisas e autores que analisam o tema "narrador" e a performance artística da apresentação de um texto narrativo. A proposta deste trabalho é lançar um olhar sobre este novo modelo de narrador, analisar sua formação, bem como os resultados de sua atuação em campo. Palavras-chave: narrador, narrativa, teatro, dramaturgia, interpretação Abstract: Luís Alberto de Abreu, Brazilian dramatist, proposed at Escola Livre de Teatro de Santo André a research group entitled Narradores de Passagem. This research group looks for the development of narrators in our current days, taking as example the narrator proposed by Walter Benjamin, but adapting it to our reality. The development of this "narrador de passagem" follows some guidelines: discussions about the topic, studies and analysis about the narrator and the structures of a narrative, as well as physical and vocal exercises, exercises to help memorizing the narratives and presentatios in class and in specific places. The goal of the "narradores de passagem" is to generate, through artistic presentations of their narratives, reflexions about the theme "death" in the spectators. This research is based on the comparison of the classes attended in the group, as a student, in the year of 2006, with some other researches, studies and authors who analyze the theme "narrator" and the artistic performance of a narrative text. The aim of this dissertation is to analyze deeply this new narrator, its development and the results of its performance in specific places. Key words: narrator, narrative, theater, playwright, interpretation Mestrado Mestre em Artes

Orientador: Marcia Maria Strazzacappa Hernandez Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Faculdade de Educação Resumo: A pesquisa aqui apresentada investiga as características históricas e práticas do processo colaborativo aplicado à formação do ator numa situação não formal de ensino. Está inserida, portanto, no campo da pedagogia do teatro, caracterizando-se ainda como trabalho de reflexão teórica voltada à prática específica de criação do espetáculo "Miraflores", empreendida pela Companhia Bacante de Teatro, grupo sediado no interior do estado de São Paulo. O teatro é aqui caracterizado como ação cultural e o terreno de sua prática como importante território para a formação profissional de um ator afinado à perspectiva colaborativa, crítica e ética de seu trabalho. Ganham destaque as questões da improvisação, a teoria como elemento fundamental de preparação, a polaridade amador e profissional, o caráter dialógico da interação entre diretor e atores, a autoria compartilhada por todos os artistas engajados numa criação dramatúrgica e cênica pautadas na teoria brechtiana. Abstract: The research shown here, investigates the historical characteristics and methods of the collaborative process put into practice for an actor that is not taking a regular drama course. It is covered, therefor, by the pedagogy of drama, and also becoming a theory reflection work, specifically focusing in writing the play "Miraflores", by the theater company " Companhia Bacante de Teatro", from the country of São Paulo State, Brazil. Theater here is a cultural movement and where it takes place, the stage, is the greatest foundation for an amateur actor to become a professional, together with that, there is a collaborative, critical and ethical awareness of his work. There is also a special place for the improvisations, something that is vital for an actor's education. Also it makes place for discussions such as the differences between amateur and a professional actors. The relationship between the director and the actors should be more open for discussions and then finally be able to write a play together based on Bertolt Brecht's theories. Mestrado Educação, Conhecimento, Linguagem e Arte Mestre em Educação

Orientador: Sara Pereira Lopes Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Esta dissertação visa resgatar o processo de escrita e encenação de Cantos Periféricos, do grupo Teatro da Conspiração, de Santo André, entre 2002 e 2004. Será analisado de como foi elaborado o texto a partir da observação e a pesquisa sobre roteiros de cinema e notícias do cotidiano de uma periferia, onde a desconstrução narrativa do enredo serviu como base. Também será analisado o processo de montagem do texto sob o ponto de vista de uma dramaturga-encenadora na sua relação com o ator, através dos workshops de criação, depoimentos pessoais, noções do teatro-dança e partituras de ações físicas. Pretendo com esse registro refletir sobre uma experimentação que serviu para compreensão dos procedimentos de uma montagem cênica, que teve como base tendências contemporâneas da linguagem, como a fragmentação e a descontinuidade. Abstract: This dissertation ains on retrieving the writing and staging process of 'Cantos Periféricos' staged by Santo André group 'Teatro da Conspiração' between 2002 and 2004. It will analyze the text elaboration from observation and researching of movie scripts and news from everyday life at poor suburbs, where the narrative deconstruction of the plot served as base. It will also analyze the text elaboration process from the point of view of a playwright-theater director in her relation with the actor, by means of creation workshops, personal accounts, dance-theater basic knowledge and body action partituras. With this record, I intend to reveal the experimentation that served to the comprehension of scenic staging procedures and that was based on contemporary tendencies of language, as fragmentation and discontinuity. Mestrado Mestre em Artes

Orientador: Antonio Arnoni Prado Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Estudos da Linguagem Resumo: Esta dissertação é constituída de quatro capítulos que abordam a leitura primordialmente social da obra dramática de Nelson Rodrigues. Constituída de oito peças, a fase denominada Tragédias Cariocas é caracterizada por uma maior aproximação com o público, seja por um olhar voltado ao social (diferente das Peças psicológicas e Peças míticas), seja por aspectos melodramáticos. O primeiro capítulo inicia o estudo das peças por meio de suas personagens ao perceber como as protagonistas ou antagonistas liberam seus desejos a ponto de fazer a trama das peças mudar de rumo e levá-las a um fim trágico. A partir do fim tido por trágico, o segundo capítulo faz a aproximação desse conjunto de peças com o Expressionismo, que, embora já identificado em peças anteriores do dramaturgo, está agora menos presente. No terceiro capítulo verifico a concepção do gênero trágico em Nelson Rodrigues, em convergência com o sentido trágico. Assim, investigo como acontece a formulação do trágico moderno em um autor nacional. Por fim, volto-me para a constituição e consistência dramática das peças, visando a sua formação estética. Neste quarto capítulo, estudo a formação das personagens, dos diálogos e das rubricas, elementos fundamentais para a obra dramática Abstract: This dissertation is divided in four chapters which approach the primarily social reading of Nelson Rodrigues¿s dramatic work. Formed of eight plays, the phase called Tragédias Cariocas is characterized by the fact that it gets closer to the audience, be it through a socially conscious outlook (different from the Peças pscicológicas and Peças míticas), be it due to melodramatic aspects. The first chapter begins the study of the plays through their characters by noticing how the protagonists or antagonists release their desires to the extent of changing the directions of the plays and taking them to a tragic ending. Just from the endings regarded as tragic, the second chapter brings this set of plays closer to the Expressionism which, although had already been identified in former plays by the playwright, is now present to a minor extent. In the third chapter I verify the conception of the tragic genre in Nelson Rodrigues, in convergence with the tragic sense. Thus, I investigate how the formulation of the modern tragic takes place in the work of a national author. At the end, I turn to the constitution and consistency of the plays, aiming its aesthetics formation. In this fourth chapter, I study the construction of characters, as well as the construction of the dialogues and of the rubrics, which are essential elements in drama Mestrado Teoria e Crítica Literária Mestre em Teoria e História Literária

Orientador: Renato Cohen Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: O estudo visa pesquisar e definir um campo de experimentação cênica que se opera no teatro de grupo brasileiro nos anos 90: o processo colaborativo. São pesquisados procedimentos criativos de algumas companhias em atividade, a fim de analisar a organização interna, atuação, direção, construção dramatúrgica e cênica. Para cada companhia a ser pesquisada, desenvolvemse recortes específicos, tais como: a política interna e a divisão de trabalho, a partir da experiência coletiva da Tribo de Atuadores Ói Nóis Aqui Traveiz (porto Alegre, 1978); a autonomia do ator-autor, principal agente criador da ação cênica, sob o viés criativo do grupo Lume (Campinas, 1985); a redefinição do perfil do diretor teatral, a partir das experimentações do grupo Teatro da Vertigem (São Paulo, 1992); e a dramaturgia em processo, elaboração da escritura cênica e textual em colaboração, proposta pela Companhia do Latão (São Paulo, 1996). Essa conjunção caracteriza, a nosso ver, um panorama importante das questões pertinentes ao processo colaborativo. Trata-se de uma pesquisa histórica e teórica, na qual se traça um perfil do teatro de grupo brasileiro dos anos 90 e suas implicações para a renovação da cena, dramaturgia e política cultural nacional Abstract: The objective of this thesis has been to appraise and define a field of scenical experimentation that was developed in Brazilian group theatre in he 1990s: the "collaborative process." Creative procedures of companies from various cities have been studied in order to analyze their internal organization, acting, directing, dramaturgy and performance. Specific aspects were considered for each company, such as: internal policies and task sharing in the collective experience of the Tribo de Amadores Ói Nóis Aqui Traveiz (porto Alegre, 1978); the autonomy of actor-author, the major creative agent of scenical action in the Lume (Campinas, 1985); the redefinition ofthe theatre director profile in the Teatro da Vertigem experiments (São Paulo, 1992); and the "dramaturgy in process", an approach to scenical writing on the basis of group collaboration, which has been investigated by Companhia do Latão (São Paulo, 1996). An important overview of historical and theoretical features that are pertinent to the "collaborative process" has emerged from the study of this corpus. The implications of group theatre of the 1990s for the revitalization of the Brazilian Performing Arts, dramaturgy and cultural politics are also addressed. Mestrado Artes Mestre em Artes

Orientador: Marcio Aurelio Pires de Almeida Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Este trabalho descreve a trajetória de uma experiência influenciada pela escola expressionista alemã, que culminou com a nossa convivência com a mais importante representante desta corrente no mundo contemporâneo atual, a criadora de teatro de dança Pina Bausch. Essa convivência nos mostrou caminhos que vieram enriquecer a fluência da nossa poética com um conseqüente fortalecimento da nossa identidade com projeção universal, permitindo-nos a realização de experiências tanto artísticas quanto pedagógicas e uma reflexão sobre a relação entre as práticas de Bausch e de Stanislavski Abstract: The present work describes the unfolding of a personal experience - my own experience -, which was influenced by the Gennan Expressionist Dance School and culminated in a stint spent working with Pina Bausch, the creator of Dance Theater and the most important member of such school at the moment. This experience showed me new possibilities, which enriched the fluency of my poetics and strengthened my universal identity, therefore allowing me to have new artistic and pedagogical insights and to reflect about the practices of Pina Bausch and Stanislavski Mestrado Mestre em Artes Cênicas

Orientador: Neyde de Castro Veneziano Monteiro Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Não informado Abstract: Not informed. Mestrado Mestre em Artes