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L'oeuvre théâtrale d'Angélica Liddell propose, au-delà des recherches formelles de la marginalité, une écriture de la marge qui est ici explorée.

International audience; Comment, en situation d’atelier d’écriture pour la scène, faire écrire le toucher de l’eau, la flottaison, la noyade ? Quelles possibilités pour la voix dans les mondes subaquatiques qui supposeraient de fermer la bouche ? Cette contribution propose une réflexion sur la praxis des ateliers d’écriture pour la scène perçus sous le prisme de l’écriture des drames de l’eau : outils, démarches, dispositifs et enjeux, hybridations, fertilisation et écueil entre praxis de l’atelier, conduites pédagogiques et élaboration théorique d’une poétique du drame.

International audience; Tant sur le plan esthétique qu’éthique, le regard de l’enfant fait quelque chose aux écritures et aux arts de la scène, lesquels lui donnent une place privilégiée dans le champ contemporain au-delà de la seule « création jeune public ». Cet essai met au jour la nature d’un théâtre sous l’oeil de l’enfant (de l’enfant à naître, en passant par le nourrisson, jusqu’au petit enfant) et l’articule à une généalogie de la parole (l’infans). Sandrine Le Pors ouvre ainsi un chemin poétique nous faisant accéder à une vision kaléidoscopique, ample et néanmoins précise, des écritures textuelles et scéniques (théâtre, danse, marionnette) où une enfance résiste, persiste. L’enfant (dramatique, scénique ou plastique, vivant, absent ou mort), loin de nous renvoyer à un miroir complaisant ou de s’associer à une perception simpliste, s’inscrit ici dans une ouverture contre une fermeture du monde.

L’article propose une lecture du drame contemporain qui appelle et mobilise le motif de l’eau – élément façonnant nos imaginaires et à la fonction structurante dans nos sociétés aussi bien historiquement, économiquement que symboliquement. De la fable écologique à la pièce-paysage, notamment, quelles sont les modalités de présence de l’eau? Que met l’eau à l’épreuve dans le drame et pour le drame? Au carrefour d’une approche poétique, écopoétique et poïétique, cette traversée des écritures engage à une réflexion sur les écritures de la traversée. Comment les drames de l’eau (au sens dramaturgique) sont-ils poreux ou répondent-ils aux drames de l’eau (au sens politique) et particulièrement aux drames de la mer, dès lors qu’ils s’associent à des dramaturgies de l’exil, du départ ou de la migration?, This paper offers to analyze contemporary dramas summoning and evoking the motif of the water – an element that shapes our imagination owing to its structuring function in our societies as much historically and economically as symbolically. From the environmental tale to the landscape drama, notably, in what ways is water represented? What does water put to the test in the drama and for the drama? At the crossroads between poetic, eco-poetic and poietic approaches, this crossing of the writings initiates a reflection on the writings of the crossing. How porous are water dramas (in the theatrical sense) or how do they respond to the water dramas (in the political sense) and particularly to the sea dramas, as soon as they merge with dramas of exile, departure or migration?

LEMAHIEU (Daniel), LEMAHIEU (Daniel) : L comme Langue (la), E comme Engloutissement , M. comme Matière (vocale), A comme Absent (l’), H comme Hospitalière (une écriture), I comme « Il préférerait ne pas » (ou aggraver son cas), E comme Entêtement, U comme Usine.

International audience; Quels phénomènes de détraquement et d’altération accompagnent les écritures dramatiques contemporaines de la traversée ? Comment se trouvent-elles aimantées par les questions identitaires ou des fantasmes de disparition ?

Où est ce corps que j’entends ? ». Cette interrogation extraite d’Enfonçures de Didier-George Gabily est emblématique de toutes les formes de dissociation de la voix et du corps telle qu’elle se manifeste dans le théâtre moderne et contemporain. à travers un vaste corpus, qui aborde aussi bien les théâtres francophone, anglophone, hispanophone, que germanophone, scandinave ou russe, cet ouvrage prend la mesure de ce qui, dans la voix, est révélateur de nouvelles modalités de figurations et de représentations du corps. Sont ainsi examinées les multiples frictions et relations entretenues entre le corps et la voix - des voix sans corps aux corps sans voix en passant par ces corps délocalisés, lointains, fantasmés, étranges, étrangers, malades ou malmenés, tour à tour commentés ou mis en fiction par les voix. Révélatrices des principales mutations des écritures théâtrales et de la scène aux 20e et 21e siècles, ces nouvelles relations entre corps et voix ne sont pas pure affaire de forme ; elles sont à penser en regard des représentations sociales, politiques, médicales, culturelles du corps et de la parole dans le monde contemporain.

International audience; Dans une dimension à la fois poétique et poïétique, il s'agit d'examiner les voies ouvertes par Eugène Durif aux arts de la scène et à la littérature, ce que son écriture trace (et là où elle nous égare), ses transferts (entre le théâtre, la poésie, le récit, la nouvelle et le roman, notamment), ses pratiques, sa fabrique, ses matériaux et ses expérimentations, son attrait pour les petites formes (parfois éphémères) et la part orpheline (manifeste dans le retour continu de certaines modalités textuelles en apparence mineures comme le poème). Dans ce cadre, on s'attache à l'examen de certains motifs structurants (celui de la fuite, de la marge et de la marginalité, notamment) et l'on revient sur le travail d’Eugène Durif avec des circassiens, des artistes de rue, des performeurs, des musiciens, en milieu psychiatrique également.

International audience; Il pourra sembler inattendu d’aborder l’oeuvre de Valère Novarina par la focale de l’enfant : point d’effort, à travers son médium théâtral ou critique, pour reconstituer une enfance perdue dont on serait incapable de sortir ou de s’en sortir, point de fantasme non plus sur les premières années de la vie (quand bien même une mytho-biographie s’est d’ores et déjà constituée au fil de ses entretiens ou de ses écrits). Pour autant, l’oeuvre (publiée ou scénique) renvoie à la question de l’enfance : ne serait-ce que parce qu’elle s’attèle à ce qui précède le sens, inaugure plus qu’elle ne clôt, propulse dans une forme de turbulence, s’exalte dans la répétition, privilégie la vitalité, l’agitation, voire la surenchère, fait le pari aussi de l’immédiateté, de la spontanéité, du refus, de la désobéissance. Nous poussant hors des gonds d’un âge trop adulte, elle n’a de cesse d’être dans un appétit de questionnement, elle ne s’éprouve que dans un plaisir oral, une joie de la traversée des mots et des sons, un ludisme prononcé. Mais au-delà de cette dynamique de l’écriture, à la faveur de quels motifs – des espaces de l’enfance (à commencer par Thonon) aux langues dites « nourricières » imprimant leur empreinte aussi bien visuellement qu’auditivement, en passant par les innombrables figures d’enfants jusqu’aux multiples récits de naissance (et de mort) qui prolifèrent – est-il possible de portraiturer un théâtre en enfant ? Serions-nous, au contact de la langue novarinienne, comme des « enfants, captifs profonds, qui jouent avec le goût de la poussière à la bouche» ?

International audience; La trilogie Chto (composée de Chto Interdit aux moins de 15 ans, Mon Képi blanc et 12 soeurs slovaques) de l’autrice française Sonia Chiambretto donne à suivre trois parcours d’exilés confrontés à la perte de leur identité et de leur langue. Quelles sont les spécificités dramaturgiques de ce drame de la langue que le motif de l’exil permet ici d'exposer ? Drame porté par une dramaturgie vocale et sonore significative d’une mise crise des corps et des représentations.

Après une période de nécessaire construction du domaine d’étude que représente le théâtre jeunesse, dont les bornes ont commencé à être balisées dans les années 2000, et cette période n’est pas finie, il apparaît important de rendre compte de la multiplicité des poétiques des écritures théâtrales s’adressant aux plus jeunes. De nombreux auteurs témoignent de leur engagement dans ce secteur et proposent en effet des dramaturgies novatrices. Ce sont ces écritures, issues de la sphère européenne...

L’ensemble des contributions ici réunies manifeste l’intérêt de ses auteurs pour une réflexion au carrefour des écritures et des pratiques scéniques contemporaines. Leur enjeu commun est d’examiner comment le paradigme de la voix, parce qu’il révèle des choix dramaturgiques, voire esthétiques et politiques, majeurs, aide à la compréhension des mutations du drame et de la scène aux XXe et XXIe siècles. Il s’agira de saisir la voix, comme instance discursive, dans la relation qu’elle entretient...

L’ouvrage, qui rassemble dix contributions, interroge, autour des notions d’hybridité et d’hybridation, l’évolution du théâtre contemporain pour la jeunesse en articulant cette réflexion aux questions que pose sa promotion dans les classes et son ouverture à un public plus large. En effet, si, depuis une dizaine d’années, de nombreux travaux mettent en évidence l’intérêt et les qualités de ce répertoire, et si des incitations institutionnelles, telles les listes de référence, ont relayé ces travaux, sa place dans l’institution scolaire reste encore très marginale, ce corpus restant méconnu. Aussi les contributions des chercheurs, croisant des approches littéraires, esthétiques, dramaturgiques, didactiques, sémiologiques et une ouverture historique apportent-elles différents éclairages à cette problématique, et montrent-elles, dans le mouvement même d’hybridation qui travaille ce corpus, des ressources permettant d’en faciliter l’accès.

International audience

Deuxième séance du séminaire "Esthétiques de la mise au monde. Réponses théâtrales aux mutations des corps" Descriptif du séminaire : l'étudiant.e abordera la question du corps naissant et du corps accouchant dans les arts de la scène (théâtre, danse et marionnette), des corps dont la convocation irrigue aujourd’hui les démarches esthétiques avec complexité et qui sont aussi pris dans des filets symboliques, cela avec une attention pour les poétiques interrogeant l’antre de la création.

International audience; Organisé à Cerisy, le colloque international dont est issu ce volume présente deux intérêts majeurs : d'une part, il réintroduit avec force le théâtre dans l'histoire des manifestations cerysiennes puisque consacré à l'œuvre du plus important dramaturge contemporain, qui est également écrivain, peintre et metteur en scène ; d'autre part, ce colloque marqué par un rare enthousiasme a mis en évidence la puissance théorique et pratique, éthique et esthétique, d'une œuvre déjà reconnue mais dont il convenait de récapituler les aspects les plus divers. Ainsi, cet espace novarinien (Novarimonde) qui nous arrache à notre tranquille humanité, à notre commode immobilité, pour nous entraîner dans un tourbillon de signes et de formes, les intervenants l'ont parcouru en tous sens, empruntant les pistes théologiques, philosophiques, dramaturgiques, poétiques, ou encore scéniques et topologiques, pour montrer comment le créateur organise le chaos grâce à la quadressence de son art.

International audience; Prothèse greffée au grand corps de l’adulte, le petit corps constitue un élément crucial du travail d’Ilka Schönbein. Noyau dur et centre rayonnant du théâtre d’Ilka Schönbein, on verra que le petit corps s’y présente à la fois, chez cette artiste, comme un matériau narratif, dramatique, plastique et scénique qui engage à chercher, au sein de la triangulation manipulateur/marionnette/spectateur, les conditions d’une façon d’être au monde ou avec le monde, d’être parlant et d’être vivant, depuis le seuil de la naissance jusqu’au seuil de la mort.

International audience; La variété des configurations dramatiques ou scéniques se greffant à la question de la mise au monde et/ou plaçant le motif du corps accouchant au cœur de leurs enjeux, ouvre à un vaste champ de réflexion sur ce qui pourrait constituer un théâtre ou des théâtres de la naissance. Comment, et selon quels dispositifs, naît-on en scène ? Quels enjeux – dont il convient de s’interroger sur la valeur tant herméneutique, poétique, dramatique que dramaturgique – se greffent-ils à la question de la mise au monde au théâtre, en danse et en marionnette ? Dans ce cadre, on s'intéresse plus particulièrement à ces scènes d’accouchement qui ne manquent pas d’articuler la question de l’engendrement à celle de la genèse et de la genèse de l’art en particulier.

International audience; Etude sur la dramaticité du matériau dans la "Pièce d’actualité" de Maguy Marin, "la Petite Espagne" à Aubervilliers. Avec des matériaux divers - qu’il s’agisse des matériaux autobiographiques, des chansons ou de la vidéo - la chorégraphe nous raconte une histoire et le drame d’une histoire, celle de l’exil et de l’immigration. Le matériau est ici une réponse simple à demande simple. Il ne concourt pas à une dramaturgie qui met en éclats – comme on le dit souvent du matériau. Il ouvre au contraire l’interprétation. Il est un espace de relais entre l’histoire de l’exil espagnol spécifiquement raconté dans la casa et nos propres histoires d’exil, de fissures, tant culturelles que sentimentales. Le matériau est enfin un outil de mise en commun d’histoires et donne la voie, au sein d’une institution théâtrale, à la rencontre entre des amateurs et une artiste de grande envergure. Quant à ce qui ferait du matériau le signe d’une mutation de la scène contemporaine, il relève en fait ici d’une théâtralité de l’inactuel pour le moins intempestive. Avec Maguy Marin, le matériau ne saurait être réduit à un effet de contemporanéité. Il nous fait d’abord vivre une expérience de traverse où les logiques habituelles du regard du spectateur prennent la tangente.

Ce volume constitue le deuxième volet d’une recherche que nous avons voulu consacrer aux écritures théâtrales pour la jeunesse dont le premier est paru en 2015 dans la revue Recherches et Travaux. Ici encore, il s’agit d’examiner comment le rapport à la jeunesse correspond moins à une thématique qu’à un engagement dépassant le seul théâtre destiné aux jeunes et interrogeant à la fois le monde et le théâtre, la jeunesse et les adultes soucieux de regarder le monde tel qu’il va depuis l’enfance. Cet engagement est ici plus précisément étudié via la focale de la poétique du drame - une poétique résolument plurielle qui ne manque pas de vivifier le champ de la littérature théâtrale contemporaine dans son ensemble. Attentif aussi bien aux poétiques de l’engagement qu’à l’engagement du poétique dans le théâtre de jeunesse, ce volume propose d’aller à la rencontre de dramaturgies et de voix singulières, telles celles d’Edward Bond, de Joseph Danan, de Daniel Danis, de Philippe Dorin, de Mike Kenny, de Claudine Galea, de Suzanne Lebeau, de Sylvain Levey ou encore de Dominique Richard.

Sous la direction de Florence Fix; International audience; Examinant les relations entre théâtre jeune public et science, on croisera divers motifs récurrents, ceux de l'écologie ou de la médecine, notamment, pour ensuite interroger les formes et les forces de questionnement qui agitent le théâtre jeune public, leviers pour un dialogue fructueux entre théâtre, jeunesse, philosophie et science.

International audience

Une histoire, des questions au présent C’est dans les années 1930 que Léon Chancerel, ami de Stanislavski, dont il fut en France le premier traducteur, fonda à Paris le premier théâtre d’art pour les enfants, en un geste notable. Mais c’est après la Seconde Guerre mondiale que le théâtre pour les jeunes, en France, vécut une forte expansion lorsque s’y intéressèrent aussi Jean Vilar ou Jacques Copeau, en association avec l’actrice Suzanne Bing. En 1957, Léon Chancerel et Rose-Marie Moudoues f...

International audience; Comment les écritures théâtrales contemporaines regardent-elles la figure du « junkie » et qu'est-ce que cette observation produit en retour sur elles ? Qu’est-ce que que la figure du junkie vient-elle structurellement déposer dans une écriture pour la scène ? Au cœur de la réflexion, se trouvent ces écritures théâtrales qui s’assimilent volontiers à des écritures sous overdose tant elles génèrent des trous noirs, travaillent la dépendance, le vertige, le manque

International audience; Le motif alimentaire dans le théâtre jeune public engage à une réflexion sur la notion de dévoration à la fois comme « dévoration dans l’écriture » et « écriture de la dévoration », les auteurs ne manquant pas ainsi de développer un questionnement sur ce qu’il en est de la manducation de la parole et des corps dans ce répertoire. Oscillant entre terreurs archaïques (celle de l’engloutissement notamment) et désir d’émancipation (tel le refus de l’enfant de se faire dévorer par l’autre, et surtout par l’adulte), la métaphore alimentaire dessine des dramaturgies qui, si elles s’adressent à l’enfance, ne sont pas nécessairement puériles et dont certaines font aussi le choix de la dénonciation (la surconsommation du monde capitaliste et/ou la dévoration de l'autre dans le rapport filial ou amoureux, notamment).

International audience; Dramaturgie du corps, et plus particulièrement du "petit corps" de l'enfant dans le théâtre jeune public de Nathalie Papin.

Préface de la pièce Squat ta vie d’abord de Daniel Lemahieu