Search

A publicação de Ingrid Dormien Koudela, Guerras civis: ilhas de desordem de Heiner Müller (Perspectiva, 2021) é aqui apresentada, ressaltando-se a fragmentação textual, a intertextualidade e as possibilidades lúdicas que perpassam a dramaturgia do escritor e diretor teatral alemão.

O texto é resultado do processo de pesquisa de um ano e meio desenvolvido em 2007 e 2008 no Núcleo de Voz do “Movimento Bixigão”. Ressalta aspectos centrais da investigação realizada, como o surgimento do Movimento, o trabalho do Núcleo realizado naquele contexto e o legado da experiência em relação à trajetória do Teatro Oficina.

Resumo: Propõe-se uma retomada da noção de ação cultural à luz dos deslocamentos e mutações pelos quais ela tem passado desde seu surgimento na França no século passado, lançando pistas para o exame dessas concepções no Brasil de hoje. Nessa ótica, será analisada a emergência da noção de ação artística, tendo em vista uma caracterização - necessariamente preliminar - desse campo. Serão abordadas as distinções entre as duas perspectivas, assim como as relações entre elas. Em comum, ambas envolvem uma construção simbólica e a instauração de espaços de encontro, desenvolvimento da autonomia e reflexão. Résumé: Nous nous proposons de reprendre la notion d’action culturelle à la lumière des déplacements et des mutations qui la traversent depuis son avènement en France au siècle dernier. En le faisant nous jetons des pistes vers l’examen de ces conceptions au Brésil d’aujourd’hui. En prenant cette optique nous analiserons aussi l’émergence de la notion d’action artistique en vue de la cerner de façon préliminaire. Nous approcherons les distinctions entre les deux perspectives, ainsi que les relations entre elles. Toutes les deux visent une construction symbolique et l’instauration d’espaces de rencontre et de réflexion, ainsi que le développement de l’autonomie. Abstract: The article proposes a resumption of the notion of cultural action in the light of shifting and changes that it has been going through since its emergence in France in the last century, providing clues for the examination of these conceptions in Brazil today. From this perspective, the emergence of the notion of artistic action will be analysed, with a view to characterizing - only in a preliminary way - this field. The distinctions between the two perspectives will be addressed, as well as the relationships between them. Both have in common symbolic construction and the establishment of spaces for encounter, development of autonomy and reflection.

Homenagem prestada ao Prof. Jacó Guisnburg, recentemente falecido.

O artigo analisa o conceito de mediacao cultural e artistica e suas flutuacoes. Tendo em vista refletir sobre o alcance dessa nocao hoje, examina os principios da atuacao da Maison du Geste et de l’Image, instituicao mantida pela Prefeitura de Paris, responsavel por projetos interdisciplinares coordenados por parcerias entre docentes e artistas, destacando alguns exemplos. A luz dessas praticas, a nocao de mediacao e retomada e rediscutida.

Resumo: O objeto do artigo é o exame de políticas públicas que, na interseção entre as áreas da cultura e da educação, vêm se dedicando àquilo que costuma ser nomeado de formação do espectador na França, Bélgica e Brasil. Analisam-se os fundamentos de iniciativas coordenadas por responsáveis provenientes de setores artísticos e educacionais, levando em consideração a natureza dos projetos implantados e seus objetivos, assim como os meios empregados para sua realização. Abstract: The paper aims at examining public policies which, in intersection with the fields of culture and education, have addressed their action towards what is usually named in France, Belgium, and Brazil as theatrical spectatorship education. It analyses the bases of initiatives coordinated by professionals from the artistic and educational sectors, considering the nature of the established projects and their goals, as well as the means employed for their achievement. Résumé: Cet article traite de l'examen des politiques publiques qui, à l'intersection des domaines de la culture et de l'éducation, se rapportent à ce qui est habituellement appelé en France, en Belgique et au Brésil, la formation du spectateur. Sont analysés ici les fondements d'initiatives coordonnées à la fois par des responsables artistiques et de l'enseignement, prenant en compte tout autant la nature des projets implantés et leurs objectifs que les moyens déployés pour leur réalisation.

L’article se propose d’examiner comment l’Université de São Paulo s’efforce de répondre aux défis actuels posés par la formation de formateurs dans les arts de la scène, aussi bien dans l’univers scolaire que dans la sphère de l’action culturelle et artistique. Nous partons du principe que de profondes mutations traversent la scène contemporaine – dilution des frontières entre les arts, présence de la dimension performative, usage de matériaux variés comme point de départ des processus de création, entre autres –, révélant de nouveaux besoins et ouvrant de nouvelles perspectives pour la formation de ces professionnels. L’importance d’une expérience artistique forte, la compréhension du rôle de la recherche, la réalisation d’une praxis qui puisse dépasser la dichotomie entre théorie et pratique sont invoquées comme des aspects particulièrement prometteurs dans cette formation professionnelle. On reconnaît aussi dans quelle mesure les recherches des artistes contemporains contribuent à la reformulation des principes directeurs relatifs aux interventions de formation., The article examines how São Paulo University is responding to the current challenges involved in training trainers in the performing arts, both in the classroom and in the realm of cultural and artistic activities. The premise is that the profound changes affecting the contemporary scene – the gradual disappearance of the boundaries between the arts, the importance of the performative aspect, the use of various materials for the creative process, and so on – have introduced new requirements and new perspectives for training in this area. The importance of a vigorous artistic experience, an understanding of the role of research, and the emergence of a praxis that can bridge the gap between theory and practice, are all emphasized as being particularly important aspects of this professional training. The point is made that the research conducted by contemporary artists helps us to rethink the key guidelines of our work as trainers.

O objetivo e examinar uma das modalidades mais frequentes de contrapartida social propostas por coletivos apoiados pela municipalidade de Sao Paulo – o oferecimento de oficinas teatrais – analisando as relacoes entre seus responsaveis e os individuos por elas beneficiados. Tal exame sugere como oportuna a caracterizacao de uma acao especificamente artistica, em paralelo a ja reconhecida nocao de acao cultural.

Este trabalho tem por objetivo a investigação acerca do conceito de autodefesa a partir da reflexão sobre dois filmes do diretor sueco Goran Olsson, Concerning Violence (2014) e The Black Power Mixtape 1967-1975 (2011). Para tanto, a pesquisa se ampara também nas considerações críticas de autores como Frantz Fanon e Walter Benjamin, sobre o problema da violência e suas implicações políticas, bem como nas reflexões de Georges Didi-Huberman sobre a noção de levantes e nos trabalhos de Jared Ball sobre a forma da mixtape, a qual temos como horizonte nas nossas análises dos filmes de Olsson, eles mesmos, segundo seu autor, pensados como mixtapes cinematográficas. Também compõe esta dissertação um Dossiê Pedagógico no qual são reunidas proposições criativas e pedagógicas sobre os conceitos que norteiam este trabalho, a partir de materiais teóricos e artísticos nos quais a ideia de autodefesa é articulada em algumas das suas possíveis acepções. This work aims at the investigation of the concept of self-defense, taking as a starting point two films by Swedish filmmaker Goran Olsson, Concerning Violence (2014) and The Black Power Mixtape 1967-1975 (2011). To do so, the research is based upon the considerations by authors such as Frantz Fanon and Walter Benjamin on the question of violence and its political implications, as well as the reflections by Georges Didi-Huberman on the notion of uprisings and the works by Jared Ball on mixtapes, an artistic form which serves as a horizon for our analysis of the films by Olsson, themselves, according to the filmmaker, conceived as cinematographic mixtapes. This dissertation also includes a Pedagogical Dossier composed by creative and pedagogical propositions on the concepts on which this research reflects, elaborated upon theoretical and artistic materials in which the idea of self-defense is articulated in its multiple meanings.

CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior Quais delineamentos o jogo, enquanto método,pode traçarpara a formação -na escola e na vida -do adolescente? Essa é uma das interrogações que guiam a presente pesquisa, cujo objetivo foio de investigar o encontro entre o jogo, elemento da prática teatral presente em diversos âmbitos da cena, e a adolescência, faixa etária plural e repleta de transformações, dentro da escola pública brasileira, na aula de Teatro. Ametodologia utilizada foi de caráter qualitativa, realizada através de um denso estudo teórico acerca dos dois objetos e da realização dequatro entrevistas, feitas com uma professorade teatroe três de seus alunos, a fim de extrair do compartilhamento dessas experiências questões e análises que envolvessem as temáticas do trabalho. Os dois objetos foram investigados a partir do atravessamento de variados campos, além do Teatro, como a Sociologia, a Educação e a Psicologia, e também por documentos da legislação brasileira. Nesse ínterim, pôde-se constatar como o jogo é um método que converge as vivências de suaprática em múltiplos saberes, construindo potencialidades tanto em relação à aprendizagem das artes cênicas quanto na dinâmica da vida, tal como a interrogação inicial. Quando ele se encontra com o sujeito adolescente, imerso numa rota intensa de transformações, descobertas e inserido nos processos de socialização e construção identitária, pode reverberar importantes estímulos que caminhem junto do jovem em tal rota. What outlines can the game, as a method, outline for the formation ­ at school and in life ­ of the teenager? This is one of the questions that guide the present research, whose objective was to investigate the encounter between the game, an element of the theatrical practice present in different spheres of the scene, and adolescence, a plural age group and full of transformations, within the public school. Brazilian, in the Theater class. The methodology used was of a qualitative nature, carried out through a dense theoretical study about the two objects and the accomplishment of four interviews, made with a theater teacher and three of her students, in order to extract from the sharing of these experiences questions and analyzes that involving the themes of the work. The two objects were investigated from the crossing of various fields, in addition to Theater, such as Sociology, Education and Psychology, and also by documents of Brazilian legislation. In the meantime, it was possible to verify how the game is a method that converges the experiences of its practice in multiple knowledge, building potentialities both in relation to the learning of the performing arts and in the dynamics of life, such as the initial question. When he meets the adolescent subject, immersed in an intense route of transformations, discoveries and inserted in the processes of socialization and identity construction, he can reverberate important stimuli that walk with the young person on such a route.

O presente estudo se volta para a trajetória do Grupo Cultural Yuyachkani (Peru), a fim de analisar seu percurso político e pedagógico. Em seus 50 anos de história, diversas reflexões puderam ser tecidas, olhares múltiplos para sua cena e sua ação no mundo. Faz-se aqui um recorte situado no campo da pedagogia do qual emergem experiências do grupo com a comunidade, com a construção de conhecimento e por fim com a preservação e elaboração da memória. Esta última aparece sob vários ângulos, mas constantemente é trabalhada a partir da retomada e visibilização de corpos e saberes ameaçados de morte e esquecimento pelas forças de poder coloniais. A presente tese analisa espaços pedagógicos de Yuyachkani com mulheres, crianças, afro-peruanos e comunidades andinas nos quais a memória dissidente é reativada através de operações de linguagem. Os participantes de tais oficinas têm oportunidade de elaborar poeticamente seus testemunhos individuais e coletivos, produzindo evidências de uma outra narrativa. Para Yuyachkani, tais princípios de actor-testigo podem ter força para confrontar histórias insuficientes, isto é, modos hegemônicos de habitar o mundo que incluem, representam e lembram apenas uma parte da população. Além disso, este texto examina os laboratorios abiertos, cujos participantes conhecem a própria memória do grupo quando entram em contato com espetáculos, conferências, desmontagens, procedimentos artísticos e questões latentes da sua pesquisa atual, tornando-se interlocutores e parceiros de criação. Por último a investigação se debruça sobre ações em espaços públicos nas quais Yuyachkani age poética e politicamente, desestabilizando ordens normativas das paisagens urbanas e dos corpos que ali circulam. O coletivo assim instala novamente a memória no campo de visão do mundo afrontando práticas coloniais de esquecimento sistematizadas na América Latina que já duram mais de 500 anos. The present study is dedicated to the history of Grupo Cultural Yuyachkani (Peru) and aims to analyse its political and paedagogic journey. Throughout their 50 years of activity, a lot of reflection has been possible, as well as multiple looks towards their theatre and their action in the world. This work establishes its frame within the field of paedagogy, from which the groups experiences with the community, with the construction of knowledge and with the preservation and elaboration of memory emerge. The latter subject appears under different perspectives, but constantly through the resumption and the efforts towards the visibility of bodies and forms of knowledge that are threatened with disappearance by colonial power. This thesis analyses Yuyachkanis paedagogic work with women, children, African-Peruvians and communities of the Andes, in which dissident memory is reactivated through language operations. The participants of those workshops have the opportunity to poetically elaborate individual and collective testimonies, producing evidence of a different narrative. For Yuyachkani, the principles of actor-testigo may have the power to confront insufficient histories, or hegemonic ways of inhabiting the world that include, represent or remember only part of the population. Besides, this text analyses the laboratorios abiertos, in which participants get in touch with the memories of the group itself through previous productions, conferences, disassembly sessions, artistic actions and important issues of their present research, and become partners in discussion and creation. Finally, the investigation concerns performances in public spaces, in which Yuyachkani acts poetically and politically, disrupting normative orders of urban landscapes and the bodies that move through them. This is how the group brings memory back into the worlds visual field, confronting systematic colonial practices that have been existing in Latin America and leading to oblivion for over 500 years.

A presente tese investiga o processo de criação em teatro na formação de coros cênicos. O coro é estudado a partir do conceito de coralidade que propõe a desierarquização das linguagens da cena e sob a noção filosófica do dissenso como estratégia para a formação política. A pesquisa foi desenvolvida através dos procedimentos das manifestações brasileiras do Bumba Meu Boi e da Capoeira de Angola, na cultura grega do ritual Anastenaria e dos coros polifônicos da região grega do Épiro. Nos anexos são oferecidas sugestões de jogos de aquecimento, e improviso para coro. This doctoral thesis investigates the collective process in the formation of scenic choirs. The choir is studied from the concept of chorality that suggests the dehierarchization of the scene languages and also through philosophical view of dissent as a strategy for political formation. This research was developed through the collective pedagogical procedures by Brazilian manifestations of Bumba Meu Boi, Capoeira de Angola, the Greek culture of the Anastenaria ritual and by the polyphonic choirs of the Greek region of Epirus. Its appendix shows suggestions of warming up games, preparations and improvisation for the choir.

Esta dissertação investiga a criação de procedimentos de mediação teatral na educação escolarizada realizada no interior de um projeto de cooperação entre Universidade e Escola Básica a partir da perspectiva de uma professora de teatro da Escola de Aplicação da FEUSP. Ela parte de uma abordagem que considera a relação entre espectadores e obras como potencialmente inventiva. O objetivo geral do trabalho é gerar uma reflexão sobre a inserção de um projeto de mediação teatral no currículo escolar e sobre os impactos de seu funcionamento na formação de crianças e jovens e, também, de futuros professores. A metodologia empregada foi de abordagem qualitativa, incluindo pesquisa de campo e participativa. A coleta de dados foi encaminhada por meio de observação participante e entrevistas com os sujeitos da pesquisa. À luz do conceito de invenção de Virgínia Kastrup (1999), e das contribuições de autores como Desgranges (2003, 2006, 2008, 2012, 2017 e 2020), Pupo (2012, 2015, 2017,2018), Rancière, (2005, 2014), Bondia (2002, 2016), Dias (2011, 2012), Mattar (2002, 2007, 2016, 2019), Schön (1997, 2000) e Zeichener (1998, 2010) entre outros, analisamos as ações desenvolvidas entre 2016 e 2019 em quatro edições anuais do projeto de mediação teatral vinculado ao Programa de Bolsas de Estudo para Estudantes de Graduação da USP por nós coordenado. Ao longo do trajeto investigativo, observa-se a tentativa de vencer as barreiras do acesso físico e estabelecer experiências estéticas nas sessões de mediação. Para tanto, percebe-se que o estranhamento das relações escolarizadas e a aproximação com procedimentos artísticos é fundamental. Considera-se que a realimentação entre o ver o fazer teatro traz férteis pistas para a ampliação da visão de mundo de jovens e que a superação das dicotomias tão características de um pensamento moderno como a teoria e a prática; a escola como lugar de execução/prática e a universidade como lócus de pesquisa, abrem possibilidades para pesquisas feitas com a escola e com a Universidade. This dissertation investigates the creation of procedures of theatrical mediation in school education performed within a cooperative project between University and basic school from the perspective of a theater teacher of the Escola de Aplicação da Faculdade de Educação da Universidade de São Paulo. It starts from an approach that considers the relationship between viewers and works as potentially inventive. The general objective of the work is to generate reflections on the insertion of theatrical mediation project in the school curriculum and on the impacts of its functioning on the educations of children and young people e also future teachers. The methodology used was a qualitative approach, including field and participatory research. The data collection was conducted through participant observation and interviews with research subjects. In light of Virginia Kastrups (1999) concept of invention and the contributions of authors such as Desgranges (2003, 2006, 2008, 2012, 2017, 2020), Pupo (2012, 2015, 2017,2018), Rancière, (2005, 2014), Bondia (2002, 2016), Dias (2011, 2012), Mattar (2002, 2007, 2016, 2019), Schön (1997, 2000) and Zeichener (1998, 2010), among others, we analyzed the actions developed between 2016 and 2019 in four annual editions of the theatrical mediation project inked to Programa de Bolsas de Estudo para Estudantes de Graduação da USP coordinated by us. Along the investigative path, there is an attempt to overcome physical access barriers and establish aesthetic experiences in mediation sessions. Therefore, it is clear that the estrangement of schooled relationships and the approach to artistic procedures is fundamental. It is considered that the feedback between seeing and doing theater brings fertile clues to the expansion of the worldview of children and young people and the overcoming of such characteristic dichotomies of modern thought as theory and practice; school as a place of execution/practice and university as a locus of research open up the possibility for research carried out with the school and with the university.

A tese investiga a prática da encenação nos espaços abertos das cidades numa aproximação do conceito de paisagem. A paisagem, tradicionalmente associada à dimensão do espaço abarcada por um ponto de vista, tem mobilizado especial interesse na contemporaneidade, especialmente por possibilitar um modo de pensar a complexidade e multidimensionalidade dos fenômenos sociais do nosso tempo. A prática da encenação contemporânea interessada em estabelecer vínculos com o mundo a céu aberto se configuraria como criação de paisagem? O encenador que opera procedimentos composicionais com os espaços abertos seria um criador de paisagens e um mediador do encontro sensível entre espectador e espaço? Visando responder a tais questões, realizou-se um estudo conceitual da noção de paisagem procurando aproximá-lo de algumas encenações brasileiras como Dias felizes (1992), BR-3 (2006), Entrepartidas (2010), entre outras, com o objetivo de identificar as operações construtivas presentes nessas práticas. Neste percurso, examina o conceito de viagem como importante agenciador presente na prática desses encenadores. Por fim, à luz das discussões teóricas e das experiências teatrais aqui tratadas, desenvolve o conceito de encenação-paisagem e seus agenciamentos como a prática de um encenador-geógrafo. This thesis investigates the practice of staging outdoors, in open-air spaces of cities, aiming to approach to the concept of landscape. A landscape, traditionally associated with the dimension of space encompassed by a point of view, has mobilized special interest in contemporaneity, especially because it enables a way of thinking about the complexity and the multidimensionality of the social phenomena of our time. Would the practice of contemporary staging be interested in establishing links with the open-air world so as to be configured as a landscape creation? Would the director who operates compositional procedures in open-air spaces be a landscape creator and a mediator of the sensitive encounter between the spectator and the space? In order to answer these questions, this work conducts a conceptual study of the notion of landscape and seeks to bring it closer to some Brazilian pieces such as Dias Felizes (1992), BR-3 (2006), Entrepartidas (2010), among others, with the objective of identifying the constructive operations present in such practices. Along this path, he examines the concept of travelling as an important agent present in the practice of these directors. Finally, in the light of the theoretical discussions and theatrical experiences discussed here, he develops the concept of staging-landscape and its assemblages as the practice of a director-geographer.

A presença de núcleos criativos e de formação teatral com crianças no interior de coletivos alinhados à perspectiva de teatro de grupo é uma constante no teatro latino-americano. Muitos desses processos artísticos estão associados a diferentes modalidades de ação cultural sendo traduzidos em escrituras cênicas, oficinas criativas, gestos simbólicos que tornam visível, na esfera pública/comunitária, o poder da singularidade das crianças e seus modos de politicidade. Igualmente esses processos questionam os modelos históricos através dos quais as relações de poder têm configurado as infâncias latino-americanas e colonizado os corpos das crianças, estabelecendo uma significativa quebra das fronteiras entre os âmbitos da criação artística e da pedagogia. Nesse sentido, a pesquisa analisa práticas artísticas de quatro grupos (Companhia Paidéia de Teatro, do Brasil; Vichama Teatro, de Peru; a Corporação Cultural Nuestra Gente, da Colômbia e Teatro Trono, da Bolivia), associadas a modalidades de ação cultural com crianças de meios sociais desfavorecidos, com o interesse de desvelar as implicações desses processos na configuração da subjetividade infantil, como vertente possível de reflexão pedagógica no teatro com crianças na região. As contribuições do estudo são verificadas ao mostrar os diversos agenciamentos que modulam o universo subjetivo das crianças quando mediadas por processos teatrais, e o alcance desses na configuração de micro-transformações nelas (de caráter atitudinal, comportamental, de relacionamento social), podendo contribuir com modelos de coexistência comunitária mais inclusivos, tolerantes, equitativos e justos. Igualmente a pesquisa sistematiza formas e expressões cênicas desses quatro coletivos e os principios pedagógicos que norteiam seus processos de ensino do teatro às crianças. Levando em conta de que a prática teatral induz uma cadeia de pensamentos naturais da complexidade, a pesquisa propõe um exercício teórico a partir de um olhar metafórico, construindo um denso, híbrido e polifônico tecido discursivo que articula textos analítico-acadêmicos, crônica conjuntural e relatos auto-ficcionais e documentais do autor e das experiências acompanhadas em cada um dos quatro países latino-americanos. The presence of creative centers and theatrical training with children within groups aligned with the perspective of \"theater of group\" is a constant in Latin American theater. Many of these artistic processes are associated with different modalities of cultural action and are translated into scenic scriptures, creative workshops, symbolic gestures that make visible, in the public / community sphere, the power of children\'s singularity and their modes of \"politicity\". Likewise, these processes question the historical models through which power relations have configured Latin American childhoods and colonized children\'s bodies, establishing a significant break in the boundaries between the spheres of artistic creation and pedagogy. In this sense, the research analyzes artistic practices of four groups (Companhia Paidéia de Teatro, from Brazil; Vichama Teatro, from Peru; Corporação Cultural Nuestra Gente, from Colombia and Teatro Trono, from Bolivia), associated with modalities of cultural action with children from disadvantaged social backgrounds, with the interest of unveiling the implications of these processes in the configuration of child subjectivity, as a possible aspect of pedagogical reflection in theater with children in the region. The contributions of the study are verified by showing the different assemblages that modulate the subjective universe of children when mediated by theatrical processes, and their reach in the configuration of micro-transformations in them (of an attitudinal, behavioral, social relationship character), being able to contribute with more inclusive, tolerant, equitable and fair models of community coexistence. Also research systematize scenic forms and expressions of these four collectives and the pedagogical principles that guide their processes of teaching theater to children. Taking into account that the theatrical practice induces a chain of natural thoughts of complexity, the research proposes a theoretical exercise from a metaphorical look, building a dense, hybrid and polyphonic discursive fabric that articulates analytical-academic texts, conjunctural chronicle and self-fictional and documentary accounts of the author and the experiences followed in each of the four Latin American countries.

Este estudo investiga a formação de espectadores teatrais na educação escolarizada, a partir da perspectiva de uma professora de Arte nas escolas públicas Centro de Ensino Fundamental 01 - CEF 01 do Núcleo Bandeirante e Centro de Ensino Médio Urso Branco - Distrito Federal, no período de 2014 a 2017. Busca provocar a potencialização do ato de leitura cênica em sala de aula, em prol da formação de espectadores e ampliação da leitura de mundo dos estudantes. A metodologia empregada foi de abordagem qualitativa, incluindo pesquisa de campo e participativa. A coleta de dados foi realizada por meio da observação participante e registros em diários itinerantes, refletindo a respeito da própria experiência por meio da escuta sensível. À luz de autores como Desgranges (2008, 2010, 2011, 2014), Rancière (2017a, 2017b), Bondia (2001, 2010, 2016), Medeiros (2005), Pupo (2015), Ferreira (2006), Machado (2012), Jauss (1995), Iser (1996), Aguiar e Bordini (1993), entre outros, as conquistas e dificuldades enfrentadas ao longo deste percurso no contexto escolarizado das duas escolas pesquisadas são analisadas e discutidas. Ao longo do trajeto investigativo, foram identificados/experienciados quatro eixos de mediação teatral distintos: a) ida dos estudantes ao teatro profissional; b) apresentação de espetáculos universitários dentro da escola; c) tensão produtiva entre ver e fazer teatro em sala de aula, tendo a leitura de poéticas como fio condutor do trabalho; d) tensão produtiva e estendida entre fazer e ver teatro, tendo o fazer teatral como eixo do trabalho. Consideram-se esses eixos como estratégias de resistência que transitam tanto entre proposições de debate e embate, pela organização do pensamento crítico através da argumentação, quanto por outras formas de reação política, dispositivos reativos que perpassam pela leitura inventiva, pela estética/política da alteridade, pelo corpo em estado alterado (de performance, ficção, jogo, inventividade, devir). Portanto, considera-se que a busca por um trabalho pedagógico teatral, voltado à formação de espectadores(as) na educação escolarizada, aponta caminhos profícuos para a ampliação da leitura de mundo dos(das) estudantes, apesar das adversidades, por meio da proposição de estados de encontro. This study aims at exploring the formation of a theatrical audience in regular education in order to enhance students scenic reading and broaden their in-depth comprehension of the world. The research is underpinned by the theories of Desgranges (2008, 2010, 2011, 2014), Rancière (2017a, 2017b), Bondia (2001, 2010, 2016), Medeiros (2005), Pupo (2015), Ferreira (2006), Machado (2012), Jauss (1995), Iser (1996), Aguiar and Bordini (1993), among others, and follows a qualitative participatory fieldwork approach. Data was collected through participant observation and recorded in itinerant diaries through sensitive listening, reflecting on a teacher\'s experience, during the period - from 2014 to 2017- she was an Elementary School Arts Teacher in CEF 01 do Núcleo Bandeirante and Centro de Ensino Médio Urso Branco schools, both located in Federal District, Brazil. The results describe and analyse the achievements and challenges faced during this teaching period, in which were identified / experienced four different stages of theatrical mediation: a) students field trip to professional theater; b) presentation of theatrical shows in the school; c) productive tension between seeing and doing theater in the classroom, having poetic reading as guidelines of the work; d) productive and extension between doing and seeing theater, having the theatre as guidelines of the work. Those items are considered strategical axis of resistance that place between debate and struggle, also englobing: the organization of critical thinking and argumentation, other forms of political reaction, reactive dictions through the inventive reading, the aesthetic/politics of otherness, and the body in an altered state (performance, fiction, game, inventiveness, becoming). Therefore, this research considers that including theatrical pedagogical work in the formation of an audience on a scholar education context, despite the adversities, is a fruitful way to broaden the students\' world reading through the proposition of states of encounters.

Por meio da experiência em processos de criação do grupo Teatro da Vertigem, como dramaturgista durante oito anos, pudemos observar transformações na esfera de ação do dramaturgismo. Em continuidade com a ampliação da noção de dramaturgia e dos diferentes modos como têm se integrado aos processos de criação, ao abarcar a materialidade das obras cênicas, a experimentação nas práticas dramatúrgicas coloca a pesquisa artística em outro patamar de complexidade, o que torna necessário investigar sobre suas atividades e, especialmente, o papel da dimensão crítica no interior da criação. Particularmente, são exploradas três experiências no Teatro da Vertigem, a saber: Bom Retiro 958 metros, Patronato 999 metros e Dire ce qu\'on ne pense pas dans des langues qu\'on ne parle pas. São exemplos de trabalhos artísticos realizados no espaço da cidade, a partir da especificidade do lugar, também chamado site-specific work. Neles, o contexto socioespacial torna-se matéria prima da investigação do dramaturgista, ao acionar campos de tensão entre conceitos que, por sua vez, nutrem a produção, ao mesmo tempo em que esta interfere nos contextos. Portanto, esta pesquisa pretende demonstrar a possibilidade do dramaturgista atuar com o objetivo de aprofundar e problematizar a própria crítica que o trabalho artístico deseja efetuar, tendo em vista o processo contínuo de absorção e neutralização da crítica pela linguagem da mercadoria. Esta prática, estamos chamando de dramaturgismo crítico. Through the experience in creative processes of the theatre group Teatro da Vertigem, as a dramaturg for eight years, transformations on the dramaturg work field were observed. Continuing the amplification of dramaturgy\'s notion and the different ways that it has been integrated to creation processes, which includes scenic work art\'s materiality, the experimentation on performing arts practices puts artistic research on another level of complexity. That demands investigation of its activities, concerning specially the role of the critic\'s dimension inside the creative process. Three experiences by Teatro da Vertigem are investigated: Bom Retiro 958 metros, Patronato 999 metros and Dire ce qu\'on ne pense pas dans des langues qu\'on ne parle pas. Those are examples of artistic works made at the city space, inspired by the particularities of that specific places, which is called site-specific work. In those works, the social and spatial background becomes the raw material of dramaturg\'s research, by activating tension between concepts that feeds the production. At the same time, this production interferes in that context. Therefore, this research aims to demonstrate the possibility of a dramaturg work with the goal of deepen and criticize the critique that the artistic work aims to do, considering the ongoing process, assembled by commodity\'s language, that absorbs and neutralizes the critique. This practice will be called \"critical dramaturgism\".

O presente estudo configura-se como uma mirada histórico-filosófica que, tendo como inspiração a arqueogenealogia de Michel Foucault, se devota a inventariar de que modo, ao longo de seus deslocamentos, emergências e contingências, o teatro infantil brasileiro afiliouse ao ideário educacional e, por fim, aos processos de espraiamento das práticas educativas pelo tecido social. A historiografia do teatro brasileiro elege a montagem de O casaco encantado, de Lúcia Benedetti, em 1948, como marco do teatro voltado às crianças. As fontes empíricas nas quais este estudo se baseia o jornal carioca Correio da Manhã (1901-1974) e a Revista Brasileira de Estudos Pedagógicos (1944-2017) revelam dois acontecimentos simultâneos à sobredita fundação do teatro infantil. O primeiro deles diz respeito à discursividade corrente no início do século XX sobre a infância como problema, flagrada nos debates sobre as temáticas do infanticídio, da degeneração e da delinquência infantis. O segundo acontecimento refere-se à emergência do discurso escolanovista entre as décadas de 1930 e 1950, afirmando o viés educativo como forma de superação de uma infância tida como problemática, via o projeto de ajustamento, de autonomia e de emancipação do alunado. Nesse contexto, a Escola Nova terse-ia apropriado das práticas teatrais infantis para o alcance de seus objetivos, fomentando relações de reciprocidade entre o teatro infantil não escolar e o teatro escolar infantil. Mediante tal configuração, o presente estudo devota-se a uma releitura da constituição do teatro infantil em solo brasileiro, partindo da hipótese de que o cuidado com a criança e as iniciativas artísticas da primeira metade do século XX teriam sido responsáveis por um governamento de tipo artístico-pedagógico da infância, doravante lastreado por uma espécie de pedagogia do bemestar infantil. Assim, o teatro para crianças comportaria duas facetas de um mesmo processo de educabilidade dos cidadãos: de um lado, o governo da infância incitaria a edificação de um sujeito maduro, livre, sadio e empreendedor de si, culminando no apelo à adultização e à invenção de um modo renovado de ser criança; por outro, o governo pela infância despontaria associado ao rol de saberes e práticas de afirmação e de disseminação dos cuidados infantis, colaborando para a fixação de um adulto impedido moral e juridicamente de exercer maustratos à criança. The present study is configured as an historical-philosophical gaze which had, as an inspiration, the arqueogenealogy of Michel Foucault. Its commited to specify in which way, throughout its displacements, emergencies and possibilities, the brazilian kids theatre was associated with educational principles; and finally the dissemination of the educational processes by societys framework. The historiography of brazilian theatre selects the staging of The Enchanted Coat (O casaco encantado), by Lúcia Benedetti, performed in 1948, as a milestone in infants theatre. The empirical sources that this study is based the carioca newspaper The Morning Post (Correio da Manhã, 1901- 1974) and the Brazilian Magazine of Pedagogical Studies (19442017) reveal two simultaneous events happening during the foundation of childrens theatre. The first one covers the discursive current from the beginning of the 20th century, that considered childhood as a problem, witnessed in discussions and talks about infanticide, degeneration and infants delinquency. The second occurrence refers to the origin of the escolanovista speech from 1930 to 1950, affirming the educational bias as a means of overcoming a problematical childhood and also as a way of adjustment, autonomy and emancipation of the pupil. In this regard, the New School (a Escola Nova), would have taken the infants theatrical practices to accomplish its goals, promoting interchange between the formal and the non-formal educational theatre. Therefore, this study is dedicated to a reinterpretation of the brazilian infant theatre, based on the assumption that the care for children and the artistic initiatives from the first half of the 20th century would have been responsible for an artistic/pedagogic governance at childhood, hereafter widespread by a type of pedagogy focused on the childrens well-being. Consequently, childrens theatre would carry two facets of the same teaching process for citizens: on one side, the childhood government would provoke the construction of a mature being, free, healthy and self-instigator that culminates and appeals to the precocious and new way of being a child. On the other side, the childhood government would come forth linked with knowledges, affirmation practices and also the spreading of child care, collaborating for the development of an adult prevented moral and legally of performing childs maltreatment.

A presente pesquisa investiga uma modalidade de prática estética no campo das artes cênicas, desenvolvida com a participação de artistas e outros interessados. Fundada em uma perspectiva existencial da experiência estética, tal modalidade baseia-se em pressupostos elaborados a partir do estudo de aspectos da obra do autor dinamarquês Søren Kierkegaard (1813-1855) e apresenta uma dupla problemática: a singeleza do desejo de expressar a existência poética e a ambiguidade contida em um tema kierkegaardiano por excelência: a vontade de tornar-se si mesmo. A noção de estética existencial é abordada no plano dessa modalidade de prática que, situada filosoficamente no contexto da obra A Doença para a Morte (1849), no âmbito do chamado \"desespero-desafio\" e da \"existência poética orientada ao religioso\", tateia os limites da linguagem verbal, compreendida como \"espaço de possibilidade\", a fim de facultar uma interlocução sui generis entre pontos específicos da rota de leitura perscrutada e os efeitos estéticos de sua recepção. Assim, paralelamente às questões focalizadas em A Doença para a Morte, a escrita trilha a via da participante em primeira pessoa, procurando se acercar da problematização suscitada pela prática proposta, mediante um itinerário peculiar de leitura de alguns tópicos presentes na produção pseudonímica de Kierkegaard, particularizados em capítulos selecionados das obras: Ou-Ou. Um Fragmento de Vida (1843); Temor e Tremor. Lírica Dialética (1843); A Repetição. Um ensaio em Psicologia Experimental (1843); Estádios no Caminho da Vida. Estudos por pessoas diversas (1845). Por meio dessa rota de leitura buscamos circunscrever, fundamentalmente, as vias e os limites da idealidade estética pela afirmação de duas instâncias existenciais que escapam à linguagem verbal e, portanto, resistem à representação: o erótico imediato e a fé. Com esse escopo, a tese se compõe de três partes: Ato I: apresentação do princípio e dos limites da noção de estética existencial no campo problematizado por nossa prática, a partir da relação entre estética e existência; Ato II: exposição das vias da prática estética em seus pressupostos, com a identificação dos artistas e participantes na pesquisa na qualidade de coautores, e do Livro de Cultivo, método-objeto criado para abrigar as proposições estéticas associadas ao Stemning, título do primeiro capítulo da obra Temor e Tremor, eixo central da nossa prática. Em acréscimo, investigação conceitual acerca da própria noção de stemning (do dinamarquês: \"atmosfera\", \"disposição\", \"afinação\", \"tonalidade afetiva\", \"estado de espírito\", \"ambiência\"), vinculada à instância do erótico imediato; Ato III: reconhecimento do ato de assistir e de ser assistido como finalidade da recordação pelo entendimento de que recordar a obra é assisti-la; exame da idealidade estética da recordação como poder poético. Com isso, articulamos nossa própria recordação da prática realizada por meio daquilo que consideramos o princípio formal da problematização: uma recordação filmada, que consiste no \"processo de produção\" [making of] da coleta ou colheita das resultantes estéticas geradas pelo envolvimento dos participantes, na posição tanto de produtores como de espectadores. The present research looks into a modality of aesthetic practice within the field of performing arts, and it was developed with the participation of artists and other interested parties. This modality, based on assumptions put forth from the study of aspects of the works of the Danish author Søren Kierkegaard (1813-1855), is founded in an existential perspective of the aesthetic experience and it introduces a double problematic: the simplicity of the desire to express poetic existence and the ambiguity in a kierkegaardian theme par excellence: the willingness to become oneself. The notion of existential aesthetics is approached within this modality of practice, which is philosophically situated in the context of the book The Sickness Unto Death (1849) as well as within the scope of the so-called \"defiant despair\" and the \"poet-existence inclined towards the religion\". This modality of practice probes the limits of verbal language, understood as \"space of possibility\", in order to allow for a sui generis dialog between specific spots in the examined reading itinerary and the aesthetic effects of its reception. Thus, alongside the issues focused on The Sickness Unto Death, the text follows the path of the participant in first person and seeks to encompass the problematization raised by the proposed practice, which is assisted by a peculiar reading itinerary of some topics included within the pseudonymous production of Kierkegaard, particularized in selected chapters of the works: Either/Or. A Fragment of Life (1843); Fear and Trembling. Dialectical Lyric (1843); Repetition. A Venture in Experimenting Psychology (1843); Stages on Life\"s way. Studies by Various Persons (1845). Through this reading itinerary, we fundamentally seek to circumscribe the avenues and limits of the aesthetic ideality by showcasing two existential instances that evade verbal language and, therefore, resist representation: the immediate eroticism and the faith. Within this scope, this thesis consists of three parts: Act I: presentation of the principle and limits of the notion of existential aesthetics within the field problematized by our practice, based on the relationship between aesthetics and existence; Act II: exposition of the avenues of the aesthetic practice within its assumptions, with the identification of the artists and participants in the research as coauthors, and of the Book of Cultivation, a method-object that was conceived to contain the aesthetic propositions associated with Stemning, title of the first section of Fear and Trembling and central axis of our practice. In addition, act II brings the conceptual investigation about the notion of stemning itself (Danish for: \"mood\", \"tuning up\", \"attunement\" \"atmosphere\") linked to the instance of the immediate eroticism; Act III: recognition of the act of watching/assisting and being watched/assisted as the goal of the recollection through the understanding that to recollect the work means to watch/assist it; examination of the aesthetic ideality of recollection as poetic power. With this, we articulate our own recollection of the practice performed by that which we consider the formal beginning of the problematization: a filmed recollection consisting in the making-of of the collection or harvest of the resulting aesthetics generated by the involvement of the participants in the position of producers as well as that of spectators.

A presente tese de doutorado busca uma pedagogia em performance - um ensino do teatro que se afirma como prática contemporânea a partir do teatro performativo. Aqui, a performatividade da criança é tomada como material poético para a construção teatral, e efetiva a experiência como prática de elaboração do conhecimento em arte. Evidencia-se no primeiro capítulo a correspondência entre teatro e pedagogia do teatro hoje, a partir do alargamento dos limites do conceito de teatro. No segundo capítulo a tensão entre as abordagens do ensino do teatro que privilegiam a livre expressão e aquelas que privilegiam um ensino diretivo, é revisitada em diálogo com autores como Winifred Ward, Peter Slade, Viola Spolin e Ingrid Koudela. A simulação é proposta como metodologia que coloca em performance a história do teatro, a partir de premissas de Thierry de Duve. Os últimos três capítulos expõem sobre a prática e a apreciação realizadas com trinta e oito turmas de alunos-atores do ensino básico, com foco em técnicas de aprendizagem e processos de encenação com crianças. Estas exposições teórico-práticas perseguem a pergunta: \"O que é ensinar/aprender teatro hoje?\" The present PhD thesis seeks a performing pedagogy - the teaching of theater that affirms itself as a contemporary practice, obtaining its characteristics from the performative theater. Here, the performativity of the child is taken as poetic material for theatrical construction, and effective experience as a practice of elaboration of knowledge in art. The first chapter shows the correspondence between theater and pedagogy of theater today, from the extension of the limits of the concept of theater. In the second chapter, the tension between approaches to theater teaching that favor free expression and those that favor directive teaching is revisited in dialogue with writers such as Winifred Ward, Peter Slade, Viola Spolin and Ingrid Koudela. Simulation is proposed as a methodology that puts the history of the theater in performance, based on the premises of Thierry de Duve. The last three chapters discuss the practice and appreciation of thirty-eight classes of pupils in elementary education, focusing on learning techniques and process of staging with children. These theoretical-practical expositions pursue the question: \"What is teaching /learning theater today?\"

A presente pesquisa teve como campo de estudo o bairro de Vargem Grande, localizado na subprefeitura de Parelheiros, extremo sul da capital paulista, visando investigar práticas teatrais permeáveis ao contexto no qual elas estão inseridas, de modo a identificar os sentidos que essa experiência de criação artística tem para as pessoas envolvidas e se/como isso reverbera no cotidiano delas. O local, que mescla características rurais e urbanas, não possui nenhum equipamento cultural e apresenta uma complexidade social, ambiental e econômica significativa. A fim de instaurar um processo de apropriação da linguagem teatral, foram realizados diferentes experimentos cênicos com crianças e adolescentes de 7 a 13 anos, frequentadoras do \"Projeto Vargem Grande: Comunidade Saudável\", coordenado pelo Centro Popular de Cultura e Desenvolvimento (CPCD), uma organização não-governamental com sede em Belo Horizonte (MG) e que desenvolve trabalhos educativos em diferentes localidades do território nacional. Com base nas reflexões advindas do processo, buscou-se examinar o emaranhado conceitual que envolve a área denominada Teatro em Comunidades, em expansão no Brasil, e realizou-se uma revisão bibliográfica da literatura produzida e divulgada sobre esse tema no país. Deste modo, tornou-se crucial problematizar o conceito de comunidade, em especial por meio das considerações de Zygmunt Bauman, e refletir em que medida esse termo auxilia na compreensão da especificidade do trabalho teatral realizado. The present research was focused on the Vargem Grande neighborhood, located in Parelheiros sub-prefecture, on the southernmost outskirts of São Paulo, in order to investigate theatrical practices permeable to the context in which they are inserted and, thus, to identify the meanings that this experience of artistic creation has to people involved with it and if/ how it reverberates in their daily lives. The site, which mixes rural and urban characteristics, has no cultural equipment and presents significant social, environmental and economic complexity. In order to establish a process of appropriation of the theatrical language, different scenic experiments were carried out with children and adolescents from 7 to 13 years-old who participated in the \"Vargem Grande Project: Healthy Community\", coordinated by the Popular Centre for Culture and Development (CPCD), a non-governmental organization based in Belo Horizonte (MG) that develops educational activities in different locations around the national territory. Based on the reflections arising from the process, this work sought to examine the conceptual tangle that surrounds the studies on Theatre in Communities, whose area of research is expanding in Brazil, and it offers a literature review on this theme covering the most important texts produced and disseminated in the country. In this way, it became crucial to problematize the concept of community, especially through the considerations of Zygmut Bauman, and to ponder on to what extent this term supports the understanding of the specificity of the theatrical work developed under that concept.

A presente pesquisa se propõe o exame de algumas das implicações políticas verificadas em processos de formação que se estruturam a partir de modalidades de criação compartilhada. Essas modalidades estão diretamente ligadas aos modos de produção do teatro de grupo, especialmente àqueles instituídos a partir da década de 90 e que, desde então, vêm exercendo um papel importante na revisão de princípios e práticas pedagógicas. Nosso campo de investigação é a \"SP Escola de Teatro\", um centro de formação das artes do palco que conta com momentos específicos em que a formação se efetiva no encontro entre aprendizes de oito diferentes áreas criativas (Atuação, Cenografia e Figurino, Direção, Dramaturgia, Humor, Iluminação, Sonoplastia e Técnicas de Palco) e se propõe à construção de uma cena teatral em que todos os seus integrantes respondem pela autoria da obra apresentada. Ao longo desta dissertação, pudemos problematizar as relações que ali se estabelecem e verificar a existência de um espaço comum que privilegia a emergência de ações criativas propositadamente plurais, diversas e geradoras de novas possibilidades de convívio e trocas humanas. Nesse sentido, os estudos de Hannah Arendt e Jacques Rancière ampararam nossas reflexões e nos permitiram traçar paralelos entre o exercício da criação compartilhada e a atividade política, sobretudo no que tange à pressuposição da igualdade como necessidade das relações humanas e à condição de pluralidade que as estabelece. The purpose of the current research is to analyze some of the political implications observed in learning processes that ground itself in joint creation formats. Those formats are directly connected to the theater groups production mode, specially, the ones set in the 90\'s and that, since then, have played an important role in questioning and reviewing fundaments and pedagogical practices. Our field of specific studies is the \"SP Escola de Teatro\", a performing arts learning center which provides specific moments where the learning happens throughout encounters amongst students from eight different creative areas (Acting, Set and Costume Design, Directing, Playwriting, Humor, Lighting Design, Sound Design and Stage Techniques) and has the purpose of creating a theatrical scenario where all its members are authors of the artwork. Throughout this dissertation we were able to discuss the connections that were made and verify the existence of a joint space that privileges the emergence of creative actions in an intentionally plural environment, diverse and that gives possibilities to human interaction and sharing dynamics. Thus, the studies from Hannah Arendt and Jacques Rancière supported our reflections and allowed us to map parallels between the joint creation exercise and political actions, especially regarding the assumption that human interaction needs equality and the conditions of plurality that establishes it.

Este trabalho pode ser caracterizado como um exercício de compreensão. Trata-se de um exame das reverberações provocadas pela obra de Hannah Arendt em nosso modo de conceber as relações entre educação e linguagem teatral e, em especial, em nosso modo de refletir acerca do potencial formativo da experiência teatral dentro do ambiente escolar. Ao conceber a educação como uma tarefa voltada para a inserção das novas gerações num legado de significados compartilhados, Hannah Arendt nos provoca a pensá-la sob a perspectiva do mundo. Assim para além de compreender que educar crianças e jovens consiste em prepará-los para viver, treinando habilidades e competências para que realizem inúmeras tarefas no mundo, Arendt identifica a atividade educativa como uma forma de apresentação do mundo, uma tentativa de familiarização com as experiências e obras que o constituem e que nos foram legadas por nossos antepassados. No que toca à linguagem teatral, os indícios encontrados em sua obra nos levam a sugerir a existência de uma especificidade para o teatro que reside na oportunidade para que aqueles que participam do evento artístico olhem para o mundo que é revelado na cena e possam pensar sobre ele, examiná-lo e atribuir-lhe algum sentido. Nesse encontro entre um alguém que representa ações humanas e um alguém que pode delas fruir como espectador, instaura-se uma oportunidade para a emergência de exercícios de compreensão sobre o próprio mundo. É por essa razão, por tais aspectos serem intrínsecos à linguagem teatral, que nosso percurso se dedica a pensá-la dentro do ambiente escolar, ou seja, como um ponto de vista sobre o mundo, como uma forma de inserir as novas gerações num legado comum. Todavia, essa inserção não consiste apenas em apresentar informações sobre o mundo humano, não diz respeito à somente conhecer o que nele ocorre, mas configura-se como uma chance de pensar sobre o mundo, ressignificando-o e, nesse processo, sendo transformado por ele. Um encontro afetivo entre as novas gerações e o legado de experiências e obras que constituem o mundo, ou seja, uma experiência formativa. This dissertation can be characterized as an exercise of understanding. It brings an analysis of the reverberations of Hannah Arendts work in our way of conceiving the relationships between education and theater language, especially in our way of thinking about the formative potential of the theatrical experience in school environment. When conceiving education as a task dedicated to the insertion of new generations in a legacy of shared meanings, Hannah Arendt causes us to think education in a world perspective. Hence, more than understanding that teaching children and youngsters consists in preparing them to live, training their skills and competences so that they can do several activities in the world, Arendt identifies education as a form of world presentation, an attempt of familiarizing students with the experiences and works which constitute the world and that our ancestors left us as a legacy. Regarding theatrical language, evidence found in her work allows us to suggest the existence of specificity for theater, which lies in the opportunity, for those who participate in the artistic event, to look to the world that is revealed in scene and think about it, examine it and assign it meaning. In this meeting between someone who represents human actions and someone who enjoys them as a spectator, it is possible to find the opportunity for understanding the world itself. For this reason, for such aspects are intrinsic to the theatrical language, our journey is dedicated to think it in the school environment, as a point of view on the world, as a form to enter new generations in a common legacy. Nevertheless, this insertion not only consists in presenting information about the human world, identifying what happens on it, but also consists in a chance to think about the world, assigning new meanings to it and, in this process, being changed by it. An affective encounter between new generations and the legacy of experiences and works that constitute the world: a formative experience.

A presente pesquisa visa observar o modo de operar da arte contemporânea fundada no caminhar e investigar o quanto ela se faz acessível ao espectador, o quanto ela é inclusiva, relacional e horizontal. Contrariamente a um entendimento de que a arte contemporânea é de difícil acesso, nosso objetivo é relacionar a dissolução de certos estatutos da cena contemporânea com a aproximação do espectador de sua estrutura de funcionamento, a ponto de ele se tornar mais indispensável para sua realização do que o próprio artista. No primeiro capítulo, apresento esse contexto de dissolução (como linhas invisíveis do mapa), inicialmente no campo do teatro e, posteriormente, na configuração das performances, campo no qual as noções de cena, encenação e espectador já não operam. No segundo capítulo apresento o ato de caminhar em relação ao pensar e ao criar; uma prática estética e política a ser desdobrada nos três capítulos seguintes. Desse modo, do segundo ao quinto capítulo observo modalidades do caminhar: passeios, derivas, fugas, perseguições e travessias realizadas por artistas de diversas procedências (do teatro à land art, da dança à arte conceitual, da performance ao real) e, em alguns casos, por espectadores ou passantes. Todas essas ações, sobretudo as performances, resultam em outras materialidades (fotografias, vídeos, desenhos e narrativas) que são igualmente compartilhadas com espectadores ausentes do ato de sua execução. No último capítulo, trato desses rastros ou vestígios - bem como do acesso aos programas dessas ações - como um importante material para os espectadores, que conhecendo os \"modos de fazer\" dessas modalidades artísticas, compreendem seus \"modos de usar\". Assim, caminhar como prática estética configura-se como um ato de transgressão do sistema vigente, uma vez que se trata não apenas de uma ação, mas de uma atitude ao alcance de toda e qualquer pessoa. Ao ocupar o contexto urbano por sua dimensão mais baixa, o chão, o sujeito que caminha experimenta outras formas de sociabilidade e outras configurações para o real, inventando micro-poéticas do devir. This research aims to observe the way contemporary art founded on walking works and to investigate how much it is accessible to the public, how much it is inclusive, relational and horizontal. Contrary to an understanding that contemporary art is difficult to access, our goal is to relate the dissolution of certain contemporary scenes statutes with the spectator\'s approach of its functional structure, to the point that he becomes more indispensable for its accomplishment than the artist himself. In the first chapter, I present this context of dissolution (as invisible lines of the map) initially in the theater field and, posteriorly, in the configuration of the performances, a field in which the notions of scene, staging and spectator no longer operate. In the second chapter, I present the act of walking in relation to thinking and creating; an aesthetic and political practice to be deployed in the three following chapters. Thus, from the second to the fifth chapters, I observe walking modalities: strolls, drifts, escapes, persecutions and crossings by artists of different origins (from theater to land art, from dance to conceptual art, from performance to real) and, in some cases, by spectators or bystanders. All these actions, particularly the performances, result in other materialities (photographs, videos, drawings and narratives) which are equally shared with spectators absent from the act of its realization. In the last chapter, I deal with these traces or vestiges - as well as the access to the programs of these actions - as an important material for the spectators, who getting to know the \"ways of doing\" of these artistic modalities, understand their \"ways of using\". Therefore, walking as an aesthetic practice configures itself as an act of transgression of the current system, since it is not only an action, but an attitude within the reach of any person. By occupying the urban context in its lower dimension, the ground, the subject who walks experiences other forms of sociability and other settings for the real, inventing micro-poetics of devenir.

O teatro infantil, no contexto do teatro contemporâneo compartilha com manifestações estéticas da dança, das artes visuais e o cinema, uma crise de identidade e uma indefinição de seu estatuto epistemológico. Somam-se a isso os fenômenos diferenciais dentro deste campo do teatro, cujas formulações desestruturam qualquer unidade ou homogeneidade do conceito teatro infantil que se tente construir. Não há, portanto, um Teatro Infantil, mas sim diferentes conceitos, identidades, práticas ou disciplinas teatrais que dialogam com as diversas infâncias e suas performances culturais e que contribuem para a sua definição. Nesse sentido, esta dissertação pretende refletir sobre a presença das crianças no teatro cubano, colocando em discussão o fenômeno do teatro infantil e o teatro com crianças à luz do teatro contemporâneo, para entender os principais enfoques pedagógicos do teatro com crianças em Cuba. The children\'s theater, in the context of contemporary theater shares an identity crisis and a blurring of their status epistemological with other expressions of this art; as well as aesthetic manifestations such as dancing , arts visual and cinema. The identity crisis and a blurring of their status epistemological therefore, added to this the differential phenomena inside the field of theater, increase the impossibility of defining the children\'s theater in simple terms. One cannot say a that there is a Children\'s Theatre, but rather different concepts, identities, practices or theatrical disciplines that establish a dialogue with the various kinds of childhood and their cultural performances. Accordingly, this research intends to reflect about the presence of children in the Cuban theater, discussing the children\'s theater phenomenon and the theater with children in the light of contemporary theater, in order to understand the main pedagogical approaches of the theater with children in Cuba.

Esta tese se propõe a investigar como o conceito de ação cultural, aliado à ideia de formação artística se manifesta no âmbito teatral da cidade de São Paulo nos dias de hoje. Examino, para isso, a trajetória do conceito de ação cultural, seus ideários, sua relação com as políticas públicas de cultura e as influências a que esse tipo de prática está submetida no contexto paulistano contemporâneo. Da mesma maneira, analiso a evolução da ideia de formação e as relações entre arte e educação. Relaciono esses conceitos aos projetos públicos de São Paulo que têm a formação artística e o desenvolvimento cultural da cidade como objetivos principais. O foco na atividade teatral se dá a partir de práticas artístico-pedagógicas relacionadas à ação política, entre grupos de teatro subsidiados pelo poder público. Investigo assim as correspondências entre os grupos fomentados e os programas de formação da Secretaria Municipal de Cultura, que constituem uma rede de ações, proposições artístico-pedagógicas e interferências no espaço da cidade, na amplitude das suas periferias. Procuro, dessa maneira, iluminar a reflexão sobre a ação cultural e a formação artística empreendidas pelos grupos de teatro como síntese arte-política, confrontando os espaços, culturas e instituições da cidade em encontros transculturais. A partir desse objeto e dos contextos investigados, proponho a reflexão sobre o papel dos artistas de teatro na cidade de São Paulo como formadores e agentes culturais, ampliando o debate sobre as políticas públicas de cultura e o entendimento sobre a prática artística enquanto ação pedagógica e política. This thesis proposes the investigation on how the concept of cultural action, connected to the idea of artist\'s education is manifested in the theater field, in São Paulo city nowadays. It analyzes the history of cultural action as a concept, its ideology and relation with the public policies of culture and the influences that this kind of practice is submitted in the contemporary context of São Paulo. Likewise, it analyzes the evolution of the idea of formation as a training [formação] and the relation between arts and education. I relate these concepts to the public projects in São Paulo that have the artist\'s education, and the cultural development of the city as main goals. The theatrical activity is focused upon its artistic and pedagogical practices related to the political action undertaken by companies that are sponsored by the Estate. I investigate this way the correspondence between these companies and the artist\"s education programs by the Culture Department of the City Hall, which constitutes a network of cultural action, arts education and artistic interferences in the city, all along its limits. This way, I try to illuminate the analyzes on cultural action and artist\"s education undertaken by the theatre groups, as an arts-politics synthesis, which confronts different spaces, cultures and institutions of the city, understood as transcultural encounters. From this object of study and its contexts, I propose to reflect on the role of the theater artists in São Paulo as educators and cultural agents, contributing to the debate on public cultural policies and the understanding of artistic practices as a pedagogical and political action.

Esta dissertação tem como objeto de estudo a elaboração do conceito, \"movimento-imagem-ideia\", desenvolvido no percurso de uma prática de improvisação. Iniciada no teatro, por meio dos aprendizados do jogo teatral, do jogo das máscaras, como a commedia dell\'arte e o palhaço, encontra a dança e as abordagens somáticas, ampliando-se e oferecendo estrutura à autonomia do intérprete improvisacional. As pesquisas cênicas que constituíram caminho e estabelecimento dessa conceituação, analisadas neste trabalho, têm por foco a improvisação e a máscara de A Troupe de Atmosfera Nômade; as improvisações em tempo real, diante do público, da Cia. Nova Dança 4; e a estrutura pré-fixada na dança, em Ladies, da inocência à crueldade, com possibilidades de rupturas improvisacionais. This dissertation investigates the elaboration of a concept, \"movementimage- idea\", developed during an improvisation practice. When this improvisation - which started in the theatre with the use of theatre games, mask games, such as commedia dell\'arte and clowns - meets dance and somatic approaches, it is amplified, now offering structure to the autonomy of the improvisational actor. Previous research on performing arts that have paved a path to the establishment of the concept analyzed here focus on A Troupe de Atmosfera Nômade\'s use of improvisation and masks; Cia Nova Dança 4\'s real time improvisation in front of an audience; and the structure prefixed on dancing, in Ladies, from innocence to cruelty, with possible improvisational ruptures.

Este trabalho apresenta uma discussão sobre comunicação museológica e de que maneira as instituições trabalham a relação entre museu, público e exposição. Considera-se que a comunicação só se estabelece efetivamente quando sua forma e seu conteúdo mediam, simultaneamente, emoção e informação. Assim, a inserção de \"visitas teatralizadas\" em instituições museológicas pode oferecer o conhecimento não só pela informação em si, mas um conhecimento que, segundo Scheiner (2003), parte da informação transformada pela emoção, podendo então ser vivenciada. Do mesmo modo, o museu precisa dominar outras formas de linguagem, outros sistemas de comunicação que não sejam os habituais. A dissertação estuda e promove a compreensão sobre novas formas de estabelecer um diálogo, neste caso, via \"visitas teatralizadas\". This paper presents a discussion on museological communication and how the institutions work the relationship among museum, public and exhibition. It is consider that communication is only established effectively when its form and its content mediates simultaneously emotion and information. Thus, the inclusion of \"guided visits with theater\" in museological institutions can provide knowledge not only for the information itself, but knowledge which, according to Scheiner (2003), part of the information transformed by the emotion and can then be experienced. Similarly, the museum must dominate other forms of language, other communication systems that are not usual. The dissertation studies and promotes the understanding of new ways to establish a dialogue, in this case via \"guided visits with theater\".

A pesquisa das práticas de ensino do Teatro como componente curricular da disciplina Arte, na Educação Básica de Alagoas, revelam um sensível distanciamento das propostas contidas nos Parâmetros Curriculares Nacionais voltados para a área. A partir do entendimento dos diversos sentidos da arte e da escola, procurou-se problematizar a aplicação de modalidades pedagógicas voltadas para ações formativas em teatro oriundas de ambientes socioculturais para dentro do contexto escolar sem a necessária transposição didática. Por fim, apontam-se algumas possibilidades de intervenção em vários níveis desta realidade, associando a formação artística e estética a uma perspectiva da encenação. The research involving acting teaching practices as a curricular component of subject Arts, in Alagoas Basic Education program, reveals a significative detachment from the proposals enclosed in the National Curricular Parameters regarding that specific area. Acknowledging the understanding of the multiple meaning of Art and school, it was intended to scrutinize the application of pedagogic modalities regarding formative actions in acting, from social and cultural environments to the school context without the necessary didactic mediation. Moreover, some possibilities of intervention were pointed out in several levels of that reality, associating the artistic and aesthetic formation to a staging perspective.

A matéria tratada nesta tese é a trajetória pedagógica desenvolvida pelo autor junto aos alunos atores ingressantes do curso de licenciatura em Artes Cênicas da Faculdade Paulista de Artes. Esta trajetória tem como ponto de partida a prática pedagógica da atriz, diretora e professora Myrian Muniz, detentora de olhar bastante particular sobre o trabalho atoral, e contempla também outros processos formativos vivenciados pelo autor. Esta pesquisa busca identificar uma linha de pensamento pedagógico nas Artes Cênicas, que tem o trabalho do ator sobre si mesmo como conceito fundante, e cujos representantes mais importantes são Constantin Stanislávski, Eugênio Kusnet e Myrian Muniz. Esta pesquisa visa também compartilhar as etapas mais relevantes nos processos pedagógicos envolvendo aprendizes em teatro, desde o compartilhamento dos primeiros fundamentos acerca do trabalho do ator até e elaboração de um espetáculo teatral que foi fruto do referido processo. Por fim, o autor analisa e reflete sobre a trajetória percorrida pelos alunos atores, buscando definir novos possíveis caminhos de formação do artista teatral, e também identificar uma linha própria de atuação como formador, sempre tendo o autoconhecimento como princípio pedagógico. The subject of this thesis is the pedagogical path developed by the author among Performing Arts newcomer students at Faculdade Paulista de Artes. This path starts with the pedagogical praxis of actress, director and professor Myrian Muniz, bearer of a particular vision on actor\'s work, and contemplates also other formative processes experienced by the author. This research aims to identify a pedagogical thinking stream over Performing Arts, which holds the actor\'s work upon himself as cornerstone concept, having Constantin Stanislavsky, Eugenio Kusnet and Myrian Muniz as its most important representatives. Also objects to share the most relevant steps present in this pedagogical processes developed with the theater apprentices, from presenting the basic elements involving the actor\'s work, to the staging of a play as outcome of the related process. Lastly, the author analyses and looks over this pedagogical process that led to the search for defining possible new ways of educating performing artists, along with identifying a personal proceeding process as a drama teacher, having self-knowledge as a pedagogical principle.

O presente trabalho é uma investigação de cunho teórico-prático que associa o campo da leitura ao do teatro e busca apontar possibilidades poéticas e pedagógicas no caminho da aproximação e da apropriação do texto escrito. A partir da revisão de diferentes modalidades de leitura - em voz alta, compartilhada, pública, dramática, cênica - foram realizadas experimentações com textos literários, associando leitura em performance a procedimentos lúdicos advindos do teatro, com crianças, jovens e adultos, no contexto de ensino formal e informal. Explorou-se a inserção do texto na etapa inicial de processos teatrais através da leitura, releitura e escuta de poemas e crônicas e explorou-se também a leitura de contos e narrativas longas como um evento pontual com sentido em si mesmo, procurando associar a forma de ler com o tema do texto. A pesquisa deu indicativos de que a união entre leitura e teatro pode revitalizar ambos os campos, aportando contribuições para o trabalho de atores e diretores e para a sensibilização e incentivo à leitura. Constatou-se que a exploração sensível e intelectual de um texto, através de práticas lúdicas que incentivem e priorizem o contato direto do leitor com a obra em sua materialidade e com o objeto livro, estando vinculadas ou não à encenação, cria espaços interdisciplinares potentes para imbricar ensino e criação artística.

O objetivo desta pesquisa é o desenvolvimento de uma metodologia de ensino de direção de arte cênica e cinematográfica, realizada através de experiências práticas e sessões explanativas, de caráter interdisciplinar e coletivo. Quando falamos de Direção de Arte estamos nos referindo a uma área do conhecimento cuja sintaxe baseia-se no trinômio Corpo- Espaço-Tempo, conformando-se, por excelência, em uma linguagem multidisciplinar. Nosso foco de estudo concentra-se no processo de aprendizado de estudantes universitários, provenientes de diferentes escolas ligadas às artes do espaço, sobre aspectos fundamentais da criação do ambiente da cena, seja ela performativa, expositiva, teatral ou audiovisual. Tem como objeto de pesquisa o Laboratório Interdisciplinar - Fronteiras Permeáveis, desenvolvido pela pesquisadora, durante o segundo semestre de 2013, na Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo, como disciplina optativa livre presente no currículo do departamento de Cinema, Rádio e Televisão, sob o título Seminário Temático - CTR 0809. Através da análise da experiência realizada, dos depoimentos dos estudantes participantes e de estudo teórico, pretende-se discutir, nesta dissertação, a pertinência da metodologia aplicada, que reúne tanto experiências vivenciais, de caráter coletivo, quanto aulas discursivas, no âmbito da Universidade de São Paulo. Através de análise bibliográfica e da discussão da prática realizada junto aos estudantes, pretende-se avaliar seus limites e alcances, verificando a possibilidade de sua aplicação na esfera universitária. This dissertation presentes a teaching methodology for scenic and cinematic arts which was accomplished through interdisciplinar, and collective, sessions both for practical experiences, and exposition. When talking about Art direction, it is referred to the knowledge area whose syntax is based on the Body-Space-Time triad, par excellence conforming a multidisciplinary language. The spoken Art Direction subject is refered to this area of knowledge whose syntax is based on the Body-Space-Time triad, par excellence conformed in a multidisciplinary language. The focus of this study is a group of University of São Paulo students\' learning process. Students come from different programs (Architecture, Audiovisual, and Cenic Arts), all related to the arts of the space, with emphasis on: creating and designing athmospheres either for performances, exhibits, theatral or audiovisual. Research for this dissertation was conducted in the interdisciplinary laboratory - Permeable Borders, developed by the researcher during the second half of 2013, at the School of Communication and Arts in the University of São Paulo, as an open elective discipline of the Film and Television program, under the title: Thematic Workshop - CTR 0809. Analysis of course experiences, participant\'s testimonials, and theoretical considerations form the empirical database for the discussion of he efficacy of the applied methodology,. Through bibliographical references and the argumentation about the practical activities conducted with the students, this dissertation proposes new interdisciplinary theoretical and practical tools to stimulate the production of shared knowledge about scenic space among university undergraduate students.

O objeto da presente pesquisa é a abordagem estética e pedagógica do Teatro de Figuras Alegóricas, na encenação Chamas na Penugem, sob a coordenação da Profa. Dra. Ingrid Dormien Koudela com alunos do curso de Licenciatura de Teatro. Identifica-se, neste projeto, a concepção da encenação como prática pedagógica e o seu cerne está nas relações existentes entre a criação artística, a pedagogia do teatro e o artista-docente. As proposições do presente trabalho englobam procedimentos referentes ao jogo teatral, à leitura de imagens e aos processos colaborativos. No que tange à leitura da imagem, são analisados os fundamentos estéticos da didática alegórico-diabólica de Peter Brueghel, o Velho relacionados à descrição de uma série de gravuras intituladas Os Sete Vícios Capitais. The purpose of the present research is the pedagogic and aesthetic approach of the Theather of Allegorical Figures in the staging of Chamas na Penugem (Flames on down), under the coordination of the PhD Professor Ingrid Dormien Koudela with students of the Theater Degree Course. It can be noticed in this project the conception of staging as a pedagogic practice, and its essential part is in the existing relationship between the artistic creation, the theater pedagogy and the artist-teacher. The propositions of the present paper gather procedures referring to the theater game, the image reading and the collaborative processes. Particularly related to the image reading, is the aesthetic foundations of the diabolic-allegorical didactics of Peter Brueghel, the Elder, related to the description of a set of pictures called The Seven Deadly Sins.

O objetivo desta dissertação é o entendimento da arquitetura do espetáculo e sua relação com os questionamentos artísticos que vêm se manifestando desde a década de 1920. O cenário recente aponta para a reconquista da cidade como território das manifestações artísticas, como lugar do espetáculo. Após discutir questões nocionais e metodológicas para o estudo do tema, analisamos O Lugar do Espetáculo, apresentado como uma reflexão sobre os meios utilizados para que tais manifestações cumpram seu papel transformador. A Metrópole em Cena apresenta os desdobramentos, desde a década de 1950, por inúmeras manifestações artísticas de caráter urbano em que a cidade não é apenas cenário, mas é também argumento, roteiro e personagem. Para tanto, o trabalho investiga as noções e as manifestações da arquitetura do espetáculo nesse período e estabelece, em particular, um paralelo com obras produzidas por mestres como Walter Gropius, Eric Mendelsohn, Mies van der Rohe, Rino Levi, Lina Bo Bardi e Paulo Mendes da Rocha. Tendo os centros urbanos como território, em especial a região central da cidade de São Paulo, foram também estudadas estratégias e metodologias de projeto aplicadas à arquitetura do espetáculo e as recentes intervenções em seu patrimônio construído. O fio condutor de nossa pesquisa é a identificação dos valores essenciais da arquitetura do espetáculo que têm inspirado tanto arquitetos quanto encenadores e pensadores teatrais. The objective of this dissertation is to understand the architecture of the spectacle and its relation to artistic questions which have been posed since the 1920s. The recent scenario points to reconquering the city as territory for artistic manifestations, as the place of the spectacle. After discussing notional and methodological questions to study the theme, we analyze The Place of the Spectacle which is presented as a reflection about the means used so that such manifestations can perform their transforming role. The Metropolis in Scene describes the developments, since the 1950s, through several artistic manifestations of urban nature in which the city is not only scenario, but also argument, script and character. Therefore, this dissertation investigates the notions and manifestations of the architecture of the spectacle in this period and draws, particularly, a parallel to works produced by masters such as Walter Gropius, Eric Mendelsohn, Mies van der Rohe, Rino Levi, Lina Bo Bardi and Paulo Mendes da Rocha. Having urban centers as territory, specially São Paulo\'s city downtown area, project strategies and methodologies applied to the architecture of the spectacle as well as recent interventions in its built heritage are studied. The line of reasoning of our research is to identify essential values of the architecture of the spectacle which has been inspiring both architects, directors and theatrical thinkers.

O trabalho propõe a aproximação da educação e da ciência com relação às artes, valorizando assim, nessas áreas, a sensibilidade e a sensorialidade, a criatividade, a dimensão de ruptura com o senso comum, a referência à beleza, à ludicidade e ao prazer. Uma investigação mais teórica dialoga constantemente com e é permeada pelo relato de uma experiência pedagógica desenvolvida no curso de licenciatura em Física do Instituto Federal de Educação, Ciência e Tecnologia de São Paulo - IFSP. Nesta experiência, desenvolvemos um aprofundamento da escuta e do diálogo, verbal e não-verbal, por meio da dinâmica de jogos teatrais, procurando, através desses jogos, tornar mais presente uma dimensão corporal e expressiva em associação com a reflexão sobre o conhecimento físico e sobre a atuação docente. Procuro tecer analogias entre as concepções de espaço e tempo físicos - com ênfase na noção de relatividade - e concepções que podem ser associadas a expressões artísticas e a trabalhos filosóficos e especulativos. A exploração do desenvolvimento histórico dessas concepções, buscando destacar a relação com distintas visões de mundo, pretende alimentar proposições de jogos e atividades pedagógicas que permitam abordar esses temas privilegiando a contextualização cultural e as repercussões no imaginário. This work proposes a connection between education and science in relation to arts, valuing sensibility and sensory feeling, creativity, the context of bursting the common sense, and the reference to beauty, playfulness and pleasure. A more theoretical investigation constantly interacts with and is permeated by reports of a pedagogical experience developed in the degree course of Physics of the Federal Institute of Education, Science and Technology of São Paulo (Instituto Federal de Educação, Ciência e Tecnologia de São Paulo) - IFSP. In such experience, we have strengthened the hearing and the verbal and non-verbal dialog by means of theater games, aiming at achieving through such games a corporeal and expressive approach in association with the thinking of the physical awareness and the teachers\' action. I intend to draw analogies between the concepts of space and time in physics - emphasizing on the notion of relativity - and concepts that might be associated to artistic expressions and philosophical and speculative works. Seeking to call the attention to the relation with different world-views, the exploration of the historic progress of those concepts envisions to stimulate proposals of games and pedagogic activities that enable the approach to such topics by focusing on cultural context and repercussions on the imaginary.

A presente pesquisa estuda a criação de uma pedagogia de leitura e escrita no teatro através da utilização da metodologia de ensino-aprendizagem com o uso do instrumento de avaliação protocolo que pertence ao gênero discursivo e é proposto pela pesquisadora Ingrid Koudela. O corpus da pesquisa participativa é composto por fragmentos dos protocolos produzidos pelos alunos de Koudela em três encenações do curso de Teatro da Universidade de Sorocaba que a pesquisadora acompanhou, e do curso da Pós- Graduação da Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo. O trabalho realiza um estudo sobre a escrita de Bertolt Brecht em seus diários, destacando momentos da vida familiar, do trabalho, de suas posições políticas e do seu processo criativo que são relacionados ao protocolo. Mostra o percurso do protocolo no Brasil na proposta de Koudela. Estabelece as relações feitas por Koudela entre o Jogo Teatral, a Fisicalização e a Avaliação do Sistema de Viola Spolin e ainda do Modelo de Ação brechtiano na escrita do protocolo. Realiza uma retrospectiva histórica das contribuições do protocolo em encenações, oficinas, cursos, palestras, entre outros. Com Vygotsky compreende a colaboração da fala aliada a experiência prática. Com o pensar de Bakhtin define o protocolo como gênero discursivo e desvela a contribuição da esfera artística do teatro, do dialogismo e da polifonia em sua escrita. Conectado a Michael Foucault compreende a Escrita de Si na ligação do protocolo com os hupomnêmata e a carta. Finalmente, demonstra a criação da pedagogia de leitura e escrita no teatro através da utilização da metodologia de ensino-aprendizagem com o uso do instrumento de avaliação protocolo que é compreendido como um gênero discursivo. The present research studies the creation of a pedagogy of reading and writing in drama through the use of a methodology of teaching-learning with the use of the evaluation instrument protokoll considered by the researcher Ingrid Koudela. The object of the research is composed by pieces of protokoll produced by the pupils of Koudela in three works at the Theater Department of the University of Sorocaba, and at the University of São Paulo. The present research studies Bertolt Brecht, detaching moments of his family life, his work, his political position and his creative process that are related to the protokoll. The research does an analysis of the protokoll in Brazil as used by Koudela. It establishes the relations done by Koudela between the Theatre Game and the evaluation system by Viola Spolin. The research also does an historical retrospect of the contributions of the protokoll staging and workshops. Vygotsky helps to understand the contribution talking and writing allied to practical experience. Bakhtin helps to understand the protokoll a kind of contribution for the artistic sphere of the theater by the concepts of the dyalogism and the polyphony. Michael Foucault understands the Writing of Self as hupomnêmata and letter. Finally, the research demonstrates the pedagogy of reading and writing in drama through the methodology of teachinglearning by the use of the evaluation instrument protokoll.