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Actualmente y en la mayoría de los casos, la aplicación de la teoría de sombras al dibujo arquitectónico tiene como objetivo la obtención de una (o varias) imágenes de mapas de bits. Este hecho a priori inocuo implica que, cuando los factores de iluminación entran en juego durante el modelado y parametrizado de la arquitectura y su entorno, las imágenes vectoriales brillen por su ausencia. En este artículo se explica una metodología para el cálculo de sombras considerando el dibujo vectorial como parte central del proceso y, también, del resultado. Las conclusiones apuntan a que el conocimiento, el control y la posible edición y postproducción de lo que sucede durante el cálculo de la iluminación de los procesos de renderizado es imprescindible en un contexto contemporáneo de excelencia como el universitario pero, también, útil y eficaz en nuestra profesión., Today, the objective of applying shadow theory to architectural drawing is usually to obtain one (or several) bitmap images. This a priori innocuous fact leads to vector images being conspicuous by their absence when lighting factors come into play during the modelling and parametric design of architecture and its environment. The present article sets out a methodology to calculate shadows by placing vector drawing not only at the heart of the process but also of the obtained results. We found that in today’s context of university excellence, it is essential to apply knowledge, control, as well as possible editing and postproduction of the effects generated by rendering process lighting calculations. Such interventions are also generally useful and effective in our profession.

Los distintos estilos históricos se analizaron y recuperaron por el revisionismo historicista y el revivalismo durante el siglo XIX. La falta de un estilo propio característico en la época condujo al eclecticismo, una tendencia que consistía en fusionar diversos repertorios ornamentales. En consecuencia, el diseño ecléctico de jardines empleó estilos históricos de diversos orígenes. A medida que las ciudades crecían, los jardines suburbanos se iban integrando en la nueva trama urbana. Los Jardines de Monforte en Valencia representan un caso de estudio relevante y característico de las grandes transformaciones del diseño y desarrollo de jardines del siglo XIX. Lo más significativo son los recursos y estrategias de diseño introducidos en el diseño original por Sebastián Monléon y, posteriormente, por Javier de Winthuysen, como demuestra esta investigación, que incluye un nuevo trazado exhaustivo del jardín. Los Jardines de Monforte representan un ejemplo de diseño ecléctico de jardinería urbana en el que las diferentes partes mantienen su independencia sin perder un concepto global unitario. Aunque tradicionalmente se han considerado jardines neoclásicos, esta investigación defiende que deben considerarse propiamente jardines románticos eclécticos., Precedent historic styles were analysed and recovered by historicist revisionism and revivalism during the nineteenth century. The lack of a style of its century lead to eclecticism, a trend that involved merging diverse ornamental repertories. Accordingly, eclectic garden design emp333loyed historic styles of different origins. As the cities grew, suburban gardens were integrated within the urban sprawl. The Monforte Gardens in Valencia represent a relevant case study characteristic of nineteenth century major garden design and development transformations. Most significant are the design resources and strategies introduced in the original design by Sebastián Monléon and, subsequently by Javier de Winthuysen as this research —including a thorough redrawing of the garden layout— gives evidence of. The Monforte Gardens represent an eclectic urban gardening design example in which the different parts maintain their independence without losing an overall unitary concept. Although traditionally considered neoclassical gardens, this research argues they should be properly considered as eclectic romantic gardens.

En las últimas décadas viene observándose un resurgimiento en el uso alternativo de materiales cerámicos en arquitecturas diseñadas con sensibilidad fenomenológica, lo que ha supuesto repensar su materialización y formalización, y un entendimiento del lugar que incorpora sus características climatológicas. El artículo analiza nuevos modos de emplear el ladrillo u otros materiales cerámicos con conciencia climática, para superar los roles asociados con este material y con los sistemas constructivos en su función de cerramiento, transformándose en piel y filtro que permite protegerse del sol dosificando ventilación e iluminación naturales. En su estadio tecnológico más avanzado, siguen una lógica computacional caracterizada por la disrupción digital., Recent decades, have witnessed an emergence in the alternative use of ceramic materials in architectures designed with phenomenological sensitivity. This has implied rethinking materials and form, and an understanding of place that considers climate actively. This article analyses climate-conscious ways of using brick or other ceramic materials as enclosures that overwrite traditional applications and construction systems. These materials are transformed into skins and filters that provide protection from the sun while allowing natural ventilation and light. Applications employing the most advanced technology follow a computational logic characterised by digital disruption.

Esta investigación plantea como objetivo una reflexión sobre la información entendida como "material de diseño", analizando el potencial que el diseño computacional entraña al abstraer datos que permiten nutrir las estrategias de ideación. A partir de una selección intencional y representativa de casos se examina esta aproximación informacional en la ideación arquitectónica y cómo la codificación resultante trasciende los límites visuales de la representación convencional integrando estrategias computacionales. A partir de dicho análisis se concluye que la auténtica conciencia digital trabaja con códigos que operan sobre datos para configurar la forma final en el proceso creativo. En esta tarea confluyen afinidades tecnológicas entre áreas diversas. Las aproximaciones desde el ámbito artístico influyen en la arquitectura a partir de la utilización de datos procedentes de eventos reales o de la transformación fenomenológica de fachadas por medio de instalaciones de videomapping generativo. De la investigación realizada se deduce que la utilización de la información como material de proyecto es capaz de animar fenomenológicamente la temporalidad de la arquitectura y superar así su concepción estática; algo coherente con el denominado "segundo giro digital", en el que nuevos modos de pensamiento permiten transformar los datos y la información en verdaderos “materiales” del proceso de diseño.

La arquitectura de Luis Barragán no se puede entender sin el papel central que otorga al color en la configuración del espacio arquitectónico. Probablemente sea en su Casa Gilardi, la última de sus obras construidas, en la que de forma más significativa y audaz emplee el color. La intencionalidad de su uso enriquecido por la geometría, la iluminación, su sabia dosificación y combinación conforma verdaderos dispositivos perceptivos capaces de generar unas atmósferas interiores y exteriores que cualifican el espacio de esta casa, tanto en el interior como en el patio al que se vuelca. Esta investigación trata de analizar y evidenciar la relación entre todos estos elementos de composición vinculados a la percepción de los que hace uso Barragán en esta vivienda, subrayando la importancia que él mismo otorgaba a la utilización del color en este proyecto, así como a la percepción del espacio atemperada por una hábil y casi escenográfica iluminación de éste. Estos planteamientos suponen una síntesis de la cromaticidad propia de la cultura mejicana y de la arquitectura vernácula local que aprovecha la intensa luminosidad de dichas latitudes para bañar las superficies de colores intensos y que, en el caso de esta vivienda, también se relacionan con la utilización de los colores primarios que caracteriza algunas de las obras de Van Doesburg, Rietveld o de Le Corbusier.

Los conjuntos históricos constituyen enclaves urbanos de alto interés patrimonial. Son espacios fundacionales de la ciudad destinados originalmente al hábitat. Han representado un paradigma de la noción de barrio y un referente de modelo sostenible urbano, social y económico en la cultura mediterránea europea. El fenómeno turístico puede ser una valiosa herramienta de impulso económico en esos ámbitos, pero existe el riesgo de que la sostenibilidad urbana acabe derivando en una mera explotación económica. Esta investigación realiza un estudio de caso sobre dos conjuntos históricos del levante español, representativos de la cultura urbana mediterránea, que están experimentado estos procesos, Altea y La Vila Joiosa. Se ha empleado una metodología analítica basada en indicadores multidimensionales de sostenibilidad urbana más orientados hacia lo funcional y social que a lo material. Los resultados presentan convergencias con los principales estudios del marco teórico, pero también algunos matices derivados de particularidades económicas, sociales y culturales de los conjuntos analizados en cuanto a población, vivienda y usos. Las conclusiones recalcan la importancia de asentar la imagen urbana, apoyarse en el arraigo ciudadano, evitar la privatización del espacio público y apostar por un turismo sostenible., Historical ensembles are urban areas of considerable heritage interest. They are foundational spaces of the city originally intended for habitat. They have represented a paradigm of the notion of the neighborhood, and a benchmark for a sustainable urban, social, and economic model in European Mediterranean culture. The tourism phenomenon can be a valuable tool to boost the economy in these areas, but there is a risk that urban sustainability will end up leading to mere economic exploitation. This research makes a case study on two historical ensembles of the Spanish Levante, representative of Mediterranean urban culture, which are undergoing these processes, Altea and La Vila Joiosa. An analytical methodology has been used based on multidimensional urban sustainability indicators that are more oriented towards the functional and social than the material. The results show convergences with the main studies on this theoretical framework, but also some nuances derived from the economic, social, and cultural particularities of the groups analyzed in terms of population, housing, and uses. The conclusions emphasize the importance of establishing the urban image, relying on citizen rooting, avoiding the privatization of public space, and focusing on sustainable tourism.

El dibujo arquitectónico de representación figurativa –vehículo casi natural para pensar y comunicar la arquitectura– resulta imprescindible en la formación del estudiante, pero es necesario reconocer la utilidad de la abstracción en el ámbito de la concepción gráfica explorando diferentes maneras de incorporarla a las tareas docentes. En este artículo se expone una de ellas, fundada en la constatación de la notable y vigente utilidad didáctica de los Sistemas de organización espacial descritos por Ching en su Forma, espacio y orden. La estrategia consiste en plasmar dichos sistemas en composiciones gráficas abstractas, destinadas a fomentar imaginación y creatividad, facilitando genéricamente la ideación arquitectónica y dejando patente, asimismo, la íntima relación entre arte abstracto y arquitectura contemporánea. Los resultados de nuestros estudiantes impulsan el desarrollo de esta investigación con idea de contribuir al debate arquitectónico y plantear formas de motivar a aquellos que se inician en la formación de la arquitectura., Representational figurative architectural drawing –the natural vehicle to think and to communicate architecture– is essential in the tuition of our students. However, the usefulness of abstraction in the field of graphic conception as well as exploring different ways to introduce it within the teaching programmes must be also acknowledged. In this article we illustrate one of them. It is based on the notable and contemporary didactic utility of the Spatial Organization Systems described by Ching in his well-known Architecture: Form, Space and Order. Our strategy transposes these systems into abstract graphic compositions, intended to foster imagination and creativity, thus generically triggering architectural ideation. Additionally, they contribute to clarify the intimate relationship between abstract art and contemporary architecture. The results of our students drive the development of this research, persuaded as we are by the idea of contributing to enrich the architectural debate, while suggesting ways to motivate those who are commencing their architectural teaching career.

La escasa producción arquitectónica de Eileen Gray y su aprendizaje autodidacta, ajeno al ámbito académico, han contribuido a cuestionar su protagonismo en el proyecto de la vivienda E.1027, realizado junto a Jean Badovici, arquitecto y director de la revista L’Architecture Vivante. Esta investigación compara su lenguaje arquitectónico con el de otros de sus proyectos desarrollados en solitario. Se abordan paralelismos e influencias de su obra con aquella modernidad temprana que ella reinterpretaba siempre con una mirada crítica. Dichas comparaciones permiten identificar las cualidades más relevantes de su arquitectura, además de demostrar su protagonismo en el diseño de la E.1027 y relegar a Badovici al papel de consultor técnico, mentor y asesor crítico. La compleja densidad espacial y las relaciones entre lugar, arquitectura y equipamiento se muestran como huellas objetivas para confirmar esta hipótesis y valorar la importancia de su talento como pionera de la modernidad., Eileen Gray’s limited architectural production and her non-academic architectural self-training in architecture have contributed to questioning her role in the authorship of the E.1027, a house designed collaboratively with Jean Badovici, architect and director of the journal L’Architecture Vivante. This article compares the architectural language of the E.1027 house with other projects and works carried out by Eileen Gray alone. Analogies and influences in her work are analysed; an architectural avant-garde at the onset of modernity that she reinterpreted under her attentive critical eye. This methodology has allowed us to identify the most relevant features of her architecture in addition to proof her leading role in the design of the E.1027, thus relegating Badovici’s role to that of a technical consultant, a mentor and a critical advisor. The complex spatial density, her particular understanding of the relationships between place, architecture and equipment, confirm our hypothesis supported by objective traces that may avoid the recurring questioning of her authorship accentuating her talent as a pioneer of modernity.

En la periferia del debate intelectual acerca de la redefinición del arte visual, el arte urbano va adquiriendo progresivamente un status más nítido como manifestación artística con valor intrínseco. Algunos grafiteros ya reconocidos con estatus, amparados, no obstante, en el anonimato, producen este tipo de manifestaciones artísticas sobre los muros de la ciudad desafiando así la legalidad. Estas obras se desenvuelven fuera de los circuitos museísticos aprovechando la notoriedad que les proporciona su proyección en el espacio público en un difícil equilibrio entre autoría y propiedad. Esta investigación analiza los fundamentos teóricos de la significación y el sentido en el grafiti, y lo que denominamos arte urbano. Para ello, considera el papel de la arquitectura y de la ciudad como elementos de un ready-made invertido que los artistas callejeros, en último término, utilizan no sólo como soporte material sino como instrumento de significación, integrando ese contexto en su obra de manera inequívocamente intencional. Así, en este tipo de arte urbano al que nos referimos, tanto lo pintado sobre el muro, como el muro o el lugar forman parte inseparable del conjunto añadiendo capas de significación que cualifican el sentido de la obra. Tratamos aquí de situar la obra de Banksy como ejemplo paradigmático de este nuevo medio expresivo. Esta nueva concepción más sofisticada del arte urbano ejecutada por una minoría crítica y dirigida a una mayoría social sitúa este tipo de producción artística en el centro de la problemática cultural contemporánea, resignificando a la ciudad como continente y como contenido artístico, e integrando así a la obra plástica grafiteada y a su contexto urbano en un mismo significante., On the periphery of the intellectual debate about the redefinition of visual art, street art or urban art is progressively acquiring a clearer status as an artistic manifestation with intrinsic value. Some graffiti artists already recognized with an artistic aura, protected, however, by anonymity, produce this type of artistic manifestation on the walls of the city, thus defying legality. These works unfold alien to museum circuits, taking advantage of the notoriety that their projection into the public space provides in a difficult balance between authorship and ownership. This research analyses the theoretical foundations of meaning and sense in graffiti, and what we call mature urban art. We consider the role of architecture and the city as elements of an inverted ready-made that street artists, ultimately, use not only as a material support but also as an instrument of meaning, integrating such contextual frame in their work in an unequivocally intentional way. Thus, in this type of street art to which we refer, what is painted on the wall as well as the wall itself or the place where it is located are an inseparable ensemble adding meaningful layers that qualify the sense of the entire work. We consider some of Banksy’s work as a paradigmatic example of this new expressive medium. This new, more sophisticated conception of urban art executed by a critical minority and aimed at a social majority places this kind of artistic production at the centre of the contemporary cultural problematic, resignifying the city as a continent and as an artistic content, thus integrating the graffiti and its urban context in the same signifier.

Esta memoria complementa la investigación homónima desarrollada en algunas asignaturas del Grado en Fundamentos de la Arquitectura de la Universidad de Alicante del curso 2021-2022. Forma parte de una serie de investigaciones y proyectos de innovación docente que han venido reflexionando sobre temas centrales en el contexto de la expresión gráfica arquitectónica, tales como: el color, la transparencia, la textura, la profundidad, o el movimiento, etc. durante más de doce años. El tema de estudio se ha centrado en la idea de proceso en la arquitectura —su ideación y su representación— en un plano más abstracto, y del que habitualmente se puede abordar durante la docencia. Este texto expone las experiencias docentes desarrolladas al hilo de dicha investigación en varias asignaturas. La experiencia ha resultado exitosa en cuanto a los resultados obtenidos, tanto cuantitativamente como cualitativamente.

Esta memoria complementa la investigación homónima desarrollada en el Departamento de Expresión Gráfica, Composición y Proyectos a propósito de la problemática que la percepción y la fenomenología conllevan en el contexto de la arquitectura y de su representación. En cursos anteriores hemos abordado temas como el color, la transparencia, la textura, la profundidad, o el movimiento. Este curso el ámbito de estudio ha quedado circunscrito a temas perceptivos y fenomenológicos. Además del enfoque dado desde las tres asignaturas implicadas con este tema como leitmotiv del curso, este breve texto explica las experiencias docentes desarrolladas que pueden resultar de utilidad en el área de conocimiento de Expresión Gráfica Arquitectónica. La experiencia se valora positivamente considerando estos dos aspectos tan íntimamente relacionados con la arquitectura y su experiencia sensible que deben formar parte de la concienciación entre nuestros alumnos en el proceso de enseñanza-aprendizaje. Finalmente, entre los objetivos propuestos se planteaba continuar con la labor de divulgación entre nuestro profesorado de la estructura docente de nuestro ámbito de conocimiento en otras escuelas de arquitectura contando para la ocasión con el profesor invitado y catedrático de la Universidad Politécnica de Cataluña, Antonio Millán García.

En los años 50, tras el nuevo orden mundial que emergía después de la devastación y el triunfo aliado, Estados Unidos, más que ningún otro país, surgía como nueva potencia con un optimismo fundado tanto en su victoria como en un territorio continental indemne y en una economía catapultada por la industria militar. La arquitectura no podía dejar de formar parte de ese sueño americano, ¿sería posible encontrar una imagen arquitectónica para dicha aspiración? En otras palabras, ¿cuál debía ser la iconografía arquitectónica acorde con la tecnología, el progreso, la libertad, el individualismo y la imagen familiar para una arquitectura doméstica que fuese capaz de asumir la carga simbólica y el optimismo del American way of life? Esa fue la intención de John Entenza, editor de la influyente revista Arts & Architecture y promotor del Programa Case Study House. La caja de cristal podía arrogarse buena parte de la imaginería asociada a un nuevo modo de vida y, en efecto, sirvió como iconografía californiana para la arquitectura doméstica de la época que encontró en la industrialización o en la hibridación del acero y el sistema constructivo balloon-frame un pretexto para reinterpretar la modernidad de forma diversa en las Case Study Houses, verdaderos iconos de una domesticidad moderna californiana., After World War II a new order emerged amongst the ruins, the devastation and the Allied triumph. The United States, more than any other country, emerged as a new world power with an optimism founded on victory as much as on its untouched territory and on its economy boosted by the military industrial complex. Architecture in the 50s could not avoid being part of the American dream. Would it be possible to find an architectural image to embody such an aspiration? In other words, would it be possible to conceive an architectural iconography tuned with technology, progress, freedom, individualism, and the familiar image for domestic architecture capable of assuming the symbolism and the characteristic optimism of the American way of life? That was the goal pursued by John Entenza, editor of the influential Arts & Architecture journal, and advocate of the Case Study House Program. The glazed box could assume much of the imagery associated with a new way of life for various reasons. Indeed, it served as an iconography for the domestic architecture of the period inspired in industrialisation or in the hybridisation of steel and the balloon-frame constructive system as a pretext diversely reinterpreted in the Case Study Houses later to become icons of a Californian modern domesticity.

Ogni architettura necessita di un supporto a terra sul quale poggiare, il che comporta una serie di strategie possibili in funzione del modo in cui si realizza la relazione finale tra l’architettura e il piano di terra. In questo contributo l’obiettivo è quello di analizzare tale tipo di relazione, considerando tre diversi aspetti: la necessità pratica di condurre la nostra attività come esseri umani su un piano orizzontale, le trasformazioni che l’architettura imprime sul luogo in cui viene costruita e il modo in cui viene fisicamente realizzato questo piano orizzontale, che a sua volta articola tali relazioni., Every architecture needs a support on which to rest on the ground; this requires a series of possible strategies depending on how we develop the final relationship between architecture and the ground plane. This contribution analyses this relationship by considering three different aspects: the practical necessity of performing our activities as human beings on a horizontal plane; the transformations that architecture impresses on the place where it is built; and the physical construction of the horizontal plane, which in turn influences these relationships.

There is a general agreement that much of the syntax of modern architecture contributed to design buildings that were often inadequately adapted to climate conditions. However, there are some renowned examples that, while consistent with modern tenets, prove that assumption to be wrong. Amongst them the E.1027 house designed by Eileen Gray and Jean Badovici stands out. This research aims to contextualise and assess the quality of the E.1027 overall design in relation to thermal comfort. The original texts of Gray and Badovici on the E.1027 are contrasted with the results obtained from a series of simulations using thermal performance specialist software in terms of sun exposure and ventilation. Additionally, the building's expected thermal comfort performance is assessed under a combination of three methods, Givoni's, Fanger's and ASHRAE 55. These simulations and environmental analysis results showed that Gray's and Badovici's deep understanding of the sun's impact and the cross ventilation needed to provide comfort can be modelled and confirmed. At the same time, it is demonstrated that the designers did indeed produce a design as sophisticated as it was comfortable, while distilling the two major architectural trends at the onset of modernity: neoplasticism and Corbusean imprint.

This research underlines the importance that the consideration of temporality should be given to in contemporary visual studies. The initial hypothesis considers that the connection of a temporal nature between a digital image and its content synchronizes such image with society and its being in the world. The analysis will be based on the study of some paradigmatic cases. Based on some of the concepts addressed by José Luis Brea, a discourse is developed aiming to serve as a tool to rigorously analyse contemporary visual works of art. It will also be evident that it is not only thanks to this temporal factor that the other senses are related and displayed, but that it additionally triggers an original and fertile way of approaching the perception, communication and diffusion of images in the contemporary era. What is the true physical reality of the digital image? How is the meaning of it encoded? What kind of temporality does each of the stages of its production allow? What changes are the consequence of the digital world compared to the physical one and what role does temporality assume in it? The answer to these and other questions articulates a discourse that does not seek so much to find conclusive solutions as much as it tries to pose new ways to approach graphic research. Temporal geography, focusing on the characteristics and particularities derived from the positioning of the images in relation to the vector of change, movement or its absence, will make possible an original research context and novel conceptual relationships. The conclusions are understood as a way of shedding light during the critical reading of the image, considering temporality in a broad sense., Esta investigación subraya la importancia que la consideración del factor temporal tiene en los estudios visuales contemporáneos. La hipótesis de partida considera que la mediación de naturaleza temporal entre la imagen digital y su contenido sincroniza al dibujo con la sociedad y su modo de habitar el mundo. Esta sincronía será analizada a partir de un estudio de casos paradigmáticos. Partiendo de algunas ideas de José Luis Brea, se desarrolla un argumento de carácter analítico y contemporáneo que pretende servir de herramienta para analizar obras de arte visuales con rigor desde la actualidad. Se evidenciará, asimismo, no sólo que es gracias a dicho factor temporal que los demás sentidos son relacionados y desplegados, sino que éste desencadena una manera original, rigurosa y fértil de aproximarnos a la percepción, comunicación y transmisión de las imágenes en la era contemporánea. ¿Cuál es la realidad física de la imagen digital? ¿Cómo se codifica el sentido de la misma? ¿Qué clase de temporalidad permite cada una de las etapas de su creación? ¿Qué cambios son consecuencia del mundo digital frente al físico y qué rol asume la temporalidad en él? La respuesta a éstas y otras preguntas articula una discusión que no pretende tanto encontrar soluciones definitivas como nuevas maneras de abordar la investigación gráfica. La geografía temporal, centrándose en las características y particularidades derivadas del posicionamiento de las imágenes frente el vector del cambio, el movimiento o su ausencia, posibilita un contexto de investigación original y una suerte de relaciones conceptuales que creemos inéditas en algunos aspectos. Las conclusiones se entienden como un modo de arrojar luz durante la lectura crítica de la imagen considerando la temporalidad en sentido amplio.

Le Corbusier, in the 1920s, proposed a grammar for the new language of reinforced concrete and steel architecture, modern architecture. His mythical houses built during that decade in collaboration with Pierre Jeanneret would constitute an extraordinarily influential cast in the theatre of modern architecture and in later years would serve as models to illustrate a theory that would see the light of day in the form of a text in 1926 as a foundational manifesto, “The Five Points of Architecture”. His fenêtre en longueur –a horizontal strip window– highlighted the non-bearing condition of the façade while appropriating the horizon and a continuous view from the interior. Neoplasticist architecture, however, directly influenced by Wright’s “organic destruction of the box”, proposed opening voids from floor to ceiling. Both rejected the idea of perforating the façade by simply cutting holes in it. Mies van der Rohe, the most rigorous in architectural detail and construction of modern architects, would propose the incipient idea of the curtain wall in his project for the Friedrichstrasse skyscraper in 1919, which he would materialise years later. In the following article, we will critically discuss the grammar of modernity and in particular with regard to the syntax of the wall openings., Le Corbusier planteó durante los años 20 del siglo pasado una gramática para el nuevo lenguaje de la arquitectura de hormigón armado y acero, la arquitectura moderna. Sus míticas viviendas realizadas durante esa década en colaboración con Pierre Jeanneret constituirían un elenco extraordinariamente influyente en los años posteriores y servirían de modelos para ilustrar una teoría que vería la luz en forma de texto en 1926 a modo de manifiesto fundacional, “Los 5 puntos de la arquitectura”. Su fenêtre en longueur –ventana rasgada horizontalmente– ponía de manifiesto la condición no portante de la fachada al tiempo que se apropiaba del horizonte y de una visión continua desde el interior. La arquitectura neoplasticista, sin embargo, directamente influenciada por la “destrucción orgánica de la caja” de Wright, planteaba rasgar huecos de suelo a techo. Ambas negaban la idea de perforar la fachada recortando los huecos sobre ella. Mies van der Rohe, el más riguroso en el detalle arquitectónico y la construcción de los arquitectos modernos, plantearía ya desde su proyecto para el rascacielos de la Friedrichstrasse de 1919 la incipiente idea del muro cortina que años después llegaría a materializar. En las siguientes líneas planteamos una discusión crítica acerca de la gramática de la modernidad y en particular respecto de la sintaxis del hueco.

The potential of grids to generate order in architecture is currently increased by advances in digital manufacturing processes and parametric design tools. Textile design as an example of the structural materialization of a grid has exerted a significant influence throughout the history of architecture. The fabric formed by the warp and the weft offers a suggestive metaphor to address some of the issues related to contemporary digital architecture. Through the hybridization of media facilitated by digital tools, textile tectonics are linked to the generative potential of digital architecture and the idea of new materiality through the discourse of digital variability. A confluence is established between architecture, engineering, materials science, art and textile design that responds to the new parameters of continuity, lightness, smoothness and fluidity. Advances in digital manufacturing allow us to rethink the relation between different traditional crafts and reinterpret trades to reinterpret their formal and constructive repertories. As contemporary new parametric Ariadnes or algorithmic Arachnes, experimentation proposals arise with the internal geometries of nature’s forms through the use of mathematics, generative systems and robotic manufacturing tools. This conceptual transference from natural systems to architecture finds in the textile a powerful metaphor of action integrating code, patterns, interactivity, geometry and materials. The recovery of the Semperian idea of the connection between material, structure and construction, and its contemporary version enhanced by the possibilities of the digital era allow the development of a new materiality in which the textile as a reference for the digital opens the doors to a new tectonic repertoire., El potencial de las mallas para generar orden en la arquitectura se ve aumentado en la actualidad por los avances en los procesos digitales de fabricación y las herramientas de diseño paramétrico. El diseño textil como ejemplo de la materialización estructural de una retícula ha ejercido una influencia constante a lo largo de la historia de la arquitectura. El entramado formado por la urdimbre y la trama ofrece una metáfora sugestiva para abordar algunas de las cuestiones relacionadas con la arquitectura digital contemporánea. Mediante la hibridación de medios facilitada por las herramientas digitales las “tectónicas textiles” se vinculan con el potencial generativo de la arquitectura digital y la idea de “nueva materialidad” a través del discurso de “variabilidad digital”. Se establece una confluencia entre arquitectura, ingeniería, ciencia de los materiales, arte y diseño textil que responden a los nuevos parámetros de continuidad, ligereza, suavidad y fluidez. Los avances en fabricación digital permiten repensar la relación con la artesanía tradicional y reinterpretar oficios para aprovechar sus repertorios formales y constructivos. Como Ariadnas paramétricas o Aracnes algorítmicas contemporáneas, surgen propuestas de experimentación con las geometrías internas de las formas de la naturaleza a través del uso de la matemática, los sistemas generativos y las herramientas robóticas de fabricación, constituyendo una poderosa metáfora que integra códigos, patrones, interactividad, geometría y materiales. La recuperación de la idea semperiana de vínculo entre material, estructura y construcción y su versión contemporánea enriquecida en la era digital permiten desarrollar una nueva materialidad en la que lo textil como referente abre las puertas a un nuevo repertorio tectónico.

Humans have communicated with each other since they became such. Undoubtedly, the fact that we have developed symbolic systems to communicate should account for such a difference. Moreover, our own evolution in terms of knowledge is inextricably connected to such use. Different symbolic systems contribute to our knowledge acquisition in different ways. A fundamental divide can be established between verbal languages and graphic ones. Words are easily connected to abstract thinking and a generic approach to reality; we use them to reason and to think. Figurative drawings, on the contrary, appeal to our senses and to visual appearance; they are focused on the material world and try to define relations based on resemblance between tangible reality and modes of its representation, however this controversial term may be. Yet, drawings can also be used to achieve knowledge aided by graphic thinking both through ideation and through representation, depending on the directionality of projections. Most remarkably, architectural drawings based on geometric projections establish an unrivalled and privileged relation with material objects that words or even numbers cannot match. Instead of appealing to the generic –as words– or to the numerically quantifiable –as numbers–, they describe and define a point to point relation with the material existence depicting proportions.

Este trabajo de investigación se fundamenta en un enfoque cognitivo de la práctica artística y en una lectura atemporal del valor de las obras del pasado, y se caracteriza por su voluntad de matizar la metodología de docencia basada en el “proyect zero” definido por Gardner y Goodman en la escuela de pedagogía de la U. de Harvard. La secuencia “hacer para comprender lo que se hace” propia de las enseñanzas artísticas, se complementa con el cultivo de la capacidad crítica sobre lo producido, adquiriendo un valor sobresaliente el estudio de los procesos evolutivos de creación documentados en el porfolio. Esta capacidad crítica de revisión de lo producido por el estudiante se puede apoyar en el estudio de trabajos previos enfocados en resolver problemas semejantes para estudiar los procedimientos y medios empleados en las obras maestras de referencia, analizando la eficacia de tales medios. De este modo se completa la rutina hacer para saber qué hacer con el paso de reflexionar sobre lo hecho, retomando nuevamente la producción. En este caso, el tema era la representación gráfica de la fugaz, abstracta y esquiva idea del “movimiento”. La investigación se ha visto afectada por la suspensión de la docencia presencial.

This research work is twofold: it tries to reflect on the nature of graffiti and street art, and analyses a specific competition developed in April of 2019 in Torrevieja (Spain) as a case study. Thus, it reflects on the impact of urban tattoos and their elaboration process. It discusses some of the characteristics that graffiti possess when they are understood as a minority’s social action or a critical protest, and how they constitute a process of action on the urban built environment that is based and is often spurred by graphic expression. We also analyse the different specific proposals in the city of Torrevieja understanding the enclaves as supports for this street art, as well as their scope and repercussion, or their graphic nature: their morphological, material and, fundamentally, temporal dimensions. The study of these works includes interviews with the authors as well as with the inhabitants who have ended up incorporating them in their day-to-day work, thus completing the proposed research. The conclusions will allow us to gauge the possibilities that this graphic format and its apparent lack of rules offer for the recovery and the activation of critical protest in our cities, and how to reflect on them from an architectural point of view considering the integration of image, architecture and meaning. We will also weight the consequences in urban planning as this phenomenon could also be interpreted as a tool of contemporary urbanism if this creativity is conveniently channelled towards street art. The drawings on the walls, first, and the walls themselves in time, may contribute, in certain circumstances, to build a more committed, mature and complex cityscape.

Drawing has been the most effective way to address architectural representation for centuries. This has allowed for the translation of these plans into built architecture. Based on projections, drawings define a one to one relation between the points of architecture and those cast onto the projection plane. That is to say: an analogy between the three-dimensional object –be it virtual, as in a project, or real, as in the case of the survey– and the drawing that anticipates or represents it, respectively, on the paper. The advent of the so-called digital turns has revolutionized architectural representation in various ways. Firstly, with the creation of the virtual space –a three-dimensional realm– designs came to be modelled instead of drawn. The relation of these models and the actual buildings remained analogical and the point to point correspondence persisted even if, instead of being limited to a bidimensional dominion, the prefiguring representation became three-dimensional too: a virtual model. Being this a substantial change as it may be, the real disruption introduced by computational design has to do with the substitution of analogy through coding. Parametric and algorithmic designs have replaced drawings or models by codes, breaking the visual relation between the designer and the object of his design. This should be credited as the most dramatic change introduced in architectural representation ever.

Este trabajo de investigación considera a la arquitectura como una actividad artística y atribuye un valor cognitivo a tal práctica. Trata de la relación que hay entre los dibujos autógrafos de los arquitectos y los procesos de creación vinculados al proyecto arquitectónico, al objeto de desvelar los procedimientos gráficos específicos seguidos por un grupo significativo de arquitectos y poner de manifiesto las ideas, pensamientos y valores asociados. Este tipo de dibujos se desarrollan en series donde se documentan los procesos de formalización, y en ellos queda registrado el pensamiento creativo. Los dibujos consignan las trazas de un pensamiento efímero. Como se colige, ha sido necesario estudiar previamente la naturaleza del dibujo arquitectónico en cuanto pensamiento y representación. Las nociones de pensamiento visual y gráfico se explican a la luz de la filosofía empirista y analítica, la psicología cognitiva, la percepción, y la neurociencia; estudiando cómo se aplican en los campos de conocimiento científico y artístico, desde sus orígenes gestálticos hasta la neuroestética contemporánea. Hemos tratado dos de sus posibles dimensiones de la noción de representación: la teoría de la representación en los sistemas simbólicos y notacionales tal y como lo desarrolla Nelson Goodman en su estudios sobre el valor cognitivo de la práctica artísticas, con especial incidencia en el dibujo de los arquitectos; y, por otro lado, la teoría clásica de la representación iniciada por Alberti, la formulación en la Ilustración y su revisión en el último tercio del siglo XX enunciada por Rossi y Moneo. Toda innovación material extiende el horizonte del pensamiento. Unas determinadas condiciones materiales permiten operar desde el dibujo con extraordinaria seguridad y autonomía, superando la necesidad de verificación empírica mediante la construcción. -El uso de un instrumental propio de geómetras, que aúna precisión y reversibilidad en los procesos creativos originando un pensa

Esta memoria complementa la investigación homónima desarrollada en el Departamento de Expresión Gráfica, Composición y Proyectos a propósito de la problemática que la profundidad y su representación conllevan. Si en cursos anteriores hemos abordado el color, la transparencia o la textura, este año académico (2018– 2019) el ámbito de estudio ha quedado circunscrito a la profundidad y a su representación gráfica, la cual encarna la condición espacial de la arquitectura de forma indiscutible. Además del enfoque dado desde las cinco asignaturas implicadas, este breve texto explica el método y las experiencias docentes que pueden resultar de utilidad en el área de conocimiento de Expresión gráfica arquitectónica (E.G.A.). Las conclusiones, valorando positivamente la profundidad en su consideración dentro del proceso de enseñanza-aprendizaje, servirán de apoyo y punto de partida a investigaciones venideras. Finalmente, entre los objetivos propuestos en la red se planteaba continuar con la labor de divulgación entre nuestro profesorado de la estructura docente de nuestro ámbito de conocimiento en otras escuelas de arquitectura, contando en esta ocasión con el profesor invitado y catedrático de la Universidad de La Coruña, José A. Franco Taboada.

Se plantea una experiencia docente innovadora de carácter transversal en el ámbito de la Expresión Gráfica Arquitectónica (EGA) para el curso 2018-2019 desarrollada por varios profesores de dicha área de conocimiento en la Universidad de Alicante. La experiencia se ha desarrollado en tres asignaturas abordando un tema común desde su especificidad: la narración de la profundidad en la representación del espacio arquitectónico. La profundidad ha sido objeto de estudio y preocupación en la representación pictórica durante siglos; el descubrimiento de la perspectiva cónica en el Renacimiento revolucionó la representación de la arquitectura y acabó influyendo en la propia noción del espacio arquitectónico desde entonces. Se pretende ahondar en la relación entre la representación de la profundidad del espacio arquitectónico y la percepción visual, repensándola como contenido docente. Para la consecución de los objetivos marcados se han planteado ejercicios específicos de profundidad y los modos de representarla con técnicas convencionales o digitales, ya sea en registros tanto figurativos como abstractos. La experiencia se analiza cuantitativamente a partir de encuestas del alumnado tanto transversales como específicas en cada asignatura, así como a partir de las calificaciones obtenidas, y cualitativamente, aprovechando la naturaleza gráfica de las mismas considerando los ejercicios orientados al tema investigado. De todo ello se deducen conclusiones que consideramos relevantes en el ámbito de la docencia en EGA.

Graphic representation of the city and the territory has traditionally been connected to the idea of permanence. Not surprisingly, architecture -and by extension the city- has been conceived as a stable embodiment of stasis (Lynn 1999). The physical limits of its materiality, conceived and built to endure in ti me and to shelter humanity against the changing inclemency of nature, have been graphically coded based on the projection of their geometry onto the plane, distinguishing between the built and the habitable space -a void that makes them useful- (Tse 376 BC). Temporality, on the other hand, impervious to the graphic dissection of reality unti l now, was not part of that codification. Neither data nor change –apart from physical limits, dimensions, building mass or singular buildings, to name the most common- have been a consubstantial part of these graphic narratives until the development of the contemporary mappings elaborated with G.I.S. tools (Rankin 2016). The initial hypothesis of this research sustains that contemporary representati on of the city is able to encode not only its physical permanence but also the events taking place within its limits or the informati on that exceeds the scope of the simply visual. This implies that both, the qualification of space (be it urban or not) or the understanding we may have of it, may be as significantly influenced by the built limits as they may be by the intangible that these embed. The aims of this research try to determine the validity of this hypothesis while comparing and analysing the graphic evoluti on of urban representation.

Los tratados de arquitectura (ss. XV-XVII) lograron construir un corpus teórico uniforme y hegemónico en un corto periodo de tiempo gracias a la invención de la imprenta, lo que permitió la difusión de copias por Europa a medida que la ‘galaxia Gutenberg’ iniciaba su expansión. Los primeros tratados estaban escasamente ilustrados, pero la presencia de imágenes fue incrementándose con el desarrollo, en paralelo, de las técnicas de estampación, desde la sustitución de la técnica de la xilografía hasta el perfeccionamiento de los grabados sobre planchas de metal y los aguafuertes. Un caso particular lo constituyen los grabados de Piranesi que datan las ruinas romanas, por un lado, y proponen arquitecturas imaginadas o fantásticas como en sus cárceles con interiores inéditos, por otro. Estos portfolios de láminas ponen en crisis la autoridad del texto apostando por una cultura de la imagen. El avance de las técnicas de grabado y la extraordinaria calidad de los realizados por Piranesi contribuyó al éxito de sus propuestas en la definición de un ideario dibujado y en la inserción de su discurso en el debate arquitectónico del s. XVIII. La Ilustración es testigo del declive de las teorías unitarias clasicistas que son reemplazadas por una diversidad de intereses que, en parte, son el resultado de una mayor difusión de estampas, láminas y dibujos frente a los textos escritos como fuentes de invención de arquitectura. Se cierra esta reflexión con el último portfolio autógrafo que revolucionaría las bases de la arquitectura en el momento en que la influencia de los dibujos inicia su declive debido a las posibilidades que la fotografía desempeñará como nuevo medio de difusión de la arquitectura en las revistas profesionales en la era de los mass-media.

Este catálogo pretende mostrar cual es el pensamiento gráfico de Alberto Campo Baeza, poniendo en valor el papel del dibujo en el proceso íntimo de ideación de la arquitectura. Esta publicación se enmarca dentro del XVII Congreso Internacional de Expresión Gráfica Arquitectónica, en el que el tema propuesto es "Sobre la influencia de las herramientas de representación e ideación en la arquitectura", se exponen los dibujos de este arquitecto de prestigio internacional.

La presente memoria complementa a la investigación, de título homónimo, desarrollada en el seno del Departamento de Expresión Gráfica, Composición y Proyectos a propósito de la problemática que la textura (valor arquitectónico plástico y expresivo como el color, la transparencia o la forma) conlleva. Si en el curso anterior el foco se situaba sobre la transparencia, este año académico (2017 – 2018) el campo de trabajo ha girado en torno tanto a la textura como a la factura, las cuales encarnan la condición háptica y visual de la grafía respectivamente. Además de repasar lo que las tres asignaturas implicadas en la referida investigación proponen (AIG1, AIG2 y Dibujo3), el presente texto explica la metodología llevada a cabo lo cual, a buen seguro, será extrapolable para procedimientos y estrategias docentes similares. Las conclusiones, enfatizando y ponderando el valor de la textura y su consideración en el proceso de enseñanza aprendizaje, servirán de apoyo y punto de partida a investigaciones venideras. Finalmente, entre los objetivos propuestos en la red se planteaba contribuir en la organización del congreso internacional EGA 2018 que el área de expresión gráfica arquitectónica tenía encomendado para este curso, de lo que también se da cuenta en la presente memoria.