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Orientador : Valerio José Arantes Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Faculdade de Educação Resumo: Esta tese apresenta a fundamentação teórica e o resultado da aplicação prática do trabalho corporal intitulado: Técnica Energética. Essa pesquisa, realizada durante 13 anos, nasceu do Método Energético de Direção Teatral do Prof. Dr. Miroel Silveira, na ECA-USP, cuja proposta é a utilização dos chakras num produto cênico. Quando ingressei na Pós-Graduação da ECA-USP, cursei as disciplinas Direção Teatral I e II e iniciei a pesquisa de decodificação dos princípios práticos-teóricos do Método Energético com o objetivo de criar ¿um corpo disponível¿ para atares e dançarinos. A pesquisa principal deste trabalho foi a busca de uma forma de trabalhar as duas instâncias, técnica e expressão, conjuntamente. Lecionando na Unicamp durante todos esses anos, desenvolvi essa premissa, cujo fruto é o espectáculo a ser apresentado na defesa da tese. Participaram desse trabalho alunos da graduação de dança e teatro da universidade, que formaram o Grupo Ar Cênico, e construíram o espetáculo ¿C.Q.D.¿. As cenas estão registradas no CD-Rom Abstract: This work presents the theoretical basis and the practical effects of bodywork named: Energetic Technique. This research, brought into being in the last 13 years, was born from the Ph.D. Miroel Silveira¿s Energetic Method for theatrical direction, which proposal is the use of ¿chakras¿ in performances. I began to research in the Post-Graduation when I studied Theatrical Direction I and II, and I looked for a manner of work the body technical and expressive in the same time, and I pretend to demonstrate it in performance ¿C.Q.D.¿ in the thesis defense day. Look the CD-Rom Doutorado Psicologia, Desenvolvimento Humano e Educação Doutor em Educação

Orientador: Marilia Vieira Soares Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de artes Resumo: A presente pesquisa vem refletir sobre as possibilidades expressivas do corpo cênico no processo de construção da personagem Marabá, fundamentadas no diálogo experimental das técnicas de Contato, Técnica Energética e Improvisação. A inspiração desta pesquisa foi o poema indianista de Gonçalves Dias, Marabá, que resultou na apresentação da performance homônima, buscando retratar cenicamente o caráter experimental da junção, re-significação e reflexão das técnicas acima citadas. Em decorrência dos laboratórios experimentais e da literatura que fundamenta este estudo, estruturou-se uma linha de trabalho de composição de personagem, denominada Dança Cênica, por meio da qual acenou-se que a ruptura com o cristalizado conceito do ¿belo¿ e o 'mergulho¿ no ato, na ação e na manifestação criativa, podem significar uma ação facilitadora para a proximidade com o Corpo Sagrado na dança Abstract: The aim of this research is to show the possibilities of expression of the scenic body in the process of the Marabá character¿s construction, based on the experimental approach of Contact, Energy Technique and Improvisation. This research was inspired by Gonçalves Dias¿ poem Marabá, which resulted in the homonymous performance. It tries to portray scenically the experimental attempt of the junction, re-definition and reflection of the techniques mentioned above. Due to the experimental laboritories and the literature on which this study is based, a line of work was carried out for the construction of the character, named ¿Scenic Dance¿. Such line of work showed that putting an end in the crystallized concept of beauty and going deeply into the act, the action and the creative manifestation can make easier the approach to the Sacred Body in the dance Mestrado Artes Mestre em Artes

Orientador: Marilia Vieira Soares Acompanha 8 cartões, plastificados, das figuras analisadas, em bolso Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: A presente dissertação baseia-se no legado de François Delsarte, para estudar analiticamente e procurar entender a dramaticidade e expressividade do gestual humano nas pinturas barrocas de igrejas de Ouro Preto-MG. Analisamos minuciosamente o forro da Igreja Nossa Senhora da Conceição, pintado por Lourenço Petriza. Procuramos relacionar as idéias de Delsarte para entender as emoções impressas nas pinturas deste forro. Ademais, elaboramos uma composição cênica que procura sintetizar a poesia de tudo que vivemos nesta pesquisa, que examinou e agregou elementos pictóricos, pesquisa de campo e a subjetividade artística como inspiração fundamental para nossa criação coreográfica Abstract: This essay is based on the works of François Delsarte to study analytically and understand the dramatic nature and expressiveness of human gesture on the Baroque painting of the Ouro Preto's churches. We analised minutely the ceiling of Nossa Senhora da Conceição's church painted by Lourenço Petriza. To understand the emotions impressed on this ceiling we report to Delsartes's ideas. We organize a scenic composition that resume the poetry of all moments that we lived in this essay, that examinated and added pictorial elements, search and artistical subjectivity to our coreografic creation Mestrado Artes Visuais Mestre em Artes

Orientador: Eusebio Lobo da Silva Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Este presente trabalho tem como objetivo realizar uma série de reflexões sobre o fenômeno da presença de ¿vida¿ na representação do ator. Como ponto inicial para esta tão complexa discussão, partimos de um estudo do conceito de Centelha da Vida (termo metafórico criado pelo diretor inglês Peter Brook para falar sobre a ¿vida¿ que emana de uma cena e a torna interessante e envolvente para quem a assiste) e ampliamos, postumamente, a discussão para outros autores como: Stanislavsky, Grotowski e Burnier. Para tanto, adotamos o pressuposto do ator como uma corporeidade que se relaciona com outras corporeidades (que no caso seriam os demais atores e o público) utilizando como suporte as teorias de Merleau-Ponty e os estudos de Antônio Damásio sobre corpo e mente. Como forma de investigação, propomos duas frentes de laboratórios práticos de criação: a pesquisa com a linguagem de sinais aplicada à cena e uma observação e análise do processo de criação da peça ¿Intersecções: peças curtas de Harold Pinter¿. O intuito de tais laboratórios foi efetuar uma investigação sobre a questão da organicidade da representação do ator, aproveitando a semelhança entre as essências dos conceitos de Centelha da Vida, verdade teatral e organicidade Abstract: This work aims to carry out a series of reflections on the phenomenon of the presence of ¿life¿ during the actor¿s performance. As a starting point for such a complex discussion, we consider the study of the concept Spark of Life (a metaphorical term minted by English director Peter Brook to describe the ¿life¿ which emanates from a scene making it interesting and involving for the audience) further extending the discussion to other authors such as: Stanislavsky, Grotowski, and Burnier. In order to accomplish our objective, we have adopted the presupposition of the actor as a corporality who interacts with other corporalitys (being them other actors and the audience) using as theoretical support Merleau-Ponty¿s theory and Antônio Damásio¿s studies about body and mind. As an investigative method we have proposed two different practical creation laboratories: the research on sign language applied to the scene, and the observation and analysis of the creation process of the play ¿Intersections: Harold Pinter¿s short plays¿. The objective behind those laboratories was to conduct an investigation into the actor¿s performance organicidade, taking advantage of the similarities in the essences of the concepts Spark of Life, theatrical truth and organicidade Mestrado Mestre em Artes

Orientador: Marilia Vieira Soares Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de artes Resumo: O objetivo é compreender a natureza do processo criativo, observando a experiência do corpo, que encerra, na tensão entre forças opostas, o movimento da dança. A investigação penetrou no interior da linguagem da dança, seguindo os rastros da atuação energética que emana do corpo. ¿Quem dança em mim quando danço?¿. Este ¿quem¿ pode não ter uma identidade concreta, mas nos mobiliza a criação. Frente a este estímulo intangível, de um atuante elíptico de si mesmo, o artista se encontra "Face a ecaF", ou seja, face ao estranho dentro de si. Aberto a esta atraente estranheza, o corpo dá vazão à experiência sensível, e é a partir deste rastro que nos lançamos à criação de uma obra artística. O caminho investigativo trilhado deixou a mostra um processo metodológico vulnerável à inscrita do instante, o que torna o criador um aventureiro que desbrava as brumas de um espaço-tempo por vir ¿ a dança ¿ no curso intempestivo de estados alterados da consciência Abstract: The objective is to understand the nature of the creative process observing the body experience that embodied in the tension between opposite forces in the dance movement. This study concentrated in the dance language following the tracks of the energy performance that emanates from the body. "Who dances in me when I dance? This "who" may not have a concrete identity but it mobilizes us to the creation. In front of this intangible stimulus, of a performer occult of himself the artist is "Face a ecaF", that's, in front of a stranger inside of himself. This ¿attractive stranger¿ mobilized us to the creation of an artistic work. The investigation indicated a methodology process vulnerable to inscription of instant so the creator becomes an adventurer who tames the mist of a spacetime for coming - the dance - in the untimely course of states changed of the conscience Mestrado Mestre em Artes

Orientador: Marcia Maria Strazzacappa Hernandez Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Faculdade de Educação Mestrado Educação, Conhecimento, Linguagem e Arte Mestre em Educação

Orientador: Marilia Vieira Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: O objetivo deste trabalho é realizar experimentos coreográficos a partir da gestualidade das mãos e dos dedos e suas expressões, no sentidode buscar elementos para a construção da natureza intelectual e emocional da personagem Medéia da tragédia grega de Eurípides. Como elementos inspiradores desta idéia adotaram-se, no campo da música, a Cantata Médée de Louis-Nicolas Clérambault e a justaposição de materiais sonoros da música eletroacústica e concreta, e no campo da linguagem corporal, os tratados de John Bulwer, Chirologia: ou Lingüagem Natural das Mãos e Chironomia: ou a Arte da Retórica das Mãos e, a utilizaçãoda máscara neutra, com base nos princípios de Copeaue Lecoq. Os experimentos foram conduzidos no sentido de alcançar uma dramaturgia corporal por meio da movimentação das mãos e do corpo, enfatizando os aspectos arquetípicos traçados sobre a leitura da personagem Medéia, dentro da linguagem da dança contemporânea. Conclui-se então que, a integração destes elementos forneceu subsídios para compor a caracterização desta personagem e dos experimento sem dois pólos assim prescritos: Medéia como figura humana - no ambiente sonoro da Cantata, e Medéia como figura mística - no ambiente sonoro da música eletroacústica e concreta, juntamente com a utilização a máscara como elemento simbólico Abstract: This study aims to perform choreographic experimentson the gestuality of hands and fingers and their expressions, with the purpose of finding elements to construct the intellectual and emotional nature of the character Medea from the Greek tragedyEuripidis. Some of the inspiring elements that have been adopted were: in the field of music, Louis-Nicolas Clérambault's Cantata Médée and the juxtaposition of sound materials of electroacoustic and Concrete music; in the field of corporal language, the treaties by John Bulwer, irologia: or The Natural Language of the Hand and Chironomia or: The Art of Manual Rethoric, and the utilization of the neutral mask, on the basis of Copeau and Lecoq's principIes. The experiments have been conducted with the aim of attaining a corporal dramaturgy through the movement of hands and body, emphasizing the archetypical aspects traced upon the reading of the character Medea within the language of contemporary dance. It can thus be concluded that the integration of these elements supplied subsidies to compose the characterization of this character as well as of the experiments at two distinct poles, which are: Medea as a human figure - in the sound environmentof Cantata; and Medea as a mystical figure - in the sound environmentof the electroacoustic and concrete music, along with the visualization of the mask as a symbolic element Mestrado Mestre em Artes

Orientador: Marília Vieira Soares Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Este texto apresenta o corpo mitológico como uma possibilidade de trabalho com a mitologia sagrada na dança cênica. A proposta do corpo mitológico surge a partir da observação da significativa presença da mitologia nas temáticas da dança cênica ao longo de sua história e das práticas usadas pela autora como caminho de criação coreográfica. O corpo mitológico é aqui apresentado como um tipo de corpo cênico voltado para a interpretação da mitologia na cena que pode ser alcançado a partir de trabalhos psicofísicos que despertam os conteúdos mitológicos presentes no inconsciente do dançarino, que, por sua vez, os transformam em movimentos expressivos. A base do conceito teórico do corpo mitológico está nas teorias de inconsciente pessoal e coletivo, propostas pela Psicologia Analítica Junguiana e na compreensão da mitologia como resultado de processos psíquicos e biológicos, advindas de autores como Mircea Eliade e Joseph Campbel. A prática efetiva do corpo mitológico foi realizada a partir de laboratórios de dança que buscaram possíveis caminhos para que esse tipo de corpo se manifeste na dança e teve como resultado o estudo coreográfico intitulado "Outra Pele", também apresentado como parte da presente pesquisa Abstract: This text presents the mythological body as a possibility to work with sacred mythology in scenic dance. The proposal of the mythological body arises from the observation of the significant presence of mythology in the scenic dance themes throughout its history and practices used by the author as a way of choreographic creation. The mythological body is presented here as a type of scenic body facing the interpretation of mythology in the scene that can be reached from psychophysical studies that evoke mythological content present in the unconscious of the dancer , which in turn transform them into expressive movements. The basis of the theoretical concept of the mythological body is in theories of personal and collective unconscious, proposed by Analytical Jungian Psychology and understanding of mythology as a result of psychological and biological processes , resulting from authors such as Mircea Eliade and Joseph Campbel. The effective practice of mythological body was carried from dance laboratories sought possible ways for this body type is manifested in dance and resulted choreographic study entitled " Another Skin " , also presented as part of this research Doutorado Teatro, Dança e Performance Doutora em Artes da Cena

Orientador: Marília Vieira Soares Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Procuro nesta tese refletir acerca das possibilidades de inserção de algumas práticas de autoaperfeiçoamento orientais na formação do artista da cena, fundamentando-me, sobretudo, em uma experiência pessoal com o yoga e com a dança cênica bharatanatyam. Mais precisamente, busco compreender se as qualidades relativas ao gesto, ao corpo e à meditação podem ou não transformar os artistas da cena em suas jornadas criativa e pessoal. Desse modo, propus laboratórios de criação organizados tanto para grupos de artistas, quanto para praticantes de yoga, objetivando uma visão investigativa e reflexiva diante da técnica, em uma trajetória que partiu do treinamento como práxis para o treinamento como poiesis. Essa etapa foi registrada em áudios, vídeos, fotografias, questionários, depoimentos e um diário de bordo, que serviram de parâmetros às reflexões e às análises apresentadas nesta tese. A metodologia da observação participante (VIANNA, 2007) foi utilizada como abordagem na condução dos laboratórios, com o intuito de propiciar um território maleável para o levantamento de questões e problematizações, auxiliando a rever estratégias de ação durante o percurso. Os resultados permitiram contemplar o potencial de autoaperfeiçoamento da técnica e da poética, em que não precisa haver, necessariamente, uma separação. O suporte teórico sobre ética e estética é construído a partir de dois tratados sobre dramaturgia (o Natyashastra e o Abhinayadarpana) e obras de Vatsyayan e Srivastava. No campo das Artes da Cena, me apoio nos diálogos interculturais promovidos por Bonfitto, Quilici, Plá, Fernandes e Soares, que têm colaborado para o aprofundamento do legado deixado pelos artistas da cena europeus e norte-americanos interessados nas práticas psicofísicas orientais Abstract: This thesis is a reflection on the possibilities to include certain self-improvement practices into the pedagogy of scenic artists, primarily based on the experience with the Shivam Yoga system and with scenic dance bharatanatyam. In particular, an attempt is made to comprehend whether or not the qualities related to gesture, the body and meditation are able to transform scenic artists during their creative and personal journey. Therefore, creativity labs were proposed and organized for groups of artists, as well as yoga practitioners, aiming at an investigative and reflexive view of the technique, following a path that went from training as praxis to training as poiesis. This phase was registered by means of audio, video, photography, questionnaires, statements and a journal, which served as parameters for the reflections and the analyses presented in this thesis. The methodology of participant observation (VIANNA, 2007) was the approach used in the conduction of the labs, in order to ensure a malleable territory to raise questions and problematizations, helping to review strategies of action along the way. The results allowed us to contemplate the potential of self-improvement of technique and poetics, in which there must not necessarily exist a separation. The theoretical basis for ethics-aesthetics is constituted from two treaties on dramaturgy (the Natyashastra and the Abhinayadarpana), as well as works by Vatsyayan and Srivastava. In the field of Scenic Arts, this work was based on the intercultural dialogues promoted by Bonfitto, Quilici, Plá, Fernandes and Soares, who have contributed to further develop the legacy left by European and North-American scenic artists interested in oriental psychophysical practices Doutorado Teatro, Dança e Performance Doutora em Artes da Cena CAPES

Orientador: Marília Vieira Soares Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Esta tese busca entender como que, numa dança, a noção de corpo e a disposição espacial da cena expõem uma postura política, bem como constroem uma concepção de mundo. A dança não está apartada das esferas sociais, econômicas e políticas, pois ela é, por elas, constituída e, delas, constituinte. Pesquisou-se estas questões nas trajetórias artísticas de Sandro Borelli, diretor e coreógrafo residente da Cia Borelli de Dança, e, em Vera Sala, diretora e criadora-intérprete do Núcleo Artístico Vera Sala. Foram, nesse sentido, destacadas algumas de suas criações tidas como relevantes na construção de certos aspectos dos seus pensamentos em dança. Suas perspectivas estéticas e políticas são bem distintas, porém parecem ter em comum o interesse por questionar determinados padrões dominantes e ordens normativas. As particularidades do trabalho de cada artista exigiram um campo teórico específico para discutir cada trajetória. Assim, examinaram-se os princípios norteadores de suas pesquisas corporais, a disposição dos corpos no espaço da cena e os modos de relação entre eles, os seus procedimentos de criação, as suas formas de organização e de criação enquanto grupo. Investigando estes trabalhos, foi possível verificar que as suas criações propõem uma maneira de perceber e de atuar no mundo. Implicações estéticas e políticas da arte foram analisadas e discutidas, junto a uma gama de pensadores, chegando-se a proposição de que para a arte ser crítica precisa criar dissenso; e para ser ética necessita aumentar a potência de ação e/ou de inação de uma coletividade. Há de se fazer da inquietação instigadora do processo criativo uma forma de vida, constituindo-a corporalmente através do seu trânsito entre o cotidiano e extracotidiano. A resistência artística aos atuais esquemas de controle e exploração dá-se através do vazamento dos processos criativos. As ficções, invisibilidades, latências e lacunas podem, assim, penetrar a vida ordinária, dessa maneira, desestabilizando certas ordenações Abstract: This thesis seeks to understand how in a dance the notion of body and spatial arrangement of the scene expose a political stance, as well as build a world view. The dance is not separated from social, economic and political spheres, as it constitutes and is constituted by them. These issues were researched in the artistic trajectories of Sandro Borelli, director and resident choreographer of the Borelli Dance Company, and Vera Sala, director and creator-interpreter of the Vera Sala Artistic Group. We highlight some of their creations, understood as relevant in the construction of certain aspects of their thoughts on dance. Their aesthetic and political perspectives are very different, but they seem to have a common interest for questioning certain dominant standards and normative orders. The particularities of each artist's work demanded a specific theoretical place to discuss each trajectory. We examined the guiding principles of their research of the body, the arrangement of bodies in space of the scene and the modes of relationship between them, their creative procedures, their organization and creation as a group. Investigating these works, we found that their creations propose a way of perceiving and acting in the world. Aesthetic and political implications of art were analyzed and discussed, along with a range of thinkers, coming to the proposition that for art to be critical, it needs to create dissent, and for it to be ethical, it needs to increase the power of action and/or inaction of a collectivity. One has to make the instigating inquietude of the creative process a way of life, building it bodily through the transit between daily and extra-daily techniques. The artistic resistance to current schemes of control and exploitation takes place through leaks in the creative processes. Fictions, invisibilities, latencies and gaps can thus penetrate ordinary life, destabilizing certain offenses Doutorado Artes Cênicas Doutor em Artes

Orientador: Nelson Filice de Barros Tese (doutorado) - Univversidade Estadual de Campinas, Faculdade de Ciências Médicas Resumo: O yoga é uma prática psico-física sistematizada por Patanjali, sábio hindu, que viveu no século II a.C.. Em 1893 o yoga chega às Américas com a vinda do Swami Vivekananda aos Estados Unidos e no Brasil, nos anos de 1940, Caio Miranda começa a ensinar a prática no Rio de Janeiro. Portanto, o yoga é praticado há sessenta anos no país e há, ainda, poucas pesquisas sobre o mesmo no campo da saúde coletiva, razão esta que justificou o nosso interesse. Além do que em 2002 a Organização Mundial de Saúde incluiu o yoga no conjunto das práticas mente-corpo e estimulou seus países membros a pesquisar e adotar esta prática nos seus sistemas de saúde pública. O objetivo desse trabalho é analisar as percepções dos líderes das principais tradições do yoga em São Paulo sobre a possibilidade da inserção dessa prática como política pública no Sistema Único de Saúde (SUS) e seus processos de formação e profissionalização. Foram identificadas 21 tradições principais, das quais 18 líderes foram entrevistados e três não o foram por diferentes razões. Foram realizadas entrevistas em profundidade em janeiro/fevereiro de 2006; em setembro/outubro de 2008 e abril de 2009, com roteiro construído em três secções: a) Identificação pessoal; b) A prática do yoga e c) Yoga e saúde. As entrevistas tiveram duração média de 1,5h e aconteceram em diferentes locais da cidade de São Paulo, de acordo com os apontamentos dos entrevistados. Todas foram gravadas, transcritas e analisadas com base na tradição da análise temática da pesquisa qualitativa. A maioria dos instrutores tem curso superior, formação em yoga adquirida no Brasil e em países estrangeiros, em cursos nos EUA e na Índia, viagens e retiros. Em relação à profissionalização, alguns dos entrevistados tiveram contato muito cedo com o yoga, seja através de leituras, influências familiares, inclinações místicas, estados de saúde delicados ou simples curiosidade. Outros entraram em contato com a prática na idade adulta e decidiram se dedicar à docência do yoga. Os entrevistados atuam em escolas particulares de yoga ou em organizações que promovem diferentes tradições do yoga, dando aulas, palestras, cursos de formação, cursos intensivos e de férias, bem como organizando retiros, viagens, seminários, e alguns escrevem artigos e traduzem livros sobre temas do universo do yoga. Todos os entrevistados aprovam a inclusão do yoga no SUS e elaboraram sugestões sobre: como a prática poderia ser ofertada, o público alvo, as técnicas de yoga a serem ensinadas, a duração das aulas, etc. Algumas áreas em que o yoga poderia fazer importantes contribuições seriam: vegetarianismo; correção postural e integração dos movimentos; cultura de paz; cultivo de valores; abstenção de vícios; consciência espiritual; integração do si; cultivo da atenção, oxigenação cerebral; cultivo de uma disciplina e melhoria da qualidade de vida. Conclui-se que o yoga é visto como um conjunto de práticas físicas, sociais e filosóficas úteis para o campo da saúde, todavia com muitos desafios para a sua integração no SUS, devido à sua identificação com a cultura alternativa e distanciamento das bases epistemológicas da medicina complementar e integrativa. Abstract: Background: Yoga is a psycho-physical practice systematized by Patanjali, a Hindu sage, who lived in the second century BCE. In 1983, yoga was brought to America by Swami Vivekananda. In Brazil, around 1940, Caio Miranda began teaching the practice in Rio de Janeiro. Thus yoga has been practiced for the last sixty years in the biggest urban centers of the country and there are very few academic studies on the subject in the health field, which is the main reason to justify our interest in the study. Besides, in 2002, the World Health Organization included yoga in the group of the mind-body practices and stimulated its members to study and adopt these practices in the national health systems. Objective: This article explores the São Paulo yoga leaders' perceptions regarding the potential insertion of yoga as a public policy into the Brazilian National Health System, and their process of professionalization. Methods: Twenty one main traditions were identified, of which 18 leaders were interviewed, and the other three didn't participate for different reasons. Indepth interviews were carried out in January/February 2006; September/October 2008 and April 2009, through the application of a questionnaire divided into three sections: (a) personal identification; (b) yoga practice; and (c) yoga and health. The interviews lasted approximately 1.5 hr and took place in various locations in São Paulo city, according to appointments arranged by the interviewees and after they had signed a voluntary consent form. All the interviews were tape-recorded, transcribed, and analyzed according to the qualitative research tradition. Most yoga leaders have college education and acquired their yoga training in Brazil and in foreign countries, like USA and India, and through trips and retreats. Concerning their professionalization, some of the interviewees came in contact with yoga at a young age either through books, family influences, mystical inclinations, delicate states of health or simply curiosity. Others discovered yoga as adults and decided to become yoga teachers. They work in private yoga schools or for organizations which promote different yoga traditions, teaching, giving lectures, courses for teachers, intensive and vacation courses, and they also organize retreats, trips and seminars; some of them write articles and translate books on different themes pertaining to the yoga field. Results: All the interviewees approve the inclusion of yoga in the Brazilian National Health System and suggested how the practice could be applied, the main public, the yoga techniques, the duration of the classes, etc. Areas in which yoga was perceived as being able to make important contributions included: vegetarianism; postural correction and integration of movements; peace culture; the cultivation of virtuous values; abstention from addictive substances; spiritual consciousness; integration of the self; cultivation of awareness; brain oxygenization; cultivation of discipline and improved quality of life. Conclusion: Yoga is seen as a group of useful physical, social, and philosophical practices for the health field. However, challenges to its integration into the BNHS include its maintenance as an alternative culture practice and its distance from the epistemological bases of present complementary and integrative medicine. Doutorado Saúde Coletiva Doutor em Saúde Coletiva

Orientador: Marília Vieira Soares Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: O presente trabalho investiga a exploração dos princípios da Técnica Klauss Vianna de forma a torná-los inteiramente participantes do processo de criação teatral. Esta proposta realiza-se por meio da análise de um processo criativo pessoal, no qual a trajetória da personagem Nina, da obra A Gaivota (1896), de A. P. Tchekhov (1860-1904), impulsionou a relação entre técnica corporal e texto dramático, visando a criação de um experimento cênico. A tese estrutura-se em três partes, sendo que a primeira apresenta a importante influência de Klauss Vianna na preparação corporal do ator brasileiro, identificando as origens de sua técnica, construída a partir de suas experiências nas artes da cena, onde sua vida e obra estabeleceram um importante vínculo. A segunda parte analisa o percurso da personagem Nina e suas relações no contexto da obra, para em seguida, na terceira parte, entrelaçar esses dois eixos, prática corporal e texto dramático, com o objetivo de apresentar o processo de criação, que derivou de uma experiência pessoal com a proposta apontar caminhos para instrumentalizar o trabalho corporal do ator. A presente pesquisa reflete sobre as possibilidades de construção de um corpo disponível para as diversas necessidades da cena, propondo caminhos para que seja possível associar a prática corporal à cena teatral, visando a autonomia e o domínio do ator sobre sua criação Abstract: This study aims at investigating the exploration of the principles of the Klauss Vianna's technique in a way to make them fully participants in the process of theatrical creation. This proposal takes place by means of the analysis of a personal creative process, in which the trajectory of the character Nina, from the work 'The seagull' (1896) by A.P.Tchekhov (1860 - 1904), boosted the relationship between body technique and dramatic text, seeking the creation of a scenic experiment. The framework of this thesis is divided into three parts and the first one shows the important influence of Klauss Vianna in the body preparation of the Brazilian actor, identifying the origins of his technique, built from his experiences in the scene artistry, where his life and work set an important link. The second part analyses the course of Nina's action and her relationships in the context of Vianna's work, and as a consequence, in the second part, to interweave these two axes - body practice and dramatic text, with the goal of presenting the process of creation, which was developed from a personal experience with the purpose to point out the ways to equip the body work of the actor. The current research reflects upon the possibilities to build a body available to a range of needs of the scene, proposing ways to make it possible to associate the body practice to the theatrical scene, seeking autonomy and mastery of the actor over his creation Mestrado Artes Cênicas Mestra em Artes

Orientador: Elisabeth Bauch Zimmermann Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Este trabalho trata do processo de criação artística, especialmente no campo da Dança, sob a perspectiva da Psicologia Analítica de C.G. Jung. De acordo com ele, o anseio criativo do ser humano deriva do inconsciente, especificamente do Inconsciente Coletivo, e se configura através de imagens simbólicas. O processo criativo depende do acesso às imagens do inconsciente, os Arquétipos. O objetivo principal deste trabalho é verificar a possibilidade de contribuição das Danças Circulares Sagradas no processo de criação em Dança. Parte-se do princípio de que as Danças Circulares são práticas que favorecem o estado meditativo, o que pode permitir o acesso aos arquétipos; além disso, as Danças Circulares Sagradas podem favorecer a colaboração e a troca entre os membros participantes do grupo. Para isso, foram realizados laboratórios com bailarinos, alunos do curso de Dança da Unicamp, utilizando, como incentivo inicial, as Danças Circulares Sagradas, em exercícios meditativos e proporcionado um espaço para a improvisação do bailarino. Através do uso de questionários, aplicados antes e depois da realização dos laboratórios, pode-se concluir que o exercício com as Danças Circulares - como preparação física e mental para o bailarino criador - foi eficiente para criar um estado favorável para a criação. Os participantes afirmaram sentir-se mais concentrados, disponíveis e receptivos às imagens do inconsciente. Também afirmaram ter percebido o grupo receptivo e harmônico, favorecendo a criação Abstract: This work deals with the process of artistic creation, especially in the field of dance, from the perspective of Analytical Psychology of CG Jung. According to him, the creative urge of the human being derives from the unconscious, specifically the Collective Unconscious, and is configured through symbolic images. The creative process depends on access to images of the unconscious, the Archetypes. The main objective of this work is to verify the possibility of Sacred Circle Dances contribution in dance's creative process. It is assumed that Circle Dances favor the meditative state, which can allow access to the archetypes; in addition, Sacred Circle Dances may encourage collaboration and exchange among the participating members of the group. In order to do that we have performed laboratories with dancers and students from third year of dance at Unicamp, using as initial incentive Sacred Circle Dances in meditative exercises, providing a space for dancer's improvisation. Through the use of questionnaires before and after the completion of the labs, it can be concluded that the exercise with the Circular Dances as physical and mental preparation for the creating dancer was efficient to provide a favorable condition for creation. Participants said they felt more focused, affordable and responsive to the images of the unconscious. They also said they felt the group as harmonic and receptive, encouraging the creation Mestrado Artes Mestre em Artes

Orientador: Marilia Vieira Soares Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Esta pesquisa tem por objetivo o direcionamento de um trabalho vocal para o intérprete através da aplicação da Técnica Energética (TE) com base nos fundamentos da fonoaudiologia. A experimentação foi feita com a colaboração da Vidraça Cia. de Teatro em Moji Mirim na montagem da peça Carolinas. O trabalho consistiu na avaliação da qualidade vocal dos cinco integrantes do grupo, antes e depois da aplicação da Técnica Energética, realizada por meio da análise de conteúdo dos depoimentos e da comparação do comportamento vocal dos intérpretes. A Técnica Energética propiciou ao artista descobrir a variedade de movimentos criativos que seu corpo pode fazer, a consciência do processo respiratório, a capacidade para conseguir produzir sons com clareza, potência, intensidade, e tom de voz adaptados a cada personagem. Essa técnica pode ser um caminho para o artista conseguir realizar vocalização intensa com grandes variações na entonação vocal e no ritmo. Ao trabalhar com a Técnica Energética, o artista abre canais para o contato com o vazio, proporcionando abertura para uma expressão corporal e vocal mais autêntica, que surge do seu momento interno, da sua imaginação, ou até mesmo de imagens trazidas pela memória, sem interferência do pensamento mais racionalizado. Abstract: This investigation has as object the direction/conducting of a vocal work for the interpreter by Energetic Technique (ET) application based on Logopedics origins. The essay was realized with collaboration of Vidraça Troupe from Moji Mirim-SP Brazil in the Carolinas play setting. This work consisted in vocal quality evaluation of troupe staff before and after application of ET with result in the analysis of evidences contents and comparison from interpreter's performance. ET propitiated to trouper to discover a variety of creative movement that his/her body can realize, perception of breath process, capacity to produce sounds with clearness, potency, intensity and voice tone adapted to each character. This technique can be a way for the trouper realizes intense vocalization with large variations in vocal intonation and rhythm. Working with Energetic Technic the artist open channels to the contact with vacuum proportioning opening to a corporal and oral expression on more authentic that emerges from his/her internal moment, imagination or even from images translated by memory without interference of a more rationalized reflection. Mestrado Artes Mestre em Artes

Orientador: Cassiano Sydow Quilici Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Esta tese é voltada ao estudo de uma forma popular de teatro de rua da Índia: o Theru-k-koothu, tendo como objeto de pesquisa o estudo da cultura teatral que o caracteriza, buscando compreender o fenômeno teatral nos aspectos cultural, social e histórico e suas imbricações na vida comunitária. A pesquisa parte da observação desta forma teatral, de origem rural e popular, tendo como eixo norteador seu evidente envolvimento com toda a cultura ritual local. Avança, então, para a compreensão e análise de sua estrutura de organização e funcionamento como a forma dramática mais importante do estado de Tamil Nadu e se encerra apontando a influência e reverberação do Theru-K-Koothu na cena teatral contemporânea, dentro do estado e no exterior. Deste modo, pretende-se oferecer um primeiro contato com esta forma de teatro folclórico da Índia, estudo inédito no Brasil e em língua portuguesa, abarcando aspectos antropológicos e avançando em direção aos aspectos cênicos que se sedimentam, não apenas no campo teatral, mas em todo o espectro da vida comunitária, num processo complexo, orgânico e fluído entre vida e arte Abstract: This thesis is dedicated to the study of a popular form of theater of India: Theru-k-koothu , having as object of research the study of theatrical culture that characterizes it, seeking to understand the theatrical phenomenon in cultural, social and historical aspects and their impact in common life. The research is based on the observation of this theatrical form, of rural and folk origin, having as guiding axis its evident involvement with all the local ritual culture. It then advances to the understanding and analysis of its structure of organization and functioning as the most important dramatic form of the state of Tamil Nadu and ends by pointing out its influence and reverberation of Theru-K-Koothu in the contemporary theatrical scene, within the state and abroad. The research intends to offer a first contact with this form of Indian folk theater in Brazil, study unheard in Portuguese language, covering anthropological aspects and advancing toward the sedimentation of its dramatic aspects, not only in the theatrical field, but in the entire spectrum of community life in a complex, organic and fluid process between life and art Doutorado Teatro, Dança e Performance Doutora em Artes da Cena FAPESP 2016/10719-0; 2018/06786-0

Orientador: Marilia Vieira Soares Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Esta pesquisa propõe-se a investigar duas entidades de Umbanda objetivando, através de uma pesquisa corporal, encontrar caminhos para a criação e comunicação do ator que possam atravessar fronteiras culturais. Para tal, utilizo como apoio metodológico dois estilos de dança clássica indiana, traçando pontos de contato entre os movimentos, expressões e gestos já sistematizados artisticamente na Índia e as manifestações que ocorrem nas giras de Umbanda. Ao perceber a afinidade entre essas estruturações, busco estabelecer uma relação entre essas duas culturas, na intenção de entender como a construção desses corpos e gestos pode ser utilizada como meio de expressão e comunicação em espaços e contextos diversificados. Esta pesquisa visa investigar, por meio da dança e do teatro físico, formas de instrumentalizar o ator para a criação e construção da cena a partir do estudo, prática e troca de experiências. Ao assistir às incorporações nos rituais de Umbanda, assim como, a uma apresentação de dança clássica indiana, é possível observar um elemento comum entre as duas formas de atuação que é a qualidade de presença cênica dos médiuns e dos bailarinos, ancorada numa codificação muito bem definida. Essa energia impalpável, e que é responsável por prender a atenção do espectador, é acionada de maneira física diante de nossos olhos e me proponho a entender o funcionamento desse processo. Esta pesquisa se dá entre técnicas e culturas, entre deuses e orixás. Seu foco está na "travessia" e, para tal, foram escolhidas duas entidades de Umbanda baseadas em dois estilos de dança, são eles: caboclos e pretos-velhos; Kuchipudi e Mohiniyattam, respectivamente Abstract: This research¿s proposal is to investigate two Umbanda entities aiming through out body research to find ways to actor¿s creation and communication which can cross cultural barriers. To do such thing, I use as methodological support two classic Indian dances connecting possible movements, expressions and gestures already systematized in a artistically form in India as well as the manifestations which occur in the Umbanda¿s `giras¿. When realizing the connection between these structures, I try to stablish a relationship between these two cultures, intending to understand how the construction of those bodies and gestures could be used as an expression and communication vehicle in diverse spaces and contexts. This research aims to investigate, through dance and physical theatre, ways to instrumentalize the actor for creation and scene building from study, practice and experiences exchanges. When watching the incorporations during the Umbanda¿s rituals as well as a classic Indian dance, it is possible observe a common element between these two acting forms which is the quality of presence in the scene of those mediums and dancers, supported by a well-defined codification. Such intangible energy, which is responsible to catch the audience¿s attention, is set on a physical way in front of our eyes and I intend to try to understand how this process works. This research happens between techniques and cultures, between gods and orixas. Its focus is on crossing and for this propose two Umbanda entities were chosen based on two dance styles, which are: `caboclos¿ and `pretos-velhos¿; Kuchipudi e Mohiniyattam, respectively Mestrado Teatro, Dança e Performance Mestra em Artes da Cena

Orientador: Marilia Vieira Soares Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Esta pesquisa trata de olhar para as possibilidades de caminhos que são percorridos pelo atuante em seus espaços internos e externos, os processos de desconstrução/construção que compõem este percurso e as possibilidades de hierofania que podem ser instaurados em decorrência desses encontros e expansões. O paradigma que rege o prisma escolhido para discorrer sobre esses caminhos é o que acredita que os espaços internos e externos são, ou potencialmente podem ser, expansões uns dos outros. Ou seja, aquilo que ocorrer nos espaços internos do atuante, torna-se evidente nas relações concretas com os objetos e composições do espaço externo, que por sua vez são impulsos para o desvelamento de espaços internos, em um movimento constante e dialógico que pode proporcionar ao atuante e àquele que é sua testemunha, o alcance de estados sutis e transcendentes de energia e percepção configurando uma transformação, um transbordamento de si, uma hierofania. Por que às vezes era tocada por um espetáculo e outras vezes não? Por que às vezes o meu espetáculo tocava o outro e em outras ocasiões não? Qual é o lugar de intersecção entre atuante, espaço e espectador, o ponto em que todas as partes se retroalimentam? A construção do espaço externo, sua configuração como concretude da obra, pode influenciar no que ocorre nos espaços internos do atuante e na recepção por parte do espectador? Se sim, de que forma isso se dá? Para adentrar essas questões, escolhi olhar para o meu próprio trajeto em uma tentativa de criar uma linha condutora que me permitisse, a partir da experiência vivida, ampliar questionamentos pertinentes às artes da cena. Guiando este processo estiveram comigo Mircea Eliade, Victor Turner, Peter Brook, Jerzy Grotowski, Cassiano Quilici, Rosendahl, entre outros autores que me habitaram, em uma conversa contínua entre o fazer e suas reverberações Abstract: This research attend to look at the possibilities of paths that are traversed by the actor in the inner and outside spaces, through the processes of desconstruction/constrution that are inerent to this process and to possibilities of hierophany that can be found in consequence of these meetings and expansions. The paradigm that guides this search is the one that believes that inner and outside spaces are, or can potentially be, expansions of each other. In other words, what happens in the actor's inner space, becames evident throught the concrete relations with objects and space compositions, wich are, by the other hand, impulses for the continuous process of uncovering oneself that can give rise to the actor and also to the audience, transcedents and subtle states of energy and perceptions, configurating a trasformation, a overflowing of oneself, a hierophany. Why, sometimes, was I touched by a play and sometimes not? Why my own play touched people in some occasions and nothings happened in others? Wich is the intersection point in between the actor, space and audience, the point where all the parts are giving a living feedback to each other? Can the construction of the space, its concrete configuration, be an influence for what happens inside the actor and for the receptibility of the audience? How does it happen? To submerge in these questions, I choose to look at my own way, in a effort to buil a guide line that could lead me, through the lived experiences, to an enlargement of these points, building new ones, in relation to theatre practices. Mircea Eliade, Victor Turner, Peter Brook, Jerzy Grotowski, Cassiano Quilici, Rosendahl and others were good partners, living within me, in a continuous talking about doing theatre and its reverberations Doutorado Teatro, Dança e Performance Doutora em Artes da Cena CAPES

Orientador: Marília Vieira Soares Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Este é um estudo performativo guiado por um entusiasmo de prática investigativa de possíveis relações entre corpo, imagens visuais e imagens míticas no âmbito da criação artística, tendo, em um primeiro momento, como mote entusiástico da prática, a obra da escultora francesa Camille Claudel. Inicialmente, parto da pesquisa do meu próprio corpo e, posteriormente, conduzo essa investigação prática junto a um grupo de sete bailarinos voluntários, tendo como instrumental os tópicos corporais presentes na sistematização da Técnica Klauss Vianna. Vislumbro o corpo não somente como mote da criação, mas, simultaneamente, como receptáculo e matriz disparadora de imagens outras que se entrelaçam no processo criativo. Ao longo da pesquisa, vou construindo uma proposta de caminhos e procedimentos criativos ¿ `Corpando Mitos¿ ¿, bem como a relação entre o visível (iconográfico) e o invisível (dimensão mítica) da imagem que vai se construindo justamente pela observação e vivência corporal de detalhes refinadamente captados, experienciados e recriados no corpo do ator-bailarino. Ouso, portanto, parafrasear o mitólogo Joseph Campbell, quando diz que "Mitologia é uma canção, a canção da imaginação inspirada pelas energias do corpo" (CAMPBELL apud KELEMAN, 2001, p.11). No meu caso, diria que a minha dança é uma canção inspirada pela mitologia que encontro em meu próprio corpo. E, como uma Medusa ao Reverso, vou dando vida, por meio do movimento expressivo, aos mitos de pedra vislumbrados pelo meu olhar Abstract: This is a performative study guided by an enthusiasm of investigative practice of the the possible relations between body, visual images and mythical ones, in the artistic creation context, and, at first, as an enthusiastic practice motto, the artistic work of french sculptor Camille Claudel. Foremost, I have begun with my own body research and, subsequently, I have carried the practical investigation with a group of seven volunteer dancers, taking the corporal topics of the Klauss Vianna Technique systematization as a tool. I consider the body not only as a theme for creation, but simultaneously as a receptacle and a matrix that triggers other images that intertwine during the creative proccess. Throughout the research, I construct a proposal of creative ways and procedures ¿ `Bodying Myths¿ ¿, as well as the relation between what is visible (iconographic) and what is invisible (mythical dimension) on the image that is being built exactly by means of observation and body experience of details exquisitely captured, experienced and recreated on the actor-dancer¿s body. I dare to paraphrase the mythologist Joseph Campbell, when he says "Mythology is a song, the song of imagination inspired by the energies of the body" (CAMPBELL apud KELEMAN, 2001, p.11). In my case, I would say that my dance is a song inspired by the mythology I find in my own body. And, like a Medusa on Reverse, I give life by means of my own expressive movement to the stone myths envisioned by my eyes Doutorado Teatro, Dança e Performance Doutora em Artes da Cena CAPES

Orientador: Marília Vieira Soares Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: O presente estudo pretende alçar voo na arte do ator balinês do dança-drama topeng, que surgiu na ilha de Java em meados do século XI e adotado posteriormente pela ilha de Bali no início do século XVI. Quanto ao ator, propõe-se abordar aspectos de sua filosofia, religião e contexto histórico e cultural, assim como suas técnicas de treinamento, processos de aprendizagem e sua conexão com a cena. Por mais que se trate de uma forma artística tradicional de longa data, o topeng modifica-se a cada dia e, por meio do ator, adquire um novo significado para os dias contemporâneos enquanto mantém suas raízes em crônicas do passado que servem de norte para a conduta do cidadão. Identificar o que move esses atores e quais elementos cênicos visíveis e invisíveis utilizam para manifestar sua arte pode servir para desvendar novos caminhos transculturais na atuação e na estética do teatro brasileiro atual Abstract: This study intends to take a leap into the art of the Balinese actor of dance-drama topeng, an art that emerged on the island of Java in the middle of the eleventh century, and that was later adopted by the island of Bali in the early sixteenth century. As for the actor, it is proposed to address aspects of his philosophy, religion and historical and cultural contexts, as well as their training techniques, learning processes and their connection to the scene. Even though it is a long time art tradition, topeng changes every day and, through the actor, it is given a new meaning to contemporaneity while maintaining its roots in chronicles of the past that serve as a guiding beacon for the behavior of the citizen. Identifying what the motivations of these actors are and what scenic elements (whether visible or invisible) are used to express their art may serve to unlock new paths in cross-cultural activities and aesthetics of the current Brazilian theater Mestrado Teatro, Dança e Performance Mestre em Artes da Cena CAPES

Orientador: Marilia Vieira Soares Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Esta pesquisa pretende verificar de que forma os elementos presentes no treinamento proposto pela arte marcial indiana Kalarippayatt podem ser transpostos para o universo da criação cênica, estando a serviço para o desenvolvimento e ampliação do campo expressivo do intérprete/bailarino. Esta pesquisa se apoiou no trabalho desenvolvido por Phillip B. Zarrilli, professor do Drama Department da University of Exeter, UK, pioneiro tanto na utilização do Kalarippayatt como treinamento psicofísico para atores no ocidente, quanto por levar esta pesquisa a nível acadêmico; nos estudos de Antropologia Teatral realizados por Eugenio Barba e em algumas práticas desenvolvidas e praticadas por Jerzy Grotowski e seu grupo em busca de um estado verticalizado de consciência. Foram realizadas práticas de Kalarippayatt tanto com alunos do curso de Graduação em Artes Cênicas ¿ UNICAMP, como com grupos de teatro e dança: Teatro Contadores de Mentira e Limeira Cia de Dança, para verificar de que forma o treinamento incide no trabalho criativo destes artistas. A partir do processo de treinamento vivido com alguns alunos da graduação e pós-graduação, criou-se o espetáculo solo Vai-o-Vento, por meio da qual a pesquisadora leva ao universo criativo e à cena algumas possibilidades de transposição dos elementos pertencentes à prática da luta Abstract: This research means to verify how the elements of Kalarippayatt trainning can be convey to the creative field of scenic arts, acting as a tool for the development and enlargement of the actor/dancer expressiveness. This work has been based on the research developed by Phillip B. Zarrilli, Professor of the Drama Department at Exeter University, UK, pioneer for using Kalarippayatt as a psycophisic trainning for actor in the occident as to take this research to the academical level; in the studies of Theatre Anthropology made by Eugenio Barba and in some practices developed by Jerzy Grotowski and his group, searching for a vertical state of consciouness. Kalarippayatt practices has been done with students of Scenic Arts at UNICAMP and with theatre and dance groups of differents places, as Teatro Contadores de Mentira and Limeira Cia de Dança with the aim of verify how the trainning incur in their creative process. From these lived experiences, the performance Vai-oVento has been created, where the researcher takes to the scene some of the possibilities of transporting the elements of Kalarippayatt training Mestrado Teatro, Dança e Performance Mestra em Artes da Cena

Orientador: Marília Vieira Soares Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Esta dissertação estuda o conceito e a técnica do Abhinaya, elemento expressivo presente nas formas de dança-teatro indianas, investigando suas possíveis contribuições para a formação e treinamento de atores, bailarinos e performers contemporâneos. Para tanto, inicio este texto estudando o tratado mais relevante sobre o assunto: o Natyasastra, cuja autoria remonta ao sábio mítico Bharatamuni. Trata-se de uma compilação produzida entre os séculos IV a.C. e II d.C., na qual estão descritas as regras para a criação artística nas mais variadas linguagens, incluindo a linguagem dramática, cujo alicerce é a técnica do Abhinaya. Este é composto por quatro grandes grupos de treinamento: Angika (aspectos corporais), Vachika (aspectos discursivos), Aharya (aspectos plásticos/visuais) e Saatvika (aspectos psicofísicos).Meu ponto de partida são os capítulos 6, "The distinction between Sentiment and Emotional Fervour", e 7, "Exposition on Bhavas (Emotional Tracts and States)", em que estão descritos os conceitos de Bhava (estados emocionais) e Rasa (sentimento estético), fundamentos da teoria estética hindu e, em decorrência, da referida técnica. Todas essas informações se unem à experiência pessoal da autora com a técnica, delimitando o tripé que sustenta esta pesquisa: fundamentação teórica, treinamento e produção artística Abstract: This dissertation is dedicated to the study of the concept and technique of Abhinaya, the expressive element present in all dramatic Dance forms of India, by investigating its possible contributions to the formation and training of contemporary actors, dancers and performers. These aspects are classified in four large training groups: Angika (physical aspects), Vachika (discursive aspects), Aharya (plastic/visual aspects) and Saatvika (psychophysical aspects). Therefore, I start this text studying the most relevant treatise on the subject: the Natyasastra; whose authorship goes back to the mythical sage Bharatamuni. This is a compilation produced between centuries 4 BC and 2 AC, where many of the rules for artistic creation in all the artistic fields are described, mostly about Dance and Drama. My research focuses on the chapters 6 "The distinction between Sentiment and Emotional Fervour" and 7 "Exposition on Bhavas (emotional tracts and states)", where the concepts of Bhava (emotional states) and Rasa (aesthetic pleasure) are described, composing the central part of the Hindu Aesthetic Theory. Such information allies the personal experience of the author with the technique, delimiting the tripod that supports this research: theoretical basis, training and artistic production Mestrado Teatro, Dança e Performance Mestra em Artes da Cena

Orientador: Cassiano Sydow Quilici Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: O presente trabalho investiga as aproximações, diálogos e estranhamentos que se estabelecem entre os processos de criação nas artes da cena e os processos de criação dos desfiles das escolas de samba. Na escola de samba os espaços entre componente, família, comunidade, cultura, arte, festa e cena são muito tênues. Desta maneira, optou-se por abarcar este trabalho por meio dos Estudos da Performance, território conceitual multidisciplinar, onde, neste caso, os relevos da antropologia e artes cênicas se destacam. As encenações criadas, pela autora, para a Comissão de Frente da Associação Cultural e Social Escola de Samba Mocidade Camisa Verde e Branco, durante onze carnavais, configuram-se como o mote para a discussão destes processos. Assim, as próprias encenações podem ser consideradas como uma espécie de resultado: a cena. Todavia, o trabalho aponta para as possibilidades de pensar questões como tratamento do tempo/espaço e qualidade de " presença " e, consequentemente, " co-presença " a partir das relações que este tipo de criação, cênico carnavalesca, estabelece Abstract: This study investigates the approaches, dialogues and estrangements that are established between the processes of creation in the scene arts and the processes of creation in the samba school parades. In samba schools the spaces between members, family, community, culture, art, party and scene are very thin. Thus, we chose to cover this work through the Performance Studies, a multidisciplinary conceptual territory, and, in this case, the relief of the anthropology and the performing arts stand out. The created staging, by the author, to the Front Commission of Cultural and Social Association Samba School "Mocidade Camisa Verde e Branco", for eleven carnivals, appears as the theme for the discussion of these processes. Thus, the stagings themselves can be considered as a kind of result: the scene. However, the work points to possibilities of thinking about issues such as the treatment of time/space and quality of "presence" and therefore "co-presence" from the relations that these types de creation, scenic and carnival, provide Doutorado Artes Cênicas Doutor em Artes

Orientadores: Elisabeth Bauch Zimmermann, Marilia Vieira Soares Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Pesquisa de Mestrado em Artes da Cena sobre as inter-relações entre forma, espaço e tempo no movimento da dança, a partir de estudos teórico-práticos de propostas didáticas de Rolf Gelewski com um grupo de artistas voluntários do Instituto de Artes da UNICAMP, para processo de criação em dança. ...Observação: O resumo, na íntegra, poderá ser visualizado no texto completo da tese digital Abstract: ...Note: The complete abstract is available with the full electronic document Mestrado Mestra em Artes da Cena

Orientador: Marília Vieira Soares Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: A partir do olhar sobre a máscara e sua efetiva atuação no corpo cênico, desencadeou-se o interesse em pesquisar a maneira pela qual a essência deste elemento milenar, presente desde a origem da dança, pode manifestar-se na dança cênica da atualidade. Para tanto, este estudo parte da premissa de uma perspectiva integralizadora dos elementos de cena, tais como iluminação, cenário e figurino, para a expansão do entendimento e conseqüente composição da Máscara Corporal. Tal entendimento passa pela reflexão realizada por meio dos registros históricos no que se refere ao uso da máscara na dança cênica ocidental e dialoga com personalidades do cenário artístico atual da dança e do teatro. Os Laboratórios Corporais (LabCor 1 e 2) consolidaram a busca por referências aos questionamentos de como, quando e de que maneira a máscara corporal atua no processo criativo e potencializa o corpo cênico. Os laboratórios contaram ainda com o uso da saia e da luz negra como provocadores criativos do exercício cênico Aliança. Reconhece-se, assim, a máscara corporal como impulsionadora desse processo, ao propiciar ao corpo a sua desterritorialização, ou seja, um estado de suspensão promovido pelo distanciamento do corpo cotidiano e de seus referenciais já conhecidos. Ademais, a potencialidade transformadora, inerente à máscara, revela-se na relação do corpo com outros elementos cênicos na busca pela emergência de um Quem que dança ao interagir com o corpo cênico em outro tempo/espaço Abstract: From the glance on the mask and its effective acting in the scenic body, the interest was awoken in investigating the way for which the essence of this thousand-year-old, present element, that is present since the origin of the dance, can manifest itself in the current scenic dance. To that end, this study starts from the premise of an integrated perspective of the scenic elements, such as lighting, scenery and costume, for the expansion of the understanding and consequent construction of the Physical Mask. This understanding occurs through the reflection carried out by means of the historical records of the mask use in the scenic western dance and interacts with personalities from the artistic current scenery of the dance and of the theater. The Physical Laboratories (LabCor 1 and 2) consolidated the search for references to the following questions: how, when and in which way the physical mask acts in the creative process and it intensifies the staging body. Over the laboratories there was still the use of the skirt as well as the black light as creative provocateurs of the scenic exercise Aliança. The physical mask is recognized like an impulse of this process, while it provides the body its deterritorialization, in other words, a state of suspension promoted by the distance of the daily body and of its already known referential systems. Furthermore, the transformative potentiality, which is intrinsic to the mask, is exposed in the relation of the body with other scenic elements in the search of the emergence of the one who dances while interacting with the scenic body in another time / space Doutorado Artes Cênicas Doutor em Artes

Orientador: Inaicyra Falcão dos Santos Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Esta tese apresenta uma reflexão acerca das diferentes formas de apropriação, pela dança moderna e pós-moderna, de técnicas e artes corporais orientais como meio de treinamento técnico e embasamento estético para processos criativos. Nas figuras de Ruth St. Denis, Martha Graham, Deborah Hay e Steve Paxton, entre outros coreógrafos, um diálogo com o oriente se estabeleceu na história da dança e redefiniu as fronteiras entre treinamento e criação. Partindo deste pressuposto, desenvolvemos um estudo baseado em nossa vivência com a dança e com o sistema de gongfu louva-a-deus, especulando especificamente sobre como as técnicas de contato presentes nesta e em outras artes marciais chinesas podem ajudar um bailarino no tocante à criação de movimentos em dupla. Aplicamos laboratórios de improvisação com artistas marciais e com bailarinos, sendo que estes últimos instrumentalizamos, também, com técnicas de louva-a-deus; registramos os resultados em vídeo e colhemos as impressões dos participantes mediante questionários e depoimentos, que foram posteriormente analisados e discutidos. Concluímos que a arte marcial pode ser profícua na formação de um bailarino, não somente no que diz respeito à questão do contato, mas, também, pelo trabalho com a alteridade e pela constante busca de autossuperação pelo sujeito que se dedica a esta forma de arte Abstract: This thesis presents a reflection about the different forms of appropriation of oriental techniques and body arts by modern and postmodern dance as a medium of technical training and aesthetic foundation for creative processes. With figures of Ruth St. Denis, Martha Graham, Deborah Hay and Steve Paxton, among other choreographers, a dialogue with the East settled in dance history and redefined the boundaries between training and creation. Under this assumption, we developed a study based on our experience with dance and with praying mantis gongfu system, speculating specifically if contact techniques present in northern praying mantis and other Chinese martial arts can help a dancer in regarding the creation of partner movements. We applied improvisation laboratories with martial artists and dancers, and with dancers we also worked with mantis techniques; the results were recorded on video and the participants impressions were collected through questionnaires and interviews, which were subsequently analyzed and discussed. As a result, we argue that martial arts can be profitable in dancer formation, not only with regard to the issue of contact techniques, but also by working with otherness and the constant quest for improvement of oneself by those dedicated to this art form Doutorado Artes da Cena Doutora em Artes da Cena

Orientador: Márcia Maria Strazzacappa Hernandez Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Faculdade de Educação Resumo: Esta tese analisa as relações e as contribuições das abordagens somáticas e do trabalho da artista plástica Lygia Clark na construção de saberes sensíveis da dança, mais especificamente da dança contemporânea. O lócus da investigação foi uma disciplina ofertada em um Curso de Graduação em Dança do município de São Paulo, intitulada Ateliê Somático em Dança, na qual foi desenvolvido um Projeto nominado "Por que Lygia Clark?". Dialogando com alguns dos procedimentos da referida artista, com a exploração sensorial de objetos e com o contato com elementos da e na natureza, foram realizadas experiências somático-dançantes como: sacos de água, múltiplos objetos, sacos de ar e praia. As narrativas e análises dessas experiências evidenciaram a emergência de gestos e qualidades expressivas de movimento ainda desconhecidos pelos sujeitos-dançarinos, resultantes das investigações corporais junto aos sentidos, às sensações, à remodelagem da percepção e à mobilização do imaginário. Para fundamentar tais práticas, foi elaborado um inventário de conhecimentos acumulados sobre o desenvolvimento da sensibilidade ou o saber-sentir no trânsito somático-dançante, pelo qual a prática docente foi realizada, possibilitando a sistematização de algumas técnicas de emergência da expressividade e da criatividade. Considerando ainda a noção de experiência, foram realizados alguns apontamentos quanto às condições para o aprendizado dos saberes sensíveis nas relações do corpo com objetos e do corpo com os outros corpos para a apropriação de conteúdos e, fundamentalmente, a apropriação de sentido pelo sujeito. Por fim, resultam dessa pesquisa concepções, conhecimentos e procedimentos formulados nos conceitos de corpo-sensível, corpo-plástico, corpo-continente e corpo-diálogico, os quais dizem respeito a alguns saberes sensíveis e inteligíveis apontados aqui como significativos à formação do futuro artista da dança e do professor de dança contemporânea, pois é no encontro com as abordagens somáticas que os dançarinos fortificam-se como sujeitos descobridores e investigadores de outras sensibilidades corpóreas, daí a abertura para outros possíveis agenciamentos motores, estéticos, artísticos, éticos, poéticos, políticos e educacionais Abstract: The present thesis analyzes the relation and the contribution between the somatic approaches and the work of the artist Lygia Clark in the construction of "the body senses knowledge" in contemporary dance. The locus of this investigation was a class offered in an undergraduate course of Dance in São Paulo city, named Atelier Somatic in Dance, in which was developed a project called "Why Lygia Clark?". Dialoguing with some of this artist's procedures, with the sensorial exploitation of objects, and the contact with elements from the nature and in the nature, somatic dancing experiences were organized, using: plastic bags full of water or air, different objects and the beach. The narrative and analysis of such experiences show the appearance of gestures and yet unknown expressive qualities of the movement, which were ignored by the dancers, who considered these qualities as a result of a body investigation through the senses, sensations, renewal of the perception, and imaginary awakening. To support such practices, an inventory of cumulative knowledge was made about the development of sensitivity or the know-feel relationship in the somatic-dancing field, from which the teaching practice was made and allowed the organization of some techniques of creativity and expressivity appearance. Considering the idea of experience, some points were made about the conditions to learn "the body senses knowledge" through the relation of the body with objects and of the body with other bodies for the subject acquisition, and a sense acquisition by the individual. To sum up, result from this research, conceptions, knowledge and procedures formulated upon the idea of sensitive- body, plastic-body, security-body, dialogical-body, which relate to some of the sensible and intelligible knowledge, pointed here as significant to the formation of the future dancer and the contemporary dance teacher, knowing that it's in the encounter of the somatic approaches that the dancers discover the other body senses, and open themselves to others possible engagements: physical, esthetic, artistic, ethical, poetic, political and educational Doutorado Educação, Conhecimento, Linguagem e Arte Doutor em Educação

Orientador: Marília Vieira Soares Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Esta pesquisa tem como foco central elaborar uma reflexão sobre o processo criativo em Dança nas possível interfaces entre as linguagens artísticas - Escultura e Dança - através da análise das relações de vizinhança presentes entre a obra da escultora Camille Claudel (França: 1864-1943) e a Dança Contemporânea. A exuberante presença de sensações de movimento nas obras de Claudel demonstra a possibilidade de relações entre Escultura e Dança, já que ambas trabalham com o movimento corporal, e/ou as sensações do mesmo como elemento primordial na criação expressiva.Teremos como base para a construção prática os elementos da Técnica Klauss Vianna e da Técnica Energética, cujos elementos serão utilizados como instrumentos metodológicos para a recriação das obras de Claudel no território da Dança Contemporânea. Abstract: The main focus of this study is to develop a reflection on the creative process in dance in the possible interfaces between artistic languages - Sculpture and Dance - by analyzing the relations present in the work of sculptor Camille Claudel (France: 1864-1943) and Contemporary Dance. The lively presence of movement's sensations in the works of Claudel establishes the possibility of relations between Sculpture and Dance, as both work with the body movement, and/or the sensation of it as a key in expressive creation. As substruction, we have for the practice constructing the elements of Klauss Vianna's Technique and Energetic Technique, which fundamentals will be used as methodological tools for recreating works of Claudel in the territory of Contemporary Dance. Mestrado Artes Cênicas Mestre em Artes

Orientador: Marilia Vieira Soares Acompanha 1 DVD-ROM Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo:A presente dissertação trata do processo de criação e construção do corpo cênico em dança, inspirado no mito da Deusa Kali - deusa feminina pertencente ao Hinduísmo, considerada uma das representações da natureza vital da existência do ser humano, a quem são atribuídas a destruição e a recriação do universo através de seu poder de transformação. Abordaremos a relação entre tais aspectos da deusa presentes no inconsciente coletivo e ressaltaremos o aspecto feminino figurado no arquétipo da "Grande Mãe", por ela representado. Teoricamente, apresentaremos a reflexão sobre as relações entre inconsciente, estados alterados de consciência e a preparação do corpo cênico em dança, segundo os pressupostos básicos da teoria de Carl Gustav Jung - psiquiatra suíço, fundador da psicologia analítica - e seus desdobramentos segundo Neumann - psicólogo, aluno e seguidor de Jung. Como suporte prático para a construção cênica, foi utilizada a Técnica Energética, sistematizada pela Profa. Dra. Marília Vieira Soares do Instituto de Artes da Unicamp. Abstract: This dissertation deals with the process of creation and construction of the scenic body in dance inspired by the myth of the Kali Goddess - the female Goddess that belongs to Hinduism, considered one of the representations of the vital nature of human existence, to whom is assigned the destruction and recreation of the universe through its power of transformation. This work addresses the relationship between these aspects of the Goddess that are present in the collective unconscious, emphasizing the feminine archetype portrayed in the "Great Mother" that she represents. Theoretically, I present the reflections about the relations between unconscious, modified states of conscience and the preparation of the scenic body in dance, according to the basic assumptions of the theory of Carl Gustav Jung - swiss psychiatrist, founder of analytical psychology - and what was after developed by Neumann - psychologist, student and follower of Jung, along with the practical support the scenic construction of the Energy Technique, systematized by Prof. Dr. Marília Vieira Soares, of the Art Institute at Unicamp. Mestrado Mestre em Artes

Orientador: Marcia Maria Strazzacappa Hernandez Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Faculdade de Educação Resumo: O presente trabalho percorre o processo de criação teatral desenvolvido nas séries iniciais de três escolas da rede municipal de ensino fundamental do município de Piracicaba, por meio de um projeto denominado Plantando Sonhos. Tendo acompanhado toda a experiência, a autora coloca em foco, para análise e reflexão, a criação teatral com base no jogo/improvisação e nas memórias das comunidades na qual a escola está inserida, bem como as transformações que este fazer teatral pode propiciar no âmbito das relações escolares e das relações sociais mais amplas. O trabalho em equipe é a base de toda a experiência Abstract: This dissertation describes the process of scenic creation developed in the beginning grades of three public schools of basic education in the city of Piracicaba, what was done trough a project denominated Plantando Sonhos. All the experience was closely followed by the author, who focuses the scenic creation based on games/improvisation and in the memory of the community where the school is settled as well. She also focuses the transformations that this process can promote in the relations inside the school and also in more extensive social relations. The staff work is the basis for all the experience Mestrado Educação, Conhecimento, Linguagem e Arte Mestre em Educação

Orientador: Marilia Vieira Soares Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de artes Resumo: O presente trabalho é fundamentado nos princípios desenvolvidos pelo professor e pesquisador Klauss Vianna (1928-1992) que, por aproximadamente quarenta anos, se dedicou a um trabalho de observação e pesquisa das estruturas do corpo e do movimento humano, posteriormente sistematizado por seu filho Rainer Vianna (1958-1995), e por sua nora, Neide Neves, resultando na Técnica Klauss Vianna. Esta dissertação aborda a sistematização da Técnica Klauss Vianna, explanando o processo didático e a criação da coreografia "Corpo Sentadd' como aplicação conclusiva da pesquisa. o objetivo principal deste trabalho é contribuir para o entendimento e reconhecimento da Técnica Klauss Vianna, com a apresentação de sua estruturação didática e o estudo dos tópicos corporais trabalhados no dia a dia de sala de aula Abstract: This work is based on the principies developed by the professor and researcher Klauss Vianna (1928-1992), who dedicated approximately forty years of his life to a work of obssrvationand research on body structures and human movement, later systematized by his son Rainer Vianna (1958-1995) and his daughter-in law, Neide Neves, resulting in today's known Klauss Vianna's Technique. This dissertation approaches the systematization of Klauss Vianna's Technique, explaining its didactic process and the creation of the "Seated Body" choreography as a conclusive application of the research. The mainobjective of this work is to contribute to the understanding and acknowledgement of Klauss Vianna's Technique, with the presentation of its didactic structuring and the study of the corporal topics worked out in daily classroom practices Mestrado Artes Mestre em Artes

Orientador: Eusebio Lobo da Silva Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Nesta dissertação realizo uma reflexão sobre os conceitos teóricos e práticos que fundamentam o trabalho de Eutonia e apresento uma pesquisa que elaborei a partir destes conceitos. A Eutonia propõe um campo metodológico que envolve o autoconhecimento do próprio corpo e de sua atividade de movimento. Estabelece um campo investigatório no qual revelam-se conhecimentos, que denomino ¿o saber do corpo¿. Refletindo sobre este ¿saber¿, reconheço e o relaciono com os pressupostos estabelecidos pela teoria fenomenológica de Merleau-Ponty, onde a noção de corporeidade e a dimensão existencial se incluem. Seguindo, descrevo sobre os conceitos teórico-práticos da Eutonia e, estabeleço uma conexão entre o processo de aprendizagem com o campo de criação. Para tal, realizo um recorte aprofundando minha pesquisa nas ¿posições de controle¿, onde observo os campos de atuação destas posições em termos de ensino-aprendizagem, criação individual e coletiva, descritas como laboratório de Criação e de Direção. O final da dissertação é contemplado com um DVD que contem imagens de minha atuação como educadora e diretora no trabalho denominado ¿Performance Coletiva¿ realizado com meus alunos do curso de Pós-Graduação e Aperfeiçoamento ¿Dinâmicas Corporais como Expressões Terapêuticas ¿ das Faculdade Senac Ciências da Saúde no ano de 2004 Abstract: In this dissertation I reflect about theoretical and practical concepts that are the basis of the work with Euthony and presents a research based on these concepts. Euthony proposes a methodology that involves the knowledge of one¿s body and its activity of movement; establishing a research field that I have named ¿ the knowledge of the body¿. Considering the ¿knowledge¿, I identify and relate it to the principles of the phenomenology theory of Merleau- Ponty, where the notion of body and existential dimension come together. Following, the theoretic-practical concepts of Eutonia are described and then I establish a connection between the learning process and the creation. In order to do so, I use in my research on ¿ control position¿ of Euthony, where I observ the possibilities of these positions in terms of teaching ¿ learning, individual and collective creation described as Laboratory of Creation and Direction. At the end of the dissertation I have enclosed a DVD that contains images from my activities as teacher and directeur with the work ¿Performance Coletiva¿ performed in 2004 by my pos graduate students from the course I coordinate at Faculdade Senac Ciências da Saúde Mestrado Artes Mestre em Artes

Orientador: Elisabeth Bauch Zimmermann Tese aguardando autorização para liberação do texto completo no Repositório da Produção Científica e Intelectual da UNICAMP Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: A presente dissertação estuda a relação corpo/espaço cênico, por meio de um estudo de caso: o espetáculo intitulado ¿Visceral¿, fruto de uma criação coletiva dirigida pela autora e apresentada nos dias 06, 07 e 08 de maio de 2003 na Galeria de Artes da UNICAMP. Este estudo visa facilitar o desenvolvimento de processos técnicos e criativos do ator/dançarino quando se posiciona em espaços cênicos alternativos (praças, galerias de artes, ruas, etc) Abstract: This present dissertation is a study of relationship between the body and the scenic space by of a case study: the spectacle ¿Visceral¿, resulting from a collective creation and directed by the author. The spectacle was presented on May, 2003, at the Art Gallery from UNICAMP and proposes technical processes to facilitate the development of the actors¿/dancers¿ for their positioning in alternative scenic spaces (squares, galleries of arts, streets etc) Mestrado Mestre em Artes

Orientador : Marilia Vieira Soares Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de artes Mestrado