Search

Questo libro è una riflessione sullo spazio domestico e sul rapporto con la natura a partire dal concetto di ideale e dall’analisi degli esperimenti pubblicati su «Domus» dalla sua fondazione, nel 1928, fino alla sua sospensione nel 1945 a causa del secondo conflitto mondiale. Il termine “ideale”, associato alla parola “casa”, ha consentito a importanti figure del panorama architettonico del Novecento di riflettere sullo spazio domestico, interrogandosi sulle condizioni del proprio tempo e immaginandone nuove, non necessariamente realizzabili, in grado di evolvere il concetto di casa e la vita dei suoi abitanti. L’idealità, strumento per l’evoluzione della produzione scientifica, artistica e più in generale della vita sociale, è utilizzata in queste pagine come potente lente attraverso cui decodificare i significativi esperimenti descritti.

The Lucano flat In Via Washington in Milan, better known as “Casa di Fantasia”, realised by Gio Ponti with the collaboration of Piero Fornasetti in 1952, is a theatrical mise en scène, typical of a particular way of domestic space and the style characteristic of the architect's projects from the 1950s to the 1960s. The flat is an iconic example of the collaboration of the two designers, returned to public attention in 2019 thanks to an auction at the Phillips Gallery in London, dedicated to some of its fragments. A work in which the idea of uniqueness and 'total decorum' surpasses all limits thanks to the foresight of the commissioners, who were art collectors and actors in a grand theatrical composition. The rooms of the flat are chapters in a fable designed to surprise, to disorient, and the fil rouge of this storytelling is the illusion. Decoration plays a fundamental role in the configuration of the interiors: the trompe-l'œil technique, used for the boiserie of the rooms, de-materialises the borders of the space by dilating it, ideally eliminating its boundaries. The rooms follow one after the other Through a theatrical game of scenic backstage, Ponti gives life to a complex, unique system capable of transforming every single area of the house into a stage to be inhabited. The Lucano flat is a dream, a wunderkammer of obsessions and objects of desire. A manifesto of the designers' complex thinking, of the infinite possibilities of decoration and craftsmanship of the time.

La generazione di ricercatori che si è formata nel corso degli ultimi quindici anni nel campo dell’architettura degli interni ha vissuto una stagione molto particolare. Da un lato, a causa del ridimensionamento delle risorse destinate all’università, si è spesso trovata di fronte all’impossibilità di progettare percorsi di ricerca di medio e lungo periodo. Dall’altro, avendo vissuto la crisi del settore universitario come una condizione quasi permanente, ha dovuto continuamente indagare nuove strade e diversi strumenti operativi per farvi fronte. Finendo, così, per individuare percorsi e profili innovativi di ricerca che, pur aderendo maggiormente alle necessità del reale, in molti casi sono ancora in attesa di valorizzazione. Questo volume raccoglie i contributi di giovani studiosi del settore, attivi in Italia o all’estero, e di chi conduce studi sui temi delle discipline degli interni, per provare a mappare gli orientamenti emergenti nel campo, su e attraverso il progetto. Il suo obiettivo è quello di fare emergere convergenze inaspettate, linee di ricerca promettenti e profili ancora poco valorizzati, nonché di restituire all’esterno la vitalità di una comunità che raramente trova occasioni di incontro e di confronto interno.

I grandi complessi residenziali ad alta densità costruiti a partire dal secondo dopoguerra rispondevano a visioni sociali spesso troppo ardite perché potessero realizzarsi in assenza di una comunità altrettanto ideale. Le Unité d’Habitation lecorbusieriane sono esempi eloquenti. In una corsa per costruire l’intervento più monumentale, si sono perse di vista le esigenze di chi vi dimora, il loro mutare nel tempo e le condizioni economiche, sociali e culturali dei contesti nei quali sorgono. Come evitare che questi luoghi divengano territori marginali e ghettizzati e come si intervenire per invertire processi di degrado? Il contributo vuole affrontare il tema analizzando esempi celebri del passato e volgendo lo sguardo ad architetture più recenti.

Four well-known 20th century interiors demonstrate that seduction is the space for play, illusion and challenge. Ettore Sottsass’ camera per fare l’amore and the spaces devised for repose at Carlo Mollino’s Casa Devalle in Turin, Carlo Scarpa’s Casa Ottolonghi in Bardolino and Le Corbusier’s Villa Savoye in Poissy, were designed to se-ducere, to lead aside, they are the mirror of the unconscious and of desire.

Il presente contributo intende illustrare gli esiti di una ricerca applicata condotta da un gruppo di docenti e giovani ricercatori del Dipartimento di Architettura dell’Università di Napoli Federico II, coordinato dalla prof. Renata Picone, finalizzata al restauro e all’accessibilità delle Terme suburbane dell’antica Pompei1. Il sito archeologico pompeiano è unico nel suo genere in quanto si presenta tutt’oggi come una città “integra” nella sua conformazione urbana e densa di architetture di valore. Rendere fruibile un bene culturale che è una città, è un’operazione progettuale complessa, che necessita della sinergia di diversi saperi e orientamenti disciplinari; richiede un atteggiamento di analisi e ascolto in grado di associare ad azioni di salvaguardia interventi volti ad una rilettura di valori e di significati sommersi. Nel caso specifico, il progetto della nuova accessibilità alle Terme Suburbane di Pompei, tassello del più ampio programma di valorizzazione dell’Insula Occidentalis, ha rappresentato l’occasione per sperimentare una metodologia di intervento applicabile ai manufatti di altrettanta importanza, nella quale discipline diverse come il Restauro, la Progettazione architettonica e urbana, l’Allestimento, l’Illuminotecnica e la Comunicazione hanno contribuito, in una costante interrelazione dialettica, a definire una proposta di intervento, rispettosa della storia, dell’identità e soprattutto della fragile materia antica del manufatto e di tutte le sue successive stratificazioni. La ricerca si è posta l’obiettivo non solo di risolvere i problemi fruitivi da un punto di vista tecnico, ma di catturare il visitatore e renderlo protagonista di un’opera nata con una vocazione pubblica, nel rispetto di ciò che di essa si è conservato. Lo spazio, anticamente animato da un numero cospicuo di persone, viene inteso nuovamente come un luogo di condivisione e conoscenza in grado di coinvolgere le emozioni e le memorie di un pubblico quanto più possibile ampio.

Questo libro è nato come una riflessione teorica sull’abitare in strutture ad alta densità ed alto valore ideale, progettate per rispondere a programmi sociali ambiziosi, ma che hanno finito per tradire le aspettative iniziali, mostrando lacune o debolezze. Le ragioni che ne hanno segnato il fallimento, così come la portata rivoluzionaria del loro esempio, si possono però comprendere solo se ci si spinge a osservare ciò che trapela del modo in cui vengono abitati i loro interni. Dietro ad architetture iconiche dall’aspetto e dalla scala inumana si celano diverse soglie di “internità”, non immediatamente evidenti, presenti nelle fotografie che accompagnano lo scritto: scorci di intimità rubati.

Questo libro “rinuncia” al titolo, così come accade a molte opere d’arte. Cosa si nasconda dietro questa scelta è ciò che ogni generazione di fruitori, dagli inizi del Novecento ad oggi, si è chiesta al cospetto di opere enigmatiche, volutamente aperte all’interpretazione. Sebbene il sottotitolo chiarisca il campo di indagine, la scelta di non dare un nome al volume è stata determinata dalla volontà liberare la lettura dalle nozioni acquisite su una pratica comunemente conosciuta come Arte Pubblica (o Public Art) e invita ad una fruizione “aperta” delle dinamiche che legano l’arte allo spazio urbano. Numerosi sono gli studi condotti negli ultimi dieci anni da sociologi, storici e filosofi, necessari per la comprensione di questo complesso fenomeno. “Senza titolo. Arte, progetto urbano e identità collettiva” utilizza riferimenti e riflessioni teoriche attinenti al mondo dell’architettura e del progetto, dimostrando come l’arte, estendendo il suo campo di intervento alla modificazione del paesaggio, all’espressione dei valori della comunità e alla trasformazione dell'immagine di parti della città, sia oggi un simbolo di maturità, di democrazia urbana e rappresenti una nuova “figura dell’abitare”: uno “strumento” in grado di innescare processi e reazioni, migliorando così la vita del cittadino attraverso la costruzione di frammenti significativi di interiorità.

The paper analyzes the theme of threashold rereading the main issues of research on domestic space carried out by Adriano Cornoldi, professor of Interior Architecture at the University IUAV of Venice, the home sites. The goal of the search for Cornoldi, was not to identify categories of analysis for the domestic space different from the existing ones, but enrich the content by placing people and their gestures to the space center. That's how actions such as Access, Delving, Moving, Looking out, Withdrawing and Gathering, are transformed into an itinerary of archetypes can describe the sights, the meanings and the founding themes of domestic inhabiting. The theme of the threshold, in a more or less explicit way, recurs in the categories identified with a certain continuity. The Cornoldi studies demonstrate that the presence of man and his choices is the reason of space and justify the construction of passing places, often devoid of a real spatial definition, which however are able to return dwelling principles analogous to an interior defined by its materiality.

“Il nostro ambiente è saturo di colori che, di giorno e di notte, negli spazi pubblici e in quelli privati, stridendo o sussurrando, esigono la nostra attenzione. […] Noi siamo letteralmente immersi in colori carichi di significato, e veniamo programmati con i colori. Essi costituiscono un aspetto del mondo codificato in cui dobbiamo vivere” (V. Flusser 2004, 3). In architettura il colore rappresenta le superfici, le configura e le condiziona. Se la materia è lo strumento del costruire e la luce rappresenta la vita, il colore è ciò che tiene insieme questi due elementi espressivi: è la risposta della materia alla luce” (Casalini 2015, 53). Se si fa riferimento alla radice latina da cui proviene la parola colore, colorem – coprire, nascondere – è possibile ricondurre l’azione di tingere una superficie ad un tentativo di mascherare ciò che esiste, ad uno stratagemma per rappresentare qualcosa di non reale. La scelta del colore in architettura è quindi capace di nascondere e allo stesso tempo rendere prezioso un contenuto: è una “pelle” in grado di “proteggere” ciò su cui viene applicato svolgendo, allo stesso tempo, una funzione estetico/percettiva (Cfr. Donghi, 1925, 299). L’uso del colore ha un rapporto diretto con l’espressività, con il messaggio che il progettista intende trasmettere e ha da sempre posseduto una funzione culturale: quella di rappresentare la contemporaneità. Oggetto di lunghe controversie per tutto il corso del XX secolo, è sempre stato un mezzo di comunicazione. “Demonizzato” da John Ruskin, che considerava i colori propri dei materiali da costruzione gli unici da poter utilizzare, impiegato esclusivamente in maniera “ornamentale” durante l’Art Nouveau, acquisisce una potenzialità spaziale con il Bauhaus, grazie alle esperienze della avanguardie pittoriche di cubisti e astrattisti, per poi dare vita durante il Movimento Moderno, unitamente alla forma dell’architettura, ad una nuova idea di spazio dominata dal movimento. Elemento strutturale – come nell’opera di Theo Van Doesburg – , in alcuni casi, strumento di riqualificazione urbana – come nell’opera di Bruno Taut – , il colore viene riconosciuto “quale mezzo espressivo in grado di influenzare la percezione dello spazio rendendo oggettivo il [suo] ruolo simbolico-sociale […] e, non meno importante, la sua influenza sulla psicologia dell’uomo” (Mottura, 2016,14). Il presente saggio indaga il rapporto tra interno architettonico e colore a partire dal graduale e apparente disinteresse per gli aspetti cromatici dell’architettura. Se l’architettura si è, ad eccezione di pochi casi, prima “mascherata” di bianco e vestita nella contemporaneità delle più varie decorazioni, il colore ha sempre abitato il suo interno, trasformando lo stesso in una inaspettata rivelazione.

It's been more than a hundred years since Adolf Loos wrote Ornament and crime1, a text apparently prohibitionist, moralistic, with an economic background, still considered crucial to understand the importance of relationship between architecture and decoration. Against any kind of affectation, Loos is launching a battle against the ornament – or better against the ornament abuse – most visible and representative expression of a deep crisis of historicism. Taking simply nineteenth-century theory on textile origin of architecture developed by Gottfried Semper2, he highlights the difference between two types of coating: one born to "reveal" or "mask" the architectural structure. “I Bekleidung and Verkleidung concepts, translatable respectively with the terms coating and disguise, have always been subject of debate on relationship between architectural envelope and decoration and are basis of a yield issue even more relevant today [...] in the changed technical and technological horizon”3. The paper provides an insight on contemporary world, through the analysis of theoretical contributions and projects that which can demonstrate the importance of decoration today, an essential element of architectural design.

The competition for the construction of a staircase leading to the bell tower of the Basilica of Santa Chiara in Naples was published with the aim of ensuring a new use of a pre-existence of great historical and artistic value, characterized by a complex spatial organization. The following project interprets the design of the access to the tower structure as an opportunity to reclaim the space around it. In line with the notice of competition, the new architecture is intended to mend the tear generated over the years by numerous interventions of modification and restoration that have characterized the monastic complex.

The restoration and adaptative re-use of modern interiors require awareness of the particular role that has the interior space and, in it, the relationship between space and furnishings in the idea of modern architecture. This has meant the interior design not only as a defining element of detail or furniture, but as a place of primary genesis of the architecture, the design of which starts from the inside to define volumes, prospects and relations with neighboring areas. Programmatically modern architecture has placed the recognition and analysis of the needs, not only primary, but also cultural and existential at the base of the design action. Compared to the traditional idea of interior space through "areas", understood as spatial units defined by fixed margins, albeit interconnected in different ways, the architecture is divided into modernity by "fields", or chunks of space, which coagulate around actions or movements, or around the desire to build a relationship between the people, and therefore defined by the equipment of furniture, margins even virtual or labile, around which are gathering fixed margins of construction, acquiring and managing the way relationship between inside and outside. The void becomes the raison d'être of the full. The problem of interior space is therefore a key to understanding the meaning of modern architecture. Le Corbusier's work around the concept of space of the house, for example, could not regardless of the research on the role of furniture: the projects of the twenties may not be fully understood unless also investigating his work on furniture, through the projects presented in 1925 and in 1928; it is clearly the desire to entrust to the furnishings and their relationship a generative role in the architectural space and to make them able to live in the middle of the empty space. Awareness of the role of the relationship between furniture and interior spaces in the construction of the sense of modern architecture is essential to define strategies useful for its reuse. Issues relating to style are very important, however, is especially this relationship a crucial point at which you need to compare any conservation work or adaptation to new behaviors to make legible the original sense of the project. Some examples of architectures not transformed into museums but still inhabited, allows to analyze where and in what resides greater the sense of those works, and consequently the impact of their reuse.

Architecture materializes in a deined space bounded by the ground, from which structures raise, and by the sky above. It belongs to the Mellomrom, a Norwegian term that identiies a space in between in which the continuous research for an horizon often leads to deine space through a manipulation of the horizontal limits. This way of thinking about the project, typical of the Nordic architectural design, represents a fundamental step of the origin of construction, a practice recognizable also in nature. The space between heaven and earth is the place of living, is an area of public and private relationship, open or enclosed by walls, where to experience the daily life. Therefore architecture takes shape through both the level of deinition of its size, which welcomes inhabiting, and the level that protects and shelters life from climatic hostile conditions. Stay on the earth means live on it. Stay on the earth means, as Martin Heidegger said, be “under heaven” and inhabiting, therefore it also means to be able to build interiors: little personal cosmos in which ind oneself while at the same time be open to the world; places where horizontal margins, constitutive shaping elements of the architectural interior, can contribute to the quality and comfort of individuals’ life.

Alcuni termini su cui sembra coagularsi la riflessione di oggi – ad esempio, resilienza, rigenerazione e vulnerabilità – si pongano sulla scia di molti altri slogan, confermando una modalità che ha sempre caratterizzato il mondo dell’architettura. Il procedere per parole chiave come sintesi di punti di vista ideologici ha storicamente influenzato il dibattito. Progettisti abili hanno cavalcato con perizia slogan, magari essendone gli inventori, utilizzandoli come réclame per promuovere il loro lavoro. In realtà, però, bisogna osservare il processo opposto e cioè se il progetto è in grado di dare sostanza alle parole. Di più, se l’architettura realizzata riesce a fornire una etimologia ai termini che si addensano ciclicamente come sintesi di verità, è necessario dare un seguito concreto ai significati delle stesse parole chiave. Se dobbiamo porre il paesaggio al centro –pensando al titolo del convegno non come ad uno slogan ma ad un modo per inquadrare una specificità– si scopre che l‘unica risposta pertinente rispetto al paesaggio è quel la di praticare un‘azione interscalare; ovvero una maniera di intendere il progetto senza quelle false limitazioni dei settori scientifico disciplinari ICAR 14, 15 e 16. In buona parte questa affermazione deriva da una diretta esperienza di ricerca, sviluppata con un PRIN di qualche anno addietro, che ha confermato l’impossibilità di separare l‘architettura dal paesaggio, o se si preferisce il progetto di architettura da quello del paesaggio.

“Le città sono un insieme di tante cose: di memoria, di desideri, di segni di un linguaggio; le città sono luoghi di scambio […], ma questi scambi non sono soltanto scambi di merci, sono scambi di desideri, di ricordi” . Pompei è una città viva, un poetico componimento in cui ogni singolo frammento, ogni dettaglio, ha la capacità di raccontare una storia millenaria, di accompagnare il visitatore in un grande interno dalla forma urbana concreta, chiara, limitato e definito da un’architettura, oggi ridotta a rudere, di qualità. L’idea di progetto è stata quella di ricucire il tessuto esistente lavorando per frammenti, con minuzia e delicatezza, al fine di migliorarne la percorrenza senza alterare l’impianto urbano esistente: un’operazione chirurgica volta ad ampliare la fruizione del sito, riconoscerne la qualità ed esaltarne le peculiarità. I dispositivi disseminati nei nodi di maggiore interesse offrono la possibilità di vivere la città come un grande interno urbano in cui le caratteristiche psicologiche di orientamento e identificazione entrano in gioco coinvolgendo il visitatore e accompagnandolo nel percorso di riscoperta di una città reale e allo stesso tempo immaginaria, che «contiene il suo passato come le linee di una mano» . Ampliare la fruibilità del sito e migliorarne l’accessibilità significa restituire all’insediamento la sua identità: Pompei è uguale ad ogni altra città e come tale va vissuta.

In contemporary nomadism the inhabited space, whether it is the dwelling, a shopping center or an exhibition structure, is no longer a place anchored to the ground, stable. Its style involves essentialism, transportability and adaptability, it is in continuous motion. We are talking about a new form of communication in which content and container are born with one and the same intent: to mark the spaces where they are located, even for a short time, in a critical and significant manner. “Once it was referred to as “nomadic architecture”, inspired by the Mongolian yurts, Gypsy caravans and Native American teepees. Today their appearance is completely different but there is still the desire to develop small transportable environments that respond to all the needs in a way that respects the environment and makes intelligent use of resources” (Richardson 2001). There is no pre-established place; the architectural object relates to the city and its inhabitants with its peculiarities, always in a different way, creating mess, putting on a show and at the same time triggering an economic, social and cultural mechanism. This particular trend of contemporary architecture contributes to sustainable urban development and becomes, if filtered by an awareness of the specificity and diversity of the interventions ‘the medium to trigger ongoing progress that is not ephemeral.’ A reflection about the existing space, about the relationship between the setting and the new object, can meld architecture, art, design and social intervention, thereby removing all disciplinary barriers between the parts.

In contemporary nomadism the inhabited space is no longer a place anchored to the ground, stable. Its style involves essentialism, transportability and adaptability, it is in continuous motion. Once it was referred to as nomadic architecture, inspired by the Mongolian yurts, Gypsy caravans and Native American teepees. Today their appearance is completely different but there is still the desire to develop small transportable environments that respond to all the needs of the residents in a way that respects the environment and makes intelligent use of resources. Since the first decades of the 1900s, the theme of mobility has been widely dealt with by theoreticians and architects involved in the research of a new way of understanding the city and its architecture. Since the first decades of the 1900s, the theme of mobility has been widely dealt with by theoreticians and architects involved in the research of a new way of understanding the city and its architecture. These were experimenters of new languages and technologies that could respond to the changing needs of life. Historic examples and contemporay case studies of mobile architecture describe a preindustrial world not bound to place but possessed by an ideology of itinerant and nomadic responses to permanence. The most fascinating aspect of this is definitely the capability to modify places for a short term, improving the existing structure and reinterpreting its characteristics. This approach ignores the less valuable elements and, since the changes are reversible, it enters a kind of dialogue with the setting, making irreverent or tongue-in-cheek comments. This approach regenerates places in a sustainable manner, intervening on the urban fabric without exploiting its resources but, on the contrary, adding value to it. This approach stimulates new relational dynamics between cities, architectures, objects and individuals, and in so doing it often strongly affects the local economy. We are talking about contemporary projects, instantaneous domesticities, manifesto of a real reflection on the existing space and the characteristics of the interiors. These reversible, transportable, modifiable, adaptable architectures convey complex locational content with the added quality of responding not only to one place or specific moment but to an existential need of human beings to identify with their own habitat.