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Bu araştırma, Türk Sanat Müziği ses eğitimi ve sözlü repertuvar eğitiminde türkü formunun kullanımına dair uzman görüşlerinin tespit edilmesi amacıyla yapılmış olup; “Ülkemizde Türk Sanat Müziği eğitimi veren Konservatuvar ve Güzel Sanatlar Fakültelerindeki Türk Sanat Müziği Ses Eğitimi bölümlerinde türkü formu kullanımı nasıldır?” probleminin çözümlenmesi bağlamında beş alt probleme yönelik veri toplanmıştır. Bu alt problemlere yanıt alabilmek için yarı yapılandırılmış bir görüşme formu hazırlanmıştır. Bu doğrultuda; ülkemizde mesleki müzik eğitimi veren yükseköğretim kurumlarından Konservatuvar ve Güzel Sanatlar Fakültelerindeki Türk Sanat Müziği Bölümlerine yönelik bir çalışma yürütülmüş olup Türk Sanat Müziği sözlü repertuvar eğitimi ve Türk Sanat Müziği Ses Eğitiminde türkü formunun kullanımına dair uzman görüşlerine başvurulmuştur. Araştırmanın çalışma gurubunu 2018-2019 eğitim öğretim yılında, rastlantısal yolla seçilen İstanbul, Afyon, Kocaeli ve Konya’daki Konservatuvar ve Güzel Sanatlar Fakülteleri Türk Sanat Müziği Ses Eğitimi bölümlerinde görev yapan, Türk Sanat Müziği Repertuvar Eğitimi ve Türk Sanat Müziği Ses Eğitimi derslerini yürüten 7 Öğretim Elemanı oluşturmaktadır. Bireysel ses eğitimi veya repertuvar dersini ilgili fakültelerde yürütmüş ve yürütmekte olan bu öğretim elemanlarına uygulanan yarı yapılandırılmış görüşme formu ile bilgiler elde edilmiştir. Literatür tarama ve ihtiyaç analizi doğrultusunda, betimsel tarama modeli ve nitel araştırma yöntemi kullanılarak ulaşılan veriler içerik analizine tabi tutularak sonuçlar kısmına ulaşılmıştır. Ulaşılan bu sonuçlar ışığında araştırmacı tarafından bazı öneriler sunulmuştur.

Her bir dönem ve her bir zaman zengin mirasını, geleneklerini, ev yaşamını yazıtlarla, kitabelerle, ritimlerle kendinden sonraki nesillere aktarır. Bunları boyayan uzmanlar bu yazı ve ritimlerin hangi döneme ait olduğunu söyleyebilmektedir. Yazılar insana bir şeyin anlamını veriyorsa içindeki ritimler de o zamanın zihindeki tazeliğini ve durumunu anlatır. Yazılar, işaretler insana bir şeyler ifade ediyor, unuttuğunu hatırlatıyordu. Bu işaretler farklıydı: Tehlikeye karşı uyardılar, ışığa çağırdılar, kaybolmamanın yollarını gösterdiler vb. Makalemizde, Türk halklarının bilim adamlarının oluşturduğu, zamanında pek fazla rağbet görmeyen, ancak benzersiz bir sistem biçimine getirilmiş ve daha sonra Avrupa tarafından kendi sistemi gibi benimsenen "Durr-i mufassal" (دورمافصل فارابی Durr-i mufassal) sisteminden bahsediliyor ve şu anda tüm dünya tarafından kullanılmaktadır. Ancak yüzyıllar boyunca yapılan çeşitli savaşlar, ani zaman değişimleri ve kısmen bize ulaşan araştırmalar, Türk bilim adamlarının yaptığı keşiflerin zamanla değerini kaybetmediğini göstermiştir.

Bu çalışma, Türk Halk Müziği’nin önemli türlerinden biri olan Yayla/Yol havalarının makamsal yapısını analiz etmeyi amaçlamaktadır. Bu türlerin müzikal ve kültürel bağlamda tanımlanarak, Türk Halk Müziği içindeki yerlerinin belirlenmesi ve hangi makamlar üzerine kurulduğu, bu makamların yayla/yol havalarına nasıl bir karakter kazandırdığı ve melodik yapılarının incelenmesi hedeflenmiştir.Bu çalışma, betimsel tarama yöntemi ile gerçekleştirilmiştir. TRT repertuvarı ve çeşitli literatür kaynaklarından elde edilen bulgular, 15 adet Yol/Yayla havası türündeki uzun havayı kapsamaktadır. Çalışmada, "olasılık temelli olmayan örnekleme" yöntemlerinden biri olan kota örnekleme yöntemi kullanılmıştır. Olasılık temelli olmayan örneklemeler, özellikle nitel araştırmalarda tercih edilen ve küçük örneklem gruplarıyla daha ayrıntılı bilgilere ulaşmayı amaçlayan yöntemlerdir. Bu yöntemin paralelinde, çalışmada incelenen Yayla/Yol havaları türündeki uzun havalardan 5 adet örneklem eser oluşturulmuştur.Çalışma kapsamında, 5 adet Yayla/Yol havasının makamsal dizileri ve özelliklerini saptamak amacıyla nitel veriler elde edilmeye çalışılmış ve bu doğrultuda makamsal analizler yapılmıştır. Bu analizler, yol havalarının Türk Halk Müziği içindeki yerinin ve öneminin daha iyi anlaşılmasına katkıda bulunmayı amaçlamaktadır. Çalışma sonucunda, büyük çoğunluğun Uşşak makamı etkisinde olduğu ve bu makamın eserlerin seyrinde baskın bir rol oynadığı görülmüştür.

Bu çalışmada ilk Harezm ceditlerinden Molla Bekchan Rahman oğlu ve Muhammed Yusuf Divanzâde faaliyetleri ela alınmaktadır. Molla Bekcan, 1887 yılında Hive’de, aydın insanlar ailesinde doğdu. Küçük yaşlardan itibaren ilim ve eğitim alanında olgunlaşmış, mektep ve medreselerde öğrenim görmüştür. Babası oğlunu, İstanbul’da eğitim almaya gönderir. 1913-1918’de Molla Bekcan dini ve laik(dünyevi) alan dersleri görmüştür. Molla Bekcan’ın Türkiye’de olması, onu İsmail Gaspıralı liderliğindeki “Türkçülük” fikriyle tanıştırdı ve sonucunda Hive’ye dönerek “Yosh Hivaliklar” (Genç Hiveliler) arasına katıldı ve Cedid hareketlerini yaymaya başladı. Müzikolog, ünlü müzisyen, öğretmen, Muhammed Yusuf Divanzâde, 1891 yılında müzisyen ve hattat Muhammed Yakup Harrat’ın ailesinde doğdu. İlk eğitimini köyde bulunan okulunda, orta eğitimini ise Hive’deki medresede aldı. Gazellerinde başarılı olması ve babasından hat sanatını öğrenmesi nedeniyle, Muhammed Rahim Han Sanî sarayına davet edildi. M. Harratov babasından enstrüman çalmayı ve hat sanatını öğreniyor. Diğer taraftan da dedesi Kurban Harrat’tan oyma sanatı ve kereste ile ilgili meslekleri de kazanır. Müzik sahasını öğrenmek için, ciddi bir çaba harcar ve “Harezm Çizgileri”ne dayanan yedi Harezm makamını eksiksiz bir şekilde icra becerisini edinir.

Halk türkülerinin tarih boyunca halkın yaşamına ışık tutan önemli bir etken olduğu düşünülmektedir. Hem melodik yapısı hem de sözleri, bölge halkının geçmişi ve kültürel özellikleri hakkında bize bilgi verme potansiyeline sahiptir. Halk türküleri toplumsal olayları ele alması ve toplumun kültürünü yansıtması sebebiyle değerli bir miras olarak kabul edilebilir. Bu miras, gelecek nesillere toplumun kültürel değerlerini aktararak yıllar boyunca kaybolmamalarını sağlayabilir.Bu düşünceden yola çıkarak, ülkemizin önemli bir ili olan Şanlıurfa'ya ait hicaz makamındaki halk ezgilerinin araştırılması, bu fikri destekleyen bir örnek olabilir. Şanlıurfa ilinin hicaz makamındaki halk ezgileri incelenerek, hem usül hem makamsal yönden analizleri yapılmıştır. Bu ezgiler TRT THM Repertuarından elde edilmiştir. Toplam olarak on iki halk ezgisi analiz edilmiştir. Analizler, ezgilerin makamsal ve usul yapılarına odaklanmıştır. Bu çerçevede, analiz edilen ezgilerin makamsal ve usül farklılıkları ortaya konulmuştur. Dolayısıyla bu çalışma ile oluşturulan sınıflandırılmış repertuarlar yazılı ve dijital kaynaklarla kayıt altına alınarak gelecek nesillere aktarılması bakımından önemli görülmektedir.

La presente colaboración es una adaptación al formato de un artículo científico de los contenidos de mi tesis doctoral sobre el Nacionalismo en la Argentina. En él se reflexiona acerca de este movimiento en la música orquestal argentina y se estudian los modos en que los compositores lo plasmaron en sus obras por medio de la incorporación de elementos provenientes del folklore, la música indígena y el tango. Para un estudio del corpus musical se realizó una selección de obras representativas de diversos compositores del período y se analizaron en función del objeto de estudio. Se establecieron vínculos entre los rasgos observados y las características propias de la música folklórica, indígena y popular urbana; centrando la atención en las maneras en que los artistas elaboraron dichos elementos con herramientas europeas. La construcción del nacionalismo es una decisión consciente que involucra aspectos políticos, históricos y culturales. Hacia finales del siglo xix y primera mitad del siglo xx, el nacionalismo se destacó tanto en Argentina como en Latinoamérica y otros países. La segunda parte de mi trabajo, que ahora se presenta aquí, constituye un análisis de un grupo de obras emblemáticas sobre las cuales se construyó el movimiento nacionalista en la Argentina.

La diócesis de Huamanga, creada en el año 1609, fue un importante territorio evangelizador y de frontera con las dos ciudades más importantes del virreinato peruano: Cusco y la Ciudad de los Reyes (actual Lima). En consecuencia, se erigió una iglesia catedral dentro de la cual se instituyó una capilla de música que al igual que sus similares, en Arequipa y Lima, perduró durante la transición del virreinato a la república, lo que repercutió en su quehacer musical y en su organización durante el cambio de régimen político. Por otro lado, este territorio fue el escenario principal de la victoria de la Batalla de Ayacucho, en consecuencia, ello lleva a reflexionar y a cuestionar cómo fue aquel paisaje sonoro urbano y cómo se desarrollaron los estilos musicales ejecutados por su cuerpo instrumental y vocal más representativo: la capilla de música de la Catedral de Huamanga. En ese sentido, el presente trabajo analiza, estudia y aborda las características de la urbe de Huamanga para llegar a una aproximación de las distintas sonoridades urbanas que emanaron de las diversas instituciones eclesiásticas y, por otro lado, se analizan, detallan e interpretan los datos acerca de la capilla de música de la Catedral de Huamanga durante los años de 1797 a 1838, ya que no existen manuscritos de música que daten de este periodo.

Dentro de todo el repertorio académico peruano, algunas de las piezas musicales más conocidas son el Pasacalle y la Cashua (dos bailes indígenas) de la zarzuela El cóndor pasa..., obra estrenada en 1913, cuyos libreto y música fueron respectivamente escritos por Julio Baudouin (también conocido como Julio de la Paz), y por Daniel Alomía Robles. Aunque estos bailes son considerados como piezas representativas de la música peruana y han sido interpretadas por muchos artistas, algunos de ellos les añadieron letras apócrifas, la gran difusión mundial del Pasacalle y la Cashua ha inducido a los oyentes a descontextualizar e ignorar la relación entre la música y el libreto, y el papel de la música como servidora del drama. Luego de analizar la crítica social detrás de El cóndor pasa... y, sin dejar de lado el aspecto musical, así como la relación entre la música de Daniel Alomía Robles y el drama escrito por Julio Baudouin, este artículo explica brevemente cómo inició el problema de la descontextualización de la zarzuela, el argumento y las tramas involucradas, para finalmente explicar cómo la música compuesta por Daniel Alomía Robles sirve al drama como tal.

The musical-preference framework of a child at younger school age is gradually formed and shaped. The study outlined the possibilities of measuring musical taste at a younger school age and draws attention to the real specifics that this entails. We verified the newly created instrument - Musical Preference Questionnaire of Younger Pupils - MPQ-YP on 84 pupils (n=84) aged from 6 to 10 years (Mage=8.23). The 3-factor solution, which divides MPQ-YP into 3 categories of music genres - reflective and unconventional music; energetic and rhythmic music; optimistic and complex music, turned aout to be satisfactory. Psychometric properties are adequate, MPQ-YP seems to be sufficiently valid (construct and content validity) and reliable (measure of internal consistency and split-half reliability). Pilot descriptive results of younger schoolchildren's musical taste provide information about recognized musical genres and their preferences. The findings can be applied to the practice of music educators, music philetics and music therapists.

La entonación es una habilidad imprescindible en el aprendizaje de instrumentos musicales, sobre todo en los de entonación variable, como los de viento-metal y cuerda frotada. Un problema frecuente es que el alumnado principiante encuentra muchas dificultades de entonación en estos instrumentos durante su aprendizaje. Por ello, dedica una gran cantidad de tiempo a su práctica, al igual que el profesorado en la corrección de los errores relacionados. Este estudio de validación es parte de uno de más largo alcance que ha diseñado e implementado un software (INTON, nombre ficticio) para evaluar a tiempo real la entonación en el aprendizaje de instrumentos de cuerda frotada y de viento metal. Para conocer si este software daba respuesta a las necesidades educativas detectadas, se ha realizado un estudio de validación basado en cuestionario que fue cumplimentado por profesorado de escuelas de música y conservatorios de España y Chile (n=41). El cuestionario incluyó tres dimensiones de validación (técnica, educativa y global). Una dimensión sobre uso de tecnología digital educativa, así como experiencia profesional, género, edad y formación profesional actuaron como covariables para analizar la influencia en las dimensiones de validación. Los resultados cuantitativos fueron triangulados con los cualitativos recogidos en dos grupos focales (n=10) con el fin de dotar de credibilidad a la interpretación de los resultados. Los resultados indican que INTON ha sido evaluado de manera muy positiva por el profesorado en las tres dimensiones de validación; se han producido correlaciones positivas entre las tres dimensiones, así como una correlación positiva entre el uso de tecnología digital educativa y la valoración del software. Los resultados de esta validación del software INTON respaldan su eficacia y utilidad para el desarrollo de la entonación en instrumentos de viento-metal y cuerda frotada en el nivel inicial de los estudios musicales.

La LOMLOE ha realizado cambios significativos en la estructura del sistema educativo, afectando especialmente a la enseñanza de la Educación Musical en Primaria. En este artículo se realiza un análisis cualitativo mediante revisión documental de la normativa vigente en las diferentes Administraciones. Su objetivo principal es comprender la posición de la enseñanza musical en todo el país y determinar los objetivos de aprendizaje buscados en los alumnos. Además, se examinan posibles diferencias educativas según la ubicación geográfica. El estudio se centra en los elementos curriculares y la dedicación temporal, dando especial énfasis al constructo de la creatividad como medio para potenciar la autonomía, comprensión y expresión musical en los estudiantes, así como su desarrollo integral. Asimismo, tras la revisión bibliográfica de los textos legislativos, se identifican las posibles implicaciones que afectarán el futuro de la Educación Musical en esta etapa educativa.

El dictado melódico es una actividad esencial que se realiza asiduamente en las clases de lenguaje musical. El objetivo del presente estudio fue comparar el rendimiento del alumnado al transcribir dos melodías dictadas de manera completa y fragmentada. Se realizó un estudio exploratorio con diseño cuasi-experimental. La muestra de estudio estaba formada por 60 estudiantes de primer ciclo de grado profesional de música (distribuidos en dos grupos), cuya media de edad era de 13,8 años (DE = 1,7 años). Se analizaron las duraciones, las alturas y los intervalos de las melodías transcritas. Los resultados indicaron: (1) la inexistencia de diferencias estadísticamente significativas entre las melodías dictadas de manera completa y fragmentada (tanto en el conjunto de los tres parámetros analizados como en cada uno de ellos por separado), (2) el decrecimiento del rendimiento durante las melodías independientemente de cómo se dictaron (tanto en el conjunto de los tres parámetros analizados como en cada uno de ellos por separado) y (3) la existencia de diferencias estadísticamente significativas a favor del primero de los dos fragmentos en las melodías dictadas completas (excepto en las duraciones de una de las dos melodías), y fragmentadas (únicamente en los intervalos de una de las dos melodías). Ante melodías de características parecidas, ambos procedimientos presentaron una eficacia similar, detectándose en todos los casos una evolución decreciente del rendimiento durante las transcripciones. De los resultados obtenidos se desprende que es recomendable proporcionar al alumnado estrategias adecuadas en función de las dificultades observadas al realizar un dictado melódico. El hecho de disponer de unas estrategias apropiadas, probablemente permitiría al alumnado mejorar su foco de atención, su actitud y su motivación beneficiándose así la transcripción de las melodías dictadas y, consecuentemente, el desarrollo de sus habilidades auditivas.

La incorporación del alumnado con NEAE en el aula de música supone un importante reto para los docentes especialistas. Esta investigación se concentra en la visión del docente en música en todas sus vertientes: enseñanza generalista, Conservatorio, Escuelas Municipales y Universidad. Los objetivos de este trabajo se han centrado en conocer la experiencia y formación de los docentes en educación inclusiva, cuantificar las destrezas adquiridas por su alumnado y averiguar su percepción sobre sus necesidades formativas al respecto. La muestra está conformada por un total de 94 docentes especialistas en música de la isla de Tenerife (Canarias, España). Se trata de un estudio mixto con diseño selectivo y transversal, la toma de datos se ha realizado mediante un cuestionario ad hoc sometido a criterio de expertos. El cuestionario tiene tres apartados, uno dedicado a aspectos sociodemográficos, otro sobre destrezas adquiridas en el aula de música que se ha diseñado a modo Likert y la última con carácter cualitativo donde se indaga sobre prácticas, actitudes y mejoras en la formación docente. Se concluye con una evidente necesidad formativa para proporcionar mejor atención al alumnado con NEAE, cada vez más frecuente en las aulas de música, coinciden los participantes en la importancia de la formación permanente para incorporar recursos actualizados y efectivos.

The aim of the present study is to provide a comprehensive scoping review focused on the educational effects of active music-making participation in wind bands. This review combines mapping studies to identify the primary sources, authors, institutions, and types of evidence available in wind band research and a literature review to identify the key concepts underpinning this research domain. Based on peer-review journal literature published between 2010 and 2021, a total of 712 records were examined, resulting in 459 papers screened and 84 studies included in the analysis. Findings indicate that, in the past decade, the essential contribution to research about active music-making participation in wind bands came from Western English-speaking academic institutions based in the United States of America, Australia, the United Kingdom and Canada. The research’s relevant focus was on the purposes of music education and the psychosocial and health effects of participation. Furthermore, the psychosocial effects encompassed a comprehensive set of themes, such as social bonding, community music participation, emotional well-being, and individual quality of life. Nevertheless, all these topics are closely linked to the single overarching expression of the quality of life. Other than music education, educational effects were not at the heart of the last decade of wind band research. A few gaps in the literature exist, including a lack of research concerning the educational benefits of informal and intergenerational environments of wind band practices. Equally important is the lack of research on the impacts of wind band activities on social cohesion or the inclusive intercultural development of their local communities. Lastly, there is a significant opportunity to provide up-to-date insights into the educational potential of non-school contexts and the impacts of wind band activities on supporting their places’ cultural ecology.

En este artículo se comparten los resultados de un estudio de corte cualitativo, de tipo exploratorio-diagnóstico, que tuvo como propósito forjar un panorama de la situación actual de la investigación educativo-musical en México desde la perspectiva de seis de sus investigadores más connotados. La recogida de datos se llevó a cabo a través de entrevistas semiestructuradas. La información recabada indica que la investigación educativo-musical en México exhibe numerosas áreas de oportunidad. De acuerdo con los entrevistados, la falta de apoyo institucional, la burocracia administrativa, la ausencia de flexibilidad en el horario y la falta de equilibrio en la carga académica representan algunos de los retos que impiden su pleno desarrollo. En ese sentido, consideran que las autoridades deberían promover la investigación más decididamente, implementar estrategias para contratar personal especializado y comprometido, reducir los trámites burocráticos, mejorar la distribución de las cargas académicas y favorecer la vinculación directa de los conocimientos generados y su aplicación en contextos reales. De ese modo, se promovería la generación de conocimientos nuevos para atender problemáticas sociales, se fomentaría la publicación de productos de impacto y se cumpliría con los indicadores de calidad.

MetroSonus surge como resultado de una investigación que tiene como propósito la creación de una propuesta para el desarrollo de una herramienta tecnológica que propende por la inclusión de personas con discapacidad visual en los espacios de formación musical, ya sea como aprendiz, como músico parte de un ensamble o como orientador o director. Esta herramienta pedagógica transmite el pulso del director de orquesta a dispositivos móviles en red, con el fin de apoyar los procesos de enseñanza aprendizaje, así como de interpretación de la música. La orientación metodológica de este proyecto se encuentra apoyada, desde el enfoque cualitativo, en la propuesta de Investigación Praxeológica desarrollada por UNIMINUTO, que tiene como eje la reflexión sobre la práctica y a la vez delimita el proceso investigativo en cuatro momentos: Ver, Juzgar, Actuar, y Devolución creativa. Este proyecto de investigación plantea nuevos desafíos y exigencias de formación en las diversas áreas, que fueron exploradas para el desarrollo de metroSonus, así como también en el campo de la educación inclusiva y en aquellas que se hacen necesarias para dar continuidad a este proyecto, como es el caso del computer visión, el machine learning y la inteligencia artificial.

El compromiso académico es un concepto fundamental para explicar el rendimiento académico en universitarios, especialmente en estudios como el grado de maestro, que forma estudiantes para una profesión altamente vocacional. Asimismo, el actual sistema para formar maestros de educación musical mediante la mención plantea algunas ambivalencias respecto al compromiso de dichos estudiantes. Así, nuestro objetivo es comparar el compromiso académico y algunas variables facilitadoras y obstaculizadoras del mismo, en alumnado de esta mención con alumnado del resto de grados de maestro, con el objetivo de proponer acciones que redunden en un mayor aprovechamiento de estos estudios. Para ello se ha realizado un estudio exploratorio prospectivo de carácter transversal que combina metodología descriptiva y correlacional, con datos obtenidos a partir de distintos cuestionarios. La muestra estuvo formada por 610 alumnos de la UB. Los resultados más significativos que diferencian ambos grupos se encuentran, por una parte, en las variables facilitadoras del compromiso académico (estrategias de afrontamiento, y motivación académica), así como en las variables obstaculizadoras (estrés percibido y malestar psicológico). Con todo ello se plantean acciones para mejorar y complementar el plan de acción tutorial de los maestros de educación musical, y, por consiguiente, mejorar el compromiso académico de estos estudiantes.

In research on music conducting, there is a lack of studies concerning conductors’ score-reading. The present investigation explored the reading strategies of four Swedish choral conductors. Two interconnected studies addressed the conductors’ explicit conceptions about score reading and their silent-reading strategies in actual reading situations. All conductors emphasized overviewing and script-like cognitive strategies, read relatively linearly, and tended to combine holistic descriptions with quicker scanning. However, verbal reports also revealed individual cognitive orientations that appeared to influence the conductors’ eye movements. These findings contribute to the understanding of the contrast between shared models of professional practice and individual reading styles.

This article seeks to better understand the impacts of placing interculturalism and community engagement as central elements in higher music education and its effects on students’ experiences, learning outcomes, and societal contributions. Qualitative data is drawn from three contexts of intercultural learning environments, including graduates of a degree programme in global music, as well as current students participating in an intercultural arts camp and a refugee community project as part of their studies. Findings emerge in terms of the ways intercultural learning environments impact students’ sense of global artistic citizenship, develop extra-musical skills, provide opportunities to engage with societal issues, and expand professionalism, enhancing the ability to create a career and engage with the changing world. Key findings and conclusions point to the need to continuously re-imagine the structures of institutions and the ways they can become more inclusive, pluralistic, intercultural, and connected to the world around them.

A relação entre as gravadoras independentes e as gravadoras conhecidas como Majors é um dos temas investigados nessa retrospectiva histórica através de pesquisa exploratória com revisão bibliográfica que aborda o cenário musical em que os artistas independentes estão inseridos. Devido à complexidade e amplitude do tema, da produção independente na indústria musical, optou-se por explorar não apenas a estrutura das gravadoras independentes, mas também a natureza das cenas independentes em si. Para isso, serão abordadas categorias como "artista independente", "artista-direto" (Mulligan, Mark, 2021) e "artista-empreendedor" (Cerqueira, 2018). Além disso, será destacada a importância da conexão contemporânea entre os artistas independentes e o mercado consumidor de canções por meio das redes sociais, que se tornaram um canal importante para a divulgação e promoção de seus trabalhos. Os motivos que levam a esta pesquisa são notados a partir da relação de um dos autores do artigo com a produção independente de música, sendo ele próprio um artista-direto tendo em vista a necessidade de compreender questões relacionadas a um universo de produção musical independente em constante mudança.

Este trabalho propõe atestação de possível lacuna em estudos organológicos ocidentais via variações de nomes e descrições observadas em registros escritos, cruzados e somados, quando aplicável, a outras fontes (como esculturas e desenhos) e a contextos paralelos e simultâneos com fundamentos de outras áreas da Ciência, a saber: História, Sociologia, Matemática (estatística, comparativa), Linguística (etimologia, filologia) e Literatura Comparada (sintaxe, análise de discurso). A técnica apresentada, resumida pelo termo onomato-organologia, teria base na Metodologia Dialética (Lakatos & Marconi, 2003, p.101-107; Gil, 2008, p.16-20), de onde desenvolveu-se que para aplicação em organologia / musicologia, os chamados “fenômenos circundantes ao estudo”, analisados em cruzamento com as demais Ciências citadas, consistiria em: identificação dos estudos em línguas europeias (e fontes citadas nestes) que mais teriam sido secundados desde publicações em latim (Matemática); retraduções e reanálises atentas a contextos musicológicos (Linguística e Literatura Comparada); organização cronológica dos registros mais remotos estimados de cada significado (para cruzamento de contextos histórico-sociais) para então, no Desenvolvimento, analisar padrões no quadro histórico geral, a partir de variações tanto das nomenclaturas quanto das características organológicas que se mativeram em diferentes instrumentos. Uma delimitação a citações relacionadas ao termo genérico organa foi escolhida para este artigo como exemplo geral, pelo peculiar desenvolvimento de significados difusos a partir do século IV, em entendimentos considerados parciais posto que, a princípio, significativamente diferentes: seu singular em latim organum é hoje relacionado à ancestralidade dos órgãos modernos, à harmonia entre vozes e a nome de instrumentos organologicamente muito diferentes (de sopro, com e sem foles, com e sem teclados, cordofones). Tais entendimentos, entre outros fatores, teriam até então dificultado ou desfocado aprofundamentos de estudos sobre resquícios históricos tanto em nomenclaturas quando em características organológicas de instrumentos musicais; resquícios estes que ter-se-iam multiplicado paralelamente por diversos nomes e instrumentos no caso possivelmente único das organas, tradução em português arbitrada para este artigo a fim de indicar o padrão de continuidade observado. A principal motivação é colaborar com novas visões para estudos históricos sobre instrumentos musicais e, possivelmente, até para outras aplicações de metodologias em outras áreas da Ciência.

O presente artigo descreve o processo, metodologia e resultados decorrentes da pesquisa na Hemeroteca Digital da Biblioteca Nacional sobre o músico paulistano Esmeraldino Salles, que viveu entre 1916 e 1979. A Hemeroteca Digital dispõe de um importante acervo digitalizado de jornais, revistas e periódicos, fotocopiados e digitalizados, e a tecnologia de reconhecimento ótico de caracteres permite a pesquisa por palavras-chave, abrindo uma enorme possibilidade na pesquisa de trajetórias de músicos desconhecidos do grande público. O objetivo do presente trabalho é documentar os resultados obtidos por meio dessa fonte, procurando descrever e mapear as principais atividades profissionais de Esmeraldino como músico: 1) atuando pela Rádio Tupi e por televisões; 2) acompanhando cantores na noite paulistana, em bares, boates, casas noturnas e casas de espetáculos; 3) registros fotográficos; e 4) gravação de fonogramas e álbuns. Através dessa descrição e mapeamento de dados obtidos na Hemeroteca Digital podemos ter uma ideia da repercussão do trabalho de Esmeraldino Salles em sua época de atividade, assim como a percepção do público em torno de sua figura.

Publicado em 17 de novembro de 2023, o livro de Rubens Russomanno Ricciardi, Contra o identitarismo neoliberal: um ensaio de poíesis crítica pela apologia das artes, propõe uma nova epistemologia – a Poíesis Crítica. Nela, discutem-se, em âmbito contemporâneo, questões fundamentais sobre Arte e Filosofia, em uma postura de combate intelectual aos sectarismos identitários e neoliberais e, por conseguinte, à hostilidade e ao esquecimento das artes e de todo pensamento intelectual que se firme no exercício hermenêutico, crítico e filosófico em diálogo desde o mundo grego.

Este artigo pretende constatar, tendo os elementos da valsa (gênero) e da Banda (agrupamento formador) como pano de fundo, os desvios e adaptações a partir de uma perspectiva prática de arranjador. A relação entre esses dois elementos se dá dentro de uma perspectiva de tensão entre um ideário de brasilidade e elementos estrangeiros. A partir de uma formação padrão (Banda), elementos musicais se infiltram no gênero da valsa. Especificamente tratará do gênero para as formações de orquestra Típica e Big Band, tendo como ponto de partida as considerações retiradas sobre a versão de “Tenra Saudade” (ou “Por Um Beijo” de Anacleto de Medeiros) para a Banda da Casa Edson. Será realizada a análise e contexto do tema “Bebel” (de João Gilberto) e descrição do seu arranjo para Big Band; análise e contexto do tema “Valsa Brasileira” de Edu Lobo & Chico Buarque e descrição da elaboração do arranjo para a formação de uma Orquestra Típica e, por fim, descrição da elaboração da composição de um tema para mesmo gênero (“Valsa Moura”) para o agrupamento da Orquestra Típica reduzida ao formato de Ensemble. A partir de tais levantamentos, uma série de considerações serão levantadas a partir do cotejamento de dados realizados nas etapas anteriores à luz de novos autores.

Na primeira metade do século XX, ocorreu significativa orquestração de canções brasileiras. Gêneros musicais passaram a ser apresentados com arranjos para orquestra sinfônica, além do instrumental original das big bands estadunidenses. Tal fenômeno, sem dúvida, ocorreu em grande medida pela chegada dos discos norte americanos em território brasileiro que continham canções do jazz interpretadas por cantores e cantoras acompanhados por big bands e grandes orquestras. Dessa demanda de se orquestrar a música popular emerge a necessidade da presença do maestro ou regente orquestral nos meios de produção da canção popular. Diante desse fato, surge uma inquietação: quais são as características do regente orquestral que irá atuar na interpretação da canção popular? Buscaremos encontrar respostas para essa questão por meio de uma pesquisa de abordagem qualitativa e natureza básica, objetivando descrever e explicar a atuação do maestro/regente na música popular brasileira. Quanto aos procedimentos, essa é uma pesquisa bibliográfica e documental.

Este artigo apresenta resultados aplicados da pesquisa de pós-doutorado realizada na área de performance musical, especificamente no campo da interpretação operística, no contexto de uma produção da ópera La traviata de Giuseppe Verdi realizada em agosto de 2023 na cidade de São Paulo. Este estudo abordará elementos relativos à regência de ópera e suas especificidades técnicas, bem como questões interpretativas de direção artística, incluindo a concepção geral do espetáculo e o trabalho conjunto com a equipe de criação, que inclui o diretor cênico, cenografia, figurinos e iluminação, discutindo de forma detalhada as decisões e opções interpretativas – musicais e cênicas – que envolvem a produção de uma ópera escrita no século XIX nos dias atuais.

A Rítmica de Jaques-Dalcroze é uma abordagem na educação musical que utiliza os movimentos corporais como meio para aprofundar a compreensão dos conceitos musicais. Essa abordagem é frequentemente usada como uma disciplina complementar para ajudar a aprimorar os estudos instrumentais ou vocais. O objetivo deste artigo, fruto de pesquisa qualitativa e bibliográfica, é estudar a tese de doutorado de Melanie R. Nalbandian, e investigar como a autora desenvolve e aplica a Rítmica ao ensino de piano em aulas de piano complementar no curso de bacharelado em música. Para isso, descrevemos uma seleção de exercícios práticos criados por essa autora. Como considerações finais, entendemos que embora nem todos os aspectos da Rítmica sejam praticáveis durante a execução do piano, uma aula de piano baseada em Rítmica pode fornecer uma alternativa inovadora, dinâmica, e humanizadora à aula de piano tradicional.

No âmbito da educação musical, há vários estudos sobre os processos de ensino e aprendizagem de instrumentos musicais. A maior parte destes, entretanto, versa sobre questões técnicas envolvendo a execução de instrumentos em detrimento de aspectos como a condução pedagógica realizada pelo(a) discente. O estudo aqui apresentado trata sobre como ocorre o ensino do contrabaixo elétrico por meio de aulas centradas na pessoa. Esta abordagem baseia-se na teoria da abordagem centrada na pessoa (ACP) de Carl Rogers (1969). Para tal, foi realizada uma pesquisa ação com 3 (três) estudantes do curso de licenciatura em música da Universidade de Brasília. Os resultados deste estudo, embora confirmem a relevância do ensino centrado na pessoa, apontam para a necessidade de o(a) discente ampliar os horizontes musicais do(a) aluno(a), lhe permitindo assim buscar sua independência, tanto na construção de seu conhecimento, bem como no desenvolvimento de suas habilidades musicais.

The focus of this article is to explore the reflections and experiences of a small group of peripatetic music teachers (PMT) on being insourced into primary schools as a part of Project OutMus. The material included is derived from 11 interviews with the PMTs, conducted in connection with their teaching sessions. A thematic and structural analysis has been applied, to unveil potential underlying social or power structures that are expressed to some extent in these interviews. The topics of classroom management; practice-oriented teaching; teacher professionalism; and the transition from instrumental to classroom teacher are explored. It is evident that the PMTs have experienced the transition to classroom teacher and the lack of time as particularly challenging. The need for good classroom management skills was more evident than expected and this has affected the PMTs’ self-confidence as teachers.

Artikkelen beskriver utvalgte faktorer knyttet til bruk av komponering og improvisasjon i instrumentalundervisning på kulturskolene i Norge i lys av utvikling av grunnleggende musikalsk forståelse. Spørsmålene det søkes svar på er: I hvor stor grad brukes skapende aktiviteter av instrumentallærere? Hva synes lærerne om bruk av disse aktivitetene i kulturskoleundervisningen? Hva påvirker valgene de tar? Datamaterialet består av besvarelser fra en nettbasert spørreundersøkelse sendt til instrumentallærere ved samtlige kulturskoler i Vestland fylke. Undersøkelsen ble besvart av 65 respondenter. Det viser seg at mens majoriteten av respondentene mener at bruk av skapende aktiviteter bør være en viktig del av instrumentalundervisningen på alle nivåer, bruker svært få av dem disse aktivitetene i sin egen undervisning. Artikkelen drøfter mulige årsaker til dette forholdet, med utgangspunkt i respondentenes kommentarer og relevante forskningsresultater om skapende musikkundervisning. Det argumenteres for at bruk av skapende aktiviteter i undervisningen kan ha positiv effekt på utvikling av notelesingsferdigheter, teknikk og musikalsk forståelse hos instrumentalelever på kulturskolen. Abstract in English: Using composition and improvisation in instrumental teaching: Time-thief or a gateway to musical understanding? This article describes the use of composition and improvisation in instrumental teaching at extra-curricular Schools of Music and Performing Arts in Norway, in light of the development of basic musical understanding. The research questions are: How often do instrumental teachers use creative activities? What do they think about using them in their teaching? What influences their choices? The data consists of responses from an online survey sent to instrumental teachers at all extra-curricular schools of music and performing arts in Vestland county. The survey was answered by 65 respondents. The findings show that, although the majority of respondents believe that the use of improvisation and composition should be an important part of instrumental teaching at all levels, very few of them use these activities in practice. The article discusses possible reasons for this conclusion, based on the respondents’ comments in the survey, as well as relevant research results. It is argued that the use of creative activities in instrumental teaching can have a positive effect on the development of music reading skills and technique among instrumental pupils.

This paper aims to show how Alexander Technique (AT) can serve as a tool in embodied learning processes. The use of AT was explored with a group of 21 students, seven teachers, and three AT teachers who were practicing and performing musical theatre repertoire. Principles of action research methodology informed the projects. The research found that AT offered increased awareness of connections between thoughts, body and environment. Knowledge in embodied learning processes empowered the students in terms of better observation and rehearsal routines. We argue that these results might have implications for the field of embodied teaching and learning. Furthermore, the results may offer an invitation towards increased focus on embodiment in learning experiences within other fields as well.

O objetivo deste artigo é identificar, com base numa teoria psicoacústica, o tipo de experiência sonora da narrativa The Midnight gospel (2020), abordando-a enquanto elemento que confere profundidade e multidimensionalidade à narrativa. Recorre-se à noção de níveis de realidade e à ideia de sonosfera para analisar o universo sonoro da série, de modo a elucidar o jogo de imersão musical, vocal e eletrônica que põe à prova a atenção da audiência. As conclusões levam a três aspectos importantes do alcance cognitivo, pedagógico e psicológico da série em análise cujo título já prediz que seus autores querem dar uma “boa notícia à meia-noite”. 1) Percebe-se que, se por um lado, a complexidade sonora mergulha o espectador no ambiente narrativo, ela também o convida a um esforço cognitivo de atenção e compreensão que o retira da condição imersiva. 2) Pedagogicamente, medita-se ouvindo música ou pronunciando sons, amplia-se a percepção fruindo variados repertórios musicais; abre-se o corpo à ampliação da consciência e à escuta do daimon. 3) a imersão musical, o retorno à protomúsica e o “efeito sereia” aparecem como estimulantes psíquicos capazes de devolver ânimo e entusiasmo para a própria existência do personagem, mas também, por um processo de identificação, da audiência.

José Luis Perales (Castejón, Cuenca, España, 1945) se despidió de los escenarios en una extensa gira que tuvo lugar entre 2021 y 2022. El compositor, cantante y escritor dijo adiós a los escenarios tras superar el medio siglo de carrera musical y grabar veintisiete álbumes de estudio. Este artículo tiene como objetivo principal analizar las canciones que el conquense interpretó en sus dos conciertos en Cuenca, que tuvieron lugar el 20 y 21 de agosto de 2021. En el listado, compuesto por veintitrés canciones, incluyó los temas “Y cómo es él” y “Baladas para una despedida” que aparecen en el título de esta propuesta, se comparará con el que defendió en otras ciudades dentro de la misma gira. Además, se atenderá a su disco de procedencia, estilo, producción, discográfica, sentido de masculinidad y a las referencias sobre el ámbito rural y las ciudades pequeñas que planteó e incluyó en las mismas. Para ello, se parte de un estudio de caso que se fundamenta en una investigación cualitativa, analítica, estilística y descriptiva de las canciones ofrecidas en estas citas, sus grabaciones de procedencia, discográfica, productores originales y una entrevista directa que su hijo, Pablo Perales, director artístico de esta gira y de estos conciertos, brindó al investigador. Por supuesto, también se tiene en cuenta la literatura existente en ámbitos académicos sobre el conquense.

En la actualidad existen una gran cantidad de espacios donde se interpreta música. Estos lugares podrían dividirse en dos grandes grupos: las construcciones proyectadas específicamente para hacer música -los auditorios, los teatros de ópera, las salas para música de cámara- y los sitios que son utilizados por los músicos o propuestos por los compositores pero que fueron concebidos inicialmente para otro uso, los que podríamos llamar "ambientes acústicos" -un espacio público abierto o cerrado, una iglesia, un galpón, un estadio, un bar-. Los espacios que conforman estos dos grupos se comportan de manera diferente; sin embargo, en la práctica musical actual se usan casi de manera indistinta. En este trabajo detallaremos el comportamiento acústico de espacios no estándar que se utilizan en la Argentina para representar espectáculos musicales y multimedia o para sitiar instalaciones sonoras.

Compartimos algunas reflexiones emergentes de la participación en la mesa de discusión Los procesos creativos en las artes desde una perspectiva multidisciplinar, en el marco del GAPS2 Seminario Global de Artes y Psicología "Creatividad en la música y las artes" realizado en York, Graz, La Plata y Melbourne, entre el 14 y el 16 de septiembre de 2023. En la mesa de discusión irrumpen múltiples voces, relatos y experiencias que muestran con claridad la diversidad de campos de conocimientos, contextos y momentos donde la creatividad es posible. Las experiencias nos permiten definir a la creatividad como un proceso complejo e indisciplinado, en el que las artes son interpeladas.

Why does music move us? What harmonic resources manage to cause a greater pleasant experience in listeners? The aestheticity of music lies in the repetition of forms, in the recognition of patterns. Composers take advantage of that predictability to play with listeners' expectations. Mastering the technique to cause sweating and piloerection in response to a musical stimulus is of great interest to creatives. Based on the publications of the musical theorist Frank Lehman, specialized in the harmony of the soundtracks of epic millennial cinema, this article analyzes some harmonic cadences present in different audiovisual formats to agree that it is in the violation of expectations through chromatisms and after their subsequent diatonic realignment where the astonishment of the spectators occurs. This research connects classical aesthetics with the psychology of music.

El trabajo pretende determinar el papel que puede desempeñar la música juvenil marroquí en la construcción de un ideal identitario disidente. Partiendo del análisis del discurso musical de varios grupos contraculturales buscamos caracterizar el papel de sus formulaciones subversivas de nociones como la pertenencia y la identidad para crear fisuras en la construcción canónica de todo el paradigma cultural. Pretendemos llegar a la conclusión de que tal labor marginal y erosiva abre expectativas de cambio a todo el modelo cultural marroquí marcado por patologías y desajustes crónicos que impiden su regeneración y su metamorfosis.

El presente trabajo busca trazar paralelismos entre el cine y la música, desde una perspectiva fronteriza y decolonial. Para ello, se eligieron y analizaron algunas películas, con sus bandas sonoras, así como canciones que resuenan con los temas abordados. Construyendo una mirada transversal del cine a través de la música, se buscó cuestionar o desmantelar categorías cruciales para el cine Occidente-centrado, que aún reflejan una nostalgia colonial y persisten en divisiones ideológicas, como entre el «cine-arte» o cine «moderno» y el «resto». Así, el texto se divide en tres secciones centrales y dos conclusivas: Cine visto por la música inserta epistemológicamente el tema, analizando rizomáticamente las fuerzas horizontales y verticales del cine y de la música; Cine-música modal aborda algunas películas-músicas desde una perspectiva transcultural de la música modal, centrándose en sus ciclos de repetición, transformación, así como de muerte y renacimiento simbólicos; Modal, tonal, atonal aborda los cambios que la música y el cine han enfrentado y engendrado, desde las transformaciones de la música modal en tonal y «atonal»; Pequeña coda resume brevemente el camino trazado a lo largo de la obra y Da capo al fine lo concluye. Se espera que el artículo, de carácter ensayístico, pueda contribuir a enriquecer las reflexiones cinematográficas y de otras artes, sobre todo porque parte de una mirada-escucha no especializada, construida a partir de un arte distinto, la música, lo que considero una poderosa y fecunda forma de encuentro, precisamente porque permite el tránsito transcultural y rizomático entre diferentes artes y saberes.

En este trabajo discuto algunos postulados de la cognición musical encarnada y de la fenomenología del mundo social, con el propósito de describir algunas potencialidades de estas perspectivas para el estudio de la experimentación musical en la infancia a partir del cuerpo. La tesis que sostengo es que ambas posiciones resultan ser enfoques complementarios para el estudio de la experiencia musical y pueden enriquecer sus respectivos campos de conocimiento. Presento los argumentos de la cognición musical encarnada y la fenomenología del mundo social, con el fin de mostrar algunas semejanzas y diferencias. Expongo de qué forma los límites explicativos de la cognición musical encarnada podrían ser solventados por la fenomenología del mundo social y, al mismo tiempo, cómo los aportes teóricos de la fenomenología pueden ser ampliados mediante las interpretaciones del enfoque cognitivo encarnado. Considero que la relevancia de estas reflexiones pueden ser un primer paso hacia la generación de fundamentos más sólidos para el estudio de la experiencia musical infantil en la educación musical, lo que se traduzca en una comprensión más profunda respecto al proceso de aprendizaje de la música en la infancia. Esto implica la necesidad de recurrir a la reflexión filosófica dentro de las contribuciones de la cognición encarnada, a fin de brindar una mayor claridad epistemológica tomando como base la fenomenología del mundo social.

Entre 2018 y 2021 se realizó una macroencuesta en la que participaron cuatro mil sujetos, todos ellos músicos profesionales y en activo, de la tradición llamada clásica y de formación académica, de noventa y seis países diferentes. Se considera que los participantes han de poseer amplios conocimientos y dominio del repertorio musical de los estilos musicales de diferentes épocas históricas, y con ello se pretende conocer la preferencia musical y dilucidar hasta qué punto ésta puede estar condicionada por el repertorio predominante a lo largo de su formación. La pregunta nuclear de esta investigación solicitaba el nombre de cinco compositores y el resultado obtenido mostró una clara tendencia hacia el barroco y el clasicismo, pues el 51,1% de la muestra coincidió citando a tres compositores: Bach, Mozart y Beethoven, reuniendo el 48,9% restante a más de novecientos compositores. La presencia de compositoras es mínima, pues solo un 3,2% del total de las respuestas se decanta por el repertorio compuesto por mujeres. Predomina el repertorio histórico frente al contemporáneo en la formación profesional, algo que puede verse reflejado tanto en la preferencia musical como en la escucha o la interpretación, ocupando en este estudio lugares poco relevantes.

La timba es un fenómeno musical de gran impacto social, que expresa las emociones y protestas de un pueblo oprimido por la carencia económica que atravesaba Cuba. Es considerada como un intergénero que surge de la fusión e influencia de música estadounidense como el jazz, el funk, el rock y ritmos afrocubanos. El objetivo de este artículo es comparar y precisar las diferencias entre la timba cubana y la timba peruana, por medio del análisis musical entre dos temas de las agrupaciones NG La Banda, residente en Cuba, y Los Conquistadores de la Salsa, residente en el Perú. Los hallazgos mostraron que el tema “Fururú Farará” posee un lenguaje musical de influencia “popular comercial” y en el caso del tema “No se puede tapar el sol” se distingue la diversidad de recursos musicales bajo el predominio de la música norteamericana y afrocubana.

El aporte que se presenta en este artículo es la realización de un análisis musical del estilo y la interpretación vocal de Alicia Maguiña Málaga en el triste con fuga de tondero “El Veneno”, pieza recopilada por la misma intérprete en Piura en 1968, y grabada su primera versión en 1976, para Odeón–IEMPSA en el LP Te adoro tierra mía (ELD 02.01.538), con el acompañamiento de la guitarra de Carlos Hayre. Material que, por ser la grabación más cercana a la fecha de su recopilación será utilizado para este análisis. Mi aporte fue: primero, analizar las cualidades y recursos vocales que empleaba Alicia Maguiña en su interpretación; para ello, tuvimos que hacer una transcripción del audio grabado en 1976 a partitura, utilizando el editor de partitura Sibelius; donde las cualidades y recursos vocales que adoptó la intérprete fueron transcritos al lenguaje musical y luego descrita de forma narrativa y gráfica. Y segundo, acercarnos a la vida y formación artística de la intérprete, para conocer su estilo interpretativo. Las cualidades y recursos más recurrentes encontrados a lo largo de toda la pieza fueron: la buena dosificación de aire, agilidad vocal, variación rítmica, el uso de firulete, glissandi (ascendente y descendente), vibratos, apoyaturas, una gran variedad de dinámicas, intensidades, carácter y agógica que se matiza adecuadamente con el contenido de la letra y la melodía; se destaca el empleo de vibrato ligero al final de casi todas las frases, siendo este una floritura muy utilizada en el canto del tondero. Emplea diferentes colocaciones vocales, a veces con un color claro y, a veces, con un color oscuro, y con ello logra replicar un sentimiento orgánico en su interpretación.

El siguiente texto aborda algunas ideas del compositor César Bolaños, vertidas en una entrevista y un artículo de mediados de los 70 y principios de los 80, respectivamente, que ofrecen algunas claves para entender la oposición de Bolaños a un modelo hegemónico del uso de la tecnología en la creación musical. Esto permite abrir otra perspectiva para la comprensión de su alejamiento de la composición musical en la década del 70 luego de retornar al Perú tras diez años de vivir en Argentina, como del desarrollo de la música con medios electrónicos en el Perú.

El presente artículo busca proponer un método de composición de polirritmias mediante el uso de la matemática. Para ello, empleamos la notación box y patrones de duración para construir un patrón rítmico con un pulso acentuado. Este pulso acentuado, denominado "pulso eje", se desplaza a lo largo de cada posición de la notación durational pattern, lo que nos permite obtener diferentes patrones rítmicos. Estos patrones se agrupan en una matriz, representando así una polirritmia. Posteriormente, proponemos la suma y resta de matrices como un recurso creativo para generar más polirritmias. Finalmente, como consecuencia de este método de composición, representamos visual y simbólicamente las polirritmias. Una matriz puede ser analizada como un sistema de ecuaciones lineales, lo que nos permite graficarla en el plano cartesiano.