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Neste artigo pretendo descrever, investigar e refletir sobre o ambiente criativo da Orquestra Errante em suas relações com a improvisação e com processos de subjetivação e individuação. Me interessa também discutir em que medida e de que forma a improvisação interage com determinadas configurações socioculturais e políticas. Para isso, pretendo examinar registros (escritos, gravados e filmados) de ensaios e apresentações, e realizar entrevistas e conversas com integrantes do grupo. Neste tipo de investigação é importante saber o que os seus integrantes falam de si no ambiente da orquestra. Alguns conceitos de Gilles Deleuze e Gilbert Simondon serão utilizados para subsidiar estas reflexões.

Neste artigo abordo a questão do controle e da intencionalidade em performances puramente musicais ou que envolvam outras linguagens artísticas e novas tecnologias. Parto de considerações preliminares sobre o assunto relacionando-o aos contextos em que a performance se baseia na interpretação de obras escritas e aos contextos em que a mesma ocorre através da improvisação onde o conceito de obra não é tão relevante. Em seguida relaciono os mesmos temas aos ambientes de improvisação idiomática e às práticas de improvisação livre. Com relação a este aspecto, discorro sobre a questão das memórias coletivas e individuais que condicionam os ambientes de performance, relacionando-a aos conceitos de conhecimento de base e referente. Posteriormente, defino a noção de ambiente complexo de performance como sendo aquele em que vários componentes heterogêneos (inclusive componentes digitais) interagem. Finalizo o texto discutindo de forma preliminar, estes temas através de exemplos de ambientes complexos de performance.

This paper aims to expand the research on ecological synthesis models (KELLER, 1999) through the inclu- sion of improvisation practice. We propose a formalization of creative processes in sonic improvisatory-compositio- nal environments (targeting comprovisation), based on ecologically grounded creative practices. Our approach en- tails the use of socio-ecological models that deal with complex adaptive systems [SIBERTIN et al., 2011]. We develo- ped a performance/experiment called The Maxwell Demon, as a case study. The observations done during the study indicate that imitation is an important strategy for creative activities in socio-ecological systems. Improvisation may provide a relevant sonic content in ecological environments, enhancing their flexibility without losing consistency. Keywords: Comprovisation; Socio-Ecological System; Performance/Experiment

Neste texto busco relacionar conceitos desenvolvidos por Georges Simondon a respeito dos processos de individuação com as minhas reflexões sobre o plano de consistência da livre improvisação musical. Para fomentar esta reflexão utilizo formulações anteriormente desenvolvidas no âmbito da minha pesquisa de doutorado (2003) em que me apoiei na filosofia de Deleuze e Guattari para investigar o funcionamento dinâmico dos ambientes de livre improvisação musical. O objetivo é afirmar e detalhar o caráter processual e imanente da prática de livre improvisação musical, cujo fluxo se delineia na forma de uma sucessão de estados provisórios. As noções de devir, multiplicidade e transdução serão fundamentais para o desenvolvimento da argumentação.

Nos últimos anos a improvisação passou a figurar como um tema cada vez mais presente nos ambientes acadêmicos e hoje é considerada uma importante linha de pesquisa. A nossa reflexão sobre a livre improvisação, além de se apoiar em nossas experiências práticas, tem como uma das suas principais referências a obra do filósofo francês Gilles Deleuze de quem são emprestados conceitos fundamentais tais como, estratificação, território, plano de consistência, molaridade e molecularidade, corpo sem órgãos, ritmo, meios e ritornelo. Neste artigo, originalmente publicado no número 49, vol. 1 da revista Perspectives of New Music, trataremos de mostrar de que forma estes conceitos nos auxiliam a pensar e fundamentar a livre improvisação musical conforme a concebemos em nossos trabalhos práticos e teóricos. Recently, improvisation has been integrated as a theme increasingly present in scholarly environments and it is now considered as an important line of research. Our thinking about free improvisation, besides relying on our practical experience, has the work of French philosopher Gilles Deleuze as a central reference from which we borrow key concepts such as stratification, territory, plan of consistency, molarity and molecularity, body without organs, rhythm, means and refrain. In this article, originally published in Perspectives of New Music, number 49, v.1, we will try to show how these concepts help us think and support the free musical improvisation as we conceive it in our practical and theoretical work.

Esta tese apresenta pesquisas autoetnográficas envolvendo processos de criação musical em tempo real em diálogo com as especialidades da Antropologia dos sentidos e o pensamento decolonial no intuito de aproximar o conhecimento performativo musical a noções estudadas nestes campos. A partir destes diálogos, estudos conceituais e processos criativos, foram desenvolvidas propostas coletivas de improvisação e performances autorais com a intenção de observar aspectos sensoriais que não somente a audição na criação musical em tempo real. Tais processos promoveram a busca por uma decolonização da escuta e situações performativas que estivessem associadas a tal conceito. Além do texto, esta pesquisa apresenta material audiovisual armazenado no site do autor (fabiomanzione.com/pesquisa atual), os quais são produtos dos processos de criação musical em tempo real realizados individual e coletivamente entre os anos de 2018 e 2022. This thesis presents autoethnographic research involving processes of real-time music creation in dialogue with the specialties of the Anthropology of the Senses and decolonial thought in order to approximate the performative musical knowledge to the notions studied in these fields. From these dialogues, conceptual studies and creative processes, collective proposals of improvisation and authorial performances were developed with the intention of observing sensorial aspects other than just hearing in real-time music creation. Such processes promoted the search for a decolonization of listening and performative situations that were associated with the concept. In addition to the text, this research presents audiovisual material stored on the author\'s website (fabiomanzione.com /current research), which are the results of real-time music creation processes performed individually and collectively between the years 2018 and 2022.

Esta tese é um dos resultados de uma pesquisa de doutorado radicalmente qualitativa em improvisação musical realizada na Universidade de São Paulo. No percurso de documentação do meu processo criativo e minhas práticas, esbarro em assuntos como subjetivação, branquitude na música, construção de instrumentos e processos de gravação e documentação de improvisação musical. O formato em sessões que podem ser lidas em qualquer ordem remete à não-linearidade, comum na música improvisada, e ao sítio digital no qual o material da pesquisa estará disponível junto com os exemplos de som e vídeo. Neste processo de criação e registro ressoam ideias de Gilles Deleuze e Felix Guattari, principalmente em relação a rizomas, linhas de fuga, repetição, serialização e (des)estratificação. A noção de cuidado de si, descrita por Michel Foucault, inspira a organização das práticas que adotei no meu processo e apliquei em campos nas universidades USP, UFC, UECE, UFSB e UCSD, com financiamento parcial do programa Fulbright. This thesis is one of the results of a radically qualitative doctoral research in musical improvisation, carried out at the University of São Paulo. In the path of documenting, I run into topics such as subjectification, whiteness in music, construction of instruments and processes of recording and documenting musical improvisation. The format that includes sessions which can be read in any order points to non-linearity, common to improvisation, and to the website where all the sound and video examples will be made available. In this process of creation and documentation, we find influences of Gilles Deleuze and Felix Guattari, especially in regards to rizomes, lines of flight, repetition, serialization and (de)stratification. The notion of care of the self, as presented by Michel Foucault inspires the organization of practices adopted in this process and applied in the fields at USP, UFC, UECE, UFSB and UCSD, partially funded by the Fulbright program.

A presente tese visa expor o desenvolvimento de um modelo geral que contempla obras musicais que se situam entre a composição e a improvisação musical, área atualmente conhecida como comprovisação. No geral, este trabalho oferece uma leitura abrangente do cenário atual de comprovisação, oferecendo uma discussão específica da bibliografia na área. Apresentamos aspectos filosóficos e estéticos que serviram de base para o desenvolvimento do modelo. A ênfase foi dada ao conceito de Gelassenheit, (Heidegger, 1966) e aspectos retirados da pesquisa sobre sonificação. Nossa modelagem, comprovisação baseada em modelos (CBM) permite, por meio de planos de ação (planos de diretrizes e planos de contingência) uma organização geral que busca o equilíbrio entre os dois pólos musicais pretendidos (composição e improvisação). Por meio de obras comprovisadas (estudos de caso), desenvolvemos estratégias tanto para a criação quanto para a análise desse tipo de material. Durante os seis estudos de caso, abordamos pontos como: processos técnicos de construção de instrumentos, retroalimentação sonora, notação musical gráfica via fluxogramas, notação musical verbal subjetiva, etc. Além dos processos artísticos, discutimos propostas baseadas em pesquisas em cognição que foram incorporadas nos processos de construção e análise de comprovisações. This thesis exposes the development of a general model to contemplate musical works that are situated between musical composition and musical improvisation (comprovisation). This work offers a comprehensive reading of the current scenario of comprovisation, offering a specific discussion of the bibliography in the area. We present philosophical and aesthetic aspects that served as the basis for the development of the model. Emphasis on Gelassenheits concept (Heidegger, 1966) and aspects of sonification research was the focus. Our modeling, model-based comprovisation (CBM) allows, via action plans (guideline plans and contingency plans) a general organization between the two intended musical poles (composition and improvisation). Based on comprovised works (case studies), we develop strategies for both the creation and the analysis of this type of material. During the six case studies, we discussed points such as: technical processes of instrument construction, sound feedback, graphic musical notation via flowcharts, subjective verbal musical notation, etc. In addition to the artistic processes, we discussed proposals based on research in cognition that were incorporated into the processes of construction and analysis of comprovisation.

Este trabalho propõe uma investigação sobre a utilização da improvisação enquanto ferramenta durante um processo composicional. De início faremos uma explanação em torno do assunto, abordando algumas temáticas relacionadas às principais formas de improvisação e investigando diferenças e similaridades em meio aos diversos contextos em que ela está presente. Passamos então ao foco principal desse trabalho, que é investigar a improvisação não como um fim em si mesmo, mas no seu papel enquanto recurso intermediário para a composição. Falaremos sobre como essas duas atividades se relacionam, bem como os supostos benefícios, limites e desafios de se empregar a improvisação como um instrumento composicional. Em paralelo a isso, esta pesquisa conta com um estudo de caso, que objetiva relacionar e explorar de forma prática os conceitos abordados. Tal estudo se deu através da escrita de uma peça para piano solo, na qual a improvisação foi extensivamente utilizada, como um laboratório experimental de criação, durante todo o processo composicional. Ao final da dissertação, analisaremos também outros trabalhos artísticos produzidos em paralelo a esta pesquisa, nos quais a improvisação atravessa o processo criativo, gerando resultados sonoros distintos. Nesse sentido, pretendemos demonstrar como a improvisação se consolidou, de modo particular, como um aspecto relevante e fundamental para a construção de poéticas de criação. The main goal of this work is to investigate the use of improvisation as a tool during a compositional process. Initially, we will make an explanation about the subject, first addressing some connections related to the main forms of improvisation, investigating differences and similarities amid the diverse contexts in which it is present. We then move on to the main focus of this work, which is to investigate improvisation not as an end in itself, but its role as an intermediate resource for composition. We will talk about how these two activities are related, their possible intersections, the supposed benefits, limits and challenges of using improvisation as a compositional tool, relating these two practices to a single objective, which is the finished musical work. It is precisely in the production of this result that we will dedicate ourselves in parallel to the development of the research, bringing a case study in order to relate and explore in a practical way the concepts covered, through the writing of a solo piano piece, where improvisation is extensively used as an experimental laboratory of creation throughout the compositional process. Finally, we will also present other artistic works, of a personal scope where improvisation runs through the creation process, as a guiding thread in the genesis of different creative results, consolidating itself as a relevant and fundamental aspect for the construction of a particular creative poetics.

Esta pesquisa aborda possibilidades de criação artística a partir da mútua interferência entre referências da música paraguaia e procedimentos de livre improvisação musical, duas questões que são fundamentais na minha trajetória como artista pesquisador. Sob essa perspectiva, desenvolvo um estudo que aciona as ideias de jogo, performance e criação coletiva/colaborativa a partir da exploração de referências paraguaias nos grupos Orquestra Errante e KairosPania Cia. Cênico Sonora, vinculados ao Núcleo de Pesquisas em Sonologia (NuSom) da USP. As interferências entre referências paraguaias e procedimentos experimentais de criação que foram explorados em ambos os grupos criaram uma zona de atrito, reflexão e movimento de onde retirei questões sobre linguagem e territórios artísticos, composição e improvisação grupais, a utilização de referências e diretrizes nos processos criativos, retroalimentando em certa maneira novos processos criativos com os grupos e que resultaram na criação de performances apresentadas dentro e fora da universidade. Esta investigación aborda posibilidades de creación artística a partir de la mutua interferencia entre referencias de la música paraguaya y procedimientos de la libre improvisación musical, dos cuestiones que son fundamentales en mi trayectoria como artista investigador. Desde esa perspectiva, desarrollo un estudio que acciona las ideas de juego, performance y creación colectiva/colaborativa a partir de la exploración de referencias paraguayas en los grupos Orquestra Errante y KairosPania Cia. Cênico Sonora, vinculados al Núcleo de Pesquisas em Sonologia (NuSom) de la USP. Las interferencias entre referencias paraguayas y procedimientos de creación experimental que se desarrollaron en ambos grupos creó una zona de fricción, reflexión y movimiento de la que extraje reflexiones sobre el lenguaje y los territorios artísticos, la composición e improvisación grupal, el uso de referencias y directrices en los procesos creativos, que en cierto modo retroalimentan nuevos procesos creativos con los grupos y que resultaron en la creación de performances presentadas dentro y fuera de la universidad.

Essa pesquisa busca investigar os diálogos entre o espaço e o som. Nossa intenção será expor um panorama envolvendo poéticas que se apropriam da dimensão espacial e sonora de forma intrínseca. Trataremos inicialmente de apresentar algumas reflexões em torno de práticas e processos considerados emblemáticos para o nosso objeto de pesquisa. No decorrer de nosso percurso estaremos em contato com autores como Makis Solomos, Murray Schafer, Barry Blesser e Linda Ruth Salter, além de artistas como Xenákis, Le Corbursen, Varése, Alvim Lucier e Janet Cardiff. Nossa proposta busca levantar um panorama conceitual em torno do tema, para, logo em seguida, avaliarmos suas aproximações com o nosso próprio trabalho autoral. Nossas referências conceituais serão, portanto, incorporadas como ferramenta para analisarmos os três trabalhos autorais criados e apresentados como resultado central da pesquisa. A metodologia aqui adotada possui uma abordagem que nasce de uma forma de investigação conduzida pela ação prática. Isso significa reconhecer que nosso processo de criação esteve imerso em procedimentos experimentais e performáticos como aspectos convenientes para a criação e reflexão no âmbito da Sonologia. Como nossa maior contribuição para o tema, veremos de que forma a instalação Red Line faz uso de sons e lasers para compor um espaço poético diferenciado. Trataremos de esclarecer de que maneira os recursos tecnológicos são incorporados para proporcionar formas de interação tanto com o participante quanto com o espaço. Em seguida, veremos como o trabalho intitulado Latitude Longitude incorpora o fenômeno acústico do eco como elemento catalizador de uma performance. Para isso, discutiremos como os conceitos de site-specífic e criação coletiva são inseridos no contexto da obra. Por fim, veremos como a proposta de Blackout explora a espacialidade através da percepção da ecolocalização. O sentido da escuta e da visão estarão no centro de uma proposta que faz da iluminação cênica uma aliada para promover a interação e a espacialização sonora. Estaremos em contato com poéticas que buscam cada um a sua maneira, demonstrar como as relações entre som e espaço adquirem novas perspectivas diante de formas instalativas e performáticas emergentes junto às experiências artísticas mais recentes com o espaço-som. This research seeks to investigate the dialogues between space and sound. Our intention is to export a panorama involving poetics that appropriate the spatial and sound dimension in an intrinsic way. We will try to present some reflections around practices and processes considered emblematic for our research object. Along the way, we will be in contact with authors like Makis Solomos, Murray Schafer, Barry Blesser and Linda Ruth Salter, as well as artists like Xenákis, Le Corbursen, Varése, Alvim Lucier and Janet Cardiff. Our proposal seeks to raise a conceptual panorama on the subject, and then immediately evaluate its approximations with our own authorial work. Our conceptual references are, therefore, incorporated as a tool to analyze the three works created and presented as a central result of the research. The methodology adopted here has an approach that initiates a form of investigation conducted by practical action. This means recognize that our creation process was immersed in experimental procedures and performed as convenient aspects for the creation and reflection in the scope of sonology. As our biggest contribution to the theme, we will see how the installation of the Red Line uses sounds and lasers to create a different poetic space. We will try to clarify how technological resources are incorporated to provide forms of interaction with both the participant and the space. Then, see how the work entitled Latitude Longitude incorporates the acoustic phenomenon of echo as a catalyst for a performance. To do this, we discuss how the concepts of specific site and collective creation are inserted in the context of the work. Finally, see how a Blackout proposal explores spatiality through the perception of echolocation. The sense of listening and seeing displayed in the center of a proposal that makes scenic lighting an ally to promote interaction and spatial sound. We will being in contact with poetics or bus cameras in each of their ways, demonstrating how relationships between sound and space, buying new perspectives in the face of installed forms and performing emerging with the most recent artistic experiences with sound space.

O foco de investigação deste trabalho é o agenciamento que ocorre a partir de um ambiente metaestável de performance musical, que abarca o uso de instrumentos acústicos e digitais, na formação do que chamo aqui de máquina híbrida. É através desta máquina que podem ocorrer processos de interação entre performer X instrumentos musicais (acústicos/digitais) X ambiente. Neste trabalho, pretendo investigar algumas das novas formas de instrumenticidade proporcionadas pelo funcionamento de uma máquina híbrida num ambiente de práticas musicais experimentais que incluem uso extensivo da improvisação musical. Durante o texto, será apresentado o conceito do que é esta máquina híbrida de performance musical, num ambiente de improvisação, a partir da investigação de novas formas de interação em tempo real, tendo em conta o computador móvel como agente no processo de criação e performance. Através de ideias como imponderabilidade, controle e não-controle, latência, affordance, obra aberta, improvisação livre e idiomática e novas formas de instrumenticidade oferecidas pelo sistema híbrido, dentre outras, este trabalho procura também colocar em prática muito da teoria abarcada, através de performances registradas e a criação e desenvolvimento de um software/instrumento musical digital, que pode ser acoplado num sistema híbrido, sob o formato de um patch de performance, processamento e criação sonora. Todo o processo de investigação apresentado aqui foi realizado através de viés autoetnográfico - é uma investigação sempre conduzida a partir do lugar do performer - que busca oferecer um resumo do que foi este percurso particular de pesquisa, abrangendo o processo poético do trabalho, a metodologia singular de implementação e execução das premissas iniciais colocadas em pauta e, enfim, registrando esta epistemologia particular que permeia todo o texto, o patch oferecido e, porque não, as próprias performances e reflexões realizadas durante todo o trajeto. The research focus of this work is the agencying that occurs from a metastable environment of musical performance, which includes the use of acoustic and digital instruments, in the formation of what I call here a hybrid machine. It is through this machine that interaction processes can occur between performers X musical instruments (acoustic/digital) X environment. In this work, I intend to investigate some of the new forms of instrumentness provided by the operation of a hybrid machine in an environment of experimental musical practices that include extensive use of musical improvisation. During the text, will be presented the concept of what is this hybrid machine of musical performance, in an improvisation environment, from the investigation of new forms of interaction in real time, taking into account the mobile computer as agent in the process of creation and performance. Through ideas such as imponderability, control and non-control, latency, affordance, open-work, free and idiomatic improvisation and new forms of instrumentness offered by the hybrid system, among others, this work also seeks to put into practice much of the theory covered, through recorded performances and the creation and development of a software / digital musical instrument, which can be coupled in a hybrid system, in the form of a patch of performance, processing and sound creation. The whole process of investigation presented here was carried out through autoetnographic bias - it is an investigation always conducted from the place of the performer - which seeks to offer a summary of what was this particular path of research, covering the poetic process of the work, the unique methodology of implementation and execution of the initial premises put on the agenda and, finally, recording this particular epistemology that permeates the entire text, the patch offered and, why not, the performances and reflections made throughout the investigation.

Este trabalho propõe uma imersão prática e reflexiva sobre processos criativos em trabalhos de artistas fundamentados por um pensamento complexo e práticas transdisciplinares. Apontaremos as possibilidades de utilização de alguns operadores da teoria da complexidade e dos princípios que a constitui enquanto elementos de compreensão das obras citadas. Este movimento ocorre através de intenção de melhor compreender os pontos de convergências entre desenvolvimento metodológico para pesquisa e criação artística. Durante a pesquisa elaboramos um conjunto ferramentas conceituais que permitiram a continuidade dos trabalhos artísticos aqui apresentados aqui, bem como estimularam a redação deste texto. This work proposes a practical and reflective immersion about creative processes in artists\' works based on complex thinking and transdisciplinary practices. We will try to point out the possibilities of using some operators of complexity theory as elements of understanding of the works of these authors. This interest starts from the intention to better understand the points of convergence between methodological development for research and artistic creation. Throughout this research we elaborated a set of conceptual tools that allowed the continuity of the artistic works presented here, as well as stimulated the writing of this text.

As Notas sobre a Voz são enunciados que a artista Meredith Monk (Estados Unidos, 1942) escreve durante os primeiros anos de carreira sobre procedimentos presentes nas suas composições vocais e sobre o seu entendimento de voz até então (1976). As Notas apresentam uma cronologia de descobertas da artista, e ao evidenciar o cruzamento entre diferentes áreas de conhecimento (artes performáticas, psicologia, linguística, filosofia), possibilitam desdobramentos bibliográficos para uma reflexão entre a prática inicial da artista e outros trabalhos composicionais a partir da exploração de vozes. Entendendo as Notas como uma declaração indicadora de questões fundamentais, no que se refere aos processos de criação a partir da potência vocal, investigo os modos de exploração vocal presentes nas composições do disco Key (1971), e crio diálogos entre a poética de Monk e a minha experiência como performer vocal. Esses diálogos são possíveis pela relevância artística das Notas de Monk, e pela ênfase nas transformações que as vozes apresentam durante a sua exploração, entendendo a mesma como um processo composicional. Em Key, Monk cria um ambiente em constante mudança que ela chama de \"Teatro invisível\". Nas palavras da compositora: \"Cada canção apresenta uma personagem vocal, uma paisagem, uma preocupação técnica e uma qualidade emocional diferente.\" Como parte do diálogo com as Notes on the Voice it´s an artistic statement that Meredith Monk (United States, 1942) wrote during the first years of her career on procedures present in her vocal compositions and on her understanding of voice until then (1976). The Notes present a chronology of the discoveries of the artist, and by highlighting the intersection between different areas of knowledge (performing arts, psychology, linguistics, philosophy), allow bibliographical unfoldings for a reflection between the artist\'s initial practice and other compositional works from the exploration of voices. Understanding the Notes as an artist statement of fundamental questions, regarding the creation processes from the vocal possibilities, I investigate the modes of vocal exploration present in the compositions of the album Key (1971), and I create dialogues between the poetics of Monk and my experience as a vocal performer. These dialogues are possible by the artistic relevance in Monk´s Notes, and by emphasizing the transformations that the voices present during their exploration, understanding it as a compositional process. In Key, Monk creates an ever-changing environment called as \"Invisible Theater.\" In the words of the composer: \"Each song presents a vocal character, a landscape, a technical concern and a different emotional quality.\" As part of the dialogue with Monk\'s proposals, two pieces of my own are presented in the third chapter.

Esta pesquisa teve como objetivo investigar a inclusão da improvisação sonora em práticas ecológicas, como paisagem sonora, ecocomposição e ecologia sonora. Com ênfase em práticas de ecologia sonora da perspectiva de Costa (2014) e Solomos, (2012) atribuímos a improvisação sonora, juntamente com o processo de composição sonora, denominado comprovisação. A comprovisação é sugerida nesta pesquisa como uma estratégia para incluir processos estruturais através de regras (plano de diretrizes) e ações de contingência (plano de contingência). Os dois planos nos permitiram gerar, analisar, replicar e discutir dados para práticas ecológicas que misturam composição e improvisação sonora. Compreendemos as práticas de comprovisação ecológica como consistentes com as discussões de Fujak (2011), onde todas as ações podem ser planejadas, mas são as contingências imprevisíveis que alteram todo o sistema tornando-o mutável e adaptável (como a vida). Devido à ausência de material bibliográfico sobre improvisação em práticas ecológicas, procuramos alinhar a modelagem de sistemas socioecológicos, que são abordagens que formalizam sistemas dinâmicos adaptativos em três pilares principais: recursos materiais, recursos cognitivos e interação entre agentes, com as práticas de comprovisação ecológica. Desta forma, propomos dois modelos para a criação de práticas ecológicas comprovisatórias: PMSE (proposta de modelagem em síntese ecológica) expandindo as obras de Keller (1999) e PL (Proposta de modelagem de looping) expandindo as obras de Di Scipio (2003). Com a formalização dos sistemas socioecológicos e a metodologia da comprovisação, construímos quatro performances/experimentos que serviram de estudo de caso, sendo: Destino Pirilampo, Citações~, Lyapunov Time, The Maxwell Demon. Através de dois métodos de análise que foram expandidos neste trabalho, sendo um qualitativo: MM (modelo MANNIS , 2014) e um quantitativo: MDF (Dentro-Fora - FERRAZ; KELLER, 2014), conseguimos estruturar de forma satisfatória um viés de obras artísticas que têm orientação em práticas ecológicas e que estabelecem contingências como recurso de adaptação do ambiente sonoro. Concentramos-nos na análise de recursos materiais (acústica, eletrônica e ambiental), recursos cognitivos (interação consensual, intencionalidade e tomada de decisão) e interação entre agentes: performáticos (músicos), incisos (não músicos) e entidade gelassenheit (imprevisibilidade, aleatoriedade). This research aimed to investigate the inclusion of sound improvisation in ecological practices such as soundscape, ecocomposition and sound ecology. With emphasis on sound ecology practices from the perspective of Costa (2014) and Solomos, (2012) we attribute sound improvisation, together with the process of sound composition, called comprovisation. The comprovisation is suggested in this research as a strategy to include structural processes through rules (plan of guidelines) and contingency actions (contingency plan). The two plans allowed us to generate, analyze, replicate and discuss data for ecological practices that mix composition and sound improvisation. We understand ecological comprovisation practices as consistent with Fujak\'s (2011) discussions, where all actions can be planned, but unpredictable contingencies that alter the whole system making it changeable and adaptable (such as life). Due to the lack of bibliographic material on improvisation in ecological practices, we seek to align the modeling of socioecological systems, which are approaches that formalize adaptive dynamical systems in three main pillars: material resources, cognitive resources, and interaction between agents, with practices of ecological comprovisation. In this way, we propose two models for creating ecological comprovisation practices: PMES (Proposal modeling ecological synthesis) expanding Keller works, (1999) and PL (Proposal looping modeling) expanding Di Scipio works (2003).With the formalization of the socioecological systems and the methodology of the comprovisation, we constructed four performances/experiment that served as a case study, they are: Destination Firefly, Quotations~, Lyapunov Time, The Maxwell Demon. In view of two methods of analysis that were expanded in this work, a qualitative one: MM (MANNIS Model, 2014) and a quantitative one: MDF (Inside-Outside - FERRAZ; KELLER, 2014), we were able to satisfactorily structure a bias of artistic works That have orientation in ecological practices and that establish contingencies as a resource of adaptation of the sound environment. We focus on the analysis of material resources (acoustic, electronic and environmental) cognitive resources (consensual interaction, intentionality and decision making) and interaction between agents musicians,non-musicians and entity gelassenheit (unpredictability, randomness).

A presente pesquisa propõe-se a investigar de maneira interdisciplinar, a produção do conhecimento científico por meio da criação de texturas sonoras, como interfaces conceituais hipermidiáticas autônomas, capazes de promover a experiência estética com conceitos acadêmicos. Começaremos abordando a ampliação da escuta proposta por Schaeffer, Schafer, Nancy, Oliveros, dentre outros. Em seguida, a partir das proposições e interlocuções oferecidas por Sérgio Bairon acerca das texturas sonoras, localizaremos suas origens na hipermídia, bem como as características e o modo de ser herdados desta, que fazem delas ambientes hipermidiáticos. Chamaremos outros autores ao diálogo, entre eles, Hans-Georg Gadamer, Lucia Santaella, Edgar Morin, Michel de Certeau, Gilbert Durand, Lorenzo Vilches, Massimo Di Felice e Pierre Levy, que contribuirão nos proporcionando um entendimento mais amplo, sobre os contextos sociais, culturais e tecnológicos que tornam produções hipermidiáticas, a exemplo das texturas sonoras, uma alternativa promissora e viável para a renovação metodológica nas práticas científicas, que, ainda hoje, têm, quase que exclusivamente na escrita, a única forma confiável de representação da verdade e do real. Estes autores também nos ajudarão a compreender as capacidades e as formas de pensamento necessárias ao pesquisador, no contexto de produções hipermidiáticas. Identificaremos as interfaces da escrita sonora e, ao final, analisaremos texturas sonoras produzidas para três disciplinas ao longo do curso, oferecidas por diferentes programas de pós-graduação da Universidade de São Paulo. The present research proposes to investigate in an interdisciplinary way, the production of scientific knowledge through the creation of sound textures, as autonomous hypermiditic conceptual interfaces, able to promote aesthetic experience with academic concepts. We will start by approaching the amplification of the listening proposed by Schaeffer, Schafer, Nancy, Oliveros, among others. Then, from the propositions and interlocutions offered by Sérgio Bairon on sound textures, we will locate its origins in hypermedia, as well as the characteristics and the way of being inherited from this, which make them hypermediatic environments. We will call other authors to the dialogue, among them Hans-Georg Gadamer, Lucia Santaella, Edgar Morin, Michel de Certeau, Gilbert Durand, Lorenzo Vilches, Massimo Di Felice and Pierre Levy, who will contribute by providing us with a broader understanding of the social, cultural and technological contexts that make hypermedia productions, such as sound textures, a promising and viable alternative for methodological renewal in scientific practices, which, even today, have exclusively in writing, the only form of representation of truth and reality. These authors will also help us to understand the capacities and the forms of thought necessary to the researcher, in the context of hypermidiatic productions. We will identify the interfaces of writing of sound and, at the end, we will analyze sound textures produced for three disciplines throughout the course offered by different post-graduate programs of the University of São Paulo

Este trabalho faz um levantamento da produção brasileira de luteria experimental, com ênfase na produção realizada ao longo das últimas duas décadas. Inicialmente é delineado um panorama de referências relacionadas com este tido de produção na literatura europeia e estadunidense, assim como discutida a atuação de alguns artistas e criadores fundamentais para o estabelecimento de práticas de luteria experimental no século XX. No segundo capítulo faço um levantamento de referências sobre este tipo de produção no Brasil, assim como relaciono artistas em atividade no país nos últimos 20 anos, detalhando na maior parte dos casos algumas de suas obras. Partindo deste panorama, realizo um estudo mais aprofundado sobre o instrumento conhecido por gatorra, fabricado por Tony da Gatorra, artesão, técnico em eletrônica e músico gaúcho que criou seu instrumento nos anos 1990 a partir de materiais de sucata, componentes eletrônicos reaproveitados e da combinação de projetos de circuitos eletrônicos geradores de som. Por fim, relaciono a produção estudada com referenciais que lidam com a noção de cultura material, alguns dos quais já realizam uma aproximação com a atividade musical e artística. This work presents a survey on the Brazilian production of experimental lutherie, with emphasis on the production over the last two decades. A framework of references related to this production in the European and American literature is outlined as an introduction, as well as the works of some key artists and creators whose production influenced experimental instrument building practices in the 20th century. In the second chapter I make a survey of references on this type of production in Brazil, as well a profile of artists active in the country for the last 20 years, detailing in most cases some of his works. Based on this outline, I carry out a more detailed study on the instrument known as gatorra, manufactured by Tony da Gatorra, an artisan, technician and musician who created his instrument in the 1990s from scrap materials, reused electronic components and the combination of electronic circuits sound generators. Finally, I relate the production studied with references that deal with the notion of material culture, some of which already make an approximation with musical and artistic activity

Nesta pesquisa foram estudadas as improvisações musicais livres de uma perspectiva anarquista, i.e., interessada em anarquizar as múltiplas relações a elas associadas. Discute-se isto tendo em vista questões influenciadas metodologicamente por Michel Foucault. Uma delas diz respeito a maneira pela qual se dão as performances, para a qual importa tratar das relações do improvisador consigo mesmo, com os demais performers e de como ambas incidem no fluxo (o desdobramento temporal da performance). Nesta questão se lida sobretudo com as pesquisas de Manuel Falleiros e Rogério Costa. Outra questão concerne ao lugar (o espaço físico, geograficamente \"localizável\") em que tais práticas são realizadas, indicando também a importância das relações que circundam as performances. Para esta são trazidas considerações de Costa, Chefa Alonso e David Bell, bem como a noção de heterotopia, cunhada por Foucault e associada aos anarquismos por Edson Passetti; e ainda, minhas considerações relacionadas ao período em que assisti aos ensaios da Orquestra Errante (OE) - grupo de improvisação livre da USP, coordenado pelo orientador desta pesquisa. Uma última questão concerne à dissolução dos improvisadores, tendo em vista, por questão de recorte, sobretudo suas relações consigo mesmo (em sentidos múltiplos). Para esta, refere-se também a OE e faz-se uso do filósofo Max Stirner. Importa ainda ao trabalho opor as invenções, com seus percursos e transitoriedades, à criação, aspirante à perfeição e ao acabado. In this research was studied the free musical improvisations from an anarchist perspective, i.e., interested in anarchize the multiple relations associated to it. This is discussed by looking to questions methodologically influenced by Michel Foucault. One of them concerns to the way in which the performances are given, for which it is important the relations of the improviser with himself, with the other performers e how them both converge in the flow (the temporary unfolding of the performance). In this question it is dealt mostly with the researches of Manuel Falleiros and Rogério Costa. Other question concerns to the place (the physical space, geographically \"localizable\") in which those practices are realized, also evidencing the importance of the relations that go around the performances. For this are brought considerations from Costa, Chefa Alonso and David Bell, as well as the notion of heterotopia, coined by Foucault and associated to the anarchisms by Edson Passetti; and also my considerations related to the period in which I watched the rehearsals of Orquestra Errante (OE) - free improvisation group from USP, coordinated by the advisor of the present research. One last question concerns to the dissolution of the improviser by looking, for a clipping reason, mostly to its relations with himself (in multiple senses). For this, it is referred also to OE and it is made an use of the philosopher Max Stirner. It is also important to this work to oppose the inventions, with its courses and transitority, to the creation, that aspires to perfection and the finished.

Esta pesquisa reflete sobre processos de preparação para a prática da improvisação musical livre em relação ao conceito de cuidado de si como apresentado por Michel Foucault em sua Hermenêutica do Sujeito. Serão referência também outros estudos sobre subjetividade como de Gilles Deleuze, Felix Guattari e Suely Rolnik. Para colher os relatos sobre os quais se basearam a reflexão, foram realizadas entrevistas com Pauline Oliveros, Susan Alcorn, Chefa Alonso e Rogério Costa. Também foi realizado um experimento com musicistas da Orquestra Errante, e uma revisão bibliográfica dos trabalhos das pessoas entrevistadas e outros autores que falam sobre improvisação livre. Os diferentes caminhos tomados pela pesquisa trouxeram também assuntos como os feminismos e as ciências cognitivas. Estes dois assuntos também perpassam esta pesquisa, embora o primeiro com destaque bem maior. O objetivo deste texto é tratar do desenvolvimento de habilidades frequentemente deixadas de lado na formação musical tradicional, porém não menos importantes do que a capacidade de mover os dedos com destreza ou dominar sistemas musicais. Estas habilidades dizem respeito a questões éticas além de estéticas, e possuem paralelos na vida cotidiana. Os resultados indicam caminhos para a reflexão e construção de processos de subjetivação centrados na relação com o outro além do desenvolvimento de si. O texto aqui é dividido em três seções além de prefácio, introdução e conclusões gerais. Na primeira seção são tratados os cruzamentos entre a filosofia estudada por Foucault e publicações no campo da improvisação que falam sobre o ambiente desta prática e processos de preparação. Na segunda seção, dedico-me às entrevistas e ao experimento com a orquestra para desenvolver uma reflexão que relaciona minha própria prática com os relatos colhidos na pesquisa. A terceira seção é dedicada a cruzamentos entre feminismos, cuidado de si e improvisação livre, que se mostraram de grande relevância para o trabalho. As seções podem ser lidas em qualquer ordem ou isoladamente. This research reflects upon processes of preparation for free musical improvisation in relation to the concept of care of the self, as presented by Michel Foucault in the Hermeneutics of the Subject. Other studies in the field of subjectivity such as the works of Gilles Deleuze, Felix Guattari and Suely Rolnik, have also contributed substantially to the present dissertation. In order to collect the different accounts upon which were based the reflections herein, I conducted interviews with improvising musicians Pauline Oliveros, Susan Alcorn, Chefa Alonso and Rogério Costa. I also conducted an experiment with musicians from the improvisation orchestra Orquestra Errante, as well as a bibliographic review of the improvisors interviewed and of other authors in the field of musical improvisation. The way certain events presented themselves, brought about topics such as feminisms and cognitive sciences. Both have received attention, though the latter far less so than the former. The goal of this text is to tend to part of one\'s musical development which is often left aside in traditional musical education, but is no less important than the ability to move fingers skilfully or master musical systems. These abilities are related to ethics as well as aesthetics and thus resonate in daily life. The results suggest paths for reflection and the development of processes of subjectification centred upon the relationship with the other, as much as upon the development of oneself. The main text is divided into three sections besides preface, introduction and final thoughts. In the first section, I deal with intersections between the philosophy studied by Foucault and publications in the field of improvisation which describe the environment of this practice and its processes of preparation. In the second section, I concentrate on the interviews as well as the experiment with the orchestra and attempt to build a reflection about my own practice in relation to those of other musicians who contributed to this research. The third section is dedicated to intersections between feminisms, care of the self and free improvisation, inasmuch as these relations presented themselves greatly relevant to this work. The different sections can be read in any order or individually.

Este trabalho tem como objetivo principal posicionar o conceito de desenho de escuta. Para tal, articula-se uma composição teórica situada na convergência entre estudos do som, etnografia de mídias, pesquisa em criação artística, e filosofias críticas da representação. Neste início de século XXI, a escuta é empregada explicitamente como um bem material e imaterial distribuído entre mercantilização de audiências, pesquisa em arte e debate ético. Para situar a noção de desenho de escuta como um operador conceitual que responde a este contexto, o trabalho divide-se em duas grandes partes: a primeira parte posiciona o problema geral da tese mediante a descrição de dispositivos de poder que formam políticas majoritárias da auralidade; a segunda parte desdobra o conceito de desenho de escuta como um operador e um designador de variações do agenciamento aural. Na primeira parte, descreve-se uma variedade de situações materiais de consumo de áudio no contexto do complexo militar-entretenimento, particularmente no ambiente de consumo fonográfico online. Neste contexto, analisa-se um dispositivo paradigmático de racionalização instrumental da escuta, e apresenta-se a necessidade teórica de se pensar uma áudio virologia. Na segunda parte, aprecia-se uma transformação epistêmica em curso no âmbito da pesquisa em música no Brasil; e descreve-se a noção de otografia, núcleo conceitual da produção artística que desenvolvi ao longo desta pesquisa de doutorado. A metodologia analítica permite constatar, na primeira parte, a transição de um regime de regulação moral da escuta musical baseado na disciplina para um regime baseado no controle; Na segunda parte, o assunto principal é uma diversidade de pesquisas artísticas que ativam o particular e o local como dimensões a serem recontextualizadas no âmbito da pesquisa em arte. O pressuposto básico desta tese é o de que a escuta é uma prática a ser pensada primordialmente em termos de agenciamento de desejo. Tal pressuposto conduz o trabalho a eleger a esquizoanálise como o seu principal aliado teórico, o que lhe permite esquivar-se de uma série de binarismos usualmente pressupostos pela discursividade acadêmica, tais como natureza e cultura, local e global, musical e extramusical. O desenho de escuta é necessariamente uma prática e um conceito: uma prática de consolidação de territórios existenciais específicos em função dos meios materiais agenciados; e um operador de linguagem, mediante o qual se pode elaborar um saber enunciado a partir do corpo, de ações particularmente significativas, de devires. This thesis aims to position the concept of listening design. For this, it articulates a theoretical composition situated in the convergence between sound studies, media ethnography, practice-based research, and philosophies critical to representation. At the beginning of the twenty-first century, listening is explicitly used as a material and immaterial good distributed among audience commoditification, art and ethical debate. In order to situate the notion of listening design as a conceptual operator responding to this context, this work is divided into two main parts: the first part poses the general problem of the thesis by describing a set of power apparatuses that form majoritary policies of aurality; the second part unfolds the concept of listening design as both an operator and designator for practices transforming aural assemblages. In the first part, I describe a variety of material situations of audio consumption in the context of the military-entertainment complex, mainly the environment of online audio consumption. In this context, I analyze a paradigmatic apparatus for instrumental rationalization of the listening activity, and I assess the theoretical need to think in terms of an audio virology. In the second part, I discuss an ongoing epistemic transformation in the field of music research in Brazil; followed by a description of notion of otography, which is the conceptual nucleus of the artistic production that I developed throughout this doctoral research. The analytical methodology carried out here allows us to verify, in the first part, the transition from an economic-political regime of musical listening based on the discipline to a regime of regulation based on control; In the second part, the focus is on instances of artistic research that activates the particular and the local as dimensions to be recontextualized in the scope of academic art research. The core of this thesis is based on the argument that listening is a practice to be thought primarily in terms of assemblage of desire. This presupposition leads the work to take schizoanalysis as its main theoretical ally, which allows it to dodge a series of binarisms usually presupposed by academic discursiveness, such as nature and culture, local and global, musical and extramusical. Listening design is necessarily a practice and a concept: a practice of consolidation of specific existential territories in function of assembled material media; and a language operator through which one can elaborate a particular knowledge enunciated from the body, from particularly meaningful actions, from becomings.

Este estudo se propõe a traçar uma analogia entre a Teoria da Comunicação e o conceito de forma musical Schoenbergiano (incluindo uma série de questões envolvidas nesta conceituação). Desta forma, busca-se verificar os limites deste paralelo, bem como investigar novas questões que possam surgir desta união. O texto está dividido em três partes. Na primeira delas, dedicada ao conceito de forma Schoenbergiano, nossa estratégia consistiu inicialmente em analisar o desenvolvimento dos sistemas musicais tonal e modal a partir de Bloch (2005), Rosen (1998), Andrade (1977) e principalmente Leibowitz (1972). Após algumas notas biográficas e comentários acerca da recepção das obras de Schoenberg no século XX, há um capítulo dedicado especificamente ao conceito de forma musical tal qual descrito por Schoenberg em seus escritos (cap. 5). A segunda parte se dedica à fundamentação das bases de um novo assunto: a Teoria da Comunicação, entendida como a aplicação dos conceitos relativos à Teoria da Informação no contexto da comunicação humana. Ela compreende um primeiro capítulo sobre a comunicação humana em geral (cap. 6); um capítulo especialmente dedicado ao aparato instrumental oferecido pela Teoria da Informação (cap. 7); e um capítulo dedicado a retrabalhar alguns de seus preceitos frente aos problemas trazidos quando o ser humano é considerado como o canal receptor de um sistema comunicacional (cap. 8). Esta parte se baseia essencialmente no estudo crítico dos textos de Elwin (1971), Epstein (1986, 1990), Moles (1959), Oliveira (1977, 1979) e sobretudo Chem/ (1971), entre outros autores. A última parte se refere à analogia entre as duas primeiras partes propriamente dita, em que confrontamos as reflexões anteriores entre si. Nesta parte do trabalho são referências importantes os trabalhos de Eco (2003), Pousseur (2009), Oliveira (1977, 1979, 1998) e De Bonis (2014), além do próprio Schoenberg (1975, 1987, 1990, 2001, 2004), entre outros. Salienta-se que o resgate e a recolocação de questões fundamentais abordadas pelos dois corpos teóricos no que se refere aos problemas da comunicação humana e, mais especificamente, musical, favorecem uma reflexão em torno da problemática relativa à criação, interpretação, escuta e ensino musicais (ocidental) na atualidade. This study proposes to draw an analogy between the Theory of Communication and Schoenberg\'s concept of musical form (including a series of problems involved in this conceptualization). Therefore, we seek to verify the limits of this parallel, as well as investigate new issues that may arise from this union. The text is divided into three parts. In the first one, dedicated to Schoenberg\'s concept of musical form, our strategy consisted initially in analyzing the development of tonal and modal musical systems based on works by Bloch (2005), Rosen (1998), Andrade (1977) and specially Leibowitz (1972). After some biographical notes and comments about the reception of Schoenberg\'s works in the twentieth century, there is a chapter dedicated specifically to the concept of musical form as described by Schoenberg in his writings (chapter 5). The second part is dedicated to the foundations of a new subject: Communication Theory, understood as the application of concepts related to Information Theory in the context of human communication. It comprises a first chapter on human communication in general (chapter 6); a chapter especially dedicated to the instrumental apparatus offered by Information Theory (Chapter 7); and a chapter dedicated to reworking some of its precepts in face of the problems brought about when the human being is regarded as the receiving channel of a communication system (Chapter 8). This part is based essentially on the critical study of texts by Elwin (1971), Epstein (1986, 1990), Moles (1959), Oliveira (1977, 1979) and especially Cherry (1971), among other authors. The last part refers to the analogy between the first two parts, in which we confront the previous reflections among themselves. In this part of the work are important references the works of Eco (2003), Pousseur (2009), Oliveira (1977, 1979, 1998) and De Bonis (2014), besides Schoenberg himself (1975, 1987, 1990, 2001, 2004), among others. It should be pointed out that the revival and reconsideration of such fundamental questions that were addressed by the two theoretical bodies regarding the problems of human communication and, more specifically, musical communication, favor a reflection on problems related to the creation, interpretation, listening and teaching of western music today.

O objetivo deste trabalho é analisar a relação que a peça Musik für Renaissance-Instrumente (1966), de Mauricio Kagel (1931-2008), estabelece com o material musical da tradição e das vanguardas, na segunda metade do século 20. A partir da definição de material musical em Adorno investigaremos historicamente a crítica que se delineia em sua peça com relação às posturas estéticas em questão. Este trabalho pretende refletir criticamente sobre o sentido do movimento de interpretação historicamente informada e dos movimentos de vanguarda, identificando suas convergências e afinidades estéticas. Por fim, nosso objetivo é traçar o sentido estético e filosófico da obra de Kagel no contexto musical de sua emergência, buscando refletir sobre a importância de sua obra para o contexto atual de produção musical. The aim of this research is to analyze the relation established by Mauricio Kagel\'s Musik für Renaissance-Instrumente with traditional musical material and also with material built by the musical avant-garde from the second half of the 20th century. Based on the definition of musical material in Theodor Adorno\'s philosophy we also intend to investigate through historical perspective how Kagel\'s criticism in composition applies to both of the aforementioned tendencies. Furthermore a critical assessment of the historical interpretation movement as well as of the avant-garde has been carried out, with the main purpose of establishing their mutual aesthetical affinities. Lastly, our foremost objective was to outline the meaning of Kagel\'s composition in the context of its appearance, in order to ponder about its importance for contemporary context of musical production.

Neste trabalho são observados processos de trabalho envolvidos na criação musical dentro do que se pode chamar de música experimental, observando, particularmente, o trabalho de alguns grupos brasileiros realizado entre os anos de 2000 e 2016. O trabalho é dividido em três partes: na primeira, estabelece-se um contexto, por meio de uma discussão do termo \"música experimental\", da observação de práticas históricas e de uma análise das condições dessa produção no Brasil no período citado. Na segunda, são abordadas práticas desenvolvidas por alguns grupos / coletivos (Artesanato Furioso, Brechó de Hostilidades Sonoras, Circuito de Improvisação Livre, Hrönir, Orquestra Errante, QI) bem como práticas associadas ao tema nas quais o autor do trabalho participou, especialmente durante o período da pesquisa (2013-2016), junto a diversos artistas e grupos. Na terceira, são feitas reflexões sobre algumas características de tais práticas, trazendo à tona questões relacionadas a autoria, especificidade, identidade individual e coletiva, oralidade e relações de trabalho In this thesis, the work processes involved in musical creation are observed within what may be called experimental music, observing, in particular, the work of some Brazilian groups between the years 2000 and 2016. The thesis is divided in three parts: in the first part, a context is established, through a discussion of the term \"experimental music\", the observation of historical practices and an analysis of the conditions of this production in Brazil within the above mentioned period. The second part deals with practices developed by some groups (Artesanato Furioso, Brechó de Hostilidades Sonoras, Circuito de Improvisação Livre, Hrönir, Orquestra Errante, QI) as well as practices in which the author of the work participated, especially during the research period (2013-2016), along a few artists and groups. In the third part, reflections on some characteristics of such practices are made, raising questions related to authorship, division of labor, identity, orality and specificity.

Nesta tese de doutorado abordamos modelos cognitivos de percepção da métrica musical e entrainment a partir de questões musicológicas, como a ambiguidade métrica decorrente de exemplos da literatura. Partindo de uma verificação do estado da arte em pesquisas rítmicas que envolvem o estudo de anacruses, realizamos um percurso experimental que investiga a efetividade da chamada percepção da acentuação subjetiva revelada por Povel e Okkerman (1981), por acreditarmos que o fenômeno da acentuação subjetiva esteja envolvido na desambiguação da percepção de referenciais métricos dúbios. Para tanto, desenvolvemos uma metodologia de quantificação das similaridades entre os padrões de acentuação coletados em grupo universitário da cidade de São Paulo e os padrões de referência da literatura, sobretudo de Povel e Essens (1985). Estes experimentos revelaram que há uma tendência significativa à percepção da acentuação subjetiva predominantemente em grupo sem estudo formal de música. Por outro lado, os estudantes de música revelaram uma tendência de acentuação mais relacionada à pulsação musical. In this doctoral thesis we address cognitive models of perception of musical meter and entrainment from musicological issues, such as the metric ambiguity arising from examples of literature. Based on a state-of-the-art check on rhythmic researches involving the study of anacruses, we conducted an experimental study that investigates the effectiveness of the so-called subjective accent revealed by Povel and Okkerman (1981), because we believe that the phenomenon of subjective accent is Involved in the disambiguation of dubious beat references perception. Therefore, we developed a methodology to quantify the similarities between the accentuation patterns collected in university group of São Paulo and the literature reference standards, especially Povel and Essens (1985). These experiments revealed that there is a significant tendency to subjective perception of accent predominantly in people without formal music study. On the other hand, the students of music revealed a tendency of accentuation more related to the musical beat.

Em observação à existência de obras de Stravinsky influenciadas pela música popular americana (incluindo Ragtime for Eleven Instruments, Preludium for Jazz Ensemble, Tango e Ebony Concerto) esta tese investiga processos identitários através dos quais o compositor fora possivelmente interpelado pela ideia do popular enquanto ponto de partida para situacionais possibilidades estéticas modernistas. Explora também tópicos da teoria hipertextual conforme proposta por Genette (1982), a fim de examinar a presença de transposições hipertextuais em empréstimos de ragtime realizados por Stravinsky. Por fim, realiza revisão de aspectos pertinentes a correntes teóricas no âmbito da relação entre alturas (SCHENKER, 1906, 1910, 1922, 1935; LERDAHL, 2001; STRAUS, 2014), de textura, densidade e movimento musical (BERRY, 1987), da repetição (FERRAZ, 1998) e da sucessão ordenada (HORLACHER, 2011); e da potencialidade projetiva (HASTY, 1997), com o propósito de apurar traços da articulação destas questões em processos composicionais de Stravinsky, com ênfase nas obras acima referidas. Os resultados obtidos por este trabalho apontam que os empréstimos de \"popular\" articulados por transposições hipertextuais atuam enquanto ponto de partida para criação de obras inéditas, as quais são estruturadas através de múltiplos centros de altura principal, níveis de prolongamento, blocos simultâneos e paralelismos. Considering Stravinsky\'s American popular music inflected works (including Ragtime for Eleven Instruments, Preludium for Jazz Ensemble, Tango and Ebony Concerto), the present thesis aims to investigate identity processes through which Stravinsky was possibly challenged by the popular as a starting point for occasional modernist aesthetic possibilities. It also explores hypertextual theory topics as proposed by Genette (1982), in order to examine issues related to hypertextual transpositions in Stravinsky\'s ragtime borrowings. Finally, it carries out a review of theoretical trends relevant aspects, concearning pitch relations (SCHENKER, 1906, 1910, 1922, 1935 and LERDAHL, 2001); texture, density and musical movement (BERRY, 1987); repetition (FERRAZ, 1998); ordered succession (HORLACHER, 2011); and projective potentiality (HASTY, 1997), with the purpose of ascertaining traces of the articulation of these issues into Stravinsky\'s compositional processes. The results obtained by this work point out that the popular borrowings articulated by hypertextual transpositions act as a starting point for the creation of new works, which are structured through multiple pitch centers, levels of the basic space, simultaneous blocks and parallelism.

Esta tese analisou os processos de significação na música de cinema tendo como referencial teórico estudos musicológicos com ênfase cognitivista e semiótica, decorrentes da teoria das tópicas musicais, a partir dos trabalhos de Leonard Ratner (1985), Kofi Agawu (1991, 2009), Robert Hatten (1994, 2005, 2014) e Danuta Mirka (2014). A pesquisa se concentrou em dois gêneros cinematográficos, o western e a ficção científica, considerando as práticas musicais a eles relacionadas desde o cinema silencioso, para compreender a formação do inventário associativo que constituiu a base do pensamento tópico no cinema. Ao analisar o inventário musical de cada gênero, observamos que o uso recorrente de figurações e materiais musicais específicos correlacionados a elementos da paradigmática fílmica criou aquilo que denominamos - \"imaginário sonoro do gênero cinematográfico\", que definimos como sendo o conjunto de gestos, musemas, tópicas e sons concretos recorrentes na música do gênero e que contribuíram para a formação de uma identidade musical. A identificação dos elementos constituintes deste imaginário sonoro nos ajudou a compreender a significação musical à luz dos códigos e da mitologia que fundamentam o gênero cinematográfico. Em relação à formação do imaginário sonoro do western e da ficção científica, duas tendências antagônicas ganharam relevância: o papel da tradição folclórica e nacionalista para a identidade da música do western e, por outro lado, a importância das experiências da vanguarda musical para a construção do imaginário sonoro da ficção científica. Os signos musicais que permeiam o imaginário sonoro do gênero cinematográfico se combinam em processos tropológicos e se transmutam para acompanhar os desenvolvimentos técnicos, poéticos, tecnológicos e ideológicos que afetam os campos musical e cinematográfico. Em conjunto com as análises musicais, a teoria da marcação, aplicada ao plano musical por Hatten (1994), nos serviu como profícua ferramenta para a análise das antinomias que orientam grande parte das narrativas cinematográficas. A adoção da teoria da marcação contribuiu para revelar a função da música como alienadora ou -familiarizadora? de elementos da narrativa. Verificamos finalmente a possibilidade de correlação entre o discurso paradigmático das referências tópicas e o eixo sintagmático da forma fílmica. This doctoral dissertation analyzed the processes of musical meaning in cinema using as theoretical fundament musicological studies of cognitivist and semiotic basis that have followed the theory of music topics after the work of Leonard Ratner (1985), Kofi Agawu (1991, 2009), Robert Hatten (1994, 2005, 2014) and Danuta Mirka (2014). The research concentrated in two cinematographic genres, the western and the science fiction, considering musical practices related to them since the silent movies, to understand the formation of an associative inventory that has become the basis of the topical thought in cinema. Analyzing the musical repertoire of each genre, we observe that the recurring use of specific figurations and other musical materials, related to elements of the film paradigms, has created what we called - \"sound imagery of a cinema genre\" . We defined this concept as the set of gestures, musemas, topics and concrete sounds often used in the music of that genre which contributed for the identification of the music with the images and the plot. The identification of the elements of this sound imagery helped us to understand the musical meaning by the perspective of the codes and myths that form the cinematographic genre. In relation to the formation of the sound imagery of the western and the science fiction genres, two antagonist tendencies have emerged, the role of folkloric and nationalistic traditions for the music identity of the western genre and the importance of avant-garde musical experiments for the construction of the science fiction sound imagery. The musical signs that cross the sound imagery of the cinematographic genre blend through tropological processes and transform themselves to follow the technical, poetical, technological and ideological developments that affect the fields of music and cinema. Besides the musical analysis, the markedness theory, applied to music by Hatten (1994), served as useful tool to analyze the role of antinomy that guide many of the cinematographic narratives. The adoption of the makedness theory contributed to reveal how the music alienate or familiarize the elements of the narrative. We also verified a possible correlation between the paradigmatic discourse of the topical references and the syntagmatic axis of the filmic form.

O tema deste trabalho é a inter-relação de compositores eruditos com culturas musicais ao redor do mundo, a partir do século XX. O foco incide nos aspectos composicionais que se desenvolveram a partir desse intercâmbio. O recorte principal da pesquisa é a produção dos compositores brasileiros, a partir dos anos 1980. Adicionalmente, foram comentados outros períodos, para tratar dos processos envolvidos nas inter-relações culturais de forma mais ampla, seja em termos de inspiração, influência, apropriação e representação de elementos dessas culturas, seja no que tange à questões conceituais de afetividade, originalidade, autenticidade, identidade e dominação sociocultural. Com esse intuito, primeiramente, debateram-se impasses relacionados aos modos de interrelação e de incorporação e às terminologias encontradas na literatura. Em seguida, foi proposto um panorama contextual das ocorrências desses intercâmbios no repertório erudito, nacional e internacional. Finalmente, apresenta-se uma série de análises de obras de autores brasileiros, compostas nos últimos 35 anos. Pretende-se demonstrar que - num contexto de extrema interação cultural, emaranhado pela pluralidade de ideias relacionadas aos processos de globalização - tanto as possibilidades criativas quanto a discussão crítica das questões decorrentes desses encontros entre culturas se expandem em igual proporção, seja em sua potencialidade e complexidade, seja em seu caráter paradoxal e de controvérsia. The theme of this work is the interrelation of art music composers with musical cultures around the world, from the 20th century onwards. The focus concerns on the compositional aspects that were developed from this exchange. The main research cutting is the production of the Brazilian composers from the 80s. Additionally, other periods were commented on, to deal with the processes involved in the cultural interrelations in a broader way, be it in terms of inspiration, influence, appropriation and representation of elements of theses cultures, or in what concerns to conceptual questions of affectivity, originality, authenticity, identity and sociocultural domination. For this purpose, primarily, bottlenecks related to the modes of interrelation and incorporation, as well as to the terminologies found in the literature were discussed. Next, a contextual panorama of the occurrences of these exchanges in the erudite repertoire, national and international, was proposed. Finally, a series of Brazilian authors\' work analyses is presented, composed in the last 35 years. It is intended to demonstrate that both the creative possibilities and the critical discussion of the issues arising from these encounters among cultures expand in equal proportion, be it in its potentiality and complexity, or in its paradoxical and controversial character. And that happens in a context of extreme cultural interaction, entangled by the plurality of ideas related to the processes of globalization.

Esta pesquisa trata da interação no contexto da livre improvisação a partir de conexões entre essa prática musical e o comportamento performático do clown. No decorrer dos estudos procuramos por estratégias de interação que fomentem ações intencionadas à criação colaborativa. Descobrimos permeabilidades entre o modo de interação musical do/a livre improvisador/a e o modo de interação performática do clown. Dessas conexões depreendemos reflexões sobre interação e performance. Também elaboramos exercícios para explorar essas questões no contexto da livre improvisação por meio do trabalho com parâmetros específicos, restrições pontuais e roteiros de eventos. Os exercícios foram realizados pelo grupo laboratório vinculado à nossa pesquisa, a Orquestra Errante. Assim, no decorrer dos encontros e mediante o trabalho realizado, exploramos estratégias de interação entre os/as músicos/musicistas, além de apresentamos performances que foram realizadas pelo grupo dentro e fora da Universidade de São Paulo. Para expor nossa argumentação a respeito da interação, nos apropriamos das experiências realizadas pelo grupo, acionando relatos de alguns ensaios e apresentações. Nesse sentido, todos os encontros da Orquestra Errante foram registrados em áudio e parte desse material foi editado e se encontra nos CDs anexos. This research deals with the interaction in the context of free improvisation according to connections between this musical practice and the performative behavior of the clown. In the course of the studies we looked for interaction strategies that encouraged actions of collaborative creation. We discovered permeabilities between the musical interaction mode of the free improviser and the performative interaction mode of the clown. From these connections, we could infer reflections on interaction and performance. We also elaborated exercises to explore these issues in the context of free improvisation by working with specific parameters, transient restrictions and event scripts. The exercises were carried out by the laboratory group linked to our research, the \"Orquestra Errante\". Thus, during the meetings and by means of the work done, we explored interaction strategies among the musicians, besides holding performances inside and outside the University of São Paulo. To expose our argumentation on the interaction, we assumed the experiments conducted by the group, applying the reports of some rehearsals and performances. In this sense, all meetings of \"Orquestra Errante\" were recorded in audio and some of this material has been edited and is available in the CDs attached.

O presente trabalho tem a intenção de, primeiramente, estudar a guitarra elétrica como interface de composição e improvisação através da utilização de novas tecnologias digitais na música experimental; em um segundo momento, propõe uma composição musical utilizando alguns aparatos tecnológicos acoplados à guitarra. Essas ferramentas foram escolhidas após um extensivo mapeamento individual e através de experimentações de suas potencialidades do processamento sonoro quando abordadas com o instrumento. O material composicional foi posteriormente construído a partir de observações e reflexões do autor sobre o uso do instrumento enquanto interface no diálogo com as novas tecnologias digitais presentes na computação móvel. O trabalho traz também o registro autoetnográfico do período de pesquisa de algumas das ferramentas digitais selecionadas quando em uso com a guitarra elétrica e o processo de composição e registro da peça proposta, além de sua posterior análise. Em sua conclusão, são apresentadas, portanto, as observações e reflexões desta interação do instrumento e suas novas formas de instrumenticidade quando acoplado ao computador. This work intends to, first, study the electric guitar as composition and improvisation interface through the use of new technology in experimental music; in a second moment, proposes a composition using some technological devices attached to the electric guitar. These tools were chosen after an extensive mapping individual trial and through its sound processing capabilities when addressed with the instrument. The compositional material was subsequently constructed from observations and author\'s reflections on the use of the instrument as an interface in dialogue with the new technologies available in mobile computing. The work also brings an auto-ethnography record of the research period of a few digital tools selected when in use with the electric guitar and the writing process and recording of the piece proposed, and its subsequent analysis. In its conclusion, therefore presents the observations and reflections from this interaction of the instrument and its new forms of instrumentness when attached to the computer.

Este trabalho propõe uma fundamentação teórica para investigação de determinadas técnicas de composição de música popular cantada que surgiram e se consolidaram a partir da década de 1960. Considera-se que o desenvolvimento tecnológico desse período permitiu à música popular cantada, a partir de então, realizar operações composicionais por processos de montagem, diretamente em fita. Adaptando para o campo da música formulações cunhadas originalmente por Mikhail Bakhtin para o discurso verbal, propomos um entendimento do álbum de fonogramas como um gênero complexo do discurso musical que se organiza na forma-momento. Considerando cada fonograma como um momento distinto no sentido sugerido por Stockhausen estuda-se, especialmente, a construção das sonoridades em contraste, tendo como referência as ferramentas de análise propostas por Didier Guigue para a música do século XX. Nesse contexto, discutem-se, também, as interações rítmicas de base que particularizam a música popular das Américas, resultantes do embate entre os ciclos assimétricos herdados da música tradicional africana e os compassos simétricos da música europeia dos séculos XVIII e XIX. Como conclusão, as ferramentas apresentadas são aplicadas na análise da montagem do álbum Minas, de Milton Nascimento. This work puts forward theoretical grounds for an investigation into some musical composition techniques to sung popular music introduced and consolidated since the 1960s. It is believed that technological advances in the period enabled sung popular music artists to begin to explore new compositional approaches by physically editing recorded tapes. Transposing concepts of verbal discourse introduced by Mikhail Bakhtin into music, we advance the understanding of a recorded album as a complex genre of musical discourse organized in a moment form. Assuming each phonogram to be a self-contained moment as suggested by Stockhausen , we primarily study the weaving of contrasting sonorities by using Didier Guigues analytical framework for the music of the 20th century as reference. In this context, we also discuss the rhythmic interplay so characteristic of popular music in the Americas, which arises from the clash between the asymmetrical patterns inherited by the African music tradition and the symmetrical measures of Europe-based music of the eighteenth and nineteenth century. In conclusion, the proposed tools are applied to the analysis of the editing of Milton Nascimentos album Minas.

O presente trabalho propõe pesquisar a relação entre processos mentais, improvisação musical e performance. Realiza essa investigação partindo da perspectiva da psicologia cognitiva das décadas de 1980 e 1990 que concebe a improvisação musical enquanto um sistema de expertise. Incorpora à pesquisa as novas abordagens fundamentadas em princípios da neurociência realizadas na primeira década do século XXI, que investigam a improvisação enquanto um comportamento criativo espontâneo e, através de experimentos com neuroimagem funcional, buscam as possíveis bases cerebrais para a criatividade. O objetivo deste estudo é apropriar-se de parte do conhecimento produzido pela psicologia cognitiva e pela neurociência acerca dos mecanismos psicológicos e neurobiológicos que geram a improvisação, a fim de sugerir possíveis interfaces entre esse conhecimento, as rotinas de estudo do músico improvisador e as estratégias pedagógicas do professor de improvisação. This paper intends to research the relationship between mental processes, musical improvisation and performance. The investigation starts from the cognitive psychology perspective in the 1980s and 1990s, considered a system of expertise, and go forward on new approaches, based on principles of neuroscience from the first decade of this century, that understood the cognitive psychology as a creative and spontaneous behavior. Through experiments with functional neuroimaging, the study reffered here in seeks the possible cerebral basis for creativity. The aim of this study is to appropriate part of the knowledge, produced by cognitive psychology and neuroscience, about the psychological and neurobiological mechanisms that generate improvisation. The research suggests, eventually, possible interfaces between cognitive psychology and neuroscience, the routines of study for an improvising musician and the pedagogical strategies of a teacher of improvisation.

Neste trabalho elaboramos um percurso de estudo para abordar as relações estabelecidas a partir do contato do músico de formação tradicional europeia com os fazeres musicais de culturas não ocidentais. Para tal propósito, traçamos uma linha do tempo que se inicia na aproximação com a música não ocidental pelos compositores europeus do início do século XX e segue até os contextos formativos da atualidade no ocidente. Neste percurso, analisamos inicialmente os materiais expressivos e procedimentos da música não ocidental utilizados por compositores europeus do início do século XX, em seguida estudamos as contribuições dos materiais da música não ocidental para se pensar a performance e, por fim, apontamos algumas iniciativas multiculturais e a criação de ambientes híbridos em contextos formativos da atualidade. Após este estudo, elaboramos algumas propostas em formato de workshops, nas quais propomos que o diálogo e as transformações ocorridas a partir do contato com a música não ocidental estendam-se à prática e ao estudo específico da improvisação. Sob este foco, foram elaborados e aplicados quatro workshops com a temática da conexão corpo/instrumento sob parâmetros rítmicos complexos utilizados como ambientação para a prática da improvisação. Neste trabalho sugerimos que a diversidade de fazeres musicais encontrada nas culturas não ocidentais pode ser inserida no currículo de formação do músico do ocidente sob diversas abordagens. Sob este aspecto, a proposta que apresentamos ao final de nosso estudo representa uma das abordagens possíveis, sendo que nossa intenção é despertar o olhar para a inserção da ideia de hibridismo em contextos formativos do ocidente, além de valorizar prática da improvisação na formação do músico em geral. In this work we elaborated a path of study to address the relationships established from the contact of traditional European trained musicians with the music making of non-Western cultures. For this purpose, we draw a timeline that begins with the approach to non-Western music by European composers of the early twentieth century and continues until the present educational contexts in the West. In this way, we analyzed initially the use of expressive materials and procedures found in non-Western music by European composers of the early twentieth century, then we study the contributions of non-Western music materials to think about the performance and finally point out some multicultural initiatives and hybrid environments in current educational contexts. After this study, we make some proposals in the form of workshops, in which we propose that the dialogue and the changes occurred from the contact with non-Western music materials could be extended specifically to the practice and study of music improvisation. Under this focus, we have developed and applied four workshops with the theme of the body/ instrument connection under complex rhythmic parameters used as ambiance for the practice of music improvisation. Here we suggest that the music making diversity found in non-Western cultures can be inserted into the educational curriculum of western musicians in various approaches. In this regard, the proposal that we presented at the end of our study represents just one of the possible approaches, and our intention is to draw the attention for the idea of hybridity in educational contexts of the West, as well as enhancing the practice of improvisation in the musician training in general.

O objetivo deste trabalho é investigar o processo de expansão do gênero choro no século XXI, identificando suas principais correntes estilísticas e suas diferentes formas de apresentação. Começamos indicando as características musicais do chamado choro tradicional, que se consolidaram no começo do século passado, para posteriormente examinar o choro contemporâneo com o intuito de perceber claramente as tendências da atualidade. Tendo em vista as mudanças que têm ocorrido em seus aspectos musicais, ou seja, suas particularidades melódicas, harmônicas, rítmicas e timbrísticas, nossa principal hipótese é a de que o procedimento da improvisação se constitui no principal fator de transformação do gênero. Por meio de análises musicais de performances contemporâneas refletiremos sobre as inovações de modo geral. Notamos que a comunicação entre as características que o consolidam e as que o transformam é vital para o gênero, fazendo com que o dinamismo proposto pelas individualidades seja revelado na variedade de estilos observados no choro contemporâneo. Acreditamos que os resultados alcançados nesse trabalho trarão uma importante contribuição para a pesquisa na área de práticas interpretativas e para o estudo do choro como um importante gênero musical brasileiro. The aim of this study is to investigate the process of expansion of the choro in the 21st century, identifying its main stylistic currents and its different forms of presentation. Initially we evaluate the musical characteristics of the so-called traditional choro (consolidated at the beginning of the last century) and later we examine the contemporary choro in order to understand its present tendencies. We emphasize the changes on their musical aspects - melodic, harmonic and rhythmic - and we think that the procedure of improvisation has been the main factor of transformation of the genre. The musical analysis of contemporary performances will show the innovations of the choro. We notice that the communication between the consolidated features and their transformation is vital to the genre, revealing the dynamism and variety of styles of contemporary choro. We believe that this research will bring an important contribution to the area of interpretative practices and to the study of the choro as an important Brazilian musical genre.

Nesse trabalho procuro examinar as relações de João Gilberto com o samba e com os modos tradicionais do canto brasileiro, particularmente o estilo do samba sincopado. Representante fundamental de um estilo que levou a música brasileira ao centro da indústria cultural, estarei em busca das continuidades e desenvolvimentos que esse estilo promove em relação ao samba feito nos subúrbios das cidades brasileiras em formação. Invertendo a orientação frequentemente biográfica da bibliografia tradicional, estarei em busca das novidades trazidas por João Gilberto no que diz respeito aos parâmetros musicais dos timbres, durações, alturas e intensidades. Longe de desprezar os estudos biográficos já feitos sobre o autor, a estratégia da inversão pretende fomentar um novo ambiente de debate com bases tão sólidas quanto aquelas, no qual se criem condições de dialogar com a bibliografia tradicional por um novo viés: o da musicologia. In this academic work I examine the relation of João Gilberto with samba and traditional Brazilian singing, particularly the syncopated samba style. Through this representative of a style that brought Brazilian music to the center of the cultural industry, I will be searching for continuities and developments of the samba made in the outskirts of emerging Brazilian cities, promoted by that style. Inverting the orientation, frequently biographic of his traditional bibliography, I will be looking for new developments brought by João Gilberto on tones, durations, intensities and timbres. The strategy of this inversion does not intend to ignore the biographical studies already done, but to foster a new environment for discussion with a solid bases as well, in which conditions are created to dialogue with the traditional bibliography by a new bias: one of musicology.

O objetivo deste trabalho é criar possibilidades para o que o vem de fora da composição musical seja um plano de criação em que se convive lado-a-lado uma sensibilidade artística e um pensamento em pleno estado de criação. O exame das circunstâncias em que se dá este pensamento vem por meio de um percurso, diremos, um tanto errático, onde se pretende por em relevo as forças que afetam a nossa sensibilidade, nossas criações, e que por assim dizer, tornam o pensamento um fluxo criativo. Tentamos entrever alguns momentos relativos a sua formação e papel nos processos criativos composicionais. Com efeito, o pensamento enquanto parte de um plano de criação será sempre um pensamento que se constrói por um fora, de onde opera ligações com o universo sonoro e, assim, dá consistência às nossas ideias musicais. Mas, ele não o faz sem algum esforço ou sem o reconhecimento das instabilidades que o permeiam e determinam sua natureza um tanto instável. Assim, por último, o que se constrói aqui é um pensamento das instabilidades da música. The objective of this work is to create possibilities for what comes out of the musical composition that to be a plan of creation in which it lives side by side an artistic sensibility and thought in a full state of creation. The examination of the circumstances in which occurs this thought comes through a journey, shall we say, somewhat erratic, which aims to bring into relief the forces that affect our sensitivity, our creations, and as it were, become a thought creative flow. We try to discern a few moments in what concerns its constitution and role in the compositional processes. Indeed, the thought as part of a plan of creation is always thought that is constructed by an outside, where it operates connections with the universe of sound and thus gives consistency to our musical ideas. But he does so without any effort or without recognition of the instabilities that underlies and determines its nature somewhat unstable. So, finally, what is built here is a thought of the instabilities in the music.

Este trabalho tem como principal objetivo realizar um estudo das práticas de reelaboração musical relacionadas aqui como: transcrição, orquestração, redução, arranjo, adaptação e paráfrase, promovendo um resgate de sua valorização e estimulando sua expansão. Para isso, serão abordadas questões teóricas, históricas e estéticas acerca dessas práticas discutindo sua importância e utilização, buscando também um suporte teórico em outras áreas como a literatura. Além disso, serão feitas observações no sentido de perceber como se procedem estas práticas que são abordadas teoricamente, de maneira geral, como sinônimas, mas que na prática apontam para a possibilidade de existir procedimentos diferentes classificando os diversos termos em categorias distintas. O trabalho ainda traz como proposta, a realização de uma reelaboração, (orquestração do Choros 5 de H. Villa-Lobos) observando de que forma poderiam ser aplicados na prática os procedimentos observados anteriormente. The main goal of this Doctoral Thesis is to carry out a study of different musical practices listed here as re-elaboration: Transcription, orchestration, reduction, arrangement, adaptation and paraphrase. As a secondary goal we aim at promoting the recovery of these practices and at encouraging their expansion. For this, we shall raise theoretical, histhorical and aesthetic issues about re-elaboration in music, discussing their importance and usage, seeking for theoretical support in other areas such as literature. Although such practices are often treated as synonyms, our research points to different procedures that can lead to their classification in specific categories. This work also bring the realization of re-elaboration, (the orchestration of, Heitor Villa-Lobos, Choros 5)in which we apply the theoretical procedures previously investigated.

O estudo aborda o papel do gesto e da corporalidade na composição, interpretação e percepção musical. Investigaremos obras de diferentes épocas e estilos, porém nosso esforço principal se concentra na corporalidade e do gesto para a interpretação e composição no contexto da música contemporânea. Duas obras são especialmente analisadas, as Variações op.27 de Anton Webern e Air de Richard Barrett. The research approaches the role of gesture and corporality in musical composition, performance and perception. We will discuss works from different periods and styles, although our main effort focuses on corporality and musical gesture in contemporary music composition and performance. Anton Weberns Variations op.27 and Richard Barretts Air are specially analyzed.

O intento deste trabalho é investigar e comparar processos composicionais utilizados na música brasileira contemporânea no final do século XX. O período de recorte, de 1980 até 2000, foi escolhido por se situar após a dissolução da principal oposição ideológica vivida no século passado, a querela nacionalismo versus vanguarda. Como objeto de estudo, foram tomadas três peças de compositores atuais das mais variadas tendências: Ginga (1994), de Marisa Rezende - para flauta, clarineta, fagote, violoncelo, trombone, contrabaixo e piano; Diálogos (1988), de Rodolfo Coelho de Souza - para marimba e vibrafone; e Dramatic Polimaniquexixe ou \"Quinto movimento para uma suíte implacavelmente longa e erótica\" (1985), de Jorge Antunes - para clarinete, violoncelo e piano. Tais obras possuem como denominador comum o uso de materiais musicais relacionados à cultura nacional. Assim, o foco da pesquisa incide sobre dois pontos: os principais processos composicionais utilizados e as maneiras escolhidas para trabalhar os elementos culturais brasileiros na construção das partituras. Conclui-se que novas formas de expressão e concepção da identidade cultural brasileira na música estão se desenvolvendo e se articulando nos dias de hoje. The purpose of this work is to investigate and compare compositional processes used in the contemporary Brazilian music in the late twentieth century. The selected period, from 1980 to 2000, was chosen since it was situated after the dissolution of the main ideological opposition experienced in the last century, the disagreement between nationalism and vanguard. As object of the study, three musical works by composers of various current trends were taken: Ginga (1994), by Marisa Rezende - for flute, clarinet, bassoon, violoncello, trombone, contrabass and piano; Diálogos (1988), by Rodolfo Coelho de Souza - for marimba and vibraphone; and Dramatic Polimaniquexixe or \"Quinto movimento para uma suíte implacavelmente longa e erótica\" (1985), by Jorge Antunes - for clarinet, violoncello and piano. Such compositions have as a common denominator the use of musical materials related to the national culture. Thus, the aim of the research focuses on two points: the main compositional processes used and the ways chosen to work the Brazilian cultural elements in the construction of the scores. It follows that new forms of expression and conception of the Brazilian cultural identity in music are being developed and articulated nowadays.

A presente dissertação tem o objetivo de demonstrar o uso da forma sonata por compositores brasileiros vivos. Inicialmente, será feita uma breve revisão bibliográfica do histórico de transformações pelo qual a forma sonata e também dos principais acontecimentos musicais do século XX no Brasil. Em seguida, serão analisadas sonatas de três compositores brasileiros (Marlos Nobre, João Guilherme Ripper e Roberto Victorio) e também peças de estrutura semelhante às delas (a Sonata em Si Menor de Liszt, a Sonata de Alban Berg e a peça Vattan de Roberto Victorio). Finalmente, serão dadas sugestões de estudo das obras escolhidas. The main objective of this dissertation is to demonstrate the use of Sonata Form on contemporary Brazilian music. For the sake of contextualization, there is initially a description of the historical process of transformations of the sonata form and also of the main facts of the Brazilian Music during 20th century. Next there is an analysis of piano sonatas by three brazilian composers (Marlos Nobre, João Guilherme Ripper e Roberto Victorio) and also the pieces with inspired them (Liszt\'s B Minor Sonata, Alban Berg\'s Sonata Op. 1 and Roberto Victorio\'s Vattan). Finaly there are study suggestions of the three chosen sonatas.

Este trabalho se propõe a analisar alguns dos aspectos da obra tardia do compositor veneziano Luigi Nono (1924-1990), a partir da leitura de três obras: Fragmente-Stille, an Diotima para quarteto de cordas, Das atmende Klarsein para flauta baixo, coro e processamento em tempo real, e Omaggio a György Kurtág para contralto, flauta, clarinete baixo e processamento em tempo real. As três diferentes análises têm como foco três importantes princípios da poética tardia de Luigi Nono: as idéias de fragmentação, de limite e de suspensão. This research studies some aspects of Luigi Nonos (1924-1990) late work. It is based on analysis and interpretation of three important works of the Venetian composer: Fragmente-Stille, an Diotima, for string quartet, Das atmende Klarsein, for bass flute, double-bass, choir and live electronics, and Omaggio a György Kurtág, for contralto, flute, bass clarinet and live electronics. Each of these investigations focuses on three important principles of Nonos late poetics: the ideas of fragmentation, limit and suspension.

O objetivo deste trabalho é analisar a obra Carinhoso de autoria do maestro, compositor e arranjador Cyro Pereira a fim de determinar a distância entre esta peça e a composição original de Pixinguinha. Para isso, analisamos ambas as obras do ponto de vista formal, harmônico e melódico. Também examinamos as definições pertencentes aos universos erudito e popular como arranjo, fantasia, variação e \'borrowing\' . Esta pesquisa dos aspectos teóricos forneceram elementos para responder a importante questão que é o tema central desta dissertação: Carinhoso de Cyro Pereira é arranjo ou composição? This research intends to analyze the musical piece Carinhoso by the conductor, composer and arranger Cyro Pereira in order to point out the differences between this piece and the original one by Pixinguinha. I worked on a formal, harmonic and melodic analysis of these pieces. I also examined the definitions referred to the erudite and popular universes of arrangement. The investigation of the theoretical aspects gave me elements to answer the important question, which is the central theme of this work: is Carinhoso by Cyro Pereira an arrangement or a composition?