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International audience; En este artículo proponemos analizar el poema “El parque” perteneciente al poemario Ocre publicado por la poetisa argentina Alfonsina Storni en 1925. Ocre supone una evolución en su poética, a tal punto que es a menudo considerado como el de la transición, libro “puente” entre su etapa postmodernista y su etapa vanguardista. El poema “El parque” da cuenta, en cierta medida, de esa transición en la que se plantea el crepúsculo del modelo. En un análisis lineal de la composición, intentamos poner de realce los tres movimientos, los tres actos en los que se traba la escenificación del drama de la soledad inconmensurable en el desamor y el fracaso del desencuentro. El poema ofrece pues un recorrido que arranca con la frescura, la luminosidad diamantina, la embriaguez de colores pero que se desliza paulatinamente hacia los tonos sepia de las fotografías de principios de siglo. El texto ofrece un espacio de tensión en el que se dan los últimos estertores del posmodernismo y que incluye a la vez su cuestionamiento como modelo y como paradigma. Se exhuma y recupera un material para ponerlo en entredicho, para impugnarlo y así, de alguna forma, emanciparse de él. El poema compone un discurso propio: el “yo” poético femenino ya no es la princesa que suspira sino la flâneuse que resulta, en definitiva, engañada. El que era el “tú” femenino de la poesía modernista dice aquí cuanto siente, resiste y padece. Lleva las promesas sensuales del modernismo hacia el terreno del sentir extemporáneo de un sujeto desubicado y defraudado. Forja sin embargo una nueva andadura: la del sentir del sujeto lírico femenino.

International audience; La Méditerranée, véritable cimetière migratoire, est devenue la frontière la plus dangereuse au monde pour les migrants irréguliers. Porter un regard sur ceux qui passent oblige incontestablement à questionner les politiques d’accueils. Nous proposons d’interroger un objet hybride qui se situe entre la bande dessinée et la poésie : Como si nunca hubieran sido (Madrid : Reservoir Books, 2018) de Javier Gallego « Crudo » et Juan Gallego. Un ouvrage qui interroge le projet européen face aux enjeux des migrations politiques, économiques, climatiques. Nous analyserons les formes de sidération qui permettent de penser les vies qui comptent et celles que l’on ne compte que quand elles se perdent. Quel régime d’image peut rendre témoignage des vies vulnérables ? La poésie peut-elle être le lieu de l’hospitalité pour dire « ce qui fait une vie » ? Comment ces « carnets de voyages » macabres permettent-ils de penser l’accueil et invitent par là-même à la considération et à l’engagement ?

La obra del poeta español Jorge Riechmann (Madrid, 1962) impone considerar y enfrentar con lucidez la cuestión imperiosa del “Nuevo Régimen Climático” (Bruno Latour). Ante la urgencia ecológica los poemarios de Riechmann exigen una toma de conciencia. Su escritura se abre camino entre las rocas de las certezas y la ceguera que gobiernan nuestro arrogante siglo XXI. Ante los retos socio ecológicos y las nuevas formas de violencia que asolan nuestro mundo contemporáneo, el poeta “cumple con su parte”: “La poesía y el arte no pueden casi nada: pero ese casi nada es esencial no dejar de intentarlo” (Tuits para el siglo de la Gran Prueba). El poemario Con los ojos abiertos (ecopoemas 1985-2006), en el que se enfoca el análisis de este artículo, se inscribe en esta urgencia del momento: una urgencia a la vez política, social y ecológica. Se propondrán algunos hitos y pautas para sondear esta “poética del colapso”: ¿de qué estrategias se vale el poeta para dar cuenta de este nuevo régimen climático? ¿Qué mecanismos son empleados para crear conciencia sobre la urgencia del momento presente? ¿Cuál es el papel de la poesía para “dar figuraciones vivas” de nuestras vulnerabilidades?, L’œuvre du poète espagnol Jorge Riechmann (Madrid, 1962) nous rappelle que nous sommes aujourd’hui impérieusement requis de penser l’urgence du « Nouveau Régime Climatique » (Bruno Latour). Dans ses recueils, Riechmann semble nous dire que le statu quo et l’anosognosie ont fait leur temps. Son écriture se fraye une voie entre les rochers des certitudes et des aveuglements qui régissent notre arrogant XXIe siècle. Face aux défis sociaux-écologiques et aux inouïs de violence qui assaillent nos mondes contemporains, le poète fait sa part : « La poesía y el arte no pueden casi nada : pero ese casi nada es esencial no dejar de intentarlo » (Tuits para el siglo de la Gran Prueba). Le recueil Con los ojos abiertos (ecopoemas 1985-2006), objet d’analyse dans cet article, s’inscrit dans cette urgence du moment : une urgence tout à la fois politique, sociale et écologique. On interrogera ici la poétique de l’effondrement : quelles stratégies sont mises en place pour rendre compte de ce nouveau régime climatique ? Quels mécanismes entrent en jeu pour faire prendre conscience de l’urgence ? Quel est le rôle de la poésie pour rendre sensible et « donner des figurations vivaces » de la dégradation des environnements ?

International audience; Quien no haya visto nunca al Caudillo androide o un parque temático en honor al Generalísimo ─“Franquilandia”─ lo podrá hacer en la nueva edición del Diccionario del franquismo de Manuel Vázquez Montalbán ilustrado por Miguel Brieva (Sevilla, 1974) que publicó Anagrama en colaboración con el Ayuntamiento de Barcelona. Quien no lo haya hecho y no lo tema… pues esta esperpéntica experiencia resulta hondamente incómoda y espeluznante quizás por lo certera que es. Esta edición tiene como primer punto de articulación la colisión de dos temporalidades: la de la redacción del texto en 1977, en plena Transición, y el contrapunto del momento político actual (cuarenta años después, en 2019) con las ilustraciones de Miguel Brieva. Estos dos momentos políticos dialogan en la obra echando de tal forma una mirada crítica hacia las construcciones del pasado y su vigencia en el presente. Esta nueva edición se presenta como un remedio contra males de amnesia, un remedio para protegerse y resguardarse de “recaídas”. Este término ─recaída─ tomado prestado del campo léxico semántico de la medicina es precisamente el que utiliza el filósofo francés Michael Foessel para definir el contexto político presente a la luz del año 1938. En su libro Récidive 1938 explica que si bien es cierto que la historia ni se repite, ni se duplica parece innegable que a veces tartamudea. Las diez ilustraciones a doble página de Miguel Brieva proponen un diálogo entre el pasado y el presente político pero se adentran también en tierras distópicas, donde no faltan confetis y serpentinas, para poner guión a las peores opciones y alternativas. Esta obra ofrece por lo tanto varias rupturas y sobreimpresiones temporales: el olor a naftalina acompaña al lector en esta mansión del terror donde las imágenes de los caídos y los fantasmas de la Historia recorren nuevamente España. Al proyectarse en esa distopía que describe un mundo tal y como lo tememos, los dibujos de Brieva muestran que el fascismo no es un accidente de la historia y alertan de los posibles rebrotes en contexto de “desdemocratización” (siendo esta noción definida como un momento de erosión y de retroceso de la democracia).

International audience; Cet article choisit d’aborder l’œuvre dernière du poète hispano-méxicain Tomás Segovia (Valencia-1927 - Ciudad de México, 2011) par la petite porte du biographique. Considérant que toute poésie procède d’une raison corporelle, nous voudrions ici formulons ici l’hypothèse que la maladie, la souffrance, le corps qui freine sont des expériences qui vont imprimer un changement dans l’écriture des recueils de la sénescence. La maladie comme expérience décisive permet le « plus-vivre » nietzschéen. Au lieu de l’affliction vespérale, la poésie crépusculaire de Tomás Segovia propose de respirer le désir à plein poumons. Nourrie de variations sur le thème du corps, son écriture n’est pas celle de l’ « à quoi bon », du « tout est vain », non plus de la détresse ou de la crainte. Le regard et l’écriture affrontent résolument l’abîme. C’est une poésie « charnelle », une poésie « à fleur de peau » qui dilate la perception et qui porte, dans son resserrement thématique, une obsession pour le détail, le minuscule, le « presque rien » parfois.

International audience; Dans nos sociétés du spectacle, le corps est à la fois objet d’exhibition, de désir et de consommation. Les messages et injonctions sont envahis par un imaginaire du corps triomphant : il se doit d’être beau, fort, sain, puissant, flexible, tonique, sexy… Face à ce canon à images normatives, la littérature est peut-être l’espace où peut se déployer un contre-imaginaire du corps. Boulimie, mutilation, autodestruction, « consommation de soi » sont ainsi des images fréquentes dans les projections littéraires. Au sommet de cet imaginaire de la diminution de soi : l’autophagie, pulsion contradictoire par laquelle le corps se dévore lui-même. Ce sont ces gestes autodestructeurs que nous interrogeons dans l’écriture poétique et dramatique du mexicain Homero Aridjis (Contepec, Michoacán, 1940). Comment l’objet littéraire construit-il cet imaginaire du corps comme machine à se broyer lui-même ? Comment cette puissante image peut-elle aussi projeter métaphoriquement un certain état du monde au bord de l’effondrement ?

Dorothée CHOUITEM, Louis IMPERIALE, Joanna WILK-RACIĘSKA (coord); International audience; Dans les dessins de Miguel Brieva (Séville, 1974), l’humour participe assurément d’un exercice de déconstruction. Critique, moqueur, destructeur, son geste graphique se complait dans la propension à l’exagération, à l’hyperbole et au « superlatif ». L’intention est de mettre au jour les nouvelles formes de violence de la période présente de l’hypercapitalisme. La félicité n’étant guère questionneuse, c’est le dessin, en tant qu’outil de monstration, qui sera chargé de présenter les contreparties de nos jouissances acquises. Les images auront ici pour ambition de participer au renversement des insoutenables aujourd’hui à l’œuvre (Yves Citton) : insoutenable d’ordre social, éthique ou environnemental. L’humour dans un style de loquacitas graphique se déclinera dans cette analyse sur trois moments : le superlatif pour dire les excès du monde moderne, le hors-norme dans l’exercice d’anatomie de l’homo consumens et les distorsions et la carnavalisation de l’Histoire. L’insolite, l’étrange, le détournement des conventions trouveront ici leurs meilleures occasions de faire résurgence dans les modalités du geste graphique de ce dessinateur.

International audience; A n’en pas douter, les différents albums du dessinateur Miguel Brieva (Séville, 1974) prennent leur part dans le travail de déconstruction des codes, croyances et dogmes qui régissent nos mondes contemporains. Dans Bienvenido al mundo, Dinero ou Memorias de la tierra, ses dessins s’essayent à un travail de dégrisement notamment quand il s’agit d’analyser et de comprendre « la comédie familiale », celle de ceux qui ont consenti aux normes et travaillent à les reproduire. Le dégrisement par l’image consiste alors à exposer les points critiques et les failles, en invitant le spectateur à prendre parti.Brieva n’a de cesse de dissoudre, par le biais d’un style à tout le moins corrosif et féroce, le vernis sans doute déjà bien craquelé du discours enchanté de la norme familiale. Parfois délicieusement outrancières, ses familles de papier glacé mettent alors au jour les formes de violence et les enjeux de pouvoir sous-tendus dans l’acceptation et la reproduction de certains modèles. Au cœur de son modus operandi : la parodie, le détournement, la dérision, l’hyperbole… Cette étude interroge, dans les dessins de Brieva, la matière familiale comme révélateur des fonctionnements et dysfonctionnements de nos sociétés contemporaines : comment Brieva met-il en scène les familles ordinaires et les familles dissonantes pour rendre compte de l’ordre social, l’ordre économique, l’ordre inégal des choses ? Comment interroge-t-il les représentations médiatiques dominantes de la famille ? Certaines configurations et figures de l’éventail des anamorphoses familiales nous intéresseront plus particulièrement : la famille cathodique, la famille comme lieu de « toxicité » (les parents cyniques et leurs enfants terribles…), la famille comme fétiche, la progéniture adulée ou l’injonction au bonheur familial.

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International audience; Cette étude invite à considérer l’œuvre de deux poètes, Jorge Riechmann (Madrid, 1962) et David Franco Monthiel (Cadix, 1976), ainsi que celle d’un artiste graphique, Miguel Brieva (Séville, 1974), qui ont pris le parti de pratiquer ces écritures « au second degré » qui empruntent les mots et les images des autres. Ces mécanismes de transtextualités poursuivent deux finalités qui disent d’une part le rejet et de l’autre l’adhésion : l’avers est le travail du détournement subversif, le revers celui de la mise en commun des voix. Quelques modalités seront mises au jour : poésie ventriloque, collage citationnel, détournement et déminage publicitaire, images palimpsestuelles de l’Histoire…

International audience; « Rebelle », voilà une épithète souvent associée à Tomás Segovia (Valencia 1927- México 2011) car l’œuvre de ce poète hispano-mexicain n’est pas compressible à l’intérieur de frontières qui trop souvent pressent et circonviennent : « nunca se dejará abrazar y abarcar y menos aún domesticar y encasillar » écrit Tomás Segovia à propos du chevalier errant ; et l’on serait tenté de voir dans cette présentation un autoportrait à peine voilé. Les écrits de Tomás Segovia interrogent la résistance et l’insoumission, ils invitent d’ailleurs à réfléchir « a contrapelo », « a contratiempo », « a contraluz », « a contramano » (Ensayos I, actitudes y contracorrientes). La rébellion est sans doute une option de vie exigée par une éthique hédoniste qui place en son centre l’impératif de liberté (« No tengo tiempo para no ser libre », Estuario). Quand le panoptique guette, le nomadisme devient une des solutions : l’abscisse du lieu occupé et l’ordonnée du moment de la journée dessinent alors irrémédiablement une ligne courbe aux nombreux arcs d’hélices. Le nomadisme est une forme de rébellion car l’homme qui est de passage échappe aux mécanismes de contrôle. En partant d’une définition de la micro-résistance en littérature ce travail interroge un corpus où se mêlent les essais et la poésie. En mettant son écriture au service de la révolte, Tomás Segovia dessine, dans les différentes facettes de son œuvre, un portrait du rebelle qui bat pavillon nomade (« Toda la rebeldía desemboca en errancia », Poesía, 1943-1997). Le rebelle, c’est alors le pirate informatique, « modesto y dulce pirata » (Cartas cabales), c’est celui qui « cabalmente » lutte contre les diktats de l’économie libérale, les idéologies dominantes ou la manipulation des médias.

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International audience; Quatrième de couverture: S’il est un groupe naturel auquel semble appartenir Tomás Segovia, c’est celui des Hispano-mexicains, ces enfants de l’exil, enfants de la guerre qui, greffés en terre mexicaine dans leur plus jeune âge, ont reçu en héritage la colère républicaine. Ils ont été les légataires d’une Espagne mythifiée, une Espagne livresque, une Espagne à vif et souvent obsessive, une Espagne « des subjonctifs » comme l’a présentée Max Aub. Ils se sont façonnés au cœur d’un douloureux cocon de souvenirs et de désirs en sursis, un espace bien vite devenu comme étouffant. C’est dans cet entre-deux que s’est construit le poète, forgeant une œuvre marquée, comme son itinéraire de vie, du sceau du double et du néant, d’un nomadisme forcé, qui l’a amené à accepter les ambivalences, à travailler les dualités et à faire coexister les contraires, à penser les moments limites, les transitions, pour s’installer dans l’espace-temps de la marginalité, de la mobilité, qui n’est autre que celui de la poésie.