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O presente artigo tenciona mostrar uma investigação (de um projeto de pesquisa de Mestrado em andamento) sobre o quanto a composicionalidade (a partir de Paulo Costa Lima) poder-se-ia conectar com a comprovisação, a partir da experiência de criação musical para o ciclo de peças Abaeté, que é um projeto que intenta explorar musicalmente o quanto a região mencionada pelo título deste trabalho conceitual transformou-se em sua ecologia, passando por uma violência em seu crescimento urbano. O grupo Afluentes Ensemble foi montado no intuito de trazer uma concepção artística de invenção de mundo que é reflexo das temáticas do ciclo de peças e de sua “comprovisação afrossurrealista” em sua proposta estética. As teorias da comprovisação escolhidas, especialmente, em sua descrição abrangente de práticas musicais abertas (conforme identificado por Arthur Faraco) foram as de Bhagwati e Fujak para um diálogo de ideias e uma convergência transversal com a composicionalidade de Lima em cada um de seus vetores para uma síntese de como se realizaria a percepção de uma comprovisacionalidade (comprovisação e composicionalidade). A partir de trechos selecionados das peças já compostas para o ciclo Abaeté, trazendo o afrossurrealismo como um objetivo estético a ser alcançado com o resultado das comprovisações, assim como também a plena definição da comprovisacionalidade a partir do estudo sobre o ciclo de peças Abaeté seguirá sendo investigada.

Este estudio examina la conexión entre la interpretación de música experimental y el contexto que la enmarca. Si bien una realización supone un proceso creativo que depende del músico que la lleva a cabo, la elaboración se da más en función de las referencias que el mismo contexto produce. Se da entonces a entender que este tipo de repertorio posee una epistemología estabilizada de la práctica, un sistema de signos circunscrito a las demandas de un estilo referenciado por la discografía que sustenta un modo de producción problemática para este tipo de obras: el acto reflejo (Alvear, 2021). Para abordarlo, tomaré como ejemplos una de las páginas de singularidad #1 (2016), obra del compositor chileno Santiago Astaburuaga, la cual es examinada a través de un aparato que entrevera la teoría semiótica de Charles Peirce y tres tipos signos, íconos, índices y símbolos; la teoría de la reproducción de técnica de Walter Benjamin; y la noción de técnica elaborada por Ben Spatz (2015). El objetivo es mostrar que la comprensión de la epistemología de la interpretación comporta sentar las bases para un proceso de exploración, en concordancia con el concepto de indeterminación, de las posibilidades de una obra experimental.

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The article focuses on the aesthetic and epistemological analysis of a piece by the composer Sebastián Jatz, written exclusively with words, which tensioned, in 2011, the discourses and practices in the field of written music production of Chilean experimental music. The research examines the potency of the work's writing, constituted by a type of verbal notation that, by dismissing a descriptive functionality referred to sound materials, prescribes actions that state some conditions of possibility allowing us to think of a type of listening that could be deployed as a question about the contingency of the place of its realization. For this, a dialogue is articulated between music and philosophy, whose purpose is to question and invigorate those concepts, as well as the own ideas of the author of the piece regarding its multiple possibilities. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

RESUMO Relegado a notas de rodapé da história do Fluxus e cena pós-Cage de Nova Iorque, Henry Flynt desenvolveu, entre 1960 e 1966, uma abordagem crítica da vanguarda a partir de postura revolucionária, procurando respostas para perguntas que seus contemporâneos artistas aparentemente ignoravam. Trabalhamos aqui com três textos que radicalizam um discurso crítico à vanguarda que vai de uma crítica formalista até uma crítica total de caráter anticolonial e marxista. Estes três momentos são apresentados em rounds , um para cada enfrentamento com a vanguarda, passando por suas estruturas formal, social e política, em um percurso que vai do abstrato ao concreto e se manifesta em uma práxis revolucionária.

La crisis de salud provocada por la pandemia del COVID19 afectó directa y principalmente a las actividades colectivas. En nuestro contexto artístico, para contener las inmensas olas de contagio, los teatros, museos, salas de conciertos, escuelas y lugares de ensayo fueron cerrados sin fecha de reapertura. Con las diversas limitaciones impuestas por el aislamiento social, el canto coral en todo el mundo estuvo necesariamente mediado por la tecnología, lo que ha generado un impacto directo en la relación del cantante con su propia voz y del director con el proceso de creación musical. En este contexto, el cuerpo analógico/biológico deja de ser el instrumento fundamental de la actividad musical, siendo subordinado a la virtualidad y al registro audio/visual. Sin embargo, este devenir biocibernético impuesto por el aislamiento social durante la pandemia, abre una grieta para la experimentación y, prácticamente demanda una transformación del quehacer musical bien como de sus actores, incentivando nuevas formas de concebir la música y la creación colectiva. El presente trabajo es parte del proceso A/R/Tográfico realizado en el marco de la Maestría en Músicas de América Latina y el Caribe en la Universidad de Antioquia, y ha resultado en la concepción de la obra sonora “Nós” y el diseño de la plataforma digital “Anhum”, en colaboración con la Universidade Federal do Rio Grande, en Brasil. Tales creaciones tienen carácter experimental y buscan, a través de recursos sonoros y artes performáticas, traducir la experiencia pandémica de una directora coral e invitar al público a la escucha activa y a la creación colectiva a través de la tecnología.

Este artículo aborda diversas aproximaciones a la categoría de arte sonoro con el fin de cuestionar algunos de los argumentos estéticos e históricos que supuestamente la sustentan. Por una parte, se revisarán algunas ideas vinculadas a la noción de arte sonoro como disciplina claramente diferenciada del campo de la creación musical. En el lado opuesto, la concepción del arte sonoro como un campo emergente y punto de encuentro de distintas disciplinas en disolución plantea otras interesantes reflexiones, como la imposibilidad de alcanzar una efectiva legitimación simbólica a través de un canon independiente, los procesos que argumentan la asimilación del propio término, la aceptación de la música como una posible categoría agotada, etc. Las contradicciones que se derivan de esta línea argumental cuestionan si se trata únicamente de un debate de naturaleza teórica o artística o si, más bien, son otros aspectos –de carácter sociológico– los que operan efectivamente en la creación y delimitación de los diversos contextos del arte sonoro. En este sentido, el grafismo musical, desde su concepción como manifestación artística híbrida, pone de relieve algunos mecanismos ideológicos que niegan que su presencia/ausencia dentro de los espacios del arte sonoro se deba únicamente a motivos de naturaleza artística.

O presente artigo investiga a perpetuação do racismo epistêmico no campo musical, iniciando no Brasil colônia e seguindo em direção aos contextos contemporâneos. Observando pressupostos uni-versalizantes vinculados ao enfoque na materialidade do som apartado de implicações contextuais sócio-políticas, delineiam-se tensões e incompatibilidades entre o experimentalismo musical e o ati-vismo político. Por fim, o artigo aponta iniciativas recentes de otencial contra-colonial no contexto experimental.

Noise is a complex category that has been used to describe instances of disturbance and disruption in technical vocabulary and in many artistic languages. In music, and more precisely, in sound art, noise has been imbued with specific significations that operate as aesthetical signifiers that convey meaning even beyond its intensity of volume. In this article, the theoretical aspects of noise are articulated through the analysis of concerning discourse around the transformations of the concept of sound, which ultimately resulted in the designation of a genre in itself - noise. Furthermore, it is through the enhancement of a 'sonic turn' that the notion of listening as a generative aesthetic practice has referred to the body as the main instance of meaning construction in relation to both time and space. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

Three Discontinuous Movements by Rose Bob (2018) was the result of artistic research motivated by the ultra-conceptual art practiced in the 1960s. The piece for piano and live electronics was inspired in chapter 23 of the novel Rayuela by Julio Cortázar, published in 1963. The sound material was adapted from Antinomies I, by Rogério Duprat, composed in 1962 and rewritten in 1966. The methodology employed in this research was the construction of a musical work from textual indications and diagrams. We hypothesize that this composition would lead to a discussion about its probable formal structure. This text also seeks to investigate the simultaneous emergence of projects that, in different artistic segments, articulated and proposed joint actions in a period in which the political eruption and the growth of the media implied profound changes in the mechanisms of the public scene and the creation of images cultural. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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El año 2010 fue significativo para el flamenco: entraba a formar parte de la Lista Representativa del Patrimonio Cultural Inmaterial de la UNESCO y cerraba un episodio esencial con la muerte de Enrique Morente, quien el 2 de febrero nos legaría un hecho singular al protagonizar, junto a dos miembros de Sonic Youth, una performance inusual en el Centro de Arte 2 de mayo de Móstoles, donde flamenco “primitivo” y Nuevo Flamenco dialogan con el rock experimental de la banda neoyorquina.

A experimentação musical e sonora brasileira, apesar de algumas excepções pontuais, tende a não promover a existência de espaços institucionais ou informais que façam uma programação afirmativa de artistas femininas e/ ou não-binárias. O artigo, primeiramente faz um percurso reflexivo sobre o processo artístico e ético-político da Vanessa De Michelis focando no seu trabalho de instalação, performance e oferta educativa. Este trabalho encontra paralelos com a ideia de micro-utopia(s) proposta por Nicolas Borriaud. Depois desse momento, o cerne do artigo é uma entrevista realizada em 2016, donde passamos pelo percurso biográfico da artista, a sua abordagem in(disciplinar), mas principalmente o seu esforço em construir uma audição e visibilização de um trabalho que foge às expectativas de gênero associadas ao fazer musical.

Este artigo propõe uma discussão sobre os usos de silêncios e durações estendidas na obra de compositores vinculados à editora alemã Edition Wandelweiser. Para isso, apresentamos análises de três peças publicadas pela editora entre 1994 e 2001: Klavierstück 2, de Jürg Frey; First Music for Marcia Hafif, de Antoine Beuger; e Space, de Michael Pisaro. Com as análises, buscamos revelar as diversas formas pelas quais os compositores estabelecem conexões entre esses dois conceitos, centrais nas peças selecionadas, através de formas de notação e estruturação altamente contrastantes. Buscamos também introduzir uma reflexão sobre a experiência do tempo e do silêncio na interação do ouvinte com as peças apresentadas. Assim, o trabalho visa uma contribuição ao campo da música experimental através da divulgação e discussão de uma produção musical que, ao longo dos últimos 26 anos, tem se debruçado extensivamente sobre a exploração artística de conceitos fundamentais para a área.

Este artículo describe la experiencia en INsono, una instalación sonora interactiva y un taller creado por un grupo de músicos para la 6? edición del Festival Big Bang en Lisboa, Portugal. Se presentan los hallazgos a lo largo de una narración que se desarrolla a través del análisis e interpretaciones de entrevistas con los músicos y la comisaria del Festival, las notas de campo tomadas durante la creación y la presentación de INsono así como entrevistas grupales con los niños sobre sus experiencias vividas durante el taller. En la descripción del proceso que llevó a la creación de la instalación sonora final, se exploró por una parte las principales preocupaciones e ideas de los músicos y la comisaria del Festival, incidiendo en conceptos como la educación, la infancia, la música y el arte; por otra parte, se ampliaron con las perspectivas de los niños que participaron en el taller acerca de su experiencia con INsono. Es de esperar que las conclusiones sugieran un debate en el que podamos repensar las potencialidades de la música experimental en contextos de aprendizaje tanto formales como no formales; además, podría conducir también al examen de las dinámicas, estrategias y herramientas que se utilizan en contextos no formales, siendo estos elementos que ayuden a la reflexión sobre enfoques pedagógicos en el aula, enriqueciendo las experiencias musicales y artísticas de los niños. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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En este artículo se expone un acerca-miento a la música experimental a tra-vés de la caracterización de los procesos de creación musical de Pedro Rincón Ortiz, autor del proyecto “Rotativa Lab” y como reflexión desde el concepto de música experimental a través de diver-sos autores que han investigado sobre este tema. También, se tienen en cuenta algunos referentes artísticos en los ám-bitos: local, nacional e internacional.Para la caracterización de los procesos de creación musical de Pedro Rincón, se aplicó el estudio de caso, técnica que permitió el acercamiento al composi-tor mediante algunos encuentros en los que se llevaron a cabo entrevistas semiestructuradas y conversaciones es-pontáneas donde emergieron diferentes sentidos y significados vinculados con su propia experiencia y como resultado del estudio se propone una caracteriza-ción de los procesos creativos que lleva a cabo el compositor a través de proce-dimientos experimentales en su produc-ción musical.Con este trabajo se espera aportar a la comprensión de dichos procesos creati-vos, los cuales han venido tomando gran relevancia en las búsquedas compositi-vas de algunos músicos en la ciudad de Medellín y su área metropolitana

Neste artigo relataremos momentos da produção criativa do grupo Obra Aberta, sediado em Campinas - SP e dedicado a música experimental e improvisação, nos quais os performers direcionam sua escuta a partir de propostas consolidadas nesse domínio. O objetivo deste artigo é esclarecer de que forma a escuta, fazendo parte do ciclo do processo criativo, influenciou as maneiras de tocar e de criar desse grupo. Tais direcionamentos na escuta estão baseados nas propostas da escuta reduzida de Pierre Schaeffer, do deep listening de Pauline Oliveros e da ideia de movimento virtual do som de José Augusto Mannis, estudadas e trabalhadas através de exercícios práticos de improvisação e de escuta, além de peças abertas e jogos musicais. Os resultados são discutidos com base em conceitos e no modelo de processo criativo de José Augusto Mannis, cuja ideia principal é a de um processo que se dá através da contínua interação entre as instâncias de percepção, análise e síntese.

Este trabalho apresenta em forma de texto considerações a respeito de Repetitivo e Barulhento, um conjunto de disco, obra audiovisual e performance criado por Luciano Zanatta e Ricardo De Carli. Os autores são integrantes do Grupo de Pesquisa em Criação Sonora da UFRGS e da Medula – coletivo de experimentação sonora. São apresentados aspectos técnicos e conceituais do processo de criativo e relatos memoriais dos autores, na forma de um discurso que alterna entre primeira e terceira pessoa. Repetitivo e Barulhento dialoga com os campos da música popular e do ruído a partir de uma perspectiva de música experimental. O texto aqui apresentado não pretende ser um comentário externo à obra à qual faz referência e, sim, uma camada a mais na sua composição, seguindo, assim, os princípios de pensar fazendo e fazer pensando que caracterizam a pesquisa artística como modalidade de investigação.

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O artigo reflete sobre o embate entre os discursos e ideologias presentes nas atribuições dos termos experimento e experimental na rede de relações de produção e crítica da música. Essa investigação busca esclarecer o sentido da associação de uma parte significativa da produção musical do pós-guerra com o experimentalismo e também demarcar uma diferença de motivação na música do período, indicando que a distinção entre os termos (experimento e experimental) aparece bastante diluída. Essa associação implicou numa série de relações como a aproximação da música com o modelo científico que pode ser percebida na investigação acerca do fenômeno sonoro no estúdio eletroacústico, ou na abertura dos contornos da própria música com a incorporação de procedimentos aleatórios na composição.

Junte o experimentalismo cageano com a canção popular. Este foi o caminho que o compositor Chico Mello trilhou em alguns trabalhos. O presente texto traça um percurso entre peças que evidenciam este cruzamento, tais como: John Cage na Praia número 0 e a série números 1 a 4 de mesmo nome, Amarelinha, Rayuela entre outras. Para além do cruzamento entre experimentalismo cageano e música popular este artigo aborda temas relevantes que emergem do trabalho de Mello, tais como: remix, apropriação, mimese, remediação, acaso, de(s)composição, ferramentas musicais, meta-partituras, intradutibilidade e diferenças culturais para citar as mais relevantes.

O texto compara posições estéticas de Pierre Schaeffer e John Cage com respeito à música experimental, tentando confluir, de seus percursos distintos, os sentidos iniciais ligados ao adjetivo.

O texto aborda as peças compostas por John Cage na década de 50, nas quais utilizou o rádio como material sonoro, fundamentando sua análise nos escritos e entrevistas do compositor. A utilização do rádio nessas obras é apresentada como um meio de redefinição das categorias convencionais da música e convite a uma invenção permanente. As peças radiofônicas de Cage propõem processos originais de pensar e fazer música, inaugurando a radioarte e uma forma inovadora de performance: o happening. Através delas, Cage vai construindo aquelas que constituirão as categorias fundamentais de sua poética: o silêncio concebido como os sons do ambiente, a indeterminação e a interpenetração.

Neste artigo, abordamos a relação entre “Fedra”, peça para voz solo de Lilian Campesato, as lamentações praticadas em ritos funerários e as personagens femininas da tragédia grega, com o objetivo de levantar discursos e signos sobre a emoção e o papel que as mulheres desempenham neles. Levando em consideração autores como Bourdieu, Perrot, Dominici, Del Priori, McClary, Cusick, Bonini Baraldi-, Tolbert, Mazo, Rosemberg, Nietzsche e outros, nós partimos da premissa de que existe uma correlação de ordem semântica e sonora entre Fedra e as lamentações rituais. Neste sentido, a investigação centrou-se no estudo dos sonogramas a fim de identificar de que maneira os materiais vocais encontrados estabelecem expressões afetivas. Constatamos que os lamentos e a música Fedra possuem forte aproximação, ainda que reconheçamos que determinadas estratégias assumidas pela compositora traduzem uma postura singular quanto à disposição dos sons e do significado.

This article proposes a discussion about the uses of silences and extended durations in works of composers associated with the German publisher Edition Wandelweiser. For this purpose, we present analysis of three works issued between 1994 and 2001: Klavierstück 2, by Jürg Frey; First Music for Marcia Hafif, by Antoine Beuger; and Space, by Michael Pisaro. With these analyses, we aim to reveal the different ways through which the composers are able to establish connections between these two main concepts, central in the chosen works, using highly contrasting forms of musical notation and structuring. Moreover, we introduce a reflection on the experience of time and silence that emerges from the interaction between the listener and these works. Therefore, this article seeks to contribute with the experimental music field through the disclosure and discussion of a musical production that has, throughout the last 26 years, consistently explored such relevant concepts. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

Este artigo traz uma reflexão sobre a experimentação sonora e possíveis paradoxos entre música, som e linguagem na produção artística contemporânea, a partir da apropriação das novas tecnologias digitais. No momento em que um instrumento acústico é acoplado a uma interface capaz de processar seu sinal, temos acesso às potencialidades mais intrínsecas do som. Valendo-se de processos investigativos que podem realizar o intercâmbio de dados e sinais originados em instrumentos acústicos, eletrônicos, computadores móveis, controladores, smartphones, redes de comunicação sem fios, sensores, objetos amplificados, etc., a experimentação a partir de aparatos digitais abriu uma fenda irreversível na fatura sonora, ampliando as possibilidades artísticas; o experimento sonoro, sua criação e difusão, estão cada vez mais próximos da pele, do tato, cada vez mais próximos ao corpo humano. Ao expandirmos o foco para além dos aspectos tradicionais do ritmo, melodia e harmonia, que estão atrelados a um certo período da música ocidental, e partirmos para uma escuta intensificada, percebemos a potência que o som representa, com suas nuances expressivas. Assim, a apropriação das novas tecnologias nas práticas artísticas possibilita a criação de um tipo específico de performance e composição ancoradas numa manipulação e escuta mais detalhadas do som, que podem vir a ser desvinculadas de uma referencialidade específica.

This paper presents remarks in the form of text about Repetitivo e Barulhento, an albun, audiovisual work and performance created by Luciano Zanatta and Ricardo de Carli. The authors are members of the Research Group on Sound Creation of UFRGS and Medula - collective of sound experimentation. Technical and conceptual aspects of the creative process and memorial reports from the authors are presented in the form of a discourse that alternates between first and third person. Repetitivo e Barulhento dialogue with the fields of popular music and noise from a perspective of experimental music. The text presented here is not meant to be an external commentary on the work to which it refers and rather is an additional layer in the composition, thus following the principles of thinking while doing that characterize artistic research as a research modality. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

In this article we report moments of the creative production of the group Obra Aberta, based in Campinas-SP and dedicated to experimental music and improvisation, in which the performers direct their listening practice based on consolidated proposals in this field. The purpose of this article is to clarify how listening, as part of the cycle of creative process, influenced the way the group plays and creates music. Such directions in listening are based on the concepts of reduced listening by Pierre Schaeffer, deep listening by Pauline Oliveros, and the idea of virtual movement of sounds by José Augusto Mannis, which were studied and trained through improvisation and listening exercises, as well through the performance of improvised pieces of music. The results are discussed based on José Augusto Mannis' concepts concerning the creative process, whose main idea is that of a process that occurs through the continuous interaction between the instances of perception, analysis and synthesis. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

Este trabajo inicia su desarrollo teórico en la influencia de la música folklórica en los compositores de la música clásica. Para este propósito tomamos como ejemplo a los compositores y músicos de origen húngaro Béla Bartók, Zoltán Kodály. Éstos músicos son considerados en este trabajo como los antepasados más inmediatos de los músicos experimentales norteamericanos. Sobre todo, por la pasión e influencia de la música folclórica. En el presente texto se toman como exponentes de la música experimental norteamericana a los músicos John Cage, Lou Harrison y Carl Ruggles. Las obras de estos músicos serán consideradas en este trabajo como experiencias del sonido. En estos compositores analizaremos el concepto de música como experiencia, sensación, emoción, tiempo y origen. Rasgos que son compartidos por la música folclórica y por la música experimental. Sin olvidar en este trabajo, y en sus consideraciones finales, la relación entre el músico, la creación, la sociedad y el arte.

The paper reflects on some contemporary productions labeled as Sound Art and created by artists as diverse as Christian Marclay, Anri Sala, Aki Onda, Anders Lauge Meldgaard etc. The aim here is to make an effort of understanding of such proposals, trying to understand -- from direct confrontation with the works analyzed -- how contemporary art continues in the dissolution of categories and hierarchies inaugurated by the composer, poet and philosopher John Cage. Some historiographical expressions -- especially postmodernism, post-medium and post-production -- used to define the contemporary artistic practice, are discussed in parallel. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

We will approach the relationship between the piece for solo voice Fedra (2014) by Brazilian performer/ artist Lilian Campesato and the lamentations practice in funeral rites and female characters in Greek tragedy searching for the discourses and signs of emotion and the role women play in these. Considering authors such as Bourdieu, Perrot, Dominici, Del Priori, McClary, Cusick, Bonini-Baraldi, Tolbert, Mazo, Rosemberg, Nietzsche and others, to support our argument we assume that Fedra and ritual laments have semantic and sound correlations. We analyzed the music based on the study of sonograms in order to identify how the vocal materials of Fedra provide affective expressions. We noted that the laments and the Fedra music have strong similarities even though we recognize that the composer assumes and chooses some strategies that reflect a singular stance with regard to the arrangement of sounds and meaning. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

The present article describes the phenomena of experimental electronic music from Portugal, which is founded on concepts originating from the vanguards of the XX century. Starting from the crisis, which affected the 1900's music, this short study presents the evolution of the noise connotation and the development of experimental electronic music. That, being always a cultural phenomena linked to alternative culture is also present in Portugal. For the current article were chosen three musical projects: structura, Eletrólise and M -Pex, which can be considered representative for the topic of the article. [ABSTRACT FROM AUTHOR]