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El infoshow es el macrogénero de mayor crecimiento a nivel global durante las últimas décadas. Esto se debe, en gran medida, a los procesos de desregulación de los mercados televisivos, que han fomentado que los contenidos se adapten cada vez más a los gustos y demandas de la audiencia. En España, el auge del infoshow comenzó en la década de los 2000, en un contexto de crisis económica y desafección política que propició un mayor interés del público general por temas económicos, sociales y políticos, todos ellos muy propicios a la crítica y la espectacularización. En este contexto, la sátira de actualidad se consolidó como un género destacado en la televisión española. Esta investigación se centra en El Intermedio, producido por Globomedia para La Sexta. Este programa formaba parte de los primeros contenidos con los que la cadena inició sus emisiones oficiales, en el año 2006, y sigue presente en su prime time dieciocho años después. Se trata, sin duda, del programa más longevo y, también, uno de los de mayor éxito de su parrilla. Aunque sigue la tradición de formatos previos, El Intermedio ofrece un enfoque innovador alejándose del ámbito puramente humorístico para ofrecer un acercamiento alternativo a las noticias de actualidad. Mediante el análisis de contenido de sus diez primeras temporadas se analiza el perfil de sus presentadores y colaboradores y su estructura de contenidos. Los resultados muestran un enfoque innovador en el tratamiento de las noticias y en el equilibrio entre la función informativa y el entretenimiento.

Esta investigación analiza el impacto que ha tenido el estreno único de Netflix en las dinámicas propias de la serialidad. La digitalización de la televisión ha modificado profundamente el medio y el binge watching y el abandono del estreno semanal han cambiado por completo el consumo y la creación de ficciones. Para abordar esta cuestión, se analizan las cuatro series documentales que ha producido la compañía en España: Examen de conciencia (2019), El caso Alcàsser (2019), La Línea: La sombra del narco (2020) y Nevenka (2021). Al eliminar la espera entre los episodios las tramas capitulares desbordan la entrega y los seriales no siguen los patrones vinculados a la especulación. Consecuentemente, las entregas pierden su unidad formal o, directamente, se abandona la serialidad como modelo narrativo. Este cambio de paradigma refuerza la idea de que, al modificar la metodología de distribución, también se alteran las características sintácticas de los productos.

This paper highlights the relevance of the structural design of Saving Private Ryan (Steven Spielberg, 1998) in conveying its message, in line with S. M. Eisenstein's theoretical principles. An analysis of its scenes has been carried out, identifying their emulation of, or "collisions" with, preceding "schemas". The film presents events characteristic of the classical model of the World War II combat subgenre, but its articulation is unforeseen and evidences authorial action as in the critical model of Vietnam, specifically as in Apocalypse Now (Francis Ford Coppola, 1979). This contrast integrates citizens of different ideological persuasions. It also borrows the structural model and deceptive ending to a initial enigma from Citizen Kane (Orson Welles, 1941) so as to allude to the same theme: the true essence of man, in this case of the veteran, represented by the elderly Ryan.

Netflix has shaken up audiovisual industry, but what about academic research? This bibliometric analysis focuses on 210 papers indexed in Web of Science that address this issue. We examine the author, university of affiliation, language, journal, keywords, year of publication, citations received, and categories covered in WoS. We also conducted a quantitative analysis of abstracts and papers to identify the most recurrent methodologies, themes, and samples. Our results highlight a rise in Netflix studies in recent years and their tendency to analyse specific audiovisual works. There are many qualitative analysis of specific Netflix hits, but none of the shows particularly stands out. It also shows a rise in “Communication” and “Film, Radio & Television” papers (40% of them), although academic interest relies on Netflix corporate culture, business, and algorithm. These studies are mainly carried out using a qualitative methodology (83%). More than half of the articles focus on one of the Netflix series and, among them, the greatest interest lies in the representation of specific issues; gender, race and sexuality are present in 25% of the works in the sample (n=210). At the same time, among the 367 authors signing these research papers, the parity between men (51%) and women (49%) is almost absolute. It appears that the geographical and linguistic variety of papers is related to Netflix’s global expansion and that the sheer number of titles covered reveals a fleeting attention due to Netflix’s trademark: swift and concentrated consumption.

La creación de diálogos es una fase esencial de la escritura de guiones audiovisuales. Este artículo explica el sistema de análisis de textos dramáticos de William Layton, originalmente dirigido a la interpretación actoral, y lo aplica a la escritura de diálogos audiovisuales. También expone cómo se ha formado en este sistema a estudiantes de un Máster de guion y muestra su utilidad para la creación de diálogos a través de una encuesta a 85 alumnos de diferentes promociones. De ellos, el 59% tenía formación o experiencia previa en el audiovisual. Antes de conocer el método Layton, solo un 9% de la muestra manejaba otra técnica para crear diálogos y un 50% conocía consejos genéricos que guiaran el diseño de las conversaciones de sus personajes. Y es que las monografías técnicas o académicas sobre guion no ofrecen metodologías sistemáticas que permitan al aspirante a guionista iniciarse en la escritura de diálogos, solo presentan recomendaciones. Con la difusión de esta técnica para la creación de diálogos audiovisuales, este artículo pretende contribuir a evitar que esta carencia de metodologías sistemáticas se traslade a los programas formativos. Los encuestados confirman que este método favorece la síntesis (84%), la planificación previa de los diálogos y la funcionalidad de cada frase de los personajes (91%), permitiendo que estas se adecuen mejor a su caracterización psicosocial (94%) o momento del arco dramático (95%). Un 85% de los encuestados sigue empleándola, una vez terminada su formación, en su vida profesional como guionista o declara transmitirla en sus clases cuando trabaja como docente.

Este artículo presenta un análisis descriptivo de los artículos científicos presentes en Web of Science que atienden al montaje cinematográfico entre 1976 y 2019 (n 148). El análisis bibliométrico atiende al autor, sexo, universidad de afiliación, idioma, revista, nacionalidad de la revista, año de creación de la revista, tipología del trabajo, palabras clave, año de publicación, número de citas recibidas y categoría de WoS en la que se recogen las publicaciones. Además, se realiza un análisis cuantitativo de los resúmenes y textos de las publicaciones disponibles en línea, cuya finalidad es detectar los temas, muestras y metodologías frecuentemente empleados. Los resultados ponen de manifiesto que desde 2015 se ha producido un leve aumento del interés en el montaje. Aún así, su atención es escasa. Pese a que hay un mayor número de revistas que atienden al tema, cada una publica únicamente un artículo al año sobre montaje. Las revistas con más artículos sobre montaje son británicas y estadounidenses, pero también destaca la española Atalante. La mayor parte de publicaciones se realizan en revistas que abordan el montaje desde una perspectiva cognitiva o neuropsicológica, que son las que aglutinan los artículos más citados. Las investigaciones sobre montaje suelen presentar análisis del montaje de la filmografía de algún autor o de técnicas o largometrajes específicos. Siguen mayoritariamente una metodología cualitativa, centrada en recursos o autores vinculados al montaje constructivo principalmente, o presentan experimentos neuropsicológicos.

Esta investigación presenta un análisis cuantitativo de la programación de series internacionales en las cadenas generalistas españolas entre 1990 y 2010. Describe la nacionalidad, cadena de emisión original, formatos y series con mayor número de episodios emitidos y de mayor audiencia. También se determinan las tendencias de programación según formatos, temáticas y series en las distintas franjas horarias. En estos años, los formatos más emitidos y de mayor audiencia fueron las sitcoms y las series procedimentales de las networks estadounidenses. Las series internacionales tuvieron un papel esencial en el inicio de emisiones de las cadenas privadas (que las emplearon como producto de relleno) y fueron un valor seguro en el prime time. Las series estadounidenses permitieron a las cadenas generalistas diferenciar su oferta en un ecosistema televisivo de elevada competitividad.

El cine de Hollywood ha dado un testimonio informal de las guerras, particularmente de la Segunda Guerra Mundial. Saving Private Ryan (Steven Spielberg, 1998) rompió el modelo naturalista y romántico del subgénero. Se basó en el testimonio de los veteranos de guerra y se orientó no hacia el desarrollo de una operación bélica, sino a la reproducción hiperrealista del combate y la cotidianidad de la guerra. Dio forma audiovisual a una memoria y experiencia individuales, las del veterano, que habitualmente no habían tenido cabida en el relato institucional de la guerra o en su reflejo cinematográfico anterior. Este artículo presenta un análisis estilístico de su secuencia más aplaudida por su efecto y valor artístico: el desembarco en la playa de Omaha. Atiende a la descripción de sus recursos de planificación, sonido y montaje. Muestra que, a través del recurso a técnicas estilísticas expresivas formuladas por S. M. Eisenstein, la secuencia busca introducir al espectador en el combate, hacerle participar de las sensaciones y razonamientos del soldado –en este caso el capitán Miller–, y lograr así su inmersión en la acción bélica, su compromiso con él y la comprensión del origen de su trauma. Para ello se ha recurrido a una vía de análisis inspirada en el proceso metodológico que S. M. Eisenstein empleaba en dos de sus artículos para explicar el valor del planteamiento estilístico de El acorazado Potemkin (1925) a sus detractores. Consiste en la descripción del esquema expresivo que configura el diseño de planos y fragmentos de montaje y su comparación con los que los preceden o suceden. Mediante esta metodología dialéctica, se describe el estilo general de la secuencia y sus pretensiones expresivas, así como se localizan momentos de contraste y ruptura que acusan su servicio a un motivo emocional: traducir el trauma del combatiente.

El cine de Hollywood ha dado un testimonio informal de las guerras, particularmente de la Segunda Guerra Mundial. Saving Private Ryan (Steven Spielberg, 1998) rompió el modelo naturalista y romántico del subgénero. Se basó en el testimonio de los veteranos de guerra y se orientó no hacia el desarrollo de una operación bélica, sino a la reproducción hiperrealista del combate y la cotidianidad de la guerra. Dio forma audiovisual a una memoria y experiencia individuales, las del veterano, que habitualmente no habían tenido cabida en el relato institucional de la guerra o en su reflejo cinematográfico anterior. Este artículo presenta un análisis estilístico de su secuencia más aplaudida por su efecto y valor artístico: el desembarco en la playa de Omaha. Atiende a la descripción de sus recursos de planificación, sonido y montaje. Muestra que, a través del recurso a técnicas estilísticas expresivas formuladas por S. M. Eisenstein, la secuencia busca introducir al espectador en el combate, hacerle participar de las sensaciones y razonamientos del soldado –en este caso el capitán Miller–, y lograr así su inmersión en la acción bélica, su compromiso con él y la comprensión del origen de su trauma. Para ello se ha recurrido a una vía de análisis inspirada en el proceso meto- dológico que S. M. Eisenstein empleaba en dos de sus artículos para explicar el valor del planteamiento estilístico de El acorazado Potemkin (1925) a sus detractores. Consiste en la descripción del esquema expresivo que configura el diseño de planos y fragmentos de montaje y su comparación con los que los preceden o suceden. Mediante esta metodología dialéctica, se describe el estilo general de la secuencia y sus pretensiones expresivas, así como se localizan momentos de contraste y ruptura que acusan su servicio a un motivo emocional: traducir el trauma del combatiente. DOI: 10.5294/pacla.2015.18.1.4

Este artículo aborda el impacto del estreno simultáneo de Netflix en la estructura narrativa de Mindhunter (2017-Hoy). El análisis de su primera temporada muestra que adopta un modelo estructural libre de la fórmula del formato procedimental, y que se concibe la temporada como un largometraje que gira entorno al desarrollo de un personaje complejo. El estreno íntegro, además, hace que el cliffhanger o las tramas episódicas pierdan protagonismo.