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Este artículo tiene como objetivo principal analizar los códigos visuales y el universo diegético manifiestos en el cine negrodel director de cine Alberto Rodríguez para averiguar si en sus procedimientos existe una voluntad de resemantización del género. Para ello se ha creado una herramienta metodológica que combina la teoría de la imagen, la narrativa fílmica y la teoría del guion y que se centra fundamentalmente en el análisis de personajes y espacios. La muestra elegida se circunscribe a las últimas cuatro películas del director: Grupo 7(2012),La isla mínima(2014), El hombre de las mil caras (2016) y Modelo 77(2022). Tras el análisis y la discusión de los datos, se concluye que el cine de Alberto Rodríguez supone una vuelta a los estándares del género del cine negro clásico, pero actualizando códigos y adaptándolos a los intereses del director, que se centra en plantear preguntas al espectador sobre la realidad de su país en lo referente a cuestiones de dudosa moralidad. De esta forma, la obra de Alberto Rodríguez se revela como paradigma del Spanish Neonoir, que vuelve a patrones básicos para, desde ahí, conectar con el espectador y remover su conciencia., The main objective of this article is to analyze the visual codes and the diegetic universe manifested in the film noir of the film director Alberto Rodríguez in order to find out if in his procedures there is a will to resemanticize the genre. For this purpose, a methodological tool has been created that combines image theory, filmic narrative and script theory, focusing mainly on the analysis of characters and spaces. The chosen sample is circumscribed to the director's last four films: Grupo 7(2012), Laisla mínima(2014), El hombre de las mil caras(2016) and Modelo 77(2022). After the analysis and discussion of the data, it is concluded that Alberto Rodríguez's cinema represents a return to the standards of the classic film noir genre, but updating codes and adapting it to the interests of the director, who focuses onposing questions to the viewer about the reality of his country regarding issues of dubious morality. In this way, Alberto Rodriguez's work is revealed as a paradigm of Spanish Neonoir, which returns to basic patterns to connect with the viewer and stir his conscience.

Este proyecto nace con el objetivo de crear una serie de tono crítico, la cual gira en torno a consecuencias derivadas de debates candentes del momento, llevados al extremo mediante el planteamiento de un futuro próximo distópico. Se trata de no dejar al espectador indiferente e “incomodarlo” en ciertos aspectos, con tal de hacer que reflexione, al mismo tiempo en que sacia su necesidad de entretenimiento. De igual modo, busca representar todo tipo de realidades sociales y situaciones cotidianas, abordando la acción y con cierto toque de humor, a través del sarcasmo y la ironía, algo poco común en las series españolas del momento, en las que predomina el género de drama, en específico, documental y thriller.

El retrato fotográfico es un género que integra una amplia gama de procesos artísticos que convergen en la captura de las cualidades físicas y mentales de los sujetos fotografiados. Este género, asociado con el pasado y la memoria, tiene como propósito esencial la trascendencia del momento capturado, permitiendo su perpetuidad en el tiempo. Esta función del cerebro, la memoria, pese a ser la encargada de conectar los recuerdos, puede verse afectada por el paso del tiempo provocando la enfermedad comúnmente conocida como el “mal olvido”, la demencia senil, la cual afecta negativamente el rendimiento cognitivo de la persona afectada obstaculizando su vida cotidiana. Es en este contexto donde la fotografía adquiere una vez más relevancia, ya que, como se señaló en la cita inicial, si bien no puede evitar los contratiempos inherentes a la naturaleza humana, sí tiene la capacidad de exhibirlos ante el mundo., Photographic portraiture is a genre that encompasses a wide range of artistic processes that converge in capturing the physical and mental qualities of the subjects being photographed. Associated with the past and memory, this genre has the essential purpose of transcending the captured moment, allowing it to perpetuate in time. However, the brain's function of memory, despite being responsible for connecting memories, can be affected by the passing of time, leading to the commonly known "forgetfulness," or senile dementia, which negatively affects the affected person's cognitive performance, hindering their daily life. It is in this context where photography once again acquires relevance, as, as stated in the initial quote, while it cannot avoid the inherent setbacks of human nature, it does have the ability to exhibit them to the world.

Este estudio de caso es el resultado de un análisis sobre la representación de la violencia en 13 largometrajes de ficción producidos en Colombia, a partir de un comparativo entre los sucesos expuestos en cada película y la realidad que se presenta a diario en el país, evaluando la forma como los acontecimientos que se muestran en los largometrajes objeto de estudio, evidencian en forma explícita, la violencia histórica y actual que afronta el pueblo colombiano. Debido a sus características, estos largometrajes se han convertido en lo más representativo de la violencia colombiana y, han sido galardonados con varios premios que les han merecido reconocimiento nacional e internacional. El análisis contempló un tiempo preciso, desde el momento cuando se creó el Fondo para el Desarrollo Cinematográfico, luego de la promulgación de la Ley 814 de 2003, con la cual se inició la financiación de proyectos cinematográficos en Colombia, con recursos de la contribución parafiscal, hasta el 23 de junio de 2016, cuando se firmó el acuerdo de paz entre el Gobierno colombiano y las Fuerzas Armadas Revolucionarias de Colombia – Ejército del Pueblo, para finalizar el conflicto armado que llevaba más de medio siglo., This case study is the result of an analysis of the representation of violence in 13 fiction feature films produced in Colombia, based on a comparison between the events exposed in each film and the reality that is presented daily in the country, evaluating the way in which the events shown in the feature films under study explicitly show the historical and current violence faced by the Colombian people. Due to their characteristics, these feature films have become the most representative of Colombian violence and have been awarded several prizes that have earned them national and international recognition. The analysis contemplated a precise time, from the moment when the Film Development Fund was created, after the promulgation of Law 814 of 2003, with which the financing of films projects in Colombia began, with resources from the parafiscal contribution, until June 23, 2016, when the peace agreement was signed between the Colombian Government and the Revolutionary Armed Forces of Colombia- People’s Army, to end the armed conflict that had lasted more than half a century.

En este Trabajo de Fin de Grado se analizarán las relaciones interpersonales que mantienen los diferentes personajes que interpreta Robert de Niro con los personajes que interpretan las mujeres en el cine de Martin Scorsese y se hará un análisis desde un punto de vista feminista teniendo en cuenta la narración, la trama e incluso la puesta en escena para determinar si es sexista o no. Siendo esta la extensión de un Trabajo de Fin de Grado, se basará el análisis en siete largometrajes, entre los cuales se encuentran: Mean Streets (1973), Taxi Driver (1976), New York, New York (1977), Raging Bull (1980), The King of Comedy (1982), Cape Fear (1991) y Casino (1995)., In this project, interpersonal relations between Robert de Niro’s characters and women’s characters in Martin Scorsese’s cinema will be analyzed making use of feminist theories paying attention to the narration, the plot, and even the staging to determine if it is sexist or not. This project will be based on the analysis of seven full-length films, which are the following ones: Mean Streets (1973), Taxi Driver (1976), New York, New York (1977), Raging Bull (1980), The King of Comedy (1982), Cape Fear (1991), and Casino (1995).

Cenital nace como una oportunidad para el talento andaluz, de manera que se crean puestos de trabajo y se consolida un equipo técnico y artístico para futuros proyectos. Aun así, lo más importante es la notoriedad que tiene el target, ya que se dirige a un público "joven adulto", un grupo generalmente olvidado a la hora de categorizar al público objetivo. Por otra parte, Cenital es un canto al amor en todas sus formas, con la amistad como núcleo central, siendo esta el hilo conductor de la historia, a pesar de que la serie se caracteriza por el suspense y el thriller. En cuanto a la asociación con Netflix, tanto la trama como la estética encaja a la perfección con el catálogo que la plataforma ofrece, por lo que tendría una gran acogida por la audiencia.

Andalucía da la nota es el resultado de un trabajo de búsqueda de información y preparación de un documental sobre el andalucismo y su música. En él se profundiza en la relación existente entre la cultura popular de Andalucía y el arte desarrollado en esta tierra. Existen documentales que narran la historia de todos los géneros musicales que se conocen; hay muchos que ahondan en las costumbres sociales de pueblos como el andaluz o como otros del territorio español; y bastantes, por supuesto, tratan entre tanto de relacionar ambas ideas. En este caso, se pretende la búsqueda directa de esta conexión. El fin último del trabajo consiste en la creación de una idea conceptual que permita entender cuánto de Andalucía hay en cada uno de los géneros que se tratan durante el documental (dividido en tres capítulos, cada uno especializado en un estilo concreto: flamenco, rock andaluz y música urbana). Para el trabajo, se desarrolla en profundidad únicamente el primero de ellos: el flamenco. Sabre él se realizan la investigación y el proceso de preproducción necesarios para llevar a cabo el proyecto. Por esto mismo, a partir de ahora se hará referencia solo a aquella información relevante para el documental al completo, o para su primer capítulo en particular (toda la referente al mundo del flamenco). En definitiva, para entender el sentido del documental, cabe lanzar una cuestión al aire que pretende contestarse: el flamenco, el rock andaluz, o la música urbana de esta Comunidad, ¿son géneros de música hechos en Andalucía? 0, por el contrario, ¿son géneros puramente andaluces? El grado de relación entre ambos elementos responde a una pregunta que resume el concepto de todo mi Trabajo de Fin de Grado.

En este trabajo nos proponemos desentrañar la sustancia mítica de los tres primeros largometrajes del director mexicano Alejandro González Iñárritu: Amores perros (2000), 21 gramos (2003) y Babel (2006). Estos filmes, conocidos por sus narrativas multitrama, su estética fragmentaria y su desorden temporal, componen una trilogía que reproduce esquemas cíclicos de caída y redención. Nuestro principal objetivo es caracterizar el conjunto de fundamentos míticos y simbólicos que contribuyen a proyectar una determinada concepción de la realidad. El acervo bíblico y clásico que impregna nuestro objeto de estudio nos autoriza a postular una metodología basada en la exégesis del imaginario simbólico. Recurrimos a la mitocrítica de Gilbert Durand y a la crítica arquetípica de Northrop Frye con la intención de conceptuar el entramado de símbolos de las tres películas. El fin último es reconocer un cuadro de motivos obsesivos y entender cómo unas ideas abstractas se encarnan en unos personajes concretos ubicados en un determinado contexto político, económico y social. Los resultados obtenidos a partir del inventario de imágenes y su interpretación nos permiten percibir un doble sentido narrativo y simbólico en la trilogía. Por un lado, detectamos una serie de tramas orientadas a la caída del protagonista que escenifican un esquema de transgresión y castigo. Se impone un fatalismo trágico y determinista donde quedan expuestos los límites de las aspiraciones humanas y el peso de las condiciones materiales, raciales y de género. Por otro lado, encontramos una serie de tramas que apelan a la redención y que abren un camino a la expiación condicional de las infracciones. En estas soluciones narrativas aparece una mirada conmiserativa a la vez que la adecuación a un determinado orden o sistema de creencias.

Sleep Talking nos hace testigos de una relación tormentosa, llena de mentiras. Por un lado tenemos a nuestro protagonista Daniel, infiel y narcisista. Sumergido en un mundo en el que su propia mentira en muchas ocasiones se convierte en realidad. Por otro lado, la protagonista de esta historia, Ángela, cuyo mundo gira en torno a su novio, siempre lo da todo por él. Un día, las cosas parecen tomar otro rumbo, todo lo que admiraba de Daniel se desvanece al descubrir sus numerosas infidelidades y mentiras. Gracias a esto, cambia la perspectiva de Ángela, conociendo la realidad de su novio. Uno de los defectos que más perjudican a nuestro protagonista en esta historia son sus sueños. Cada vez que sueña habla en voz alta, desvelando de esta forma sus mentiras. Es así como nuestra protagonista, tras escuchar numerosas veces los nombres de diferentes chicas, decide indagar en el asunto y descubre que en su teléfono recibe mensajes de sus amantes. Tras esto, Ángela se propone dar un giro de 180 grados y dejar de ser la víctima de las mentiras de Daniel para vivir su vida sin depender emocionalmente de nadie. Este, intentará arreglar la situación de todas las formas posibles. Buscará la solución a través de citas con ella que no tendrán un buen final, implorará su perdón de todas las formas posibles, buscará hablar con ella incluso cuando le está echando de casa... A pesar de sus esfuerzos, nada funciona. La protagonista está dispuesta a olvidarse de él y no aceptar su perdón. La actitud de Ángela no es la misma desde que descubre todo lo que su pareja hacía a escondidas. En ocasiones llega a sentirse agradecida, pues esto le ha hecho convertirse en una mujer mucho más fuerte tanto mental como físicamente. Finalmente, tras conocer a todas y cada una de las amantes de su ex pareja, deciden preparar una trampa a Daniel para enfrentarse a él y demostrarle que no puede jugar con las personas de esa manera, sin pensar en los sentimientos de las demás como si de objetos se tratara

Tradicionalmente, las etapas caracterizadas en el viaje del héroe se han representado a la perfección en los relatos y en el terreno audiovisual, pero en este nuevo mundo contemporáneo, donde la comunicación es considerada una transmisora de valores y cultura, el concepto se queda ambiguo y reaparece una nueva versión más actualizada. Se produce un cambio en las estructuras rígidas expuestas en el modelo del viaje del héroe dando lugar a una nueva narración, a una visión totalmente nueva de dicho viaje. Desde este lugar parte esta investigación que trata de estudiar la fragmentación del héroe en las ficciones de la era dorada de la televisión con el objetivo de comprobar si existe la creación de una narrativa distinta al canon tradicional. Además, la originalidad y el aporte teórico- metodológico de esta tesis doctoral está en vincular y relacionar el viaje del héroe con los estudios de recepción para determinar cuál es la identificación de la audiencia con los diferentes personajes de la trama en las ficciones televisivas contemporáneas.

Anderson es uno de los directores más respetados de la escena independiente. Sus películas, al estar hechas desde un punto de vista tan personal, suelen crear opiniones de todo tipo. Sin embargo, la mayoría de estas opiniones coinciden en aclamar el papel protagonista que la estética adquiere a lo largo de su filmografía, relegando el relato narrativo a un segundo plano. En un contexto en el que lo visual cada vez cobra más importancia, hemos estudiado cuales son las claves que hacen de Wes Anderson uno de los cineastas más reconocidos del panorama. Mediante un análisis de los elementos cinematográficos comunes presentes en Moonrise Kingdom (2012), indagaremos en la importancia que Anderson le brinda tanto a la imagen como a la historia para intentar deducir cual de estas obtiene un mayor protagonismo en su cine. Se propone utilizar el método iconográfico -iconológico de Erwin Panofsky como una herramienta efectiva para descifrar la simbología oculta en la reconocible estética del director., Wes Anderson has become one of the most influential directors on the international film scene in a very short time. His films, being made from such a personal point of view, often create opinions of all kinds. However, most of these opinions agree in acknowledging the leading role that aesthetics gets throughout his filmography, relegating the narrative story to the background. In a world where visuals are becoming increasingly important, we have studied what are the keys that make Wes Anderson one of the most recognized filmmakers on the scene. Through a theoretical analysis of the common cinematographic elements present in Moonrise Kingdom (2012), we will study how Anderson relates to both the image and the story and try to deduce which of these two plays a bigger role in his cinema. It is proposed to use Erwin Panofsky's iconographiciconological method as a tool to decode the symbolism hidden in the director's recognizable aesthetics.

El recorrido del mundo audiovisual es muy amplio, desde la aparición del cine por primera vez en 1895 hasta la actualidad, donde las series ocupan el primer puesto en consumo audiovisual. Vivimos un momento de máximo esplendor para las series en televisión y en las distintas plataformas que surgen para un consumo más rápido e inmediato de la ficción. La calidad de estas y la complejidad que muchas muestran, no han ido sino incrementándose con el paso de los años al ver el gran impacto cultural que tienen en el mundo entero. Con esta evolución de la ficción, la manera de construir a los personajes ha ido cambiando, por lo que la figura del villano ha evolucionado hasta formas y comportamientos nunca antes vistos. El gran mosaico de villanos que existe es inabarcable y lo más interesante es la simpatía y el fanatismo que despiertan en el público, tan grande que hay series que, aún protagonizadas por un maravilloso héroe, son movidas y seguidas gracias al villano. ¿Por qué causa tanto fanatismo la figura del villano? En este trabajo se busca comprender por qué ocurre esto y por qué simpatizamos con una de las villanas mas populares y despiadadas de la actualidad, Villanelle en Killing Eve., The path of the audiovisual world is very wide, from the beginning of the cinema for the first time in 1895 to the present day, where the series occupy the first place in audiovisual consumption. We are living a moment of maximum splendor for television series and on the different platforms that emerge for a faster and more immediate consumption of fiction. The quality of these and the complexity that many situations have only increased over the years as they see the great cultural impact they have on the entire world. With this evolution of fiction, the way of constructing the characters has been changing, so that the figure of the villain has evolved to figures and behaviors never seen before. The great mosaic of villains that exist is endless and the most interesting is the sympathy and fanaticism that awakens in the public, so great that there are series that, even starring a wonderful hero, are followed thanks to the villain. Why does the figure of the villain cause so much fanaticism? This work tries to understand why this happens and why we sympathize with one of the most popular and ruthless villains of today, Villanelle in Killing Eve.

Tradicionalmente, las etapas caracterizadas en el viaje del héroe se han representado a la perfección en los relatos y en el terreno audiovisual, pero en este nuevo mundo contemporáneo, donde la comunicación es considerada una transmisora de valores y cultura, el concepto se queda ambiguo y reaparece una nueva versión más actualizada. Se produce un cambio en las estructuras rígidas expuestas en el modelo del viaje del héroe dando lugar a una nueva narración, a una visión totalmente nueva de dicho viaje. Desde este lugar parte esta investigación que trata de estudiar la fragmentación del héroe en las ficciones de la era dorada de la televisión con el objetivo de comprobar si existe la creación de una narrativa distinta al canon tradicional. Además, la originalidad y el aporte teórico- metodológico de esta tesis doctoral está en vincular y relacionar el viaje del héroe con los estudios de recepción para determinar cuál es la identificación de la audiencia con los diferentes personajes de la trama en las ficciones televisivas contemporáneas.

La cultura Hip Hop es un elemento más del imaginario y el sonido musical actual. A pesar de esta presencia continua la comprensión del fenómeno social y artístico escapa de la mayoría del público. En este trabajo de investigación se da un paso más hacía la comprensión del movimiento cultural del Hip Hop, a través del cine documental. Este tipo de ejercicio audiovisual supone una de las herramientas habituales a la hora de representar distintos fenómenos, sociales y artísticos. Con este trabajo se profundiza en el proceso de evolución histórica de este tipo de películas y cortometrajes focalizados en esta cultura.

El presente artículo pretende determinar si las protagonistas de las novelas de Margaret Atwood, Alias Grace y El cuento de la criada, así como de sus adaptaciones audiovisuales, son representadas como mujeres subversivas que se oponen al sistema opresivo en el que viven o se resignan a él. A partir de una metodología que aúna elementos de la iconología, la semiología y la mitocrítica, se analizan los personajes femeninos y se establece un paralelismo con figuras mitológicas relacionadas con la actividad de tejer, reflexionando acerca de su representación como mujeres subversivas o víctimas de su tiempo., This article aims to determine whether the main characters of Margaret Atwood’s novels, Alias Grace and The Handmaid’s tale, as well as their audiovisual adaptatios, are depicted as subersive women who oppose the oppressive system in which they live, or they resign to it. Using a methodology that combines elements of semiology and myth-criticism, female characters are analysed and compared with mythological figures related to knitting. The article ultimately reflects on their representation as subversive women or victims of their time.

Durante este trabajo final del Máster de Guion, Narrativa y Creatividad Audiovisual, nos centraremos en la escritura de un largometraje de ficción utilizando las diferentes técnicas creativas y metodologías de escritura y análisis aprendidas durante el curso para llegar a un producto de calidad y que puede llegar a ser producido. Vamos de tranquis es el resultado de este proceso, en el que hemos querido contar una historia divertida, ligera, con ritmo trepidante, en la que las acciones y los diálogos nos lleven, por diferentes caminos, a un punto común. Estos diferentes caminos serán los que nos lleve a conocer a los diferentes personajes y la relación entre ellos, a medida que avanza el hilo conductor mediante las diferentes acciones que llevan a cabo.

El mundo de ayer, como el de hoy, necesita referencias. La creación de héroes, figuras elevadas a la categoría de seres extraordinarios, responde a esa necesidad humana de saber que hay otros que lo hicieron antes. Metodología. Este artículo usará un método cualitativo basado en un modelo establecido, el del viaje del héroe; se diseñará una herramienta ad hoc y se añadirán las variables complementarias que tienen que ver con los elementos morfológicos y funcionales de la figura del héroe. Resultados. En este artículo se revisarán dos obras literarias para detectar los principales mecanismos utilizados para la creación del héroe en torno a la historia de la primera circunnavegación. Discusión y conclusiones. Magallanes se convirtió en héroe desde el mismo momento en que emprendió su aventura. El cronista que lo acompañaba, A. Pigafetta, se encargó de construir al héroe en su escrito por la admiración que le profesaba y sentó las bases para otros que vinieron posteriormente., The world of yesterday, as with that of today, needs references. Building heroes, figures elevated to the status of extraordinary beings, responds to that human need to know that there have been others who achieved great things before them. Methodology. In this paper, a qualitative method based on an established model, i.e. that of the hero’s journey, was employed, along with an ad hoc tool with a number of supplementary variables relating to the morphological and functional attributes of the hero. Results. Two literary works were reviewed with an eye to detecting the principal mechanisms used to convert Magellan into the hero of the first circumnavigation of the globe. Discussion and conclusions. In light of the above considerations, Magellan was lionised from the moment that he embarked on his adventure. Antonio Pigafetta, the chronicler accompanying him, was responsible for making him into a hero in his writings, due to the admiration that he felt for him, while paving the way for others who would follow in the navigator’s footsteps.

El mundo de ayer, como el de hoy, necesita referencias. La creación de héroes, figuras elevadas a la categoría de seres extraordinarios, responde a esa necesidad humana de saber que hay otros que lo hicieron antes. Metodología. Este artículo usará un método cualitativo basado en un modelo establecido, el del viaje del héroe; se diseñará una herramienta ad hoc y se añadirán las variables complementarias que tienen que ver con los elementos morfológicos y funcionales de la figura del héroe. Resultados. En este artículo se revisarán dos obras literarias para detectar los principales mecanismos utilizados para la creación del héroe en torno a la historia de la primera circunnavegación. Discusión y conclusiones. Magallanes se convirtió en héroe desde el mismo momento en que emprendió su aventura. El cronista que lo acompañaba, A. Pigafetta, se encargó de construir al héroe en su escrito por la admiración que le profesaba y sentó las bases para otros que vinieron posteriormente.

El siguiente análisis de Taipei Story está centrado en el elemento espacial. Pero el interés no radica en este elemento aislado en un vacío, centrándonos simplemente en su función estructural, si no en como este alude a numerosos elementos contextuales (de signo político, económico, histórico, ideológico y cultural) que permiten a Yang elaborar una compleja arquitectura de la ciudad que su película representa. Teniendo en cuenta la importancia de esta relación, y siendo conscientes de lo difusa que pudiera resultar la jerarquía de las distintas informaciones presentadas, al operar todas en un mismo plano donde los distintos factores se comunican entre sí en constante simultaneidad, se ha elaborado una estructura en la que se dispone, de manera lineal, las formas que se buscan en el análisis, la información que queda contenida en dichas formas y el campo de estudio mediante el cual se determina la manera en que este elemento espacial sirve como elemento estructural narrativo y como elemento interno contenido en la narrativa. Una vez expuesto este cuadro de análisis y el contexto teórico, contextual y metodológico que supone el contenido a descubrir mediante el uso de la tabla citada, se procederá al análisis en sí mismo. Este análisis comienza con un primer apartado que introduce la película de Yang y recoge los elementos concretos señalados en el anterior apartado, con la intención de pasar de lo abstracto a lo concreto, de un marco teórico general a los elementos específicos que aparecen en la película de Yang y que aluden a esta otra realidad externa y más compleja. Secuencia a secuencia se examinarán los distintos espacios que aparecen en la película, así como las formas en que aparecen y su relación con los personajes y con la narrativa de la obra

El cine a menudo bebe de historias ancestrales para llegar al corazón del público. Estas historias se componen de una serie de elementos configuradores esenciales del imaginario colectivo de las culturas a lo largo de la historia, que varían paralelamente a los cambios sociales. El objetivo principal de este estudio se centra en analizar cómo la película The Extraordinary Tale of the Times Table (2013), de José Francisco Ortuño y Laura Alvea reconstruye una invariante específica: el desprecio de la figura paterna/materna hacia el hijo, que se ha plasmado en numerosas ocasiones a través del mito de Tántalo, Saturno devorando a sus hijos, Hera o Medea, entre otros. En el audiovisual, el mito se estudiará canalizado a través de dos aspectos: por un lado, la utilización de elementos compositivos concretos (color, líneas, texturas, distribución de elementos en el cuadro), y por otro, se analiza el sentido profundo del texto para desentrañar la arquitectura del mito en el audiovisual a través de un estudio de caso. Referencias básicas de este análisis son los planteamientos metodológicos de Erwin Panofsky y Roland Barthes que ayudarán a ver de qué manera las preocupaciones existenciales del ser humano encuentran en el arte, en este caso el cine, un canal idóneo para actualizarse y adaptarse a la contemporaneidad., The cinema often feeds from ancestral stories to really hit home. These stories are made up of essential configurating elements of the collective imaginary of cultures throughout history and change at the same time as social changes. The main objective of this study is to analyze how the film The Extraordinary Tale of the Times Table (2013) by José Francisco Ortuño and Laura Alvea reconstructs a specific constant: the contempt of the paternal / maternal figure towards the son, which has been expressed many times through the myth of Tantalus, Saturn devouring his children, Hera and Medea, among others. Myths in the audiovisual will be studied channeled through two aspects: on the one hand, the use of specific compositional elements (colour, lines, textures, distribution of elements inside the shot) and on the other hand, the deeper meaning is analyzed to unravel the architecture of the myth in the audiovisual through a case study. Basic references of this article are the methodological approaches by Erwin Panofsky and Roland Barthes that will help to find out in what way the existential concerns of the human being find in the art, in this case the cinema, an appropriate channel to update and adapt to contemporaneity.

En este trabajo abarcaremos los procesos que se desarrollan en la postproducción de audio para cine animado. Hablaremos brevemente sobre los orígenes del cine de animación, algunos de los personajes y obras que más influyeron y de varios cambios que ha habido tecnológicamente a lo largo de la historia dentro de la industria. Mencionaremos concisamente los antecedentes de la postproducción de audio. Utilizaremos el cine animado para explicar las fases que existen dentro de la postproducción de audio, desde el principio de un proyecto hasta el final, así como los efectos de sonidos, el diseño sonoro, los procesos de mezcla o las herramientas que se utilizan. Indagaremos también sobre la película animada Wall-E, producida por Walt Disney Pictures y Pixar Animation Studios en 2008, así como el diseño sonoro y su trascendencia. Planteamos que Wall-E es un buen ejemplo de la postproducción de audio ya que tiene un papel importante en la película y su diseño sonoro es muy particular, por lo que llegará a ser interesante analizarlo.