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Apresentação e expediente do volume 24, número 02, 2021, da Revista Eco-Pós.

Resumo O estudo avalia a possibilidade de uma história fotográfica com base na noção de foto-ícone, que nos ajuda a observar como as imagens participam da história e conformam a experiência que temos dela. Seguindo a biografia, nem sempre linear, de uma imagem, acompanhamos neste artigo a trajetória da fotografia do estudante perseguido pela polícia. Produzida por Evandro Teixeira e publicada no Jornal do Brasil em 22 de junho de 1968, ela contrasta com outras imagens produzidas pela equipe fotográfica do Correio da Manhã, publicadas na mesma data e encontradas anos depois no arquivo do jornal inglês Daily Herald. Abstract This study evaluated the possibility of a photographic history from the notion of photo icons that helps us to observe how images make history and shape our experience of it. Following the trajectory, not always linear, of a photograph of a student pursued by the police, taken by Evandro Teixeira and published in Jornal do Brasil on June 22nd, 1968, in perspective to other images taken by the photographic crew of Correio da Manhã, published on the same day, and found years later in the archives of the English newspaper Daily Herald. Resumen Este estudio evalúa la posibilidad de una historia fotográfica, desde la noción de foto íconos como imágenes que, disponiendo de una biografía, prescriben una trayectoria ni siempre lineal. Los foto íconos nos interesan no porque pueda haber una historia por detrás de las imágenes, sino porque las imágenes hacen historia y dan forma a la experiencia que tenemos de ellas. En este artículo seguimos la trayectoria de la fotografía de un estudiante realizada por Evandro Teixeira, y publicada en Jornal do Brasil, el 22 de junio de 1968, en perspectiva con otras imágenes producidas por el equipo fotográfico del Correio da Manhã, publicadas en la misma fecha, y encontradas años después en el archivo del periódico inglés Daily Herald.

Desde fins do século XIX e durante as primeiras décadas do século XX, mulheres e fotografias são figuras-chave em uma cultura em que as fronteiras entre público e privado, visível e invisível, revelado e oculto estão sendo borradas ou rapidamente modificadas. Este ensaio procura desenvolver essa premissa, discutindo trajetórias de fotógrafas e explorando imagens, provenientes dos mais diferentes campos, que colocam em cena essa correlação.

The commemorative edition of the 80th anniversary of Casa Grande & Senzala, the founding book of Brazilian modern sociology written by Gilberto Freyre and published in 2013, shows on its cover a glamorous ‘Casa Grande’ (Big House, the Lord’s house), lit like an architectural landmark, ready to serve as the set for a film or a TV soap opera. What happened to the ‘Senzala’ (the Slave Quarters) that appeared on the covers of the dozens of previous editions? This paper investigates, following some changes in Brazilian Visual Culture in the twentieth century, how such an astonishing disappearance could take place. The paper examines the image of the slave quarters as part of a racial trope: a foundational and colonial trope, one that is capable of institutionalizing subjects and producing a subaltern mode of subjectivity. It also explores connections between critical legal studies and visual and cultural studies to question how and why knowledge produced over the status, nature and function of images contributes to institute—and institutionalize subjectivity. In order to explain this disappearance we propose a legal-iconological experiment. We will enunciate, and attempt to enact, the Statute of Image-nation: the laws of the image that constitute subjectivity in Brazilian racial tropes. In doing so, we might be able to point out the ways in which law and image function together in institutionalizing subjectivity—and subjection.

In 1979, looking at the portrait of his deceased mother, Roland Barthes wrote the 48 short chapters of Camera Lucida. Published in 1980, it never stopped being discussed, admired, criticized. This debate, however, has rarely helped to broaden its meaning or deepen its insights. Reduced to a small number of quotations, the multidimensionality of the text has been largely lost. This paper is the second part of a re-reading of the essay where the concepts are thought of as episodes and their exegesis is subordinated to the plot of the narrative. In the B-side of phi (Ф), we are going to visit the puncta, palinode, Schumann, interfuit, eidos and aorist.

In contrast to other South American countries, in Brazil, where a military dictatorship (1964–1985) incarcerated, tortured and ‘disappeared’ countless opponents, there have been very few initiatives to construct a public memory in the form of memorials and museums. Only recently, when the National Truth Commission was set up in 2012, debates on the importance of memory re-emerged, including a significant increase in the number of proposals to construct memorials of national importance, taking as their point of reference the coup in which the military seized power 50 years ago. This text offers a study of news sections dealing with memories of the Brazilian dictatorship and the activities of the National Truth Commission as they were reported in the daily press between 2012 and 2014 as well as visits to some of the monuments and memorials erected or planned after the end of the dictatorship in various parts of the country. Cases studied are divided into two groups: first, monuments stemming from the transition to democracy and the political pact that underwrote it, and second, cases that reflect the fragility of this pact and the efforts to undertake a revision of its terms. Rather than one succeeding the other, these two versions of memory are interdependent and have contested the hegemony of public initiatives to shape our memory of the period.

A fama de Aby Warburg (1866-1929) sempre superou o conhecimento de sua obra. Mas, nas últimas duas décadas, alguns dos mais importantes pensadores da estética - como Georges Didi-Huberman e Giorgio Agamben - encontram neste obscuro historiador da arte alemão um precursor de suas próprias investigações. Partindo do debate sobre o legado de Warburg nas obras de Ernst Gombrich e Erwin Panofsky, este ensaio procura historiar a trajetória deste resgate e repertoriar os conceitos e procedimentos warburgianos que mais mobilizam os teóricos contemporâneos. Sugere-se, por fim, que é devido à crescente influência de Walter Benjamin e às inquietações suscitadas pelo estatuto da imagem na contemporaneidade que os estudos de Warburg voltam a servir de referência para historiadores e estudiosos da imagem.

Desde su invención, la fotografía ha ocupado cada vez más el lugar —necesaria y problemáticamente— del guardián de las imágenes dispares en un mundo desencantado. La fotografía ha monitoreado esta distancia —distancia entre la imagen que verifica y otra que elude, entre la transparencia y la opacidad del mundo—. Por ejemplo, cada vez que esta incluye una foto de otro medio en ella (una pintura o una pantalla de televisión). Cada una de estas imágenes pone en escena un capítulo de la historia de la fotografía del siglo xx. Su última generación de artistas visuales trató de expresar el dolor de su propia virtualización. El primerísimo artista del nuevo milenio redescubrió una promesa latente del cuerpo que se encuentra dentro de cada imagen.Since its invention, photography has increasingly occupied the place —necessarily and problematically— of the guardian of disparate images in a disenchanted world. It has monitored this distance —the distance between the image that verifies and another that eludes, between the transparency and opacity of the world—, for example, every time it includes a picture from another medium in it (a painting, a TV screen). Each one of these images stages a chapter in the history of photography in the 20th century. Its last generation of visual artists sought to express the pain of their own virtualization. The very first artist of the new millennium rediscovered a latent promise of the body that lies inside every image.

Between its foundation under President Vargas in the 1930s until its closure with the end of the Military Dictatorship in 1983, the Brazilian Political Police Archive accumulated more than one hundred thousand photographs, These pictures, now held in the collections of the State Archive of Rio de Janeiro are almost entirely unknown. Despite the big differences between the various governments and regimes of its fifty years of existence, the common objects of surveillance by the police remained remarkably constant: trade unions, political parties, cultural associations, women’s movements, student movements, anarchists, communists and terrorists. Foreigners, including diplomats, whose activities raised suspicion of espionage or subversion were also kept a watchful eye on. The contemporary surveillance camera has its signature in the wide-angle plongée machinic abstract style, but in the files of the political police, the watchers are always finding ways to leave traces of their own performances as spies. Agamben’s ideas help us to create, in this exploratory essay, a dialogic link between the booking photographs taken of the political prisoners and the spy photographs of the usual suspects. In this sense, these images of suspicion testify not only to the “facts” or “feats” of those men and women under observation. In the trail left by these old photographs we can still hear the steps that once choreographed the ballet of surveillance, a strange pas-de-deux that found, in the interstice of the photographic act, a place for authorship.

This article examines the use of computers and the internet in Brazilien Public Schools. It observes the broad use of the new technologies and argues that the mainly political decision to do so must now be translated into responsible policies in both the use of resources and the goals they are meant to support, maximizing benefits and minimizing waste.

Observando as formulações assumidas pela distinção humano/animal ao longo da história da filosofia, Giorgio Agamben (2004) concluiu que qualquer conceito de humanidade deveria tanto excluir como incluir a natureza animal. Denominou esse dispositivo metafísico de “máquina antropológica”, o processo histórico que produz separações e reconciliações entre humanidade e animalidade (tais como as relações entre corpo e alma, por exemplo). No interior dessa máquina haveria uma zona de indeterminação onde é possível perceber a tensão entre gente e bicho, onde o movimento de separação é suspenso e a própria máquina exibe sua engrenagem capenga. Seria possível flagrar esse momento? Seria possível visitar esse lugar? A premissa dessa pesquisa é que a câmera fotográfica, como máquina antropológica, tem seu papel antropogênico particularmente visível quando os seres humanos são fotografados acompanhados de cães. Valendo-se de obras como os pintores Velasquez e Rembrandt e fotógrafos como Robert Capa e William Wegman o presente ensaio visa justificar essa premissa.

Hans Belting suggests that 'images are the nomads of media' because they set up and dismantle their camps every time new media appear. Whenever photography portrays another image (painting, TV screen) it plays out a chapter in this history. Photography has been the guardian of the paradoxes in the distance and tensions between image and world in modern times. This is why it now holds a central position in the debate about contemporary visuality. Our fate and the fate of images are somehow interconnected. The last generation of visual artists from the twentieth century sought to express the pain of virtualization; twenty-first century photography is rediscovering the promise of a latent body in each image.

A condição contemporânea da imagem fotográfica permite reler seu significado no âmbito de uma história cultural das imagens. Ao superar o binômio latência/revelação, a fotografia atual nos convida a reexameminar sua história a partir de elementos de longa permanência, que vão além do determinismo técnico. Este ensaio parte da proposição de que quando uma fotografia encena o duplo está, igualmente, testemunhando ou interrogando a si mesma a respeito de sua potência. Aqui exploramos algumas formas do duplo fotográfico como sintomas das expectativas de fotógrafos e fotografados. O percurso iconológico proposto toma por mote a pergunta sobre os poderes da fotografia e por referência a noção de chiste, tal como elaborada por Freud, para conceber o ato fotográfico como um mergulho, tão breve quanto possível, no inconsciente das imagens.

A partir do confronto de três fotografias — a "Madonna dos cortiços", de Lewis Hine, a "Mãe migrante", de Dorothea Lange, e a imagem estampada de João Hélio na camiseta de sua mãe —, este trabalho investiga as transformações da representação do sofrimento e da dor. A dimensão pública destas fotografias permite acompanhar, por intermédio da imagem da mãe que sofre, as mudanças na natureza do espaço público e o papel decisivo do discurso das vítimas na constituição de sua feição contemporânea. Photography and the representation of suffering — Based on a comparison of three photographs — Lewis Hine's "A Madonna of the tenements", Dorothea Lange's "Migrant mother", and the image of João Hélio printed on his mother's t-shirt — this paper examines the transformations that the representation of suffering and pain have undergone. The public dimension of these images — through the image of the suffering mother — illustrates the changes the public space has undergone and the central role of the victims' discourse in the contemporary world.

This article develops a hypothesis to explain the sudden, intense shift in voters’ opinions on gun control following television campaign advertisements in October 2005. We argue that the shift occurred because the ads supporting the maintenance of the gun trade were successful in exploiting popular perceptions of public security constructed over the years by mediatic crime narratives. We base our hypothesis on an empirical analysis of the crime coverage in the nightly edition of RJ-TV, the most watched local news show in Rio de Janeiro, in the year 2004. O artigo avança uma hipótese para explicar a súbita e intensa mudança de opinião sobre o comércio de armas após o início do horário eleitoral gratuito em outubro de 2005. A mudança teria acontecido porque a propaganda favorável à manutenção do comércio de armas soube explorar a percepção de segurança pública construída ao longo dos anos pelas narrativas midiáticas de crimes. Para dar sustentação empírica à hipótese, analisamos a cobertura de crime do RJ-TV, segunda edição, durante o ano de 2004.

PONTIFÍCIA UNIVERSIDADE CATÓLICA DO RIO DE JANEIRO CONSELHO NACIONAL DE DESENVOLVIMENTO CIENTÍFICO E TECNOLÓGICO Pollock, Rauschenberg e Cage. Formas residuais do pictórico na era da reprodução técnica aborda uma trajetória de pequenos colapsos da autonomia do campo pictórico como efeito das mediações da reprodução da imagem, no contexto norte-americano entre o final da década de 1940 e a década de 1950. É uma época caracterizada por dois movimentos fundamentais, que afetam o discurso crítico e a produção artística: o fim da era da mecânica – o cinema é uma máquina modernista – e o início da eletrônica – que inaugura as possibilidades da televisão e do vídeo. Jackson Pollock e Robert Rauschenberg operam nesse momento de transição e, ao longo da tese, são testadas possíveis relações entre, por um lado, certa desagregação do campo pictórico em Pollock e, por outro, a tentativa de reorganização da pintura a partir da integração do índice fotográfico operada por Rauschenberg. Nesse contexto, a figura de John Cage, além de introduzir o primeiro Rauschenberg, é um contraponto interessante a Pollock: por um lado, o compositor torna-se porta-voz das poéticas antiautorais de Marcel Duchamp e da busca por uma suposta transparência das sensações do corpo, que encontra sua matriz na tradição do pensamento zenbudista, por outro, sua poética ainda traz as marcas de certo idealismo. Isso revela um contexto histórico no qual tanto a definição de um campo autônomo da arte quanto a dissolução entre arte e vida tornam-se perspectivas vãs frente à emergência do mercado – da cultura, das imagens, da arte, da moda e dos objetos de consumo –, que atravessa todas as instâncias de produção e recepção da obra. A busca pelo esgarçamento do pictórico nas virtualidades do fotográfico se dará através de referências a temas centrais da filosofia benjaminiana e à teoria do Olhar de Jaques Lacan, autores que colocam certa ênfase no resíduo, na sobra e nas ruínas. Pollock, Rauschenberg and Cage. Residual Forms of the Pictorial in the Age of Technical Reproduction describes a trajectory of small collapses in the pictorial field in the North American context between the late 1940s and the 1950s. This is an era characterized by two fundamental movements affecting critical discourse and artistic production: the end of the era of mechanics – cinema is a modernist machine – and the transition to the electronic media – television and video. This thesis explores relations between a disaggregation of the pictorial field in Pollock Jackson and Robert Rauschenberg s attempts to reorganize painting based on the integration of the photographic index. John Cage is crucial in this context. If, on the one hand, the composer becomes a spokesman for Marcel Duchamp s antiauthoritarian poetics and the search for a supposed transparency of the sensations of the body, which finds its matrix in the tradition of Zen-Buddhist thought, on the other, his poetics still bears the marks of a certain idealism, revealed by a historical context in which both the definition of an autonomous field of art and the dissolution of art and life become vain perspectives in the face of the emergence of the market – of culture, images, art, fashion and consumer objects –, traversing all instances of production and reception of the work. With references to themes from Benjaminian philosophy and the theory of the Gaze of Jaques Lacan, both emphasizing residues, remains and ruins, we examine the fraying of the pictorial in the virtualities of the photographic.

Busquei com esta pesquisa trabalhar com a memória em suas manifestações poéticas por meio da fotografia, a partir da criação do ensaio fotográfico iminências, realizado em três locais do Ceará e composto por duas coleções: lugar-ruína e lugar-memória. Para tanto, adotei a ideia de memória-montagem, bem como um fazer conceitual e artístico que entrelaçasse memória, esquecimento e ruína.Ao mapear particularidades e problemáticas no Baixio das Palmeiras, Baixio do Múquem e Cococi, identifico dois cenários que pautaram a investigação visual e foram assim nomeados: os dois primeiros começam a ser fotografados a partir da ideia de iminência da desapropriação e o terceiro da ideia de iminência do desaparecimento.O lugar-memória (coleção feita em formato digital) é formado por imagens de locais significativos apontados pelos moradores e funcionou como uma bússola para perceber, pela via da criação fotográfica-imaginativa, a relação com o espaço durante as imposições das desapropriações e o cenário de desaparecimento. O lugar-ruína (feito com filme Polaroid grande formato) procurou estabelecer memórias a partir das dificuldades dos habitantes que vivem sob asiminências. Nesse contexto, propus o que chamei de dobra entre a ruína da fotografia e a ruína da vida. Como, com a narrativa fotográfica e as discussões propostas, surgirá uma tessitura que envolverá indivíduos,memória e ruínas? Como a memória pode surgir como fenômeno pelo trabalho poético da imagem? Como construir lembranças a partir da experiência do esquecimento? Essas questões funcionaram como nortes nesse pesquisa. sought with this research to work with memory in its poetic manifestations through photography, from the creation of the photographic essay "imminences", realized in three places of Ceará and composed of two collections: "place-ruin" and "place-memory". For that, I adopted the idea of "memorymontage", as well as a conceptual and artistic doing that intertwined memory, forgetfulness and ruin.By mapping particularities and problems in Baixio das Palmeiras, Baixio do Múquem and Cococi, I identify two scenarios that guided the visual investigation and were therefore named: the first two begin to be photographed from the idea of "imminence of eviction" and the third idea of the "imminence of disappearance".The "place-memory" (collection made in digital format) are images of meaningful places pointed out by the residents and was a method to perceive through the photographicimaginative creation the relation with the space during the impositions of eviction and the scenario of disappearance. The "place-ruin" (made with large-format Polaroid film) sought to establish memories from the dramas of the habitants livingunderneath. In this context, I proposed what I called the bend between the ruin of photography and the ruin of life.How, with the photographic narrative and the proposed discussions, will arise a context that will involve individuals, memory and ruins? How can memory may emerge as a phenomenon through the poetic work of the image? How to build memories from the experience of forgetfulness? These questions functioned as north in this research.

As ruínas da arquitetura brutalista paulista e o aspecto simbólico de sua imagem são o tema desta pesquisa. Ela se desenvolve a partir de dois ensaios complementares: um fotográfico e outro textual. O primeiro, realizado nos últimos três anos, enfoca prédios modernistas paulistas em diferentes estados de conservação: arruinação após algum período de utilização, interrupção e abandono antes mesmo do término das obras e - no caso específico do prédio da FAU-USP -, o processo de restauração. O ensaio textual tem caráter analítico e procura compreender o imagético dentro do contexto da fotografia contemporânea, ao traçar as relações construídas entre fotografia e arquitetura e fotografia e ruína. Essas intersecções são observadas em momentos particulares do Modernismo até a Contemporaneidade, passando pela crítica pós-moderna nos anos 1960 e 70. Finalizo com o entrelaçamento dessas questões no âmbito brasileiro. A motivação inicial desse projeto é pessoal, pois o primeiro edifício fotografado é uma casa brutalista em que vivi por 17 anos, projetada (e fotografada) pelo arquiteto David Ottoni, meu pai. Os outros todos são, com apenas uma exceção, edifícios públicos. Ao final conclui-se que as ruínas modernistas brasileiras, além do esgotamento do pensamento moderno em si, com frequência também traduzem falência político-institucional e descaso público. The ruins of brutalist architecture in São Paulo and the symbolic aspect of its image are the theme of this research, which is developed on the basis of two complementary essays: one photographic and another textual. The first one, carried out in the last three years, focuses modernist buildings with different levels of conservation in São Paulo: deterioration after some time of use, interruption, abandon even before the completion of works, and - in the specific case of the FAU-USP building -, the restoration process. The textual essay has an analytical character and seeks to understand the imagetic aspect in the context of contemporary photography by outlining the relationships established between photography and architecture, and photography and ruin. These intersections are observed in certain moments from Modernism to Contemporaneity, passing by the postmodern critique in the 1960s and 1970s. I finish entwining these issues within the Brazilian ambit. The initial motivation for this project is personal, because the first building photographed is a brutalist house where I lived for 17 years and which was designed (and photographed) by architect David Ottoni, my father. The others, except for one, are public buildings. The final conclusion is that Brazilian modernist ruins, in addition to the sheer exhaustion of modern thought, often translate into political-institutional failure and public neglect as well.

PONTIFÍCIA UNIVERSIDADE CATÓLICA DO RIO DE JANEIRO COORDENAÇÃO DE APERFEIÇOAMENTO DO PESSOAL DE ENSINO SUPERIOR PROGRAMA DE SUPORTE À PÓS-GRADUAÇÃO DE INSTS. DE ENSINO O presente trabalho apresenta uma reflexão sobre a relação entre arquitetura e fotografia no contexto das revistas especializadas ao longo do período de modernização acelerada que se deu no Brasil a partir da década de 1950. Com o amparo de uma investigação sobre o histórico da fotografia de arquitetura e da consolidação do modelo de revista ilustrada moderna, foi realizada uma breve análise gráfica da revista Módulo em seu primeiro período de circulação (1955-1965), com o objetivo de verificar na publicação elementos identificados na pesquisa e discutir a importância da memória gráfica na historiografia da arquitetura moderna brasileira. This work presents an examination on the relationship between architecture and photography concerning the specialized magazines through the rapid process of modernization that took place in Brazil from the 1950s. Supported by an investigation on the history of architectural photography and the development of the modern illustrated magazine standard, we conduct a brief graphical analysis of the first circulation phase of Módulo magazine (1955-1965), aiming to relate some of the publication aspects to the research made and ratify the importance of graphic memory to the Brazilian modern architecture historiography.

PONTIFÍCIA UNIVERSIDADE CATÓLICA DO RIO DE JANEIRO COORDENAÇÃO DE APERFEIÇOAMENTO DO PESSOAL DE ENSINO SUPERIOR PROGRAMA DE SUPORTE À PÓS-GRADUAÇÃO DE INSTS. DE ENSINO Esta dissertação analisa, a partir da trilogia cinematográfica de Batman (2005-2012), o modo como os procedimentos expressivos elaborados nas imagens constroem (ou não) a possibilidade de emancipação do espaço urbano. Inseridos no contexto pós 11 de setembro, os três filmes dialogam com o lastro iconológico da Guerra ao Terror: figuras sem-rosto, duplos, múltiplos, anônimos, imagens especulares; e ao centro das disputas, a metrópole de Gotham. O custo necessário , entretanto, para a salvação de Gotham por Batman parece ser o monopólio tanto da cidade quanto da imagem da cidade: um monopólio que serve de blindagem contra os efeitos caleidoscópicos do terror. A paisagem urbana (amálgama entre a urbe e sua imagem) se torna portanto meio privilegiado de análise. E eis a centralidade do segundo filme da trilogia na discussão que se propõe: o ataque iconoclasta do Coringa, por meio do jogo e do riso, profana o monopólio (da verdade , do bem , da ordem e da imagem) instituído pelo homem morcego. Com a invasão de uma imagem outra por entre as visibilidades do filme, rompe-se o unívoco e com ele o monopólio sobre a cidade e suas representações. This research examines, from the Batman cinematographic trilogy (2005- 2012), the way in which expressive procedures elaborated in the images can build (or not) the possibility of the urban space s emancipation. Inserted in the post 9/11 context, the three movies dialogue with the iconological traces of the War on Terror: faceless figures, doubles, multiples, anonymous, specular images; and at the centre of the dispute, Gotham metropolis. The necessary cost, however, for the salvation of Gotham by Batman seems to be the monopoly of the city as well as of the city s image: a monopoly that serves as a shield against the kaleidoscopic effects of terror. The urban landscape (an amalgam between the city and its image) thus becomes a privileged medium of analysis. And hence the centrality of the Trilogy s second movie in the proposed discussion: the iconoclast attack of the Joker, through play and laughter, desecrates the monopoly (of truth , good , order , and image) instituted by Batman. With the invasion of a different image between the movie’s visibilities, the univocal disrupts itself, and with it the monopoly over Gotham and its representation.

PONTIFÍCIA UNIVERSIDADE CATÓLICA DO RIO DE JANEIRO Promovendo uma aproximação entre História e Fotografia, ao tomar a imagem fotográfica como fonte histórica e, por conseguinte, produtora de conhecimento histórico, esta dissertação parte da análise das imagens que Kurt Klagsbrunn – austríaco de ascendência judaica que se radicou no Brasil juntamente com sua família em 1939, escolhendo o Rio de Janeiro como sua morada e tendo nela se profissionalizado fotógrafo – realizou da cidade durante o decênio compreendido entre 1940 e 1950. Partindo do desenvolvimento da fotografia, enquanto técnica e prática, como uma das conquistas da modernidade, passando pelas matrizes estéticas que forjaram o olhar do jovem Kurt ainda na Europa e, por fim, deitando detidamente o olhar sobre suas imagens, analisarei a forma como o fotógrafo expressou as tensões políticas, sociais e culturais de uma sociedade que se por um lado aspirava ares de modernidade, por outro, contraditoriamente, não escondia seus contrastes. Promoting an approximation between History and Photography, while taking the photographic image as historical source and, consequently, historical knowledge producer, this dissertation starts analyzing images that Kurt Klagsbrunn – Austrian of jewish origin who settled in Brazil with his family in 1939, choosing Rio de Janeiro as his dwelling place where he became a professional photographer – had been taking from the city during 1940 and 1950 decade. Starting with the photography development, while technical and practical, as one of the modernity achievements, continuing by the aesthetic arrays that had defined the perspective of the young Kurt still in Europe and, finally, giving a careful look at his images, I am going to analyze the photographer way of expressing the political, social and cultural tensions of a society that had aimed for airs of modernity but, on the other hand, had not hid its contrasts.

COORDENAÇÃO DE APERFEIÇOAMENTO DO PESSOAL DE ENSINO SUPERIOR La dissertation Instant Infini. Un regard bergsonien du temps sur les photos de Hiroshi Sugimoto a pour but analyser le langage photographique contemporain et sa relation avec le temps à partir de l’œuvre du photographe japonais Hiroshi Sugimoto. Pour cela, le texte aborde le système d’idées du philosophe Henry Bergson et ses concepts de temporalité, mémoire, réalité, conscience, perception et durée. Ce travail entrevoit comment ces deux artistes et chercheurs ont une vision créative du temps, en le libérant des grilles de mesures et de la rationalité. De plus, il aborde également les influences orientales de Hiroshi et sa relation avec l’œuvre de Marcel Duchamp et les minimalistes, augmentant ainsi les possibilités du regard photographique et de l’art en général. A dissertação Infinito Instante. Um olhar bergsoniano sobre o tempo nas fotos de Hiroshi Sugimoto procura analisar a linguagem fotográfica contemporânea e sua relação com o tempo a partir da obra do fotógrafo japonês Hiroshi Sugimoto. Para tanto, dialoga com o sistema de idéias do filósofo Henry Bergson e seus conceitos de temporalidade, memória, realidade, consciência, percepção e duração. O trabalho percebe como esses dois artistas e pensadores têm uma visão criativa do tempo, liberando-o das amarras da medição e da racionalidade. Além disso, não deixa de abordar as influências orientais de Sugimoto e sua relação com as obras de Marcel Duchamp e os minimalistas, aumentando as possibilidades do olhar fotográfico e da arte em geral.

COORDENAÇÃO DE APERFEIÇOAMENTO DO PESSOAL DE ENSINO SUPERIOR Le but de cette thèse est le portrait photographique, examiné comme un genre de reproduction de l´image mais aussi comme un double processus interactif capable de réunir le portraituré, le photographe et le spectateur de la photo dans le moment qui précède et succède l´acte photographique. La réflexion développée ici s´intéresse à considérer le portrait comme un champ de forces capable de matérialiser une image conventionnellement prise par l´identité d´un individu, mais aussi questionnée par le regard qui éloigne la photo de tout référent et en détache sa composition et sa force, comme image. Sans perdre de vue le panorama historique de la représentation humaine par la photographie, on a choisi de faire des recherches à partir des ouvres de deux photographes français du XIX siècle: Félix Nadar (1820-1910) et Eugène Disdéri (1819-1889). Ils ont fourni une grande production d´images. Ils ont travaillé pendant l´âge d´or du genre en France. Leurs styles ont beaucoup influencé la photographie dans le monde entier. Ces photographes se sont dédié également aux écritures autobiographiques et d´essais, objets parallèles de travail interprétatif. Le regard du XIX siècle sur le portrait photographique oscillait entre la reconnaissance de la ressemblance identificatrice et la révélation de l´intimité secrète. La perspective choisie a été de travailler l´intimité dans la contreposition entre une notion de la profondeur du sujet, provenant de la vision romantique et enracinée dans le sens commun et une notion en surface, à partir de la position post-moderne qui destitue le sujet de l´espace profond et le construit en externe, en dehors. Esta tese dirige seu foco para o portrait fotográfico, examinando-o enquanto um gênero de reprodução da imagem e enquanto duplo processo interativo que envolve o retratado, o fotógrafo e o observador da foto nos momentos que precedem o ato fotográfico e se sucedem a este. Interessa à reflexão aqui desenvolvida, considerar o portrait como campo de forças, capaz de materializar uma imagem convencionalmente tomada pela identidade de um indivíduo, mas também questionada pelo olhar que distancia a foto de qualquer referente e destaca sua composição e sua força enquanto imagem. Sem perder de vista o panorama histórico da representação humana, escolheu-se para formar o corpus da pesquisa a produção de portraits dos fotógrafos franceses do século XIX, Félix Nadar (1820-1910) e Eugène Disdéri (1819-1889). Os dois são considerados cânones da fotografia oitocentista, trabalharam durante o chamado período de ouro do gênero na França; e seus estilos influenciaram a fotografia no mundo inteiro, inclusive no Brasil. Esses fotógrafos dedicaram-se também às escritas autobiográfica e ensaística, objetos paralelos de trabalho interpretativo. O olhar com que o século XIX se dirigia ao portrait oscilava entre o reconhecimento da semelhança identificadora e a revelação da intimidade secreta. A perspectiva escolhida foi a de situar a intimidade e a semelhança na contraposição entre uma noção de profundidade proveniente da visão romântica e arraigada no senso comum e uma noção de superfície, a partir da ótica contemporânea que destitui o sujeito desse espaço profundo e o constrói na exterioridade, no fora.

A partir das fotografias dos livros Fait (1992), de Sophie Ristelhueber, As terras do fim do mundo (2010), de Jo Ractliffe, e To face (2012), de Paola De Pietri, esta pesquisa investiga as especificidades dos trabalhos das três fotógrafas, que apresentam os vestígios da guerra como tema central. Na primeira parte, aponta-se o processo de construção da fotografia de guerra. Em seguida, destacam-se trabalhos fotográficos que abordam a guerra, sem, contudo, mostrar as ações e os combates em si. De outra parte, a pesquisa retoma o caráter indicial da fotografia e o pensamento de Walter Benjamin e de seus leitores para refletir sobre o conceito de vestígio. Em aproximação com a base teórica, analisa-se a maneira singular de as três fotógrafas Ristelhueber, Ractliffe e De Pietri trabalharem com os vestígios da guerra em suas fotografias, maneira aqui denominada poética do vestígio. This study examines the specific characteristics present in the works of three photographers, each of whom includes traces of war as their central theme: Sophie Ristelhuebers Fait (1992), Jo Ractliffes As terras do fim do mundo (2010), and Paola De Pietris To face (2012). It first addresses the process of the construction of war photography. Subsequently, the dissertation elaborates upon photographic works that broach the subject of war without, however, showing images of combat or action itself. Further, the research returns to the notion of indicial photography and turns to Walter Benjamins writings and his readers in order to reflect upon the concept of trace. Using this theoretical paradigm, the dissertation analyzes the unique methods each of the three photographers Ristelhueber, Ractliffe and De Pietri employs in working with the traces of war in their photography, and suggests that their work functions as a poetics of trace.

Em 1995, o fotógrafo mexicano Pedro Meyer lançou o projeto Truths & fictions: a journey from documentary to digital photography, no qual, ao aliar o registro fotográfico às manipulações digitais, criou imagens que alteravam os elementos do mundo e lhes concediam outra configuração, sem abandonar sua alusão à realidade social dos universos retratados (os Estados Unidos e o México). Ao promover a interpenetração entre fotodocumentário e fotomontagem, a obra de Meyer questionou a maneira com que a fotografia vinha sendo historicamente convocada para representar o real. Esta tese se propõe a discutir o modo como o trabalho do fotógrafo se integrou ao campo do documentário, contribuindo para remodela-lo. Para isso, duas estratégias metodológicas são utilizadas: a revisão bibliográfica, com o propósito delimitar os pontos principais das teorias e dos conceitos sobre os quais a obra está sedimentado; e a pesquisa direta, com a análise do corpus constituído das fotografias publicadas no livro Truths & fictions, a fim de observar como os contornos teóricos antes demarcados estão aí postos a funcionar. Por meio delas, elabora-se um percurso histórico, conceitual e analítico capaz de identificar as particularidades desse trabalho, em especial no que diz respeito a sua natureza documental, reconfigurada pelo procedimento da montagem. En 1995, el fotógrafo mexicano Pedro Meyer presentó un proyecto, titulado Truths & fictions: a journey from documentary to digital photography, en que, combinando el registro fotográfico a manipulaciones digitales, creó imágenes que tomaron elementos del mundo con el fin de cambiarlos y conformarlos de otra forma, aunque concerniente a las realidades sociales retratadas (de los Estados Unidos de América y México). De esa manera, la obra de Meyer he promovido la interpenetración entre el fotodocumental y el fotomontaje y, a través de esa articulación, he sugerido una reflexión sobre cómo la fotografía estaba siendo utilizada históricamente en la condición de una representación del real. Esta tesis intenta examinar cómo el trabajo del fotógrafo integró el campo del documental, contribuyendo a remodelarlo. Para eso, son utilizados dos estrategias metodológicas: la revisión bibliográfica, con el objetivo de delimitar los puntos principales de las teórias y conceptos sobre los cuales el proyecto está arraigado; y la investigación directa, con el análisis del corpus compuesto de las fotografías publicadas en el libro Truths & fictions, en orden de observar cómo los contornos teóricos antes demarcados están ahí presentes. Así, un marco histórico, conceptual y analítico capaz de identificar las particularidades de esa obra es elaborado, especialmente con respecto a su naturaleza documental, reconfigurada por el procedimiento de montaje.

COORDENAÇÃO DE APERFEIÇOAMENTO DO PESSOAL DE ENSINO SUPERIOR Partindo da leitura de dois filmes de Werner Herzog realizados na Amazônia, Aguirre - A Cólera dos Deuses (1972) e Fitzcarraldo (1982), pretende-se identificar a busca por imagens absolutas na natureza e por verdades intensificadas através da arte. O conceito de verdades extáticas articula algumas questões centrais deste trabalho, tais como as tensões entre ética e estética na arte, a autoria no cinema, as peculiaridades do cineasta alemão e, ainda, a representação do espaço amazônico no cinema. Starting from the reading of two films directed by Werner Herzog, both made in the Amazon region, Aguirre - The Wrath of God (1972) and Fitzcarraldo (1982), we intend to identify the pursuit of absolute images in nature and of the intensified truths through art. The concept of ecstatic truth articulates some of the central questions of this study, such as the tensions between ethics and aesthetics in art, film authorship, the peculiarities of this German filmmaker and, finally, the representation of the Amazon space in cinema.

CONSELHO NACIONAL DE DESENVOLVIMENTO CIENTÍFICO E TECNOLÓGICO Em que mundo habita o colecionador e as fotografias antes do encontro? O objetivo desta dissertação é apresentar o trabalho de um colecionador benjaminiano de fotografias enquanto fisiognomista do mundo das coisas. Através de uma filosofia do encontro ele tenta compreender e desvendar os mistérios de uma cidade na sua flanerie. Tenta também, dialetizar o tempo através da procura e fazer dos achados (objeto, imagem) um dispositivo capaz despertá-lo da fantasmagoria de modernidade. In which world does a collector and photographs lives before the encounter? We will argue in this work the whole of a benjaminian collector of photography as a fisiognomist of objects from this world. Through a philosophy of the encounter the collector himself will try to compreehend and to discover the misteries of a city during his flanerie. He will try as well to make a dialetic of time searching abandoned objects and will make from those foundings devices capable of aware him from the phantasmagoria of modernity.