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Anfänge des Spiels, Anfänge im Spiel, Anfänge in der Spielforschung – Anfänge sind Strukturmerkmale, und als solche verstanden gestattet ihre Analyse auf unterschiedlichsten Ebenen vielfältige Erkenntnisse und Einblicke in die Funktionsweise von Spielen, von Spielkultur und nicht zuletzt von der Wissenschaft derselben. Obgleich Spiel als elementares Moment von Kultur zwar keinen eindeutigen „Anfang“ kennt, verspricht der Begriff des „Anfangs“ deswegen als heuristisches Instrument vielseitig dienlich zu sein. Damit bieten sich Anfang bzw. Anfänge nicht nur als selbstreflexive Anspielung auf den eigenen Anfang dieses Journals an, sondern ihre Thematisierung ist auch geradezu prototypisch geeignet, das Programm von Spiel|Formen angemessen zu eröffnen: Spiel(e) in ihrer Eigenschaft als kulturelle Form(en) zu behandeln., Beginnings of the game, beginnings in the game, beginnings in game studies – Beginnings are structural features, and understood as such, their analysis at various levels allows for diverse insights into the functioning of games, of game culture and not least of game studies. Although play ans game as elementary moments of culture do not have a clear 'beginning', the concept of 'beginning' promises to be useful as a heuristic instrument in many ways. Thus, the title 'beginnings' is not only a self-reflexive allusion to the beginning of this journal, but its thematisation is also prototypically suited to appropriately open the programme of Spiel|Formen: To treat play(s) in their capacity as cultural form(s).

Sp��testens seit Gertrude Steins Gedichtzeile Rose is a rose is a rose is a rose und den Improvisationen der Dada-K��nstler*innen spuken Wiederholungen als diskursive und stilistische Versatzst��cke durch die mitteleurop��ische und US-amerikanische Kulturgeschichte. Dementsprechend fragt die Theaterwissenschaftlerin Kristin Joy Kalu in ihrer Studie zu einer m��glichen ��sthetik der Wiederholung "welche Wirkung der Wiederholung als ��sthetischer Strategie noch eignen kann, wenn sie sich pausenlos wiederholt."(Kalu 2013, S. 249) Mit dem vorliegenden Band ver��ffentlicht der Berliner August Verlag (seit diesem Jahr als Imprint von Matthes & Seitz) eine weitere Reflexion dieses Diskurses, wobei sich die Publikation auch als Beitrag im Zeichen einer kritischen k��nstlerischen und theoretischen Praxis situiert. Die Herausgeberinnen Martina Dobbe und Francesca Raimondi (letztgenannte ist Mitbegr��nderin des August Verlags) verorten sich mit ihrer wissenschaftlichen Forschung in der Philosophie und Kunstgeschichte, wodurch auch der Band verschiedene medien-, tanz- sowie kunstphilosophische und -historische Perspektiven auf gegenw��rtige ��sthetische Praxen der Wiederholung versammelt. Flankiert von der grafischen Serie Spinning (John Morgan, 2021) und einem Bildessay Trauer und Melancholie (Olaf Nicolai, 2009/2012/2021) reflektieren mit der Einleitung acht wissenschaftliche Beitr��ge ��ber Serialit��t und Wiederholung. In ihrer Einf��hrung beschreiben Dobbe und Raimondi das titelgebende Begriffspaar als "Paradigmen der Kunst und des Denkens" und "Verfahrensweisen" (S. 9) eines Diskurses, der seit den 1960er Jahren vermehrt gef��hrt wird. Als "k��nstlerische, popkulturelle, ��sthetische und philosophische Konzepte" setzen die Autorinnen diese ins Verh��ltnis zu Topoi des "Neuen" und der "Originalit��t" (S. 9). Kategorien wie "K��nste der Wiederholung" (S. 11), "Denken der Wiederholung" (S. 18), "Performanzen der Wiederholung" und "Wiederholtes a/Ausstellen" (S. 29) dienen ihnen dabei zur Orientierung und gruppieren die sieben Beitr��ge. Aus kunsthistorischer Sicht argumentiert Dorothea von Hantelmann (S. 37-54) entlang zweier Arbeiten von Pierre Huyghes Untilled (2012) und After ALive Ahead (2017) die Verschr��nkung von Lebendigkeit und Wiederholung. Hantelmann betont die spezifische Situierung der beiden, schreibt ihnen einen ikonografischen Status und eine transgredierende Wirkung zu, da diese "zu einer radikalen Neubestimmung sowohl der Frage der Kunst wie auch der Ausstellung" (S. 37) f��hrten. Dies, indem sie den Ausstellungsort in seiner konkreten Materialit��t einbeziehen (unter anderem durch Pflanzen, Splitt, Ameisenh��gel etc.) und mittels digitaler Technologien transformieren. Dadurch entstehe eine Kunst, "die sich nahezu von selbst produziert und reproduziert" (S. 54), das Lebendige ��sthetisiert und mit Wiederholungsverfahren verschaltet. In "'Ask Elaine'. Wiederholung, Reproduktion und Mimesis" durchdenkt Maria Muhle diese Konzepte als sogenannte "mindere Techniken der Kunst" (S. 57), wobei die Bezeichnung 'mindere' auf "die von der ��sthetischen Verwerfungsgeschichte aussortierten nachahmenden, imitatorischen, reproduzierenden, wiederholenden Praktiken, [���] wie das Kopieren, das Nachstellen oder das Mimikrysieren" (S. 61) abhebt. Mit R��ckbezug auf Elaine Sturtevants Aneignungs- beziehungsweise Wiederholungs-Verfahren zeigt Muhle deren spielerischen Umgang mit Original und Kopie, das zugleich anti-modernistisch Autor*innenschaft und einzigartiges Sch��pfer*innentum verneint als auch modernistisch das Wesen der Kunst zu ergr��nden sucht. Dies er��ffne laut Muhle wiederum "eine Linie zum Digitalen" (S. 77), die das heutige zugespitzte Vervielf��ltigen, Zirkulieren und Distribuieren von Bildern mittels neuer Technologien ��ber den Blick zur��ck auf Sturtevant erl��utert und zu verstehen sucht. Einen Ansatz im Grenzbereich von Popul��rkultur und ��sthetik w��hlt Friedrich Balke in seinen "Anmerkungen zu einem Museumsbesuch in Breaking Bad" (S. 81). Der Medienwissenschaftler analysiert einen Teaser der dritten Staffel der TV-Serie, in der die Hauptfiguren Jane Margolis und Jesse Pinkman das Georgia-O'Keeffe-Museum in Abiquiu besuchen ��� ein Ereignis, das in der Serie erz��hlerisch angedeutet, aber nicht eingel��st wird. Am Beispiel dieser "Analepse" (S. 82) entwickelt Balke u. a. mit Deleuze/Guattari den Begriff der "Empfindungsbl��cke" (S. 81), die sich aus jenen Wiederholungen speisen, denen eine "morphologische Dimension" innewohnt (S. 86). Die aus dieser Untersuchungsanordnung hervorgehenden Ver��stelungen, intermedialen sowie motivischen Wiederholungs- und ��bertragungsvorg��nge ��� mal fokussiert Balke serielle Wirk- und Wiederholungsprinzipien von Breaking Bad, mal jene der K��nstlerin O'Keeffe ��� er��ffnen eine Vielzahl unterschiedlicher Perspektiven auf das debattierte Begriffspaar des Sammelbandes. Die beiden tanz- beziehungsweise theaterwissenschaftlichen Artikel von Maren Butte und Sabine Huschka widmen sich Fragen der Erinnerungspolitik und des Fl��chtigen in den auff��hrenden K��nsten. Buttes Betrachtungen skizzieren Serialit��t und Wiederholung aus multiperspektivischer und diskursanalytischer Sicht und gliedern diese in Praxis, Entzug, Archiv und Fortdauer (vgl. S. 105-122). Der Ausgangspunkt ihrer Argumentation ist das widerspr��chliche Verh��ltnis der Denkfiguren des Fl��chtigen von Performances (im Sinne einer "Nicht-Wiederholbarkeit") und Wiederholung als "grundlegende[n] Verfahren der Auff��hrungsk��nste" (S. 105). Entlang einer eindr��cklichen Anzahl einschl��giger deutsch- beziehungsweise englischsprachiger theoretischer und ��sthetischer Positionen zeigt Butte, dass es gilt "Performance selbst als Wiederholung sichtbar [zu] machen" (S. 105) und als "lebendige[s] Archiv" zu begreifen (S. 106). Sabine Huschka n��hert sich ��ber Wiederholungsstrategien dem Erinnern im zeitgen��ssischen Tanz und reflektiert diese als "'historiographische' Tanzpraktiken" (S. 125). Die Tanzwissenschaftlerin arbeitet heraus, wie die zeitgen��ssische k��nstlerische Auseinandersetzung mit tanzgeschichtlichen Erinnerungen als "��sthetischer Reflexionsraum" fungiert, in dem "��berarbeitet, weitergef��hrt, (wieder-)gefunden und (wieder-)erfunden" wird (S. 127). Dies veranschaulicht sie anhand der choreografischen Projekte von Jochen Roller (The Source Code, 2012), Christina Ciupke und Anna Till (undo, redo and repeat, 2013) und Henrietta Horn (Le Sacre du Printempsvon Mary Wigman, 2013) und kommt zu dem Schluss, dass f��r eine vertiefte Analyse dieser Entwicklungen zwischen t��nzerisch-k��rperlichen Wiederholungsverfahren und kunstwissenschaftlichen Diskursen beziehungsweise Re-Enactments der Performancekunst unterschieden werden muss. Die beiden letztgenannten w��rden im Zuge einer "bildkritischen Praxis" als "Akt der Verlebendigung gefasst", wohingegen dem Tanz aufgrund dessen medialer Disposition der "Akt einer Vergegenw��rtigung" bereits innewohne (S. 146). Mit der Verschr��nkung kuratorischer und ��sthetischer Praxen besch��ftigt sich der Beitrag der Kunsthistorikerin Beatrice von Bismarck "Trans(pos)ition: In der Sprache des Kuratorischen" (S. 149-165). Mit Walter Benjamins ��bersetzungs-Begriff versteht Bismarck die "transpositionale Grundstruktur des Kuratorischen" (S. 151) als relationales Gef��ge, das insbesondere dann produktiv wird, wenn die "angestammten Bindungen" des gew��hlten Ausstellungszusammenhangs gelockert und in "neue Konstellationen" ��berf��hrt werden (S. 164). So untersucht sie Dominique Gonzalez-Foersters Roman de M��nster (2007) als ��bertragung von Ausstellungen (Skulptur Projekte M��nster 1977, 1987, 1997, 2007) in eine Installation, die den "Fokus von den Einzelwerken auf ihr Bezugssystem" verschiebt (S. 157), wobei "[d]er f��r die Transposition gew��hlte Modus der Fiktionalisierung [���] vorangegangene Bedeutungen, Funktionen und Status" (S. 159) neu denkt und (be-)schreibt. Nina M��ntmann beleuchtet in ihrem Beitrag das Kuratieren wiederum aus institutioneller und diskursanalytischer Perspektive (vgl. S. 167-191). Am Beispiel der documenta X und der Documenta II erl��utert die Kunsttheoretikerin ihre Thesen zur Umwertung des Ausstellungsformats in Wechselwirkung mit der 'Moderne' beziehungsweise dem Konzept des Zeitgen��ssischen (vgl. S. 167). Mit der Denkfigur vom "Sturz in die Welt" (S. 173f) entfaltet M��ntmann ihre Argumentation und den Versuch "die globalisierte Gegenwart aus einer kolonialen Vergangenheit" zu denken (S. 178f). Sie detektiert und erl��utert ein "Prinzip der Aktualisierung" (S. 189), welches sich auf den M��glichkeitshorizont jener k��nstlerischen Arbeiten bezieht, die "dokumentarische Elemente mit fiktiven und poetischen" (S. 189) kombinieren. Anstatt also "die verlorenen Schlachten der Vergangenheit als Scheitern zu akzeptieren", bilden die entstandenen M��glichkeitshorizonte den Auftakt auf diese "K��mpfe als noch offene, nicht abgeschlossene Aufgabe zu blicken, die wiederbelebt werden muss." (S. 189) Serialit��t und Wiederholung fungieren demnach als inhaltliche und formale Klammern des Sammelbandes, mit dem die Herausgeber*innen und Autor*innen diese Prinzipien (re-)konstruieren, aktualisieren und (re-)vitalisieren. Es sind dies unabgeschlossene und unabschlie��bare Projekte, deren Potenzial f��r Kunst, Theorie und Politik ��� dies gelingt es zu zeigen ��� trotz und wegen ihrer Profanisierung noch nicht ersch��pft ist. Literatur: Kalu, Joy Kristin: ��sthetik der Wiederholung. Die US-amerikanische Neo-Avantgarde und ihre Performances. Berlin: Transcript Verlag 2013, S. 249., [rezens.tfm], Nr. 2021/2

Der Aufsatz erschließt die bislang populärste deutschsprachige Heftromanserie, die seit 1961 ununterbrochen wöchentlich erscheint und Hunderttausende von Leserinnen erreicht hat, als Archiv gesellschaftlicher Selbstreflexion und kultureller Selbstverordnung. Die Komplexität und Kontinuität der Serie und ihre seit den Anfängen in Leserbriefen, Fanzines, Wikis und Online-Foren gut zugängliche Rezeption ermöglichen dem Beitrag erstens fundamentale Korrekturen an den Prinzipien der Massen- und Populärkulturforschung und zweitens die Untersuchung des Politischen der Gesellschaft, das die Serie nunmehr über 56 Jahre beobachtet, und zwar nicht allein anhand der Heftromane und ihrer Verweise, sondern ebenfalls anhand der intensiven Kontroversen um das Politische des gesellschaftlichen Kontextes und das Politische der Serie Perry Rhodan selbst, die in den Leserbriefspalten, Wiki-Artikeldiskussionen, Posts und Kommentaren nachzuweisen sind. Die Hypo these des Beitrags ist: Die Serie beobachtet das Politische der Gesellschaft, und sie provoziert, wie die Debatten in den Foren belegen, Beobachtungen des Politischen der Gesellschaft. Der Beitrag zeigt, wie in den Foren Autoren und Leser ihr politisches Selbstverständnis unter Beobachtung und aufs Spiel stellen, womit die Perry Rhodan-Forschung einen außergewöhnlichen und, mit Blick auf die Po pularität der Serie und die Quantität der Rezeptionszeugnisse, signifikanten Einblick in den Zusammenhang gibt von Selbstbeschreibungen der Gesellschaft, wie sie in literarischen Texten stattfindet, und kulturellen Identitätsentwürfen, wie sie in der Auseinandersetzungen um die Serie sichtbar werden.

Michael Niehaus: Was ist ein Format?; Carlos Spoerhase: Das Format der Literatur: Praktiken materieller Textualität zwischen 1740 und 1830

Serielle Medien wollen massenmedial verstärkte Resonanzen erzielen. Sie generieren ein historisch wandelbares Wissen, das sie für die Selbstverständigungen in Kultur und Gesellschaft relevant, d.h. für Kulturdiagnosen geeignet macht. Diese mediale Spezifik wird im vorliegenden Band systematisch wie historisch auf die Frage nach der Popularisierung und Reflexion von Technikwissen und Technikdiskursen hin untersucht. Fernsehserien bieten sich dafür wegen ihrer eigenen Zeitlichkeit an: Sie können sich narrativ komplex entfalten, auch weil in ihrer Plot-Anlage ein Ende nicht notwendig gesetzt wird. Fernsehserien bilden Technik in ihren Folgen dabei nicht nur thematisch ab, vielmehr organisieren technische Mittel ihre Darstellungsformen selbst. In Fallstudien zu einzelnen Serien dokumentiert vorliegender Band Facetten solcher Technikreflexionen. Abschließend stellt er eine Typologie ihrer Formvarianten zur Diskussion.

Die britische TV-Serie Doctor Who (1963-1989, 2005-) ist mit einer über 50 Jahre andauernden Laufzeit das am längsten ausgestrahlte Science-Fiction-Format. Gleichzeitig ist Doctor Who seit der Wiederbelebung im Jahr 2005 eines der erfolgreichsten Exportprodukte der BBC (vgl. Sweney 2011) und zählt nicht nur im Vereinigten Königreich auf eine treue Fangemeinde. Referenzen auf das langlebige Format finden sich in zahlreichen englischsprachigen Serien wie bei The Simpsons (1989-), Futurama (1998...

The Six Million Dollar Man ist eine US-amerikanische Fernsehserie, die von 1973- 1978 produziert wurde. Es entstanden fünf Staffeln mit insgesamt 108 Folgen zu jeweils 60 Min. Länge, die ab dem 18.01.1974 in den USA auf dem Sender ABC ausgestrahlt wurden. In Deutschland war die Serie erstmals am 18.07.1988 auf RTL Plus zu sehen. Sie basiert auf dem Roman Cyborg von Martin Caidin. Ausgestrahlt wurde der Pilot The Moon And The Desert 1972; er erzielte so hohe Einschaltquoten, dass man ihn in ei...

Die ‚Frage nach der Technik‘ ist nichts anderes als die an ihre Grenze getriebene Frage nach dem Sinn. Jean-Luc Nancy Mediengeschichte – Storytelling – Fernsehtheorie Zu einer Zeit, als das Fernsehen längst zur „Schaltstelle der Alltagskultur und des Alltagswissens“ bzw. zur „Sinnstiftungsmaschine“ (Kreimeier 2003, 177) sowie zum „Transmissionsriemen“ (Hickethier 1998, 1) sozialer Umschichtungen geworden ist und es dazu seit jeher als „medialer Kulturspeicher“ (Bleicher 20...

Mit apokalyptischem Pathos geraten Mensch und Maschine in Battlestar Galactica (2004-2009) aneinander. Doch am Ende der TV-Serie ist der populäre Topos Mensch vs. Maschine infrage gestellt – und damit auch die menschliche Angst, durch Technologie ersetzt zu werden, wie sie sich im Antagonismus von Organik und Technik spiegelt. Battlestar Galactica, das Remake der gleichnamigen Kult-Serie aus den späten 1970er Jahren (1978-1980), eröffnet dazu einmal mehr die für Science-Fiction typischen Ster...

Was heute noch wie ein Märchen klingt, kann morgen Wirklichkeit sein. Hier ist ein Märchen von übermorgen: Es gibt keine Nationalstaaten mehr. Es gibt nur noch die Menschheit und ihre Kolonien im Weltraum. Man siedelt auf fernen Sternen. Der Meeresboden ist als Wohnraum erschlossen. Mit heute noch unvorstellbaren Geschwindigkeiten durcheilen Raumschiffe unser Milchstraßensystem. Eines dieser Raumschiffe ist die Orion, winziger Teil eines gigantischen Sicherheitssystems, das die Erde und ihre ...

In der elften Folge der ersten Staffel von Mad Men (AMC, 2007-2015), die in Deutschland unter dem Titel Hitzewelle ausgestrahlt wurde, soll Peggy Olson in der Werbeagentur Sterling Cooper der Männercrew um Don Draper ein weiteres Mal auf die Sprünge helfen: Schon einmal gelang es der naiv scheinenden Sekretärin zur Überraschung der boy group, zu zeigen, dass sie texten kann wie ein Mann – und zwar gerade dort, wo es um die Sinnlichkeit von Frauen geht. Jetzt sitzen die Werbe-Profis der Agentu...

Take a look at the lawman Beating up the wrong guy. Oh man! Wonder if he’ll ever know He’s in the best selling show. Is there life on Mars? David Bowie (Life on Mars) Sam Tyler (John Simm) kommt sich zwar vor wie auf einem anderen Planeten, doch Life on Mars (2006-2007) ist keine Science-Fiction-Serie. Die fremde Welt, in der Detective Chief Inspector Sam Tyler nach einem Unfall erwacht, ist die seiner eigenen Kindheit: des Jahres 1973. Life on Mars ist...

This article identifies an important nexus in the serialised evolution of modern media, which we locate in the plurimedial beings that we term ‘serial figures’. Figures such as Frankenstein’s monster, Dracula, Sherlock Holmes, Tarzan, Fu Manchu, and others migrate across a variety of media, in the process becoming self-reflexive border-crossers that document the ongoing evolution of media. Ultimately, serial figures do more than simply thematise the formal logics of serialised media; they also enact, embody, and problematise the industrial and political logics of seriality that become pervasive in a globalising world.

Ziel des vorliegenden Beitrags ist es, die Gemachtheit populärer Comics, die in den Sonntagsbeilagen amerikanischer Zeitungen im späten 19. Jahrhundert entstanden sind, aufzufächern, und zwar mit Blick auf Produktionsund Rezeptionsprozesse. Anhand der beiden erfolgreichsten Zeitungscomicserien aus den Jahren 1895 bis 1897 – HOGAN'S ALLEY und MCFADDEN'S ROW OF FLATS – werden zentrale Aspekte der Comicproduktion nachgezeichnet, wie z.B. die Arbeitsbedingungen der Künstler, der den Zeichnern für die Comicgestaltung bereitgestellte Raum einer Zeitungsseite, oder andere an der Produktion beteiligte Personen, und ästhetische Mechanismen, mit denen die Serien arbeiten, untersucht. Es wird argumentiert, dass HOGAN'S ALLEY und MCFADDEN'S ROW OF FLATS eine Ästhetik des Seriellen entfalten, die drei miteinander verbundene Darstellungsoperationen beschreibt: das Gestaltungsprinzip der variierenden Wiederholung, expansive Präsentationsverfahren der Dopplung und Verzweigung, und die Rekursivität, d.h. die wiederholte Offenlegung der eigenen ästhetischen Operationen und medialen Bedingtheit in den wöchentlichen Comicseiten. Die durch diese ästhetischen Verfahren ermöglichten Konsumtionspraktiken möchte dieser Beitrag exemplarisch durchleuchten.

Der Beitrag beleuchtet die weitgehend unterrepräsentierte Räumlichkeit der Serie, die sich laut der zu verfolgenden These erst durch das serielle Gedächtnis der Zuschauer konstituieren kann, was exemplarisch an der HBO-Serie Game of Thrones (USA 2011–) ausgearbeitet wird. Da Serialität ein transmediales Phänomen darstellt, wird das Konzept des Transmedia Storytelling (Jenkins) herangezogen und gedächtnistheoretisch fundiert. Als Beispiel dient hierzu die von Telltale Games produzierte Videospielserie zu Game of Thrones, die Bekanntes und Neues kontrastiert. Aus der Analyse geht hervor, dass die Videospielserie den Raum der Fernsehserie nicht nur als Gedächtnisort reflektiert, sondern als adaptation und growth (Wolf) ebenso fetischisiert.

Seeking to expand established notions of documentary cinema, this essay suggests that the indexical, the evidentiary, and the representational are not enough to account for the work of documentary cinema in the real. Drawing on Gerd Kroske’s KEHRAUS trilogy (1990, 1997, 2006) on the lives of street sweepers in East Germany after the fall of the Berlin Wall, the essay proposes that documentary cinema be considered ‘an aesthetics of the frame’. The argument of the essay builds on the ways in which the three films relate the visible and the audible in the frame to what is left out. The outside of the frame becomes a defining element in how the documentaries capture and express the enfoldment of the Post-Wall transition period to the lives of the protagonists. Through analysing the technological, stylistic, and contextual qualities of the documentary frame in the three films, the essay draws attention to the frame’s embeddedness in the politics of recognition and in processes of actualisation. Instead of locating Kroske’s longitudinal project within the tradition of the indexical chronicle, the essay shows how the trilogy pushes reality to actualise.

Die vorliegende Dissertation widmet sich anhand eines kurios anmutenden, aber auf einer Metaebene fruchtbaren Vergleichs von Schutzbauwerken und Fernsehserien historischen und aktuellen Mechanismen menschlichen Denkens und Handelns. Als theoretische Basis dieser Abhandlung fungiert die Heterotopie – ein Konzept des französischen Philosophen Michel Foucault. Die Heterotopie ist ein inflationär gebrauchtes, oft nur oberflächlich betrachtetes Theorem. Das Konzept wird hier nun mit Blick auf das Gesamtwerk Foucaults en détail untersucht sowie um korrelierende Ansätze (Augé, Lefebvre, Soja ...) ergänzt. Aus dieser Betrachtung lässt sich ein über Foucault hinausgehender, analytisch nutzbarer Katalog ableiten. Verkürzt wird die Heterotopie folgendermaßen bestimmt: Neben der Definition der Heterotopie als Raum des Anderen, als (gesellschaftskritischer) Gegenraum kann sie dem wie auch immer bestimmten Normalraum unterstellt sein. Die Heterotopie ist möglicherweise eine bauliche Manifestation schwarz-weißen Denkens, von Ausgrenzung und sichtbarer Unsichtbarkeit, sie wird zur Realisation wie auch immer definierter Ideale oder Stereotypen. Die Heterotopie ist allerdings auch als ein (hybrides) Dazwischen denkbar, welches sich als katalytischer Raum, im dialektischen Sinne als Ort der Synthese äußert. Es könnte als Niemandsland oder als Phase (im Leben) charakterisiert werden. Analog zum letzten Beispiel lässt sich die Heterotopie als progressiv-seriell beschreiben. Ihre stagnierend bis variierende Serialität kann sich im Betreten identischer Räume äußern – mal als verlässlich oder ermüdend empfunden. Nicht nur die einem entsprechenden Raum entgegengebrachten Konnotationen sind vielfältig bis ambivalent, die Heterotopie ist neben real-räumlicher auch virtueller Fasson: Betonmauer finden bisweilen eine Entsprechung im einfachen Harmoniefernsehen. Einander heterotop gegenüberstehenden Räumen wird etwa mit der Figur Walter White in der komplexen Fernsehserie "Breaking Bad" entsprochen – ist er doch hin und her gerissen zwischen seiner biederen, aber geliebten Familie einerseits und der abstoßend gewalttätigen, aber extrovertierende Potentiale bergenden Drogenproduktion andererseits. Die sogenannte Leihkörperschaft bzw. die Immersion lassen sich zur Beschreibung verschiedener Heterotopie-Erfahrungen nutzen. Dieses Eintauchen/Betreten wird hier als Rezeptionsphänomen zwischen sensomotorischer Illusion und inhaltlich-narrativem Sog, zw. Fixierung des Körpers und Einbezug desselbigen definiert. Die beiden Untersuchungsfelder werden jeweils für sich historisch und theoretisch umrissen. Zum noch jungen Feld serieller Theorie/der Definition narrativer Typen (im TV bzw. dem Qualitätsfernsehen) wird ein einführender Überblick geboten. Die praktischen Arbeiten setzen sich ästhetisch, narrativ und inhaltlich mit der Heterotopie auseinander: In "Habitat" und "Habitat 2" werden serielle Konzepte audiovisuell (u. a. als Fulldome-Version) erprobt. Dabei wird insbesondere das Heterotope im Konzept "Autor" untersucht – der Autor als distinkte und gleichsam konfliktbehaftete, in zahlreiche Subjekte zerlegte Figur. "Habitat 3" ist ein Publikationskonzept, welches mit etablierten (heterotopen) Strukturen des Sammelbands bricht und zugleich die heterotopen Facetten des fiktionalen Fernsehens simuliert. Band I beinhaltet sowohl den theoretischen Teil der Promotion als auch die Erläuterung der praktischen Arbeiten. Band II ermöglicht einen Einblick in die konzeptionellen Prozesse hinter den drei künstlerischen Projekten.

Eine Gesellschaft, die sich in zunehmendem Maße als mediatisiert begreift, reflektiert und entwirft gerade in populären fiktionalen Formaten die (möglichen) Strukturen mediatisierter Welten und die Prozesse ihres Wandels. Das gilt besonders für Serienformate, aufgrund ihrer spezifischen Temporalität und ihrer Eingelassenheit in die Lebenswelt.Diese Monographie wirft einen Blick auf Phänomene des gegenwärtigen medialen Wandels in (und mit) verschiedenen Fernsehserien - von Pop-Series und Sitcoms über Mystery- und Science-Fiction-Serien bis hin zu den transmedialen Experimenten zeitgenössischer Serienformate.

Soziale und anthropologische Dimensionen von Technik Will man über Technik in Fernsehserien sprechen, wäre zunächst zu fragen, welcher Technikbegriff zugrunde gelegt werden soll. Der Philosoph Friedrich Rapp beschreibt Technik als ein „Eingeschaltetes zwischen Mensch und Welt“, das dazu dient, „die Welt nach den eigenen Bedürfnissen zu gestalten“ (Rapp 1994, 22). Technik in ihren beiden zentralen Bedeutungsvarianten – begriffen entweder als Realsystem (Gerät, Maschine) oder als Verfahre...