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Der vorliegende Aufsatz "Wir sind schon längst pandemisch gewesen" von Birte Kleine-Benne (2021) ist Teil der Publikation "Everything is live now. Das Kunstsystem im Ausnahmezustand" (2021). Elf Einzeltexte, ein Archiv mit über 700 Links zu veröffentlichten Texten zwischen März und Juli 2020, Quellenmaterial in Form von Befragungen, Werkzeuge zu Befragungen und insgesamt 13 künstlerische Arbeiten verschiedener Techniken, die während und zur Pandemie entstanden sind, sollen die Auswirkungen der COVID-19-Pandemie auf das Kunstsystem und auf seine unterschiedlichen Akteur*innen sowohl dokumentieren, archivieren und reflektieren als auch Folgeuntersuchungen ermöglichen. Bereits im März 2020 wurde deutlich, dass die COVID-19-Pandemie und ihre Beunruhigungen einen kunstsystemischen Kontrollverlust und damit einen Leerlauf der Apparate initiierten und in der Folge auf einmal substanzielle Einblicke in das Betriebssystem Kunst möglich wurden. Die Ausnahmesituation schaltete ganz offensichtlich gesellschaftlich kontrollierte Routinen beziehungsweise Kontrollroutinen ab, so dass es (uns) möglich wurde, dem Betriebssystem Kunst, seinen Prozessen und Strukturen, die generell nur wenig einsichtig sind, näher auf die Spur kommen zu können. Bereits habitualisiertes Wissen war nun reflektierbar. Etwas später wurde deutlich, dass das Kunstsystem ab dem Frühsommer 2020 wieder Routinen herstellte und (sich) damit die Beobachtbarkeit seiner Operationen wieder verkomplizierte. In der Zeit des zweiten Lockdowns oder auch der zweiten Pandemie ab November/Dezember 2020, öffnete es sich für eine Beobachtbarkeit nicht noch einmal. Der Ausnahmezustand, der zunächst zu Störungen oder Steuerungsproblemen etwa der Affektionen und Außenkommunikationen führte, war nun offenbar zum Regelzustand geworden, so dass die systemischen Öffnungs- und Schließungsprozesse wieder reguliert werden konnten. Offenbar hatten in der Zwischenzeit Lernprozesse eingesetzt, die die eingespielten kunstsystemischen Intransparenzen hinsichtlich ihrer Infrastrukturen, Ökonomien und Hierarchien wiederherstellten. Insofern bleiben als ein bisheriges Zwischenergebnis der COVID-19-Pandemie nach unserer Einschätzung gut drei Monate, die die systemische Uneinsichtbarkeit in das Kunstsystem außer Kraft setzten. Auf dieser Zeugenschaft aufbauend resultiert die vorliegende Publikation "Everything is live now. Das Kunstsystem im Ausnahmezustand".

20 Jahre Streit um eineinhalb Sekunden kopierte Musik? Die Auseinandersetzung im Fall »Metall auf Metall« zwischen der Musikgruppe Kraftwerk und dem Komponisten Moses Pelham beschäftigte 2019 sogar den Europäischen Gerichtshof. Sie zeigt, dass das Urheberrecht zu einem gesellschaftlichen Streitthema geworden ist, das sich aus der Nische des künstlerischen Bereichs in den Alltag nahezu aller Menschen gedrängt hat. Dieser Prozess lief nicht unbemerkt von der Wissenschaft ab und dennoch ist diese gerade erst dabei, die Implikationen und Effekte dieser urheberrechtlichen Ausdehnung genauer zu verstehen. Der Soziologe Georg Fischer liefert die erste empirische Studie zum Sampling in der Musik, die explizit den Einfluss des deutschen Urheberrechts auf die kreative Praxis untersucht. Er zeigt die Fülle und Vielfalt an kreativen Umgehungsstrategien, die sich im Schatten des Urheberrechts ausgebreitet und verankert haben – und mit denen die Künstler_innen die eigene Sichtbarkeit sowie die ästhetische Komplexität und monetäre Verwertung ihrer Werke notgedrungen einschränken. Mit einem Vorwort von Leonhard Dobusch https://www.buechner-verlag.de/buch/sampling-in-der-musikproduktion/

Leseprobe ----- Zusammenfassung Wie die Kunstproduktion mit der sie umgebenden Kultur verknupft ist und wie sich beide gegenseitig beeinflussen, ist eine zentrale Fragestellung fur die – nicht nur soziologisch motivierte – Kunst- und Kulturtheorie. Die Antworten des in Peru geborenen Kunstkritikers und Kulturtheoretikers Juan Acha (1916-1995) auf diese Frage machen sein Werk zu einem auserordentlichen Beitrag zu der disziplinubergreifenden Debatte um Kunstproduktion und Kultur, der im deutschsprachigen Raum bisher nicht wahrgenommen wurde. Denn Acha gibt diese Antworten vor dem Hintergrund einer prazisen Kenntnis globaler kunsttheoretischer Debatten einerseits und einer besonderen Berucksichtigung der lateinamerikanischen Situation andererseits, in der die kolonialen Grundlagen von Okonomie und Kultur besonders betont werden. Die zentralen Thesen Achas einem deutschsprachigen Publikum zuganglich zu machen, ist das primare Ziel dieses Textes. Der Aufsatz beansprucht daruber hinaus, uber die Diskussion des Spannungsverhaltnisses, das sich im Werke Acha auftut, die Relevanz seines Werkes fur heutige Debatten aufzuzeigen: Es handelt sich um die Spannung zwischen einer empirisch-theoretischen Einsicht in die reproduktive Funktion von Kunst auf der einen Seite und die emanzipatorischen Hoffnungen, die auf kunstlerische Praktiken zugleich und trotzdem gesetzt werden andererseits. Der Text geht in funf Schritten vor: Erstens wird das grundlegende Pladoyer Achas fur eine Soziologie der Kunst und der dabei zentrale Begriff des no-objetualismo vorgestellt. Zweitens wird die Besonderheit von Achas Ansatz gegenuber anderen, vergleichbaren theoretischen Herangehensweisen an die Kunst herausgestrichen, die in der Bedeutung liegt, die Acha dem Kolonialismus einraumt. Mit dessen analytischer Bedeutung geht die normative Hinwendung zu einer Redefinition der Kunst einher. Drittens wird Achas Fokus auf den asthetischen Konsum nachgezeichnet und seine relationale Methode skizziert, um dann viertens naher auf das politische Engagement einzugehen. Funftens wird der Einfluss von Achas Werkes auf andere TheoretikerInnen und auf die kunstlerischen Bewegungen seiner Zeit skizziert. Schlagworter: Kunstsoziologie, Kulturtheorie, asthetischer Konsum, Kunst und Politik, kunstlerische Bewegungen ----- For “independent visual thinking”. On the sociology of the art and culture of Peruvian-Mexican theorist Juan Acha Abstract How art production is linked to the culture surrounding it and how the two influence one another is a central question for the theory of art and culture. Peruvian-born art critic and cultural theorist Juan Acha (1916-1995) approaches this question through engagement with global art theoretical debates while paying special consideration to the Latin American situation, in which the colonial foundations of economy and culture are particularly emphasised. While Acha has made an extraordinary contribution to the interdisciplinary debate on the relationship between art production and culture, his contribution has yet to become known in the German-speaking world. The primary aim of this article is to make Acha's central theses accessible to a German-speaking audience. In so doing, the article demonstrates the relevance of Acha's work for contemporary debates through a discussion of the central tension that arises in his work: the relationship between his empirical-theoretical insights into the reproductive function of art, on the one hand, and the emancipatory hopes that are nevertheless placed on artistic practices, on the other hand. The text proceeds in five steps: first, Acha’s fundamental plea for a sociology of art and his central concept of no-objetualismo are presented; second, through a comparison with other theoretical approaches, the specificities of Acha's approach, which lies in the significance he gave to colonialism and the normative turn in redefining art, are emphasized; third, Acha's focus on aesthetic consumption is traced and his relational method sketched out; forth, Acha’s political commitment is examined more closely; and, finally, fifth, the influence of Acha's work on other theorists and on the artistic movements of his time is highlighted. Keywords: sociology of art, cultural theory, aesthetic consumption, art and politics, artistic movements ----- Bibliographie: Kastner, Jens: Fur „ein unabhangiges visuelles Denken“. Zur Kunst- und Kultursoziologie des peruanisch-mexikanischen Theoretikers Juan Acha, PERIPHERIE – Politik • Okonomie • Kultur, 1+2-2020, S. 155-174. https://doi.org/10.3224/peripherie.v40i1-2.10

Zusammenfassung Ausgehend von der These, dass die relative Stabilitat des SED-Staates zum Teil auf dem Fehlen einer einflussstarken politischen wie kulturellen Oppositionsbewegung beruht habe, versucht dieser Aufsatz die Rolle der Kunst als einer von mehreren wei-chen Herrschaftstechniken bei der Veralltaglichung des Totalitaren herauszustellen. Insbesondere nach dem Paradigmenwandel von einer totalitaren „Erziehungsdiktatur“ der Ara Ulbricht hin zu einer post-totalitaren „Konsensdiktatur“ unter Honecker, wurde der „Ubergang vom konfrontativen zum penetrativen Modus der Herrschaft“ ermoglicht. Die Dynamik dieses Prozesses spiegelt sich vorbildhaft im Wandel und in der sozialen Ausdifferenzierung des Kunstsystems, das eine zentrale Rolle im institu-tionellen System der „Konsensdiktatur“ erlangte und sich deshalb heute als ein „Schlussel der Gesellschaftsanalyse“ erweist. ----- Bibliographie: Kaiser, Paul: Machtgewinn und Statusindifferenz. Bildende Kunst als gesellschaftliches Integrationsmedium in und nach der DDR, BIOS, 1+2-2014, S. 155-168. https://doi.org/10.3224/bios.v27i1-2.22124

Welche Bedeutung haben YouTube und die dort veröffentlichten Videos und Kommentarspalten für neue Formen von Protest, Kunst und Theater? Die vorliegende Studie geht dieser Frage nach und analysiert mit theaterwissenschaftlichen und empirischen kommunikationswissenschaftlichen Methoden, wie sich Inszenierungen zu intermedialen Akteursnetzwerken zwischen Gesellschaft und Technik entfalten und dabei neue Öffentlichkeiten jenseits der Grenzen von Online- und Offline-Welten entstehen. Mit YouTube als institutionellem Rahmen, der Videos nicht nur ‚ausstellt‘, sondern aktiv an ihren Produktions- und Rezeptionsprozessen mitwirkt, werden die Grenzen von Kommunikations- und Bühnenräumen, von Theater- und Kunstöffentlichkeiten gesprengt; lokale Protestereignisse entspinnen sich zu transnationalen Netzwerken. So erreichen Protestakteure mit ihren Botschaften zwar neue Adressaten, können zugleich aber selbst zur Zielscheibe scharfer Kritik der Online-Öffentlichkeit werden. Zugl.: Dissertation, Ludwig-Maximilians-Universität, München, 2015

Der Zyklus 'Letter of Resignation', entstanden zwischen 1959 und 1967, stellt in verschiedener Hinsicht eine Besonderheit in Cy Twomblys Oeuvre dar. Selten setzt Twombly sich so konkret mit dem Topos der Schrift auseinander, ohne daß dies eingebunden wäre in einen der mythischen Vorwürfe, die viele seiner Bilder und Zyklen bestimmen. Auch die Landschaft rückt zu Gunsten der Beschäftigung mit der Kommunikation mittels Schrift und der Vermittlung von Inhalt durch Schrift auf dem Papier in den Hintergrund.

Nach langen Jahren beharrlichen Nachsinnens über das Thema Landschaft und seiner künstlerischen Bearbeitung, zieht Michael Schmidt-Stein in diesem Katalog eine Bilanz. Landschaften inspirierten ihn auf seinen Reisen, bei denen er topografische Situationen und Atmosphären in sich aufsog und als weite Horizonte in großen und kleinen Formaten interpretiert. Die Bildersammlung in seinem Kopf und gewiss auch sein persönliches Urbild von Landschaft prägen die feinen Variationen des Künstlers, die keine nachvollziehbare Situation der Erdoberfläche wiedergeben, sondern die inneren Bilder, die ihn bewegen. After long years of pondering over landscapes as a topic of artistic investigation and processing, Michael Schmidt-Stein sums up his past in this catalogue. His long journeys inspired him to create vast horizons in in small and larger formats to reflect topographic sceneries and atmospheric situations. The most delicate artistic variations of his works are characterized by his imagination and personal implementation of landscapes´ quintessence, forming emotional pictures in his mind instead of accurately reflecting the topographical reality.

Malen auf dem Touchscreen eines Smartphones oder Tablets ist eine natürliche und intuitive Tätigkeit; anders als bei der Nutzung eines Grafiktabletts am PC gibt es so gut wie keine Umstellungsphase. Christoph Kaindel hat für uns fünf Mal- und Zeichen-Apps unter die Lupe genommen. Bereits für Kinder ist in den diversen Appstores eine große Zahl an einfachen Mal-Apps zu finden, mit meist nur wenigen Einstellungsmöglichkeiten und oft fragwürdiger Qualität. Am anderen Ende des Spektrums liegt der professionelle Einsatz von Tablets im Grafikbereich, für den spezialisierte und entsprechend teure Geräte notwendig sind. Ich werde einige Apps aus dem Mittelfeld vorstellen, die sich für einfache wie anspruchsvolle Vorhaben und Projekte eignen, auch auf schwächeren Tablets laufen und preisgünstig oder gratis sind. Alle Apps bieten die Möglichkeit, unterwegs zu malen, zu skizzieren, Fotos zu verfremden und die entstandenen Bilder am PC weiter bearbeiten zu können. Für PCs gibt es einige empfehlenswerte kostenlose Malprogramme, die ich bereits in einem anderen Artikel (http://medienimpulse.at/articles/view/616) vorgestellt habe.

Submitted version (preprint) / Eingereichte Fassung (preprint)

Vorliegendes Buch dokumentiert die Kooperation des Lehrstuhls für Kunstpädagogik der Friedrich-Alexander-Universität Erlangen-Nürnberg mit dem Kunstraum der Pegnitzwerkstätten/Lebenshilfe Nürnberg. Darüber hinaus bettet vorliegender Band Outsider Art in kunstpädagogische, kunsthistorische, aber auch philosophische Fragestellungen ein und zeigt Abbildungen von bedeutenden Künstlerinnen und Künstlern dieser Kunstrichtung wie Adolf Wölfli, Wanda Weira-Schmidt und Melvin Milkey-Way.

This chapter addresses a new approach to organizational learning, namely, artistic interventions, which encompass a variety of ways that people, products, and practices from the world of the arts enter the world of organizations. Although the field has grown rapidly, little empirical research has been conducted on what actually happens inside organizations during and after artistic interventions. The author argues that, to close gaps and correct for biases in existing work, future research will need to engage multiple stakeholders (employees, artists, managers, intermediaries, and policy-makers), address multiple ways of knowing, especially the neglected bodily senses, and draw on concepts and methods from diverse disciplines. Eingereichte Fassung (preprint) / Submitted version (preprint)

In der Publikation "IN/OUTsiderArt" wird der Dialog von Studierenden der Kunstpädagogik (Lehrstuhl für Kunstpädagogik der Friedrich-Alexander-Universität Erlangen-Nürnberg) mit Werken aus der Sammlung Prinzhorn (Heidelberg) dokumentiert. In der Sammlung Prinzhorn werden Werke psychiatrieerfahrener Menschen vom Ende des 19. Jahrhunderts bis heute aufbewahrt. Diese Arbeiten entstanden außerhalb des gewöhnlichen Kunstbetriebs und werden deswegen als Outsider Art bezeichnet. Die künstlerischen Werke der gesellschaftlichen Außenseiter zeigen ungewöhnliche bildnerische Ausdrucksformen und weisen einen starken biografischen Bezug auf. Das Buch folgt nicht nur inhaltlich, sondern auch formal dem Dialog. Die Arbeiten aus der Sammlung Prinzhorn sind den jeweiligen Arbeiten der Studierenden gegenübergestellt. So lässt sich eindrücklich den Dialogen der Studierenden nachspüren, die von Texten des Leiters der Sammlung Prinzhorn, Dr. Thomas Röske, der Lehrstuhlinhaberin Prof. Dr. Susanne Liebmann-Wurmer sowie des Dozenten Tobias Loemke gerahmt werden.

"Der Zusammenhang von sozialen Bewegungen und künstlerischer Produktion scheint durch die Aufmerksamkeitsraster einer an Individuen und ihren Produkten interessierten Kunstgeschichte auf der einen und den mehr an Produktionsverhältnissen und kollektiven Organisations- und Kommunikationsformen ausgerichteten Sozialwissenschaften hindurchzurutschen. Da, wo er thematisiert wird, vor allem im Kontext poststrukturalistischen Ansätze, werden die feldinternen Positionierungen und die Kämpfe um deren Durchsetzung zu gering geschätzt. Zudem wird tendenziell vorausgesetzt, es gebe immer über das Kunstfeld hinausreichende Effekte. Der Text plädiert für eine Lesweise des Zusammenhangs von Kunstproduktion und sozialen Bewegungen, der dessen Effekte nicht als unmöglich, aber auch nicht als selbstverständlich begreift. Neue symbolische Setzungen in der Kunst und die Verschiebung von Wertmaßstäben basieren auf feldinternen Kämpfen einerseits, sind andererseits aber auch als 'cultural politics' zu begreifen, die auf der Ebene der gesellschaftlichen Symbolproduktion agieren." (Autorenreferat) "The correlation between Social Movements and artistic production seems to be ignored by an art history on the one hand, which is oriented to individuals and their products, and by Social Sciences on the other, which are geared to production relationships and collective forms of organization and communication. Where this correlation is addressed at all, especially in contexts of post-structural theory, too little attention is given to positionings within the field and disputes over their implementation. Furthermore it is assumed that there are always effects reaching beyond the art field itself. The text argues for a reading of the correlation between art production and Social Movements that considers its effects not as impossible, but also not as self-evident. New symbolic settings in art and an adjustment of measures of values are based on disputes within the field, but are also to be conceived as 'cultural politics' operating at the level of the production of social symbols." (author's abstract)

Die Entsendung von Künstlern in diverse Metropolen ist ein zentrales Instrument zeitgenössischer Kulturförderung geworden. Was hat zum großen Aufschwung dieses Förderinstruments seit den 1990er Jahren geführt? Welche Vorstellungen von künstlerischer Bildung liegen ihm zugrunde? Wie formen Artist-in-Residence-Programme die Praxis der Kunst? Das Buch untersucht die Logik dieser Praxis an der Schnittstelle von Soziologie und Kunstgeschichte - eine erhellende Analyse zum Wechselverhältnis von Kulturpolitik und Subjektivität sowie zur Verflechtung von Nationalisierung und Globalisierung im Kunstfeld der Gegenwart.

"Like many new products, newly released creative goods such as books, music records and movies are sometimes 'surprise' hits but often flops. Experimental and empirical research suggests that it is hard to predict the demand for a new creative good, and therefore its success, even for industry experts. Rules of thumb on the quantitative properties of demand uncertainty exist for various creative industries - including a rule by Denis Diderot (1763) according to which one out of ten published books is a commercial success. Yet, representative evidence on any industry's new-product success rate is scarce. This paper studies new-product success in a random sample of novels. Its empirical strategy to identify success - a simple characterization of author-publisher bargaining combined with a parsimonious model of new-product diffusion - is based on the common observation that word-of-mouth is a crucial success factor in creative industries. Parametric and semi-parametric estimation results corroborate Diderot's rule: between 10 and 15% of novels enjoy significantly positive effects of word-of-mouth." (author's abstract) "Neu veröffentlichte Kreativgüter wie Bücher, Musikalben und Filme sind, ähnlich anderen neuen Produkten, zwar manchmal 'Überraschungserfolge', meistens jedoch Flops. Laut experimentellem und empirischem Forschungsstand ist es selbst für Branchenexperten schwierig, die Nachfrage nach einem neuen Kreativgut, und damit seinen kommerziellen Erfolg, vorherzusagen. Daumenregeln zu den quantitativen Eigenschaften dieser Nachfrageunsicherheit existieren in einigen kreativen Branchen - unter anderem eine Regel von Denis Diderot (1763), wonach eines von zehn veröffentlichten Büchern ein kommerzieller Erfolg ist. Allerdings mangelt es an repräsentativer Evidenz zu der Erfolgsrate neuer Produkte, gleich in welcher Branche. Dieses Papier untersucht den Erfolg neuer Produkte in einer zufälligen Stichprobe von Romanen. Die verwendete empirische Strategie zur Identifikation von Erfolg - eine einfache Charakterisierung der Verhandlungen zwischen Autor und Verlag, kombiniert mit einem überschaubaren Modell der Diffusion neuer Produkte - basiert auf der verbreiteten Beobachtung, dass Mundpropaganda ein entscheidender Erfolgsfaktor in kreativen Branchen ist. Parametrische und semiparametrische Schätzergebnisse bestätigen Diderot's Daumenregel: zwischen 10 und 15% der Romane profitieren von einem signifikant positiven Einfluß von Mundpropaganda." (Autorenreferat)