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Als'Zeitkunst'stellt sich für die Musik immer wieder die Frage, wie ihr Ende zu gestalten, wo nicht zu bewältigen ist. Der Band widmet sich musikalischer Schlussgestaltung als einem grundlegenden Problem kompositorischer Formgebung. Vielfältige Ansätze für diese kompositorische Auseinandersetzung, die im Laufe der europäischen Musikgeschichte entwickelt und reflektiert worden sind, bewegen sich im Spannungsfeld zwischen Auflösung und Abreißen, Erfüllung und Verweigerung, triumphaler Apotheose und ersterbendem Verklingen. Die Probleme, um die es beim musikalischen Schließen geht, sind wiederum nicht allein formaler oder struktureller Provenienz, sondern auch ästhetischer Natur und werden oft erst in kulturgeschichtlichen Zusammenhängen sichtbar. Von ihnen her kann der Schluss seine jeweilige besondere Bedeutung erhalten. Diese Probleme betreffen die Frage, welche expliziten oder impliziten Vorstellungen von'Zeitlichkeit'und'(Un-)Endlichkeit','Spannung'und'Auflösung'oder'Bewältigung'und'Resignation'sich in einem bestimmten historischen Kontext in die Schlussgestaltung einschreiben. Die einzelnen Beiträge des Bandes entwerfen systematische, historische und musiktheoretische Perspektiven auf das Problem des Schließens. Das untersuchte Feld erstreckt sich vom Mittelalter bis ins 20. Jahrhundert und enthält neben Beispielen, die in der Tradition europäischer Kunstmusik dem Werkbegriff zuzuordnen sind, auch Überlegungen zur Schlussgestaltung im Musiktheater und in der Jazz-Improvisation. Der Band enthält Beiträge von Julian Caskel, Felix Diergarten, Daniel Martin Feige, Anselm Gerhard, Hektor Haarkötter, Henry Hope, Stefan Keym, Florian Kraemer, Ursula Kramer, Joachim Kremer, Markus Neuwirth, Nina Noeske, Bernd Sponheuer, Wolfram Steinbeck, Arne Stollberg, Matthias Tischer und Sascha Wegner.

Die Beiträge dieses Bandes untersuchen musikalische Aspekte von Rilkes Werk im Kontext einer literarischen Moderne, in der die Musik insgesamt eine zentrale Rolle spielt. Biographische Faktoren werden dabei ebenso einbezogen wie literarische, philosophische und ästhetische Traditionen. Die Untersuchungen befassen sich mit Rilkes Musik-Reflexionen, den Neuen Gedichten, den Aufzeichnungen des Malte Laurids Brigge, einigen späten Gedichten und der Rilke-Rezeption im Surrealismus. Ein wichtiges Anliegen besteht darin, Rilkes ambivalentes Verhältnis zur Musik von einseitigen Bewertungen zu befreien und sowohl Rilkes Begeisterung für die Musik als auch seine Skepsis gegenüber dieser Kunst als produktive Impulse für sein Gesamtwerk darzustellen. The essays in this volume explore musical aspects of Rilke's works in the context of a modernist aesthetic in which music plays a key role. Biographical angles are taken into account alongside a focus on literary, philosophical and aesthetic traditions. The articles discuss Rilke's overt reflections upon music, its role in the New Poems, The Notebooks of Malte Laurids Brigge, and some of the late poetry, as well as the reception of Rilke within Surrealism. One of the main ambitions of this volume is to liberate Rilke's ambivalent attitude towards music (the subject of many scholarly controversies) from the one-sided evaluations that have hitherto prevailed. Rilke's enthusiasm for music, as well as his scepticism towards it, must both be seen as productive impulses for his works.

The Music on Stage conferences are a unique engine for interdisciplinary interaction, which is reflected in this compendium of the latest research by international scholars. Scholars and practitioners of operas by Handel, Mozart, Thomas, Chabrier, Korngold and Taktakishvili will find new “readings” from hitherto unexplored contexts and contemporary fine art. Also discussed is operatic lighting and the problematics of traditional lighting schemes apropos recent inventive methodologies. Popular sound development of the late 1960s is highlighted through unique oral transcripts. Other chapters discuss the intermediality of music and social media in the work of Brigitta Muntendorf; the visual transcoding of Wagner's leitmotif technique; a new theory of Affektenlehre, and the art and politics of the Slovenian conceptual music collective Laibach.

Dieser durchgehend zweisprachige Band versammelt Beiträge zu ästhetischen, künstlerischen und pädagogischen Fragestellungen der musikalischen Improvisation. Er beinhaltet Reflexionen und Modelle, die sich mit der Kunst der Improvisation und den in ihr handelnden Menschen befassen und darüber hinaus faszinierende Perspektiven auch für Kultur und Wissenschaft bieten. This book, bilingual throughout, brings together essays providing aesthetic, artistic and pedagogical interrogations of the art of musical improvisation. It contains reflections and models which deal both with the art of improvisation and with the people who carry it out and offers fascinating perspectives for culture and for scholarship more generally. Contributions by Alan Bern, Rogério Costa, Nina Polaschegg, Edwin Prévost, and others.

Franz Liszt trat in seinen Kompositionen und in seinem kulturpolitischen Handeln zugleich als überzeugter Kosmopolit und als bekennender ungarischer Patriot auf. Diese dialektische Symbiose praktizierte er umso nachdrücklicher, je stärker nationale Partikularismen in Europa Raum griffen. Damit gab er Komponisten und Pianisten aus aller Herren Länder ein Vorbild, sei es als Berater, als Lehrer oder als Förderer mit vorzüglichen internationalen Beziehungen. Der Band arbeitet diese Dialektik im Dialog mit anderen Disziplinen heraus und erweitert den Blickwinkel zugleich auf andere Komponisten, die – sei es aus politischen Gründen oder aufgrund persönlicher Entscheidungen – in ähnlicher Weise zwischen zwei oder mehreren Nationen stehen. In den Vordergrund rückt also weniger die Begründung nationaler Musikkulturen als der internationale Austausch, zu dem diese Komponisten maßgeblich beitrugen und der die Voraussetzung für die jeweils besondere Musikkultur bildet.

The island is a powerful metaphor in everyday speech which extends almost naturally into several academic disciplines, including musicology. Islands are imagined as isolated and unique places where strange, exotic, different and unexpected treasures can be found by daring adventurers. The magic inherent within this positioning of islands as places of discovery is an aspect which permeates the theoretical, methodological and analytical boundaries of this edited book. Showcasing the breadth of current musicological research in Australia and New Zealand, this edited collection offers a range of subtle and innovative reflections on this concept both in established and well-charted territories of music research.