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In der kunsthistorischen Forschung war bislang kaum etwas über die großbürgerliche jüdische Familie Kolker aus Breslau bekannt, die in den letzten Jahren des Kaiserreichs Werke der deutschen und französischen Moderne sammelte. Auf Basis teils neu erschlossener Quellen aus deutschen, polnischen und anderen internationalen Archiven sowie der Auswertung von ausgewählter Primär- und Sekundärliteratur erforscht die 2022 an der Technischen Universität Berlin eingereichte und für die Publikation erweiterte, korrigierte Masterarbeit erstmals die Geschichte und das Verfolgungsschicksal der Familie Kolker von der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts bis zu ihrer Emigration in der NS-Zeit. Sie versucht, die vergleichsweise kleinen Kunstsammlungen des Großhandelskaufmanns und Unternehmers Konsul Hugo Kolker (1845‒1915) und seines Neffen Hubert-Erich Kolker (1885‒1918) zu rekonstruieren und die Werke zu identifizieren. Dazu untersucht sie deren Erwerbungen auf dem deutschen und französischen Kunstmarkt und zeichnet ihre Veräußerung beziehungsweise die Verlustumstände nach. Das in diesem Rahmen erstellte kommentierte Verzeichnis der besser dokumentierten Sammlung Hugo Kolkers versteht sich als erste Bestandsaufnahme und soll eine Grundlage für die weitergehende Provenienzforschung zum Kunstbesitz der Familie schaffen. Die exemplarische Provenienzrecherche zu dem Lovis-Corinth-Gemälde "Der Wasserfall" aus dem Alteigentum von Hubert-Erich Kolkers Sohn Berndt Lothar Kolker (1916‒1990) spricht nach der Auswertung vieler Quellen für einen NS-verfolgungsbedingten Verlust des Bildes. Die Arbeit möchte, um mit Anna-Carolin Augustin zu sprechen, „Leerstellen“, die durch die „memorialpolitische Auslöschung“ NS-Verfolgter entstanden sind, „wieder mit Wissen anreichern“ und im Fall des Corinth-Gemäldes dazu beitragen, eine „gerechte und faire Lösung“ nach heutigen Maßstäben zu finden. Hugo Kolker gründete 1877 gemeinsam mit seinem Bruder Bruno (1848‒1909) das Familienunternehmen Gebrüder Kolk

Viele Museen stehen vor der Herausforderung, ihre Museumssammlung zu inventarisieren. Depots und Ausstellungen sind oft mit zahlreichen Objekten gefüllt, für die ein digitales Inventar fehlt. Wo fängt man als Museumsmitarbeiter mit der Erfassung an? Diese Handreichung bietet Leitfragen, die dabei helfen, die eigene Sammlung in überschaubare Objektgruppen aufzuteilen und eine passende Priorisierung dieser Gruppen für das eigene Museum zu entwickeln. Das langfristige Ziel ist die vollständige Inventarisierung und Digitalisierung der gesamten Sammlung, doch kann dies nur in einzelnen Etappen erreicht werden.

Werner Haftmann (1912-1999) begann seine Ausbildung und Karriere im Bereich der Kunstgeschichte der Renaissance während des Nazi-Regimes. Nach dem Zweiten Weltkrieg wurde er zu einem der einflussreichsten Kunsthistoriker in der Bundesrepublik Deutschland. Ziel dieser Arbeit ist es, Haftmanns Biographie und sein Wirken als Direktor der Neuen Nationalgalerie in Berlin kritisch zu betrachten, um die nach dem Krieg entstandenen Mythen über seinen persönlichen und beruflichen Werdegang zu widerlegen. Die Studie zeigt, dass die Analyse der Entwicklung der Sammlungen und des Ausstellungsprogramms der Neuen Nationalgalerie untrennbar mit der Kenntnis von Haftmanns Biographie und Karriere verbunden ist.

Die Erlanger Filialgemäldegalerie wurde von 1906 bis 1934 in der Orangerie im Erlanger Schlossgarten beherbergt. Sie war eine Gemäldegalerie, die aus Beständen der damaligen Königlichen Gemäldesammlung (heute Bayerische Staatsgemäldesammlungen) in München bestückt war; darunter auch historische Kopien nach berühmten Werken, wie etwa Leonardos Mona Lisa. Die Ausstellung in der Filialgemäldegalerie, die primär Lehrzwecken diente und den kunsthistorischen Kanon abbilden sollte, war auch fürs Stadtpublikum als „Kleine Pinakothek“ geöffnet. Im Wassersaal wurden Werke der niederländischen Malerei, der Spätrenaissance und des Barocks ausgestellt, in den Seitenräumen italienische und deutsche Kunst. Die Sammlung durchlief im Laufe der fast drei Jahrzehnte ihres Bestehens einige Veränderungen, die teilweise in den Führern und Katalogen durch die Sammlung erfasst sind: Franz von Reber (1906 und 1913), Heinrich Bulle (1906), Friedrich Haack (1922). Die erste wesentliche Aufarbeitung der Geschichte der Galerie stammt von Volkmar Greiselmayer (1993). Bereits 2011 erarbeitete Franziska Köhler eine virtuelle Rekonstruktion der Sammlung (unveröffentlicht). Diese wurde 2017 von der Autorin der vorliegenden Arbeit grundlegend überarbeitet und erweitert. Mit Hilfe des Quellenmaterials wurde eine virtuelle Rekonstruktion der Ausstellungssituation von 1906 erschaffen. Zusätzlich wurden die Daten der einzelnen Werke, welche im Laufe der Zeit in der Galerie ausgestellt waren, in einem Online-Objektkatalog gesammelt und um historische Dokumente ergänzt. Beides wurde in der virtuellen Forschungsumgebung WissKI, einer wissenschaftlichen Kommunikationsinfrastruktur für das Weltkulturerbe, erfasst. Die Arbeit gliedert sich in zwei Hauptteile. Der erste Teil beschäftigt sich mit der Geschichte der Sammlung und ihrer Einrichtung als Lehrsammlung. Im zweiten Teil der Arbeit steht die digitale Aufbereitung der Daten in WissKI im Fokus sowie schließlich die Präsentation der Forschungsergebnisse. Di

In dieser Arbeit wird eine Evaluation der 3D-Streifenprojektion zur Zustandsanalyse und zum Monitoring von Veränderungsprozessen bei Gemälden vor allem im Hinblick auf Kunsttransporte vorgenommen. Die Evaluation erfolgt auf Basis von Probekörpern und Gemälden im Zuge von Laborstudien, aber auch im musealen Leihverkehr. Für die Analyse und Interpretation der 3D-Modellvergleiche sind auf materialtechnologischen und konservatorisch/restauratorischen Aspekten beruhende Plausibilitätsprüfungen unabdingbar. Nur so ist zu klären, inwiefern detektierte Modellunterschiede Ausdruck von beispielsweise transportinduzierten Objektveränderungen sind. Bei den im Rahmen der Fallstudien realisierten Kunsttransporten erfolgte neben dem Oberflächenmonitoring der Gemälde auch eine umfassende Aufzeichnung der Transportumstände. So können die klimatische Situation als auch mechanische Belastungen mit etwaigen Objektveränderungen in Beziehung gesetzt werden.

Martin Schwarz (* 1946) ist ein bildender Künstler, Autor und Verleger aus Winterthur (Schweiz). — Teilnehmer an der „documenta 6“. — Träger des Kunstpreises der „Carl Heinrich Ernst-Kunststiftung“ und weiterer Preise. — Martin Schwarz ist „Konzept-Künstler“ und tätig in vielen Bereichen der Malerei, Skulptur, Buchkunst und Objektkunst. — Zahlreiche Ausstellungen, weltweit und in eigenen Ateliers. — Zusammenarbeit mit namhaften Künstlern, u.a. mit H.R. Giger. — Das hier vorgelegte Verzeichnis von Kunsthistorikerin Bettina Sitter ist der erste Teil einer „Biographie in Ausstellungsdaten und Texten“ über Martin Schwarz, entstanden in Zusammenarbeit mit dem Künstler.

The publication analyses the origins of neo-Renaissance taste in Britain during the early Victorian period by investigating the objets d’art collected by the prominent aristocratic couple, the 2nd Duke and Duchess of Sutherland, during their Grand Tour in Italy (1838-39). It focuses on their commissioning in Florence of copies of Renaissance statues, especially of Cellini’s Perseus and Giambologna’s Venus-Fiorenza, made by the Florentine Royal Bronze Founder Clemente Papi using ancient techniques. It then discusses the subsequent history of these objects and their importance in the formation in Britain of the idea of Florentine’s glorious ‘Renaissance’ past of the 15th and 16th centuries.

This richly illustrated publication presents the history and symbolism of the emblem of the University of Warsaw. In the first part the author describes the circumstances of establishing the emblem in 1817, the ideological content expressed by the symbols considered at the time, the reasons for choosing the White Eagle as a key element of the emblem, its relations to the University seals and new signs of University identity existing after the abolition of the original emblem. The second part contains a study of an unrecognized sphragistic system of the University. The third part is a catalogue of seal matrices preserved in the University Museum.

Do we have a «Right to the Museum»? This question was the focus of the research project of the same name, in which archival and field research was used to investigate changes in museums’ concepts of the public and the public perception of museums. The study was based on the cooperation with five Viennese museums – the Austrian Museum of Folk Life and Folk Art, the Belvedere, the House of Austrian History, the Kunsthistorisches Museum Vienna, the MAK – Museum of Applied Arts – and Viennese citizens. Ten concise project findings provide information on the relationship between the museum as an institution and the public, and vice versa.

Haben wir ein „Recht auf Museum“? Diese Frage stand im Fokus des gleichnamigen Forschungsprojektes, bei dem die Veränderung musealer Öffentlichkeitskonzepte und deren Wahrnehmung in der Bevölkerung in Archiv- und Feldforschungen untersucht wurden. Die Studie baute auf der Zusammenarbeit mit fünf Wiener Museen – Belvedere, Haus der Geschichte Österreich, Kunsthistorisches Museum Wien, MAK – Museum für angewandte Kunst und Volkskundemuseum Wien – sowie der in Wien lebenden Bevölkerung auf. Zehn kompakte Projekterkenntnisse geben Auskunft zur Beziehung der Institution Museum zur Öffentlichkeit und vice versa.

Das Landesmuseum Württemberg hat 2022 eine digitale Strategie publiziert, die mit dem vorliegenden Heft zum „erweiterten Museum“ weiter ausgeführt wird. Die Publikation markiert Methoden, Konzepte bzw. Technologien und führt die sechs relevanten Leitlinien aus. Sie beschreibt wesentliche Handlungsfelder nach Innen bzw. Außen und benennt ausgewählte Projekte in der digitalen Transformation des Museums, seiner Mitarbeiter*innen und Besucher*innen.

Wege der Menschlichkeit in Zeiten des Kriegs? Der französische Maler Georges Rouault gibt aus seiner Sicht Antworten: Kein anderer Künstler hat im 20. Jahrhundert in einem druckgraphischen Werkkomplex dem Schmerz, Leid und der Torheit der Menschen bildlich und metaphorisch im Hinblick auf das Vertrauen in einen Christus im humanistischen Sinne eine derart kraftvolle, nachhallende Stimme gegeben. Sie ruft zu einer übergeordneten religiösen Verantwortung des Menschen im Glauben, in Hoffnung und Liebe auf, fernab aller Auslegungen der institutionellen Kirchen. Die während des Ersten Weltkriegs entstandenen, 1948 mit den Erfahrungen des Zweiten Weltkriegs publizierten Radierungen des Miserere sind angesichts heutiger Gräuel zeitlos aktuell: »Der Friede scheint kaum zu regieren über einer von Schatten und ihresgleichen geängstigten Welt« schreibt Rouault in seinem Vorwort zu der Folge von 58 Radierungen, die der künstlerische Mittelpunkt seines Schaffens und somit sein Vermächtnis sind. Erste Tuschpinselzeichnungen zum Miserere schuf Rouault bereits ab 1912 als Reaktion auf den Tod seines Vaters, später wurden sie fotomechanisch auf Kupferplatten übertragen. Diese bearbeitete der Künstler intensiv und immer wieder erneut mit verschiedenen Werkzeugen und Materialien: Aquatinta, d.h. Ätzungen mit Pinsel und Rolle, Kaltnadel, Roulette, Polierstahl u.a. Der Druck der Radierungen erfolgte zwischen 1922 und 1927. Der Tod seines Verlegers Ambroise Vollard und der Zweite Weltkrieg verzögerten die Publikation, das Miserere erschien schließlich 1948. Das Stuttgarter Exemplar (110/450) stammt aus dem ehemaligen Besitz von Lothar Günter Buchheim und wurde im Todesjahr des Künstlers 1958 von den Freunden der Staatsgalerie Stuttgart e.V. erworben.

Haben wir ein „Recht auf Museum“? Diese Frage stand im Fokus des gleichnamigen Forschungsprojektes, bei dem die Veränderung musealer Öffentlichkeitskonzepte und deren Wahrnehmung in der Bevölkerung in Archiv- und Feldforschungen untersucht wurden. Die Studie baute auf der Zusammenarbeit mit fünf Wiener Museen – Belvedere, Haus der Geschichte Österreich, Kunsthistorisches Museum Wien, MAK – Museum für angewandte Kunst und Volkskundemuseum Wien – sowie der in Wien lebenden Bevölkerung auf. Zehn kompakte Projekterkenntnisse geben Auskunft zur Beziehung der Institution Museum zur Öffentlichkeit und vice versa.

Das Landesmuseum Württemberg hat 2022 eine digitale Strategie publiziert, die mit dem vorliegenden Heft zum „erweiterten Museum“ weiter ausgeführt wird. Die Publikation markiert Methoden, Konzepte bzw. Technologien und führt die sechs relevanten Leitlinien aus. Sie beschreibt wesentliche Handlungsfelder nach Innen bzw. Außen und benennt ausgewählte Projekte in der digitalen Transformation des Museums, seiner Mitarbeiter*innen und Besucher*innen.

In der Museumsarbeit spielt 3D-Druck eine zunehmende Rolle. Aus digitalen Daten entstehen reale Objekte. Wofür verwenden Museen diese Technik? Welche Beispiele gibt es in Rheinland-Pfalz und Deutschland? Wie können Museen 3D-gedruckte Objekte aus Kunststoff erhalten? Was sollten sie bei der Umsetzung eines 3D-Druck-Projekts beachten? Diese Handreichung erklärt, wie 3D-Druck funktioniert und wo und wie er am Museum zum Einsatz kommt, vom Tastobjekt bis zum gedruckten Exponat. Museumsmitarbeiter*innen und Kulturschaffende erhalten Hintergrundinformationen, Inspiration und Tipps zur erfolgreichen Umsetzung eigener Experimente mit dem 3D-Drucker. Ein Glossar mit typischen Begriffen aus der 3D-Druckwelt und ein umfangreiches kommentiertes Literaturverzeichnis runden den Band ab.

Fred Uhlman wurde 1901 in Stuttgart geboren und arbeitete hier ab 1927 als Rechtsanwalt. Im März 1933 musste er ins Exil nach Frankreich flüchten. 1936 begegnete er seiner zukünftigen Frau Diana Croft und zog zu ihr nach London. Bereits in Frankreich hatte Uhlman 1934 als Autodidakt mit der Malerei begonnen und setzte dies nun erfolgreich in England fort. Im Juni 1940 wurde er verhaftet und für sechs Monate auf der Isle of Man interniert, wo er Kurt Schwitters begegnete. Dort entstand der Zyklus »Captivity« (Gefangenschaft), gezeichnet in schwarzer Feder und grauem und schwarzem Pinsel. In dieser Serie stellt Uhlman düstere, symbolische sowie vor allem antikirchliche Visionen der gegenwärtigen und kommenden Zeit und ihrer Gräuel auf den Schlachtfeldern dar – ein moderner »Totentanz«. Hoffnung verschaffen teilweise Blumen, die aus Grabhügeln und Schädeln wachsen, sowie ein kleines Mädchen mit einem Luftballon, das durch einige der apokalyptischen Szenen wandert: Auf manchen dieser Blätter findet sich die Widmung an seine während der Internierungszeit am 3. Juli 1940 geborene Tochter. 1950 schenkte Fred Uhlman, der 1985 in London starb, der Staatsgalerie Stuttgart 38 Zeichnungen aus diesem Zyklus. 1960 erschien seine Autobiographie »The Making of an Englishman« (deutsch »Erinnerungen eines Stuttgarter Juden«); in das Exemplar, das er dem Stuttgarter Rathaus schenkte, schrieb er handschriftlich die Widmung »Der Stadt Stuttgart. Trotz Allem«. Der Text entstand anlässlich der Ausstellung »Trotz Allem«. Fred Uhlman – ein jüdisches Schicksal (Staatsgalerie Stuttgart, 21.05.–12.09.2021). Sie war der Beitrag des Museums anlässlich des Jubiläums »1700 Jahre jüdisches Leben in Deutschland«. Im Anhang finden sich Tagebucheinträge, die Uhlman während der Internierungszeit niedergeschrieben hat, sowie der kurze Briefwechsel zwischen dem Künstler und dem damaligen Direktor der Staatsgalerie Stuttgart, Theodor Musper, anlässlich der Schenkung 1950.