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The purpose of this article is to examine French literary and philosophical cultural transfers to South Vietnam through the journal Bách Khoa. This study is also part of a postcolonial perspective in that many forms of knowledge resulted from contact between France and Vietnam, a formerly colonized country ; these forms of knowledges are currently considered the intellectual heritage from the West It would thus be useful to take into account the process of imports and interpretations of Western knowledge to highlight the construction of the South Vietnamese intellectual field, which is based on an interweaving of different cultures in the aftermath of French decolonization. We will consider the journal Bách Khoa as a vector of literary and philosophical cultural transfers and the collaborating authors as mediators of French ideas in South Vietnam. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

The article presents the profile of Louis Dumur, a French writer of Swiss origin, one of the founders and indefatigable editor of new Mercure de France. Although Dumur was an average poet and playwright and author of nationalist texts, he wrote a novel Un coco de génie (1902), in which he addresses the issue of the writer's vocation and the mission of literature. The story of a seedman's son, who suddenly discovers his literary talent and faces reluctance from the uncultivated local community, is a satire on the petty bourgeoisie society. It is all the more virulent because the young creator turns out to be a somnambulist who recreates masterpieces of world literature. This unconscious rewriting leads the first-person narrator of the novel to reflect on the process of creating itself. Thus Dumur anticipates the appearance of the concept of intertextuality and the text being a mosaic of quotations. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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Nous allons essayer d'identifier ce qui œuvre derrière la création de deux artistes nés dans deux pays du Nord, Fiodor Dostoïevski (1821–1881) en Russie, et Anna-Eva Bergman (1909–1987) en Norvège. Parmi leurs œuvres, nous allons nous appesantir sur Les frères Karamazov , une œuvre qui résume toutes les interrogations de leur auteur, et sur l'évolution des peintures de Bergman. Ils font appel chacun à un désir instinctuel pour se constituer une bibliothèque de souvenirs, écrits pour l'un, peints pour l'autre. De quoi se soutient ce désir instinctuel ? Nous faisons l'hypothèse que c'est la forme que prend leur jouissance. Cette jouissance est développée différemment dans leur œuvre, circonscrite dans un personnage chez Dostoïevski, diffuse dans les tableaux de Bergman. Elle apparaît genrée dans le produit de leur création, mais pas dans leur processus de création. Des hypothèses mises au travail dans cet article. We will try to identify what lies behind the creation of two artists, born in two northern countries, Fiodor Dostoyevsky (1821–1881) in Russia, and Anna-Eva Bergman (1909–1987) in Norway. Among their works, we will focus on The Brothers Karamazov , a work that summarizes all the questions of its author, and on the evolution of Bergman's paintings. They each appeal to an instinctual desire to create a library of memories, written for one, painted for the other. What underpins this instinctual desire? We hypothesize that this is the form that their pleasure takes. This enjoyment is developed differently in their work, circumscribed in a character for Dostoyevsky, diffused in Bergman's paintings. It appears gendered in the product of their creation but not in their creative process. These are the hypotheses applied in this article. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

La littérature peut offrir un large éventail de possibilités d’inclusion en classe de français langue maternelle, et plus encore en classe de français langue étrangère (FLE), notamment dans le cadre de l’enseignement-apprentissage à des apprenants réfugiés. En effet, le texte littéraire, par ses caractéristiques d’universalité, de polysémie et d’altérité, permet d’aborder une didactique de la subjectivité médiée par un enseignant garant de l’exégèse du texte. En outre, par le motif du récit migratoire, la littérature met en abîme une double altérité qui permet une meilleure identification des apprenants allophones ayant tous été en butte à un choc culturel. Enfin, la littérature est un genre particulièrement désigné pour l’acquisition de la compétence culturelle dont nul ne conteste la place dans la classe de FLE désormais. Enfin, par l’écriture créative empruntant aux genres fictionnels, la littérature, pour des apprenants allophones et surtout migrants, permet une appropriation de leur itinéraire, condition à une meilleure inclusion dans la société d’accueil.

Les auteurs de cet article visent à comprendre comment les conceptions de pratiques sociales de référence peuvent contribuer à reconfigurer un objet d’enseignement. Dans le cas présent, ils s’intéressent à l’objet « poésie ». Une analyse de contenu du discours de 32 poètes québécois contemporains confronté à celui de 20 enseignants du secondaire a été réalisée de façon à cerner les complémentarités et les distinctions dans leurs conceptions. Quelques aspects communs ont été identifiés à première vue : la poésie est associée à un travail sur la langue, à l’expression de soi, à des visions du monde représenté et à des dimensions de l’expérience esthétique. Toutefois, les justifications que donnent les uns et les autres pour décrire ces aspects diffèrent à plusieurs égards. Les résultats ouvrent la voie à une reconfiguration de la poésie en tant qu’objet d’enseignement. Ainsi, une transposition didactique de savoirs permettant de développer un rapport plus expérientiel et créatif à la poésie comme le défendent les poètes s’ajouterait à la dimension cognitive qui domine dans les conceptions des enseignants.

Dans cet article, nous explorons le croisement possible entre littérature, apprentissage, migration et approche ludique. Nous commençons par expliciter trois postulats de départ, selon lesquels il est possible et pertinent d’adopter une approche ludique en lien avec des sujets sérieux ; d’aborder en classe la littérature par le jeu ; d’aborder la littérature, l'apprentissage et la migration au prisme du jeu. Nous proposons ensuite cinq principes pédagogiques incontournables pour une praxis ludique réussie. Nous finissons par l’identification de cinq pistes pratiques pour la classe de langue, de littérature ou de médiation culturelle.

Le drogman est la clé de la communication entre les voyageurs romantiques et l’Orient, vu qu’ils en ignoraient les langues ; mais malgré cela, ils en brossent, dans leur relation viatique, un portrait équivoque qui surprend le lecteur ; malgré sa présence quasi permanente aux côtés des voyageurs, ceux-ci mettent en avant ses défauts et par moments son incapacité à bien traduire et remettent au second plan sa serviabilité ainsi que les multiples compétences dont il fait preuve au quotidien. Le présent article cherche à cerner le portrait ambivalent que brossent les voyageurs de leur drogman et à tenter d’en comprendre les raisons.

Dans le cadre du MOOC « Enseigner la littérature en FLE », nous nous intéressons à des écrivaines translingues et à leur parcours d’apprentissage : Chahdorrt Djavann arrivée seule d'Iran en France, fuyant le régime des mollahs, Laura Alcoba exilée d’Argentine à l'adolescence et l'Anglo-Canadienne Nancy Huston, installée en France par choix depuis quelques décennies. Nous étudierons d'abord le récit rétrospectif qu'elles font de leur laborieuse expérience d'apprentissage du français ; puis nous approfondirons le rôle actif de la littérature dans cet apprentissage et le résultat obtenu avec une œuvre mondialement reconnue.

Les crises sociales contemporaines nous incitent à trouver des manières d’y résister. Parmi les pistes possibles, nous nous demandons comment l’école et la littérature pourraient contribuer à former des êtres humains véritablement heureux. Plus spécifiquement, nous avons quatre grands objectifs : analyser le rôle de la littérature par temps de crise ; observer les textes littéraires comme sources de créativité et de réflexivité ; montrer que la notion de bonheur recouvre plusieurs genres littéraires et étudier l’importance du genre conte en salle de classe. Ces réflexions seront enrichies par les travaux d’Hétier (2021), Coelho (2008), Defays (2014), entre autres.

Ce travail, lié au projet de recherche Littérature et d’autres langages – relectures comparées et enseignement de la littérature, présente des résultats d’une recherche menée par des enseignants de langue et de littérature françaises du cours de Lettres portugais/français dans une université brésilienne, à partir d’une proposition de lecture littéraire subjective et comparée. Cette proposition se fonde sur des lectures de Rouxel (2018), Langlade (2007), Lemarchand Thieurmel (2014) et Bakhtine (1992,1997), entre autres. Les résultats obtenus à travers l'évaluation de carnets du lecteur démontrent, entre autres résultats, que l’utilisation de ces carnets, au cours du processus de lecture, contribue à la prise de conscience, chez le lecteur, de l'aspect littéraire subjectif.

The article analyzes the ‘Basque violence’ as a case study of the transdisciplinary investigation approach of cultural narratology. The phenomenon of violence, complex in both social and psychological terms, requires symbolization and linguistic-narrative forms, tobecome a socially and culturally significant reality. Departing of this idea and starting from a reconstruction of the basic theoretical-methodological assumptions of cultural narratology, the article explores images and narratives, which represent the violent past of the Basque conflict. While the debate about the violent past associated with the activity of Euskadi Ta Askatasuna (ETA) is full of controversies, there can be observed at the same time a strongpresence of the subject of violent past in literary and filmic narratives. The article reconstructs different lines of the historical interpretation of this so-called ‘boom of memory’, focusing the aesthetic, mediatic and narratological dimensions.

On April 12, 1919, Paris police arrested Henri Désiré Landru, a man who had spent the last four years of war luring women into engagements and confiscating their assets. Many of them were never seen again. Landru, charged with their murders, became an international media sensation—the inspiration for popular crime stories, including books, articles, films, television and radio programs, and theatrical performances, from his execution in 1922 to 2020. This article examines these stories for the revealing ways they bring together conceptions of war and violent crime. It considers a 1926 nonfiction account of Landru by the South African journalist and military veteran William Bolitho, the film Monsieur Verdoux (1947) written by Charlie Chaplin, Claude Chabrol's film Landru (1963), and a 2006 graphic novel by Christophe Chabouté. These narratives suggest, and this article argues, that stories about Landru—and the multiple murders he committed for profit—have served, at various times and in various places, as vehicles for critiquing warfare and the societies that embrace it. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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Cette recherche porte sur l'œuvre de Arthur Conan Doyle et son célèbre détective Sherlock Holmes considéré comme un véritable mythe séculier. Sa célébrité à travers le monde est exceptionnelle. Le détective se joue de la limite entre réalité et fiction pour s'installer profondément et durablement dans la surréalité psychique individuelle et collective. Paradoxalement, le médecin écossais Arthur Conan Doyle portait très peu d'estime littéraire à son célèbre héros et préférait de beaucoup ses autres romans : « Mes plus basses œuvres rejettent dans l'ombre ce dont je suis le plus fier ». En 1893, il assassine sa créature dans le numéro 36 du Strand Magazine où il publie Le dernier problème. A.C. Doyle reçoit d'innombrables courriers de lecteurs scandalisés l'insultant et lui demandant la renaissance du héros. Dans le cadre d'une réflexion en psychopathologie clinique sur le travail de création de Doyle, c'est ce paradoxe qui est ici exploré à travers l'analyse des liens entre Sherlock Holmes et John Watson. Le rôle stratégique de l'inséparable chroniqueur-narrateur John Watson dans cette fiction détective est envisagé à la fois comme le miroir de l'anacilitisme créatif de Doyle et de l'étayage constant de Sherlock Holmes pour déployer ses talents d'observation et la maestria de sa logique indicielle. La méthode iconoclaste du consulting détective y est envisagée comme caractéristique d'une créativité anaclitique. Ce tableau d'un cadre intersubjectif entre le détective et la « présence-soutien » de Watson propice aux dénouements de crises ne laisse pas insensible le clinicien se référant à la psychanalyse. En littérature, le « corps de l'œuvre » n'est pas toujours là où le souhaite consciemment l'auteur ! Cette écriture manquée de soi de Doyle est une source d'inspiration pour le clinicien. This research focuses on the work of Arthur Conan Doyle and his famous detective Sherlock Holmes, considered a true secular myth. His worldwide fame is exceptional. The detective plays with the boundary between reality and fiction to establish himself deeply and durably in individual and collective psychic surreality. Paradoxically, the Scottish physician Arthur Conan Doyle had very little literary regard for his famous hero, and much preferred his other novels: "My lowest works cast into the shadows that of which I am most proud." In 1893, he murdered his creation in issue 36 of The Strand Magazine , where he published "The Final Problem." Doyle received countless letters from outraged readers insulting him and demanding the rebirth of the hero. As part of a clinical psychopathological reflection on Doyle's creative work, this paradox is explored here through an analysis of the links between Sherlock Holmes and John Watson. The strategic role of the inseparable chronicler-narrator John Watson in this detective fiction is seen both as a mirror of Doyle's creative anaclitism and as a constant support for Sherlock Holmes' deployment of his observational skills and the mastery of his indexical logic. The consulting detective's iconoclastic method is seen as characteristic of anaclitic creativity. This picture of an intersubjective framework between the detective and Watson's "presence-support," conducive to crisis resolution, does not leave the psychoanalytically-oriented clinician unmoved. In literature, the "body of work" is not always where the author consciously wishes it to be! Doyle's unwitting self-writing is a source of inspiration for the clinician. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

À partir d'un entretien avec François Laplantine, anthropologue, professeur émérite de l'université Lumière Lyon 2, il s'agit d'explorer les principaux jalons de son parcours, de la philosophie du mal à l'anthropologie de la maladie et à l'ethnopsychiatrie, en particulier l'ethnopsychiatrie psychanalytique, puis des travaux sur le Brésil et le Japon à une centration sur la thématique de la création artistique. La méthode consiste en un entretien réalisé avec François Laplantine. Les questions concernent d'abord sa formation personnelle, puis les raisons de l'évolution des thèmes sur lesquels portent ses ouvrages et enfin sur son exploration de divers champs de la création, littérature, cinéma, théâtre et danse contemporaine. François Laplantine évoque son passage de la philosophie du mal, avec sa première thèse en philosophie sous la direction de Paul Ricœur, à l'anthropologie de la maladie, avec la rencontre de Devereux. Il décrit ses travaux sur la question des métissages, puis son passage de la psychanalyse à une initiation au Candomblé au Brésil, pratique du multiple qu'il rapproche de différentes formes du théâtre en France. Il parcourt alors l'évolution de ses écrits, à partir de ses explorations au Brésil et au Japon, vers la création artistique, notamment la littérature, la musique, la danse, le cinéma. Il évoque l'œuvre de nombreux artistes et aussi différents types de mises en scène des catastrophes, notamment des mises en scène minimalistes dans le théâtre japonais, avec le Nō, le butô. La question du langage, de l'indicible et de l'invisible, apparaît au cœur de son travail par rapport à la création. Il évoque aussi ses travaux sur l'imaginaire, le hors-champ, ainsi que sur le temps et l'espace, en lien avec la problématique de la création. François Laplantine défend l'idée qu'une mission des arts contemporains est de tenter de dire la catastrophe ; il explore les limites du langage et avance que l'une des fonctions du théâtre et plus encore de la danse contemporaine consiste dans la mise en scène du drame de l'insuffisance du langage. Le recours à la création artistique s'impose comme une nécessité, dans la tension entre dire et montrer. L'exploration de la création artistique apparaît comme une voie royale pour un anthropologue comme François Laplantine. Based on an interview with François Laplantine, anthropologist and professor emeritus at the University Lumière Lyon 2, the aim is to explore the main milestones in his career, from the philosophy of evil to the anthropology of illness and ethnopsychiatry, in particular psychoanalytic ethnopsychiatry, then from work on Brazil and Japan to a focus on the theme of artistic creation. The method consists of an interview with François Laplantine. The questions deal first with his personal background, then with the reasons for the evolution of the themes on which his works are based, and finally with his exploration of various fields of creation: literature, cinema, theatre and contemporary dance. François Laplantine describes his transition from the philosophy of evil, with his first thesis in philosophy under the supervision of Paul Ricœur, to the anthropology of illness, with his encounter with Devereux. He describes his work on the question of métissages, then his transition from psychoanalysis to an initiation into Candomblé in Brazil, a practice of the multiple that he likens to different forms of theatre in France. He then traces the evolution of his writings from his explorations in Brazil and Japan to artistic creation, particularly literature, music, dance, and film. He discusses the work of many artists, as well as different types of staging of disasters, particularly minimalist stagings in Japanese theatre, with nō and butô. The question of language, of the unspeakable and the invisible, appears central to his work in relation to creation. He also discusses his work on the imaginary and the off-screen, as well as on time and space, in relation to the issue of creation. François Laplantine defends the idea that one of the missions of contemporary arts is to attempt to express catastrophe; he explores the limits of language and argues that one of the functions of theatre, and even more so of contemporary dance, is to stage the drama of the inadequacy of language. Recourse to artistic creation is a necessity, in the tension between telling and showing. Exploring artistic creation appears to be a royal road for an anthropologist like François Laplantine. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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Le Quichotte de Cervantès occupe une place singulière dans l’histoire de la traduction littéraire en langue française, au moins parce qu’il a fait l’objet d’incessantes retraductions. Mais l’ouvrage retient l’attention parce que la traduction y est thématisée pour elle-même en deux endroits. Cervantès, en jouant avec les codes du roman de chevalerie, pose le cadre général d’une réflexion théorique sur la traduction dont on cherchera ici à souligner les principales tensions constitutives. En intériorisant ses propres origines fictives et traductives, dans un intermède à cheval entre les chapitres viii et ix, le Quichotte évoque à la fois l’idée d’une traduction impossible, mais aussi celle de la traduction comme une modalité particulière de lecture où s’origine la littérature moderne comme quasi-monde (Ricœur) propice aux échanges textuels. Il s’agira finalement de montrer que, ce faisant, Cervantès fait signe à la fois vers le structuralisme et la tradition herméneutique, et leur articulation problématique.

La zoopoétique étudie la pluralité des moyens stylistiques, linguistiques et narratifs qui permettent de restituer la diversité des émotions et des comportements animaux, tout comme la pluralité de leurs mondes. Comment ce champ de recherche s’inscrit-il dans les études littéraires environnementales ? Comment la zoopoétique permet-elle de renouveler les manières dont on étudie la littérature, de l’école à l’université ? Directrice de recherche au CNRS et professeure attachée au département de Littératures et Langage à l’École normale supé­rieure (Paris), Anne Simon est une chercheuse française en études littéraires et philosophiques. Spécia­liste de Proust, elle a orienté son travail sur le vivant et l’animalité en littérature, développant le champ de la recherche en zoopoétique. Elle a notamment publié Une bête entre les lignes. Essai de zoopoétique (Marseille, Wildproject, 2021). Elle est responsable du programme de recherche « Animots », subventionné par l’ANR entre 2010 et 2014 et désormais soutenu par l’unité République des savoirs (CNRS/ENS/Collège de France – PSL).

La notion de « litt&nature » permet de mettre au jour un corpus international de textes hybrides au statut incertain et mal identifié, ni vraiment « scientifiques », ni vraiment « littéraires », qui portent la marque d’une tension entre deux modes de connaissance de la nature. Prenant acte des principales difficultés qui empêchent encore actuellement l’élaboration d’une méthode critique générale qui permette de penser cette tension, les auteurs du Dictionnaire de litt&nature (à paraître aux Classiques Garnier en 2025) se proposent de contribuer, par la participation d’un ensemble de contributeurs, à l’effort de théoriser l’inscription des savoirs de la nature dans la littérature. L’objet dictionnaire s’y prête tout particulièrement.

Confrontées à la crise environnementale qui met en question la survie de l’humanité, nos sociétés occidentales contemporaines doivent inventer de nouvelles manières d’habiter la Terre. Selon Nathalie Blanc, l’art et la littérature, ainsi que la recherche qui y est associée, ont un rôle à jouer dans ce domaine : parce qu’ils permettent de développer de nouveaux imaginaires, ils contribuent à mettre en œuvre de nouveaux rapports entre nature et culture. Nathalie Blanc est géographe, directrice de recherche au CNRS, et dirige le Centre des Politiques de la Terre (Université Paris Cité / Sciences Po) qu’elle a co-fondé en 2019. Ses travaux portent sur la nature en ville, et plus particulièrement sur la dimension culturelle des relations avec la nature au centre des projets de politique locale. Engagée dans une démarche de recherche-création, elle interroge le rôle de l’art et de la créativité dans les mobilisations environnementales.

Le champ intellectuel et littéraire français au XXème siècle est profondément marqué par l’impact du périodique. La révolution médiatique, propulsée par la fondation le 09 janvier 1918 du Syndicat national des journalistes, a significativement et durablement marqué la vie littéraire en France, l’interpénétration entre journalisme et littérature étant devenue prégnante dès la décennie 1920-1930 où la scène du périodique est prise d’assaut par des écrivains. Les frontières entre les deux macro-scènes s’en trouvent même brouillées puisque des journalistes, tel Albert Londres, intègrent la Société des gens de Lettres sans avoir publié une seule œuvre littéraire au sens classique du terme. En fait, on n’en prend pas souvent la mesure, la pratique journalistique a ciselé en amont autant les préoccupations thématiques ultérieures que l’identité scripturale de futurs écrivains de renom. La présente étude, axée sur l’expérience d’Albert Camus, tente de montrer que contrairement à ce qu’il y paraît, le journalisme a été un creuset d’incubation pour l’écrivain consacré, prix Nobel de littérature. En s’appuyant sur les outils complémentaires et convergents de la sociocritique, de l’analyse du discours et des théories en régime médiatique, la réflexion souligne en quoi Camus-écrivain prend sa source dans Camus-journaliste et vice-versa. Abstract The French intellectual and literary field of the twentieth century is deeply touched by the impact of the periodic. The media revolution propelled by the foundation of the ninth of January of labour Union of national journalist. It has significantly and durably touched the literary life in France, the interpenetration between journalism and literature has become usual from the decade 1920-1930 where the periodic scene was dominated by writers. The borders between the two macro scenes are not even mixed up because some journalists like Albert Londres come into the world of literary novel classically talking. In fact we don’t often take it serious, the work of pressmen has turned down both the former thematic concerns and the identity of scriptural writers of high rank. This current study based on Albert Camus experience tries to show that contrarily to what it seems, the journalism is a sources of knowledge for a renowned writer who won the Nobel Prize of literature. Focusing on the complementary and converging tools of the criticism side of the society, the analysis of the speech, and some theories of the media lifestyle, we can see why Camus as a writer inspire himself from Camus-journalist and vice versa.

Quelques rares publications témoignent des liens établis entre les « géographies de la santé » et la littérature d’imagination. Dans cette filiation, nous souhaitons ajouter une contribution, basée sur le livre de Céline : Voyage au bout de la nuit (1932). Ce roman écrit par un médecin/écrivain, nous semble appeler une attention particulière, bien que l’auteur Louis Ferdinand Destouches, alias Céline, se soit gravement compromis au moment du second conflit mondial, notamment par la publication de pamphlets antisémites.Comme nos prédécesseurs, nous avons utilisé le concept de « paysages thérapeutiques » pour la présentation et l’organisation de nos analyses. Dans ce roman quasi autobiographique, nous retrouvons les paysages d’inégalités et d’injustices spatiales et sociales qui impactent en profondeur les questions relatives à la santé et de façon plus originale, une critique des pratiques médicales. Contrairement à ce que la réputation sulfureuse de l’auteur laisse présager, nous proposons d’interpréter les « paysages symboliques » céliniens comme autant d’artefacts émanant d’une posture inspirée d’éthique religieuse.

À travers l’étude attentive d’une poignée de romans contemporains où le parcours et le mouvement dans la ville sont constitutifs de la dynamique de la narration, nous nous intéressons ici à la mise en mouvement de la ville, à l’écriture rendant compte d’un foisonnement d’impressions visuelles, dans les magmas urbains des grandes villes brésiliennes. Ce faisant, nous apporterons une réflexion sur les points de jonction entre des écritures fictionnelles et les arts visuels que sont la photographie et le cinéma.

La littérature est une des clés de la décolonisation des savoirs. Souvent minorée par les philosophes, qui ont appris à en faire la « matière » de leur mise en « forme », la littérature, au contraire, est une formation à la décolonisation des savoirs. C’est d’abord en elle qu’a lieu, sur le plan discursif, la transformation du non-être en être et de l’ « objet » en « sujet ». Dans cette perspective, la philosophie gagne à devenir « philosophie mineure » ou « philosophie pirate », et à entendre les leçons de la littérature qui, comme celles de l’histoire, sont excessivement difficiles à connaître. Cette communication a ainsi le sens d’un programme de travail, programme de « désordre absolu ».

This article describes the stages of fable creation by future FFL teachers in Colombia, based on the observation of school situations during the development of their pedagogical practices. The methodology used to analyze a corpus of twenty-two created texts is included, which made it possible to identify the most recurrent problems in the classroom and their direct relationship with the writing process, taking into account the characteristics of the literary genre fable. This article describes the stages of fable creation by future FFL teachers in Colombia, based on the observation of school situations during the development of their pedagogical practices. The methodology used to analyze a corpus of twenty-two created texts is included, which made it possible to identify the most recurrent problems in the classroom and their direct relationship with the writing process, taking into account the characteristics of the literary genre fable. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

Copyright of Ricoeur Studies / Etudes Ricoeuriennes is the property of University of Pittsburgh, University Library System and its content may not be copied or emailed to multiple sites or posted to a listserv without the copyright holder's express written permission. However, users may print, download, or email articles for individual use. This abstract may be abridged. No warranty is given about the accuracy of the copy. Users should refer to the original published version of the material for the full abstract. (Copyright applies to all Abstracts.)

Contemporary narrative features a number of investigative authors who are part of a dynamic of inquiry : investigations in archives, both genealogical and judicial, field research, testimony gathering, trial chronicles. The labyrinth motif not only blurs the lines of enquiry, demonstrating how difficult it is to grasp reality, but also renews the territories of fiction and non-fiction. In this article, we show how contemporary authors engaged in a quest for missing persons or the unveiling of a truth, use the labyrinth motif in their investigative narratives. The labyrinth motif expresses the complexity of the investigations carried out by the authors in their role as investigators. In this way, the labyrinth becomes a metaphor for the authors' creative work, in contact with past and present time. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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Cet article explore les figures du corps dans le processus créateur de l'œuvre autobiographique de Georges Perec, W ou le souvenir d'enfance , et aussi Un homme qui dort. Il propose d'interroger la façon dont l'ombre des parents de Perec disparus dans sa petite enfance est tombée sur son corps et sur le corps de son écriture, en écho avec la fameuse expression de Freud pour définir la mélancolie : « l'ombre de l'objet est tombée sur le moi ». De façon générale, dans la continuité des travaux de Didier Anzieu sur le Corps de l'œuvre , mais à partir d'une autre hypothèse originale, cet article vise à définir le rôle joué par l'ombre de l'objet qui tombe sur le corps dans le processus créateur d'œuvres contemporaines. Un second objectif de cet article vise à interroger, à la lumière de l'évolution des paradigmes actuels de l'interprétation psychanalytique, une clef interprétative de l'œuvre de Perec, comme du processus créateur en général, articulée autour de la nécessaire représentation de l'absence de l'objet, au détriment d'autres modalités d'interprétation. La méthode d'écoute du texte littéraire s'inspire ici de la clinique analytique : cet article propose une lecture de W ou le souvenir d'enfance et de L'homme qui dort à la lumière d'une pratique analytique avec des patients qui, comme Perec, disent ne pas avoir de souvenirs d'enfance et apparaissent marqués par des deuils et/ou des traumatismes majeurs dans leur petite enfance. La clinique contemporaine nous confronte en effet particulièrement à des états de retrait de la subjectivité que tentent précisément de représenter de nombreuses formes de l'art contemporain : l'interaction entre une approche psychanalytique de l'œuvre de Perec et la clinique psychanalytique permet de mettre en lumière certaines particularités du processus créateur. Notre méthode consistera dans un premier temps à suivre le seul fil du texte de W ou le souvenir d'enfance , pour en écouter l'associativité, sans nous référer à des biographies de Perec. Il s'agira de se mettre à l'écoute des impressions sensorielles évoquées dans le texte, et de l'associativité de l'écrivain à partir de ses vécus corporels d'enfant. Cette contribution avance l'hypothèse du rôle joué dans le processus créateur par l'identification incorporative. L'ombre des corps des parents de Perec apparaît notamment dans la fiction autobiographique de W , écriture d'un corps en îlots éclatés : fragments de corps/mémoire concassés, fracassés, massacrés, pétrifiés, autant de traces énigmatiques de la présence des objets qui prennent une cohérence au fil de notre lecture. Selon cette perspective, l'écriture serait destinée, de façon inconsciente, à « désincorporer », pour ainsi dire, les objets pétrifiés dans l'écrivain, en tentant d'émerger d'une pétrification psychique. L'homme qui dort , fiction autobiographique en lien avec la fin d'adolescence de l'auteur, est habité par l'ombre de ce qui n'a pas eu lieu avec l'objet et ce texte invite le psychanalyste, notamment dans la clinique analytique avec des patients souffrant de dépression chronique, à tenter de dégager le patient des incorporats mélancoliques pour qu'il puisse sortir de la pétrification et réanimer sa vie psychique. Dans le processus créateur des deux livres de Perec, comme dans l'écoute de patients dans des problématiques limites, il s'agit de repérer une forme d'associativité dans l'enchaînement de sensations hallucinées, tels les signifiants formels qui relèvent de formes primaires de symbolisation et qui racontent en quelque sorte les modalités premières du lien à l'objet. Cette analyse du processus créateur à partir des figures du corps et du rôle joué par les identifications incorporatives permet de discuter une approche psychanalytique à partir d'une théorisation de la symbolisation de l'absence dans la cure dans la présence/absence de l'analyste qui permettrait de faire le deuil de la mère. L'œuvre autobiographique de Perec résonne avec l'écoute analytique de certains patients qui disent aussi ne pas avoir de souvenir d'enfance. Une façon d'écouter les vécus de blanc, d'effacement, ou encore d'anéantissement, avec des zones de retrait de la subjectivité, consiste à écouter la façon dont l'ombre de l'objet est tombée sur le corps du patient... Le travail analytique consiste à tenter de tramer les vécus corporels disparates à des fragments de souvenirs en lien avec l'objet, bref à recontextualiser des impressions sensorielles dans l'histoire des liens précoces du patient aux objets. La dynamique de l'acte créateur, dans l'écriture comme dans la cure, renvoie ainsi à une contrainte interne de donner forme et sens à des vécus traumatiques enracinés dans le corps. This article delves into an understanding of the figures of the body in the creative process of Georges Perec's autobiographical work, "W or the Memory of Childhood," as well as "A Man Asleep." It seeks to examine how the shadow of Perec's parents, who disappeared during his early childhood, cast itself upon his body and his writing, resonating with Freud's famous expression to define melancholy: "the shadow of the object has fallen upon the ego." Drawing inspiration from Didier Anzieu's work on the "Body of the Work," this article aims to define the role played by the shadow of the object that falls upon the body in the creative process of contemporary works. Additionally, it aims to explore an interpretative key for Perec's work and creative processes in general. This exploration takes place in light of the evolving paradigms of current psychoanalytic interpretation, focusing on the crucial representation of the object's absence, as opposed to other modes of interpretation. The method employed for "listening" to literary texts draws inspiration from clinical psychoanalysis. This article proposes an examination of "W or the Memory of Childhood" and "A Man Asleep" through the lens of psychoanalytic practice with patients who, like Perec, claim to lack childhood memories and show signs of being marked by significant losses and/or traumas during their early years. Contemporary clinical practice often encounters states of subjective withdrawal that numerous forms of contemporary art attempt to represent. The interaction between a psychoanalytic approach to Perec's work and psychoanalytic clinical work can shed light on certain particularities of the creative process. The focus will be on listening to the sensory impressions conveyed in the text and the writer's associations stemming from his bodily experiences as a child. This contribution puts forth the hypothesis of the role played in the creative process by incorporative identification. The shadow of Perec's parents' bodies is particularly evident in the autobiographical fiction of "W," where the writing portrays a body fragmented into shattered islands – memories and body parts crushed, wrecked, and petrified. These enigmatic traces of object presence gradually gain coherence as we progress in our reading. According to this perspective, the writing is unconsciously driven to "disincorporate," so to speak, the petrified objects within the writer, attempting to emerge from psychic petrification. In "A Man Asleep," another autobiographical fiction related to the author's late adolescence, the shadow of what did not take place with the object inhabits the narrative. This text encourages the psychoanalyst, particularly in clinical practice with patients suffering from chronic depression, to try to release the patients from melancholic incorporations, enabling them to break free from petrification and revitalize their psychic life. In the creative process of Perec's two books, as well as in listening to patients with borderline issues, the aim is to identify a form of associativity in the sequence of hallucinated sensations, much like the formal signifiers that stem from primary forms of symbolization. These signifiers somehow narrate the initial modalities of the relationship with the object. This analysis of the creative process based on the figures of the body and the role played by incorporative identifications opens up a discussion on a psychoanalytic approach centered around the theorization of the symbolization of absence in the therapeutic process, specifically in the presence/absence of the analyst. This approach could facilitate the process of mourning the mother. Georges Perec's autobiographical work resonates with the analytical listening to certain patients who also claim to have no childhood memories. One way of listening to experiences of blankness, erasure, or annihilation, with zones of withdrawal from subjectivity, involves paying attention to how the shadow of the object has fallen upon the patient's body. The analytical work consists of attempting to weave together disparate bodily experiences with fragments of memories related to the object, essentially recontextualizing sensory impressions within the history of the patient's early attachments to objects. The dynamics of the creative act, both in writing and in therapy, thus involve an internal constraint to give form and meaning to traumatic experiences rooted in the body. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

H.P. Lovecraft (1890–1937) est un écrivain américain dont l'œuvre a renouvelé la littérature fantastique et inauguré un genre nouveau. Son maître premier est Edgar Allan Poe mais il a été également influencé par Lord Dunsany ou Arthur Machen. Auteur de très nombreux romans et nouvelles, mais aussi d'une correspondance riche de plusieurs dizaines de milliers de lettres (on dit jusqu'à 100 000 !), son monde est hanté par la dégénérescence des corps, la dissolution des limites de la réalité, la dangerosité de l'Autre et l'angoisse intense qu'il provoque. Préférant le contact médié par l'écriture à la présence physique réelle, Lovecraft fait état d'une xénophobie généralisée tendant au racisme et fondée sur le dégoût du corps de l'autre. L'objectif de ce travail est de saisir la dynamique psychique de cet écrivain de deux points de vue : celui de la psychopathologie et des différents diagnostics qui ont été émis et celui de sa capacité créative. L'histoire personnelle de H.P. Lovecraft ainsi que son œuvre littéraire, sa correspondance et les témoignages de personnes de son entourage servent de matériel pour décrypter chez lui le processus de création, les signes de sa position subjective ainsi que ceux pouvant relever du registre de la psychopathologie. L'écriture, dès l'enfance, a représenté pour Lovecraft une sauvegarde contre les dangers du monde extérieur, l'écran qui le protégeait du contact avec les autres et donc aussi du réel. Le génie littéraire de Lovecraft est absolument indissociable de son être. Lovecraft est devenu par ses propres moyens un être d'écriture, un scriptêtre plutôt qu'un parlêtre. Les hypothèses sur sa (psycho)pathologie, nombreuses et parfois contradictoires, ne peuvent en aucun cas rendre compte de son talent littéraire. Ce sont plutôt ses rêves qui le guident dans l'écriture de ses nouvelles. Davantage qu'un art, plus qu'une mise en forme de son angoisse, plus encore qu'un dépôt et un vidage de jouissance, l'écriture pour Lovecraft dresse l'écran imaginaire sur lequel le réel insupportable est signifié et saisi en tant que réalité. L'écriture est pour lui un exercice addictif, continu, protecteur et nécessaire : il ne cesse pas d'écrire. Par son extraordinaire ampleur – romans et correspondance –, elle prend précisément la place de l'imaginaire et c'est par elle que sont noués pour l'écrivain les registres du symbolique et du réel. Ainsi, chez lui, le rêve devient-il une source directe et continue de création. La sorte d'autobiographie constituée peu à peu dans sa correspondance, les témoignages de ceux et celles qui l'ont connu, ainsi que la lecture de son œuvre, ont permis d'établir à son propos différents diagnostics psychopathologiques qui seront soumis à discussion. Le parcours personnel de Lovecraft est celui d'un créateur malheureux sans doute, mais dont le travail d'écriture contribua néanmoins à la sauvegarde. Car c'est aussi d'un extraordinaire parcours d'autothérapie qu'il s'agit. Lovecraft ne connut pas la gloire ni la fortune de son vivant, mais ne pouvant faire autrement, il écrivit sans cesse jusqu'à sa mort, sans se préoccuper vraiment de réussite. L'écriture, dès l'enfance, a représenté pour lui une sauvegarde contre les dangers du monde extérieur, l'écran qui le protégeait du contact avec les autres et donc aussi du réel. Pour lovecraft, l'écriture fait sinthome et il parvient à se constituer un public, certes réduit, mais intelligent et admiratif, sur lequel il s'appuie pour construire peu à peu, mais assez vite, un réseau de relations sociales, d'abord médié par l'écriture puis, au fur et à mesure, de plus en plus direct. H.P. Lovecraft (1890–1937) was an American writer whose work renewed fantasy literature and inaugurated a new genre. His first master was Edgar Allan Poe, but he was also influenced by Lord Dunsany and Arthur Machen. Author of numerous novels and short stories, but also of a rich correspondence of several tens of thousands of letters (as many as 100,000, according to one count!), his world is haunted by the degeneration of bodies, the dissolution of the limits of reality, and the danger of the Other and the intense anguish that it provokes. Preferring the mediation of writing to the real physical presence, Lovecraft expresses a generalized xenophobia tending to racism and based on the disgust caused by the body of the other. The objective of this work is to grasp the psychic dynamics of this writer from two points of view : that of psychopathology and the various diagnoses that have been made, and that of his creative capacity. Lovecraft's personal history as well as his literary work, his correspondence, and the testimonies of people around him are used as material to decipher his creative process, the signs of his subjective position as well as those that could be related to psychopathology. Writing, from childhood on, represented for Lovecraft a safeguard against the dangers of the outside world, the screen that protected him from contact with others and therefore also from reality. Lovecraft's literary genius is absolutely inseparable from his being. Lovecraft became by his own means a being of writing, a scriptbeing rather than a talkbeing. The hypotheses about his (psycho)pathology, numerous and sometimes contradictory, can in no way account for his literary talent. It is rather his dreams that guide him in the writing of his short stories. More than an art, more than a formatting of his anguish, more than a deposit and emptying of jouissance, writing for Lovecraft sets up the imaginary screen on which the unbearable real is signified and seized as reality. Writing is for him an addictive, continuous, protective, and necessary exercise : he never stops writing. By its extraordinary extent – novels and correspondence – it occupies the place of the Imaginary, a space where the registers of the Symbolic and the Real are linked together. Thus, for him, the dream becomes a direct and continuous source of creation. The sort of autobiography that has gradually emerged from his correspondence, the testimonies of those who knew him, as well as the reading of his work, have made it possible to establish various psychopathological diagnoses about him that will be submitted for discussion. Lovecraft's personal journey is that of an unfortunate creator, but one whose writing nonetheless contributed to his survival. For it is also an extraordinary journey of self-therapy. Lovecraft did not achieve fame or fortune during his lifetime, but since he could not do otherwise, he wrote incessantly until his death, without really worrying about success. Writing, from childhood, represented a safeguard against the dangers of the outside world, the screen that protected him from contact with others and therefore also from reality. For Lovecraft, writing is a sinthome and he managed to build up a public, admittedly small, but intelligent and admiring, on which he relied, allowing for the gradual construction of a network of social relations, first mediated by writing and then, as time went by, more and more directly. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

Le 11 mars 2011, la terre tremble au Japon pendant environ 2 minutes. Le séisme déclenche un tsunami qui provoque à son tour un accident nucléaire de la même ampleur que celle de Tchernobyl. Dans Fukushima, récit d'un désastre, Michaël Ferrier nous raconte cette triple catastrophe ainsi que ses effets sur l'humain et le non-humain. S'il y a mille et une façons de faire la narration de ce triple évènement, Ferrier, lui, a choisi de nous faire percevoir aussi bien le visible que l'invisible, ce qui est percevable par nos sens comme ce qui ne l'est pas, et ce, en décloisonnant ce qu'on ne décloisonnait pas avant le XIXe siècle, à savoir, en tissant des passerelles entre science et technologie d'une part, et la littérature d'autre part. En effet, « qui mieux que les scientifiques sait faire parler, écrire et disserter le monde ? », nous dit Bruno Latour dans Politiques de la nature. Comment faire entrer les sciences en démocratie. (191) Le but de cet article est de montrer comment Ferrier s'approprie les sciences pour nous livrer un récit audacieux du tremblement de terre, du tsunami, de l'accident nucléaire ainsi que leurs ramifications sociales et politiques. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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Nous essayons de définir l’horizon de la pensée de Jean Starobinski en rendant compte de manière commentée des deux langages de la modernité. Jean Starobinski entre littérature et science, par Aldo Trucchio publié par BHMS en 2021. C’est un essai qui tente d’identifier la pensée de Starobinski, qui se base sur l’histoire du chevauchement entre le langage médical et la question littéraire et philosophique à travers les âges et sur la tentative de revaloriser certaines formes d’expression telles que la littérature, façonne d’autres facettes de l’art. Son approche est « sage » et s’affranchit de toute méthode réductionniste.

Le présent article focalise sur la notion de traduction spécialisée telle qu’elle est envisagée dans les approches théoriques de la traduction et dans les pages web professionnelles de langue française. L’article est structuré en deux sections. La première section résume les caractéristiques de la traduction spécialisée dans la littérature. La deuxième section synthétise les acceptions attribuées par les praticiens de la traduction à la notion de traduction spécialisée à travers des offres présentes sur des sites web d’agences de traduction de langue française.

L’acquisition de la compétence communicative constitue actuellement l’objectif fondamental dans le processus d’enseignement-apprentissage des langues étrangères. Par conséquent, nous visons à développer la sous-compétence culturelle à travers la civilisation française et la littérature rabelaisienne, encadrées dans une perspective interculturelle et transculturelle. L’inclusion de quelques unités parémiologiques, en tant qu’un élément intégratif de la culture-civilisation, la transversalité et les Objectifs de Développement Durable peuvent apporter une actualisation contemporaine au caractère historique et littéraire de l’enseignement du français langue étrangère.

L’article se propose de revenir sur l’itinéraire d’un genre ayant marqué l’histoire de la presse et de la littérature mexicaine : le roman feuilleton. En partant des textes fondateurs du genre, il montre comment ont été actualisées dans la littérature contemporaine certaines stratégies emblématiques du genre, dont la réception ambivalente a toujours oscillé, entre, d’une part, le rejet, voire le mépris, et, d’autre part, un accueil enthousiaste, de la part du public. L’article s’appuie sur le roman Ángeles del abismo (2004) d’Enrique Serna, emblématique des questionnements posés par cette réappropriation contemporaine de techniques caractéristiques d’un genre littéraire décrié, d’une part parce qu’il s’inscrit dans une filiation aisément identifiable, celle du folletín, mais surtout parce qu’il choisit de mêler littérature « populaire » et littérature « savante » : dès lors, il conviendra de voir quels sont les effets et les motivations de ce mélange des genres, qui, dans leurs collisions, ouvrent de nouvelles possibilités d’expériences esthétiques.

After more than half a century of political independence, majority of African Countries are still saddled with the same challenging political leadership interrogations and difficulties. Careful analytical studies attribute this misfortune to her successive leaders or stakeholders at all levels. This one political malady or anathema which has continually kept Africa in a state of perpetual retrogression, is believed to have been birthed from its pragmatism, the illegitimate use of power and the egocentric styles of her political leaders characterized by pocket or belly-leadership as opposed to a people-oriented leadership, coupled with the menace of prevalent ethnic and/or sectional loyalty. Nevertheless, several authors, critics and political analysts have attempted to proffer some form of explanations to these perennial challenges of power and politics in Africa, nay Nigeria. One of such exponents is Chinua Achebe. This paper tends therefore to reexamine the sociopolitical and economic predicaments of power, politics and other related challenges that have greatly shattered the foundation of Nigerian Polity in Chinua Achebe’s novel Anthills of the Savannah. The method employed in the study is critical analysis. It also intends to advocate for a systemic ideology that could bring about possible and desirable pattern changes for a virtuous progressive leadership. Key words: Power, Politics, Africa, Leadership, Practicability and Literality.

ABSTRACT: The objective of this article is to question all the artistic representations of the Harraga phenomenon through the issue of otherness, a phenomenon that is accompanied by representations and discourses accentuating the sense of commitment of gratitude towards these young victims of drifting societies and highlighting the magnitude of the subject. Besides these aspects, the desire for exodus can be read from a double anthropological and psychological perspective: if the young Harraga flees his country for a better future, if the refugee aspires to peace by moving, the artist expresses his exodus by leaving the real world for the virtual in search of truths and possible meanings through indirect and rhetorical means, romantic, allegorical and pictorial dimensions that incite reflection. RÉSUMÉ : L’objectif de cet article est celui d’interroger l’ensemble des représentations artistiques du phénomène des Harraga au travers de la problématique de l’altérité, phénomène qui s’accompagne de représentations et de discours accentuant le sens de l’engagement faisant œuvre de reconnaissance envers ces jeunes victimes de sociétés en dérive et mettant en exergue l’ampleur du sujet. Outres ces aspects, le désir de l’exode se lit selon une double perspective anthropologique et psychologique: si le jeune Harraga fuit son pays pour un avenir meilleur, si le réfugié aspire à la paix en se déplaçant, l’artiste exprime son exode en quittant le monde réel pour le virtuel à la recherche de vérités et de sens possibles par des moyens indirects et rhétoriques, des dimensions romanesques, allégoriques et imagées qui incitent à la réflexion.

ABSTRACT: Our interest in studying the glocalizing practices adopted by some African writers, who wanted their products to be disseminated and received around the world, is motivated by three main reasons. A first reason is that many writers use appropriate literary techniques to make their work more accessible to an international audience while retaining local cultural elements. The second is related to the way the literary themes and motifs have been adapted and modified according to the different audiences in order to be able to meet the various objectives. The third is conceptual, cultural and ideological, especially concerning global issues and challenges such as globalization, humanitarian, health and ecological crises, universal and local values. We assume that It's the sun that burned me by Calixthe Beyala and A companion to men by Véronique Tadjo constitute a relevant and sufficiently large corpus that should allow us to explore the issue. RÉSUMÉ : Notre intérêt pour étudier les pratiques glocalisantes adoptées par certains (es) écrivains (es) africains (es), qui ont voulu que leurs oeuvres soient diffusées et reçues dans le monde entier, est motivé par trois raisons principales. La première raison tient au fait que de nombreux écrivains (es) utilisent des techniques littéraires appropriées pour rendre leur travail plus accessible à un public international tout en conservant les éléments culturels locaux. La seconde est justifiée par la façon dont les thèmes et les motifs littéraires ont été adaptés et modifiés en fonction des différents publics pour pouvoir répondre à des objectifs divers. La troisième est d’ordre conceptuel, culturel et idéologique, concernant surtout les questions et les défis mondiaux telles que la mondialisation, les crises humanitaires, sanitaires et écologiques, les valeurs universelles et locales. Nous supposons que C’est le soleil qui m’a brulée de Calixthe Beyala et En compagnie des hommes de Véronique Tadjo constituent un corpus pertinent et suffisamment large et qui devrait nous permettre de faire le tour de la question.

L’article traite de la question de la revie dans les domaines de la production littéraire et d’autres arts en se fondant en partie sur le cas d’un écrivain français, Gérald Hervé (1928–1998). Cette question, qui recouvre un champ théorico-pratique surgi il y a quelques décennies, est encore embryonnaire. Aussi l’auteur retrace-t-il à grands traits son histoire et ses développements depuis son apparition dans les années 1980. Puis, il en dessine les axes principaux du point de vue définitionnel et méthodologique, illustrant le propos de divers tableaux. Cet article a en outre pour objectif d’attirer l’attention des chercheurs et théoriciens en sciences humaines intéressés par les développements théoriques nécessaires ainsi que par la mise en pratique dans le champ concerné.