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David Helfgott est un pianiste australien celebre de 70 ans qui rencontre encore aujourd’hui un succes considerable. Un biopic a ete realise en 1996 par le realisateur Scott Hicks qui retrace la vie de l’artiste, en s’appuyant sur les donnees developpees par son epouse Gillian Murray dans son ouvrage autobiographique. Nous mettrons en evidence, au-dela de la representation esthetique auquel le film de Hicks se consacre, ce que nous formulons par le parcours logique propre a cet artiste a partir de quelques points cliniques precis : le fantasme d’exception du pere qui enferme David Helfgott dans un imperatif de reussite d’un ideal, celui de devenir un pianiste virtuose ; les relations feminines ayant un statut maternel et operant une fonction de stabilisation psychique pour le sujet ; l’acte d’extraction de la relation imaginaire avec le pere qui lui permet de renouer avec une pratique musicale vivable et apaisee. Notre dernier point interroge notamment la fonction sinthomale que peut prendre le partenaire amoureux dans ce qui fait le rapport de David Helfgott a la jouissance. Notre interet dans cette derniere partie s’interesse moins au diagnostic structural, necessaire par ailleurs a etablir, qu’a l’apprehension des mouvements de regulation et de deregulation de la jouissance chez ce sujet, et la solution sinthomale operant pour lui comme principe regulateur des flux de jouissance.

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Cet article propose la lecture de l’une des partitions d’orchestre les plus importantes du debut du xxe siecle a l’aune de la notion de mouvement. Il s’agit de montrer comment Debussy parvient a tisser une temporalite qui epouse etroitement l’argument du ballet, par-dela le « rayonnement de l’instant » caracterisant son style musical. L’analyse des materiaux conduira a interroger le fonctionnement d’une forme dont la complexite n’a d’egale que les multiples angles d’approche qu’elle autorise. Enfin, nous interrogerons Jeux au prisme d’une esthetique de la fragmentation et d’une crise du sens dont le Symbolisme se fait l’echo des la fin du xixe siecle.

Nous nous proposons d’interroger, en nous appuyant sur les Memoires d’un nevropathe et de l’enseignement de Jacques Lacan, les rapports trop peu commentes du president Schreber avec la musique. Ce que Schreber dit de la musique, celle ou il trouva refuge, comme celle qui lui fut imposee dans le concert des voix, nous enseignent en effet sur ce qu’est non plus seulement le langage, mais lalangue. Nous tenterons de le demontrer avec l’appui d’une articulation de la psychanalyse et de la musique, deux champs de recherche dont sont respectivement issus les auteurs de cet article.

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Si la notion de « temps mort » se rapporte à une interruption d’une certaine durée, dans le contexte d’œuvres fondées sur une représentation de parole filmée, la notion de « temps mort » s’envisage d’emblée comme un moment silencieux, un silence qui se présuppose communément comme le signe d’une fuite, d’un renoncement, d’une parole impossible. Néanmoins, nombres de vidéos qui exposent une personne se racontant donnent à voir les images d’un autre silencieux. Ces moments apparaissent d’une pa...

How to approach the music of Maurice Ohana and what sense should we give to the use he makes of the guitar in his work? In this research, I will try to understand how the guitar holds such a special and essential place in his work as a whole. In fact, it carries a whole cultural and symbolic universe and contributes to nourishing the poetic imagination of the timeless creator Maurice Ohana. This poetic and atavistic world of a tree of influences is, in the composer's mind, both a source of inspiration and innovation. The ten-string guitar that he introduced in his two cycles — Si le jour paraît… and Cadran lunaire — allows him to operate on the sound material (“matière sonore”), a creative work that gives rise to an original work whose understanding requires the exploration of a cultural heritage strongly imbued with cante jondo and Andalusian culture. Between tradition and innovation, orality and writing, the work for guitar has a relationship with the sound material (“matière sonore”) that gives meaning to the process of understanding of Maurice Ohana’s work.; Comment aborder la musique de Maurice Ohana et quel sens donner à l’usage qu’il fait de la guitare dans son œuvre ? Dans cette recherche, nous tenterons de cerner en quoi la guitare tient une place si particulière et si essentielle au regard de l’ensemble de son œuvre. Elle est, en effet, porteuse de tout un univers culturel et symbolique et contribue à nourrir l’imaginaire poétique du créateur intemporel qu’est Maurice Ohana. Cet univers poétique et atavique irisé d’une arborescence d’influences est, chez le compositeur, tout à la fois une source d’inspiration et d’innovation. La guitare à dix cordes qu’il a introduite dans ses deux cycles : Si le jour paraît… et Cadran lunaire, lui permet d’opérer sur la matière sonore, un travail de création qui donne lieu à une œuvre originale dont la compréhension nécessite l’exploration d’un héritage culturel fortement imprégné du cante jondo et de la culture andalouse. Entre tradition et innovation, oralité et écriture, l’œuvre pour guitare entretient avec la matière sonore, une relation qui donne sens au processus de compréhension de l’œuvre de Maurice Ohana.

How to approach the music of Maurice Ohana and what sense should we give to the use he makes of the guitar in his work? In this research, I will try to understand how the guitar holds such a special and essential place in his work as a whole. In fact, it carries a whole cultural and symbolic universe and contributes to nourishing the poetic imagination of the timeless creator Maurice Ohana. This poetic and atavistic world of a tree of influences is, in the composer's mind, both a source of inspiration and innovation. The ten-string guitar that he introduced in his two cycles — Si le jour paraît… and Cadran lunaire — allows him to operate on the sound material (“matière sonore”), a creative work that gives rise to an original work whose understanding requires the exploration of a cultural heritage strongly imbued with cante jondo and Andalusian culture. Between tradition and innovation, orality and writing, the work for guitar has a relationship with the sound material (“matière sonore”) that gives meaning to the process of understanding of Maurice Ohana’s work.; Comment aborder la musique de Maurice Ohana et quel sens donner à l’usage qu’il fait de la guitare dans son œuvre ? Dans cette recherche, nous tenterons de cerner en quoi la guitare tient une place si particulière et si essentielle au regard de l’ensemble de son œuvre. Elle est, en effet, porteuse de tout un univers culturel et symbolique et contribue à nourrir l’imaginaire poétique du créateur intemporel qu’est Maurice Ohana. Cet univers poétique et atavique irisé d’une arborescence d’influences est, chez le compositeur, tout à la fois une source d’inspiration et d’innovation. La guitare à dix cordes qu’il a introduite dans ses deux cycles : Si le jour paraît… et Cadran lunaire, lui permet d’opérer sur la matière sonore, un travail de création qui donne lieu à une œuvre originale dont la compréhension nécessite l’exploration d’un héritage culturel fortement imprégné du cante jondo et de la culture andalouse. Entre tradition et innovation, oralité et écriture, l’œuvre pour guitare entretient avec la matière sonore, une relation qui donne sens au processus de compréhension de l’œuvre de Maurice Ohana.

Vocal rendition, the nexus of the complex articulation of text and music, gives the coordinates of operatic dramaturgy. It is, in fact, through singing that this hybrid conjunction between these two media appears as one and the same autonomous unitary action. Thus, opera transcends the hiatus of the juxtaposition of two protean contents, with limited synergies and numerous antagonisms, in a homogeneous semiotic content that can be appreciated in its representation. It effects the passage from a bipolarized matter to an immaterial conciliatory energy that is made to be performed. This transcendent combination makes the source work of art suffer, as a result of vocal technique, the musical language and the contingencies of the operatic performance, in the same way that the music submits to the requirements of tragedy. This research work aims at bringing up questions about the sense and the issues at stake in the operatic tragedy as well in the Shakespearean tragedy, about what stands out from the entirety of text altered by the musical requirements and the music given over to it. It also undertakes to shed light on certain functions of the language and the music forms which, even if they are not fixed or universal, become effective in the singular case of the works that are examined; and also on some latent data of Shakespeare’s tragedies which would open new floodgates to the outpouring of human passions. This poses the question of what the connection between the heterogeneous contents of the operatic tragedy, releases, modifies and stifles in the source drama.; L'interprétation vocale, parce qu'elle est le point nodal de l'articulation complexe entre le texte et la musique, fournit les coordonnées de la dramaturgie opératique. C'est en effet par le chant que la rencontre hybride entre ces deux médias se coule en une seule et même action, autonome et indécomposable. L'opéra transcende ainsi le hiatus de la juxtaposition de deux contenus protéiformes, aux synergies limitées et aux nombreux antagonismes, en un contenu sémiotique homogène, que l'on goûte par le truchement de la représentation. Il s'agit véritablement du passage d'une matière bipolarisée à une énergie dont l'immatérialité réconciliatrice s'inscrit dans l'espace de la scène. Cette union transcendante fait "souffrir" l'oeuvre source, par l'impact de la technique vocale, du langage musical et des contingences liées à la scène lyrique, de la même manière que la musique se plie, dans une certaine mesure, aux impératifs de la tragédie. Cette recherche vise à soulever des interrogations sur le sens et les enjeux de la tragédie lyrique et de la tragédie shakespearienne, sur ce que fait émerger l'agglomérat du texte, transformé par les exigences musicales, et de la musique, dédiées à ce texte. Elle entreprend aussi d'éclairer certaines fonctions du langage et des formes musicales qui, même si elles ne sont pas fixes et universelles, deviennent opérantes dans le cas singulier des oeuvres traitées, ainsi que certaines données latentes des tragédies de Shakespeare qui ouvriraient de nouveaux canaux à l'effusion des passions humaines. Cela pose la question de ce que la relation des contenus hétéroclites de la tragédie lyrique libère, modifie et étouffe dans le drame source.; L'interpretazione vocale, il nodo della complessa articolazione tra testo e musica, dà le coordinate della drammaturgia operistica. È, infatti, attraverso il canto che la confluenza ibrida tra questi due mezzi di comunicazione si fonde in una stessa azione, autonoma e unitaria. L'opera trascende così lo iato della giustapposizione di due contenuti proteiformi, con limitate sinergie e antagonismi numerosi, per arrivare a un contenuto semiotico omogeneo, che gustiamo tramite la rappresentazione teatrale. Si effettua veramente il passaggio da una materia bipolarizzata ad un'energia la cui immaterialità riconciliante si inserisce nello spazio scenico. Questa combinazione trascendente fa « soffrire » le fonti, a causa dell’impatto della tecnica vocale, del linguaggio musicale e delle contingenze afferenti alla lirica, nello stesso modo in cui la musica si piega, entro certi limiti, ai dettami della tragedia. Questa ricerca mira a porre delle domande sul significato e sulle sfide della tragedia lirica e della tragedia di Shakespeare, su ciò che fa emergere l’agglomerato del testo, trasformato dalle esigenze musicali, e della musica consacrata a questo testo. Si impegna inoltre a illuminare alcune funzioni del linguaggio e delle forme musicali che, anche se non sono fisse e universali, diventano operative nel caso singolare delle opere esaminate, così come certi dati latenti delle tragedie di Shakespeare, che aprirebbero nuovi canali all’effusione delle passioni umane. Questo solleva la questione di ciò che il collegamento dei contenuti eterogenei della tragedia lirica libera, modifica e soffoca nel dramma originale.

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Actes du Colloque international pluridisciplinaire : Peut-on créer sans répéter (équipes Arts : pratiques et poétiques EA 3208 et Psychopathologie : nouveaux symptômes et lien social EA 4050). Les 21 et 22 février 2013, Rennes 2.; International audience; Afin de cerner au plus près ce qui se joue dans la « forme » du dire propre à Debussy, nous soumettrons quelques extraits de pièces (tirés essentiellement des Préludes pour piano) à une analyse aussi bien d'ordre musical que psychanalytique. En effet il nous semble que la topologie (en particulier celle de la bande möbienne et du tore) telle qu'envisagée par Lacan est d'un apport éclairant pour donner une consistance autre que purement technique aux caractéristiques évoquées plus haut. En retour le détour topologique qui pense le temps comme quatrième dimension et qui par le plan projectif introduit la catégorie du « recoupement » permet au musicologue d'enrichir sa palette conceptuelle d'outils qui pourraient en outre sembler plus « naturels » à la musique.