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A criação artística e as práticas curatoriais contemporâneas são resultado de um conjunto de mudanças que aconteceram ao longo dos últimos anos que, não só as aproximou, como introduziu a investigação e a educação nos seus processos. Esta série de transformações contribuiu para um diluir de fronteiras institucionais entre funções e disciplinas e resultou na construção de projetos curatoriais baseados no trabalho colaborativo e em rede. O breve estudo dos projetos Fragments of Repair (2021, BAK, Utrecht) e CARTA ABERTA (2022, Hangar, Lisboa) é o ponto de partida para uma reflexão sobre a aproximação entre a atividade curatorial, a produção artística e a investigação enquanto produção de conhecimento com base na colaboração.

Obra publicada por ocasião da exposição patente no Rialto6 em Lisboa decorrida de 19 de maio a 21 de julho de 2023. Contém referências biográficas do artista representado, Exhibited in a specific installation that transforms the ground floor of the Rialto6 into a new exhibition space, Onofre’s artwork summons a sequence of intermedial processes of translation/transference of sounds, materials, codes, time (the space of the event) and space (the place it occupies in time), materializing in an abstract form a concrete duration or, in other words, in the form of the spatial duration of key moments of the original track.A recurring practice in the work of João Onofre, the hybridized performance is here manifested in the crystalline version of a container – also a key concept in the artist’s work – or of a container within a container and the closure that both entail. But whereas this closure would seemingly foster the presential stability of what it harbors, the installation actually undermines presence itself since it reflects the insoluble deferral of synchrony between what we see and what we hear, and the excess to which both are exposed and whose visual and sound constraints return us only an absence

Obra publicada por ocasião da exposição patente no Museu Nacional do Traje decorrida de 26 novembro 2022 a 8 março 2023

Esta tese é o resultado de uma investigação artística, tendo em vista a produção de conhecimento a partir de diferentes pontos de vista como resultado de um diálogo entre a prática, a produção artística e a literatura acerca da sua temática. É também uma investigação que regista parte do meu percurso artístico. Marca uma etapa da minha transformação enquanto artista, sendo, neste sentido, uma tese heurística. A temática da investigação é a importância do estímulo visual na performance musical. Uma vez que em contexto performativo se dá uma “trans-modalidade” (integração dos estímulos auditivo e visual), pretendeu-se perceber de que modo o estímulo visual pode ser trabalhado na criação de uma performance; em que medida gestos trabalhados e planeados podem contribuir para o músico durante a performance; e de que modo o estímulo visual influencia a comunicação da narrativa musical com o público. Partindo da premissa de que o comportamento corporal de um músico é importante na comunicação que ocorre durante a performance musical, é também explorada uma ligação entre a performance musical e teatral. Pretendendo descrever uma metamorfose, um processo evolutivo, algumas ideias sobre a temática, anteriores ao início deste projeto, são apresentadas. São seguidas da exposição de conceitos e ideias de diversos autores sobre a temática onde se pretende demonstrar alguns estudos já realizados e a pertinência da investigação. Segue-se a descrição do processo de trabalho que levou ao planeamento de uma partitura corporal a ser seguido durante a performance, assim como reflexões que foram surgindo durante a preparação do recital e após duas performances. Na secção seguinte é analisado o modo como a partitura corporal planeada tem influência no modo como a narrativa musical é percecionada por parte do público, fomentando a apreciação crítica por parte do mesmo. Seguidamente é apresentada uma neonarrativa baseada em conversas realizadas com 7 artistas sobre a temática da investigação, pondo em diálogo os seus diferentes pontos de vista. Partindo do uso de escrita performativa na criação dessa mesma neonarrativa e pesquisando acerca da importância e inclusão do corpo em partituras compostas por outros compositores, resultou também desde projeto uma nova partitura musical que visa contribuir, demonstrar e sensibilizar para a possibilidade e o modo como o estímulo visual pode ser incluído também na composição de novo repertório. Com os resultados desta investigação é argumentado que uma maior preocupação acerca do estímulo visual por parte dos músicos pode contribuir positivamente para a criação das suas performances. Pretende-se também que haja uma maior aproximação do público com a temática exposta e com a música em geral. This thesis is the result of an artistic research – a type of research that, based on different points of view, aims at the production of knowledge as a result of a dialogue between practice, artistic production and bibliographic study on its subject. This is also an investigation that records part of my artistic path. It marks a stage in my transformation as an artist, being, in this sense, heuristic research. The research theme is the importance of the visual stimulus in musical performance. Since a cross-modality occurs in a performative context (integration of auditory and visual stimuli), it was intended to understand how the visual stimulus can be worked on in the creation of a performance; to what extend worked and planned gestures can contribute to the musician during the performance; and how the visual stimulus influences the communication of the musical narrative with the audience. Starting from the premise that a musician’s bodily behaviour is important in the communication that occurs during musical performance a link between musical and theatrical performance is also explored. With the intention of describing a metamorphosis, an evolutionary process, some ideas on the subject, prior to the beginning of this project, are presented. This is followed by the exposition of concepts and ideas from several authors, which intends to demonstrate some studies already carried out on the subject and the relevance of the present investigation. This is followed by the description of the working process that led to the planning of a body score to be included in the performance, as well as reflections that emerged during the preparation of the recital and after two performances. The next section analyses how the planned body score has an influence on how the musical narrative is perceived by the audience, fostering their critical appreciation. Next, a neonarrative is presented. Its elaboration was based on conversations held with 7 artists on the subject of the investigation, where their different points of view are put into dialogue. Starting from the use of performative writing in the creation of this same neonarrative and researching the importance and inclusion of the body in scores composed by other composers, this project also resulted in a new musical score that aims to contribute, demonstrate and raise awareness of the possibility and the way in which the visual stimulus can also be included in the writing of new repertoire. With the results of this investigation, it is argued that a greater concern about visual stimulation by the musicians could positively contribute to the creation of their performances. It is also intended to bring the public closer to the exposed theme and to music in general. Programa Doutoral em Música

A criação artística e as práticas curatoriais contemporâneas são resultado de um conjunto de mudanças que aconteceram ao longo dos últimos anos que, não só as aproximou, como introduziu a investigação e a educação nos seus processos. Esta série de transformações contribuiu para um diluir de fronteiras institucionais entre funções e disciplinas e resultou na construção de projetos curatoriais baseados no trabalho colaborativo e em rede. O breve estudo dos projetos Fragments of Repair (2021, BAK, Utrecht) e CARTA ABERTA (2022, Hangar, Lisboa) é o ponto de partida para uma reflexão sobre a aproximação entre a atividade curatorial, a produção artística e a investigação enquanto produção de conhecimento com base na colaboração.

Exposição patente no Museu Mineiro, Centro Ciência Viva do Lousal de 4 de Dezembro de 2021 a 29 de Janeiro de 2022, As obras presentes nesta mostra, trazem ao público uma reinterpretação do que poderão ser referências identitárias do passado mineiro da povoação [do Lousal]. A exposição, constitui-se assim, como ferramenta pedagógica para o estudo da transmissão da memória coletiva e da diversidade de usos e apropriações do espaço público hoje. Apresentando hipóteses de diálogo entre a vertente física e imaterial, cultural e social no Lousal, garantindo novas formas de leitura do território através da arte. Neste projecto contámos com o apoio da Câmara Municipal de Grândola, do Centro de Ciência Viva do Lousal, do Centro Comunitário do Lousal e da Junta de freguesia de Freguesia de Azinheira de Barros e São Mamede de Sádão

Obra publicada por ocasião da exposição patente na Galeria Cabe 184, de 17 de dezembro de 2022 a 23 de janeiro de 2023. Residência artística decorrida entre 10 a 30 de outubro de 2022. Trata-se da 4ª edição da residência artística

Afortunadamente, la investigación artística se ha vuelto más aceptada por la academia en los últimos años y el potencial de una relación mutuamente beneficiosa entre Arte y Ciencia parece más prometedor que nunca. A pesar de ello, continúan existiendo tensiones y reticencias que obstaculizan excesivamente el desarrollo de proyectos interdisciplinares donde el Arte esté implicado. En este artículo intentaremos, en primer lugar, analizar comparativamente la investigación artística y la investigación científica a la luz de cuatro dominios clásicos de la Filosofía de la Ciencia: lenguaje, mereología, método y verdad; en segundo lugar, formularemos dos hipótesis sobre (1) las razones del desencuentro persistente entre Arte y Ciencia, asentado en la separación entre racionalismo y empirismo y (2) sobre la posibilidad de encuentro, basado en el uso especulativo de la razón, entre la investigación artística y científica; dos miradas metodológicamente distintas sobre el mismo concepto o problema metafísico.

A institucionalização progressiva das artes nos curricula académicos obriga a pensar as práticas artísticas no contexto da investigação, nomeadamente, do que o artista-investigador terá de acrescentar ao ato de criação para que ele também possa ser considerado ato de investigação. O presente artigo ensaia uma possibilidade de verbalização autorreflexiva relativa a um espetáculo teatral criado em contexto académico, enquanto elemento central de um projeto de mestrado de um estudante que orientei e em que também fui cocriador, na qualidade de encenador e diretor de atores. Nele, reflito sobre questões de investigação artística que estiveram presentes durante o processo de criação, descrevo metodologias adotadas para os resolver e analiso resultados. info:eu-repo/semantics/publishedVersion

Esse trabalho é fruto de uma investigação artística realizada no âmbito do programa do Mestrado em Música da Universidade de Aveiro e tem como tema central a dimensão da espiritualidade na obra intitulada Sei Solo a Violino do compositor barroco J. S. Bach. Buscou-se partilhar um imaginário de espiritualidade em que elementos de uma vivência particular contribuiram para a criação artística. Este documento traz reflexões que nortearam o processo criativo bem como um texto lírico que procura complementar e clarificar a performance. This work is the result of an artistic investigation carried out within the Master's in Music program of the University of Aveiro and has as its central theme the dimension of spirituality in the work entitled Sei Solo a Violino by the baroque composer J. S. Bach. We sought to share an imaginary of spirituality in which elements of a particular experience contributed to the artistic creation. This document brings reflections that guided the creative process as well as a lyric text that seeks to complement and clarify the performance. Mestrado em Música

Tese de Doutoramento em Materialidades da Literatura apresentada à Faculdade de Letras da Universidade de Coimbra This study examines ‘classical reception’ in Oscar Wilde’s and Michel Foucault’s theories on ethics and aesthetics, particularly in Wilde’s conception of art-criticism and Foucault’s conception of critique, to suggest a form or perhaps a method of literary criticism more consistent with the post-hermeneutical framework of the Materialities of Literature. In a few words, my main contention is that, if one of the basic goals of the Materialities of Literature is to investigate how different materialities of communication might creatively cooperate to deterritorialise our ordinary appreciation of literature and its relation to art in general—a process in which purely interpretative analyses tend to become insufficient for an effective appreciation of the literary art—, it is also the case for us to deterritorialise our ordinary understanding of criticism to make sure that we are not retreating, or at least confining ourselves, to a purely interpretative routine—a process in which performativity, creativity, and artistry seem to emerge as more consistent strategies for an effective appreciation of the literary art. In this study, however, I do not simply examine this strategy; in order to clarify its theoretical relevance, I examine it against the backdrop of an overly Cartesian reasoning that tends to embarrass a proper post-hermeneutical thinking, a reasoning that, in a context of ‘classical reception’, can be connected to the subsumption of the ‘care of the self’ to the ‘knowledge of the self’. Curiously, although it was not originally my intention to conduct this study as a study on artistic research, in the end I unwittingly touched on two subjects that, I believe, are of the greatest importance for artistic research today: the problem of form and discourse in studies conducted in a context of artistic research and the inclusion of literature into the very system of artistic research—which, I realise it now, might be one of the most promising potentials of the Materialities of Literature as a doctoral programme. Este estudo examina a ‘recepção clássica’ nas teorias sobre ética e estética de Oscar Wilde e Michel Foucault, em particular a concepção de Wilde sobre crítica de arte e a concepção de Foucault sobre crítica social, a fim de sugerir uma forma ou talvez um método de crítica literária mais consistente com o enquadramento pós-hermenêutico das Materialidades da Literatura. Em poucas palavras, meu principal argumento é o de que, se um dos objetivos fundamentais das Materialidades da Literatura é investigar como diferentes materialidades da comunicação podem cooperar de maneira criativa para desterritorializar nosso apreço comum pela literatura e por sua relação com as artes em geral—um processo no qual análises puramente interpretativas tendem a se mostrar insuficientes para um apreço efetivo da arte literária—, então também convém que desterritorializemos nosso entendimento comum de crítica a fim de garantir que não estamos retrocedendo, ou ao menos nos confinando, a uma rotina de simples interpretação—um processo no qual performatividade, criatividade e artifício parecem emergir como estratégias mais consistentes para um efetivo apreço da arte literária. Neste estudo, porém, não examino essa estratégia, simplesmente; a fim de esclarecer sua relevância teórica, examino-a contra a luz de um raciocínio exageradamente cartesiano que tende a atrapalhar um pensamento propriamente pós-hermenêutico, um raciocínio que, em um contexto de ‘recepção clássica’, pode ser conectado à subsunção do ‘cuidado de si’ ao ‘conhecimento de si’. Curiosamente, embora em princípio não tenha sido minha intenção conduzir este estudo como um estudo sobre investigação artística, por fim acabei por adentrar dois assuntos que, acredito, são da maior importância para a investigação artística hoje: o problema da forma e do discurso em estudos conduzidos em um contexto de investigação artística e a inclusão da literatura no sistema mesmo da investigação artística—o que, percebo agora, talvez seja um dos potenciais mais promissores das Materialidades da Literatura enquanto programa de doutoramento.

Submitted by NUNES (herberto@ubi.pt) on 2020-11-20T16:44:37Z No. of bitstreams: 1 Uma casa na praia… 2018_19.pdf: 1093245 bytes, checksum: cb8052c728c73abb8856cf9810386c05 (MD5) Approved for entry into archive by Pessoa (pfep@ubi.pt) on 2020-11-24T09:39:16Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Uma casa na praia… 2018_19.pdf: 1093245 bytes, checksum: cb8052c728c73abb8856cf9810386c05 (MD5) Approved for entry into archive by Pessoa (pfep@ubi.pt) on 2020-11-24T09:40:40Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Uma casa na praia… 2018_19.pdf: 1093245 bytes, checksum: cb8052c728c73abb8856cf9810386c05 (MD5) Made available in DSpace on 2020-11-24T09:40:40Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Uma casa na praia… 2018_19.pdf: 1093245 bytes, checksum: cb8052c728c73abb8856cf9810386c05 (MD5) Previous issue date: 2020-11 Instituto Açoriano de Cultura info:eu-repo/semantics/publishedVersion

A criação artística é já em si um processo de investigação em que criadorxs pesquisam as possibilidades e os limites, não apenas dos seus próprios materiais, corpos, espaços e textos, mas também da sua relação com os demais elementos do mundo. Neste sentido a criação artística apresenta algumas das formas mais inovadoras e estimulantes de produzir conhecimento sobre o mundo ou, se quisermos tomar emprestada a formulação de Nelson Goodman, alguns dos modos mais sublimes de “fazer mundo”: simbolizando-o, construindo-o, transformando-o. No entanto, estes processos multidisciplinares de investigação artística nem sempre são visíveis ou explícitos e, frequentemente, utilizam noções de intuição, emoção ou subjetividade para explicar seus processos. Por estas razões, a investigação artística não se enquadra facilmente na noção da ciência com cariz objetivo e passível de ser reproduzido o que, muitas vezes, coloca em causa métodos e práticas convencionais da ciência e impele a busca de linguagens e metodologias próprias. Questiona, por exemplo, noções de conhecimento que valorizam excessivamente a mente e subvalorizam o corpo. Interroga a hierarquização que privilegia o pensar e marginaliza o sentir. Desconstrói fronteiras entre práticas artísticas e práticas sociais e políticas. Este volume da Diacrítica é, tanto quanto sabemos, o primeiro inteiramente dedicado às artes e a ser organizado pelo Núcleo de Investigação em Estudos Performativos (NIEP) do Centro de Estudos Humanísticos. Aqui procurou-se dar voz aos múltiplos pressupostos, práticas e problematizações que decorrem da tensão produtiva entre criação artística e investigação académica, trazendo também à discussão possibilidades metodológicas emergentes que procuram ultrapassar possíveis dicotomias, em prol da eliciação de complementaridades na construção de conhecimento. As contribuições que aqui reunimos foram produzidas não apenas por investigadores universitárixs na área das Artes, como também por artistas-investigadorxs dentro e fora das universidades de diferentes países. Desta forma pretendemos contribuir para o mapeamento do panorama atual da investigação artística ao nível nacional e internacional e para a consciencialização da diferença como base da investigação artística, no quadro alargado da construção de conhecimento enquanto objetivo principal da investigação académica.

Este artigo pretende salientar a importância para a mudança social dos estereótipos de género, da produção de investigação e prática artísticas na área da arte e género, realizada de um modo trans e interdisciplinar que cruza várias áreas do conhecimento com as artes visuais, a sociomuseologia e os estudos de género nos museus e nas academia de belas-artes. Esta investigação-ação tem como público-alvo os estudantes e as comunidades envolventes, visando a transformação das mentalidades das pessoas através da arte, de acordo com objetivos fixados nas Agendas da Organização das Nações Unidas relativamente à igualdade de género e capacitação de todas as mulheres e meninas e aos direitos LGBTI +. This article aims to highlight the importance for the social change of gender stereotypes, the production of artistic research and practice in art and gender, carried out in a trans and interdisciplinary way that crosses several areas of knowledge with the visual arts, sociomuseology and gender studies in museums and the fine arts academy. This action-research has as a target audience students and surrounding communities, aiming at the transformation of people’s mentalities through art, in accordance with objectives set out in United Nations Agendas on Gender Equality and Empowerment of All Women and Girls and LGBTI+ rights.

Elise Hall foi uma das primeiras saxofonistas na história do saxofone. Uma recomendação médica e as suas inquietudes pessoais fizeram com que se iniciasse no estudo deste jovem instrumento. Após comprovar a situação do escasso repertorio que tinha o saxofone, propôs-se a ampliá-lo fazendo um grande número de encommendas a diferentes compositores da época, entre os quais podemos assinalar Claude Debussy, Florent Schmitt, Vincent d’Indy ou André Caplet. Para atingir os seus objetivos, Elise Hall teve que superar várias dificuldades, não só profissionais, mas também críticas à sua pessoa pelo facto de ser mulher. Depois de realizar uma pesquisa para a recolha das peças, contactamos com The New England Conservatory (Boston) e conseguimos as partituras de um grande número de peças encomendadas por Hall. A seguir, realizamos uma análise do uso do saxofone procurando características comuns num número representativo de peças, baseando-nos nomeadamente nas características do impresionismo expostas na enciclopédia The New Grove. Com o desenvolvimento deste trabalho poderemos ver se as peças encomendadas tinham o objetivo de apresentar o saxofone como um instrumento solista ou se na realidade Hall só pretendía atribuir-lhe certa presença com a finalidade de dar a conhecer este instrumento a um público maior, incluindo os compositores. Por outro lado, durante a análise das peças pudemos comprovar que muitas delas foram adaptadas posteriormente para outros instrumentos. Em contraposição a este fato, decidimos investigar sobre um dos compositores para saxofone mais reconhecidos, que além disso, realizou uma adaptação de uma das peças encomendadas por Elise Hall: Christian Lauba, cujas peças são criadas exclusivamente para o saxofone, sendo impossível a sua execução noutro instrumento distinto. Desta maneira, poderemos observar a grande evolução do tratamento dado por parte dos compositores ao mesmo instrumento ao longo da história Elise Hall (1853-1924) was one of the first saxophonists in the history of the saxophone. A medical recommendation and her personal interests made her start studying this young instrument. After checking the situation of the repertoire of the moment, she proposed herself to broaden it ordering a wide number of pieces to different composers of that age, like Claude Debussy, FLorent Schmitt, Vincent d`Indy or Andre Caplet. To reach her targets Elise Hall got through several difficulties, not only professionals but also critics to herself just for the fact of being a woman. After doing research for collecting all the pieces, we contacted The New England Conservatory of Music (Boston) and we got the scores from a large number of pieces that had been ordered by Hall. After that, we analyzed the use of the saxophone in order to find some common characteristics using a representative number of pieces, based on musical characteristics of the impressionism that appear in the New Grove. Along this work, we will see if the purpose of the pieces was to present the saxophone as a soloist instrument, or if Elise Hall just wanted to present the instrument to the public in order to make it better known to the audience, and to composers as well. On the other hand, during the analysis of the scores we observed that a large number of them were transposed later for other instruments. In contrast to this fact, we decided to research on one of the most known composers that adapted one of the scores ordered by Elise Hall: Christian Lauba, whose scores are exclusively created for a selected instrument, being impossible its interpretation by a different one. In this way, we will be able to see the great evolution of the way the composers treated this instrument along the history Mestrado em Música

Submitted by Márcia Pessoa (mpessoa@ua.pt) on 2020-02-06T15:09:56Z No. of bitstreams: 1 Documento.pdf: 61040819 bytes, checksum: f6822d9285140c5e380648f66729691b (MD5) Made available in DSpace on 2020-02-06T15:09:56Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Documento.pdf: 61040819 bytes, checksum: f6822d9285140c5e380648f66729691b (MD5) Previous issue date: 2019-06-06 Mestrado em Música

São vários os motivos que convergem numa residência artística, juntando artistas, instituições de acolhimento, mecenas, público e outros intervenientes. A residência funciona como uma plataforma de intercâmbio num contexto muito concreto, em que as suas condições materiais estão (mais ou menos) determinadas à partida. Apesar de uma residência artística estabelecer, nos bons exemplos, aquilo que nas relações ecológicas se define como mutualismo – uma relação em que todas as partes são beneficiadas –, o facto é que o artista assume uma posição central como agente da partilha. É a criação artística que estabelece a ligação entre os diferentes intervenientes. Nesse sentido, consideramos pertinente a análise crítica da residência artística, no sentido de mapear as interações que se estabelecem entre os diferentes intervenientes, com o enfoque na investigação artística. Durante outubro e dezembro de 2018 o artista sonoro Nuno da Luz esteve em residência artística na Escola das Artes (EA) da Universidade Católica Portuguesa, no Porto, resultando na exposição Poetry as an echological survival. A exposição teve a colaboração do Instituto Hidrográfico da Marinha Portuguesa (IH). Comparando a proposta inicial do artista com o resultado final foi possível identificar as características da residência que potenciam a descoberta de novos caminhos na prática artística. Para respondermos a esta premissa analisamos duas entrevistas (vídeo) do artista e do Comandante Pires Barroqueiro, do IH.

UID/SOC/04647/2019 Este artigo pretende salientar a importância para a mudança social dos estereótipos de género, da produção de investigação e prática artísticas na área da arte e género, realizada de um modo trans e interdisciplinar que cruza várias áreas do conhecimento com as artes visuais, a sociomuseologia e os estudos de género nos museus e nas academia de belas-artes. Esta investigação-ação tem como público-alvo os estudantes e as comunidades envolventes, visando a transformação das mentalidades das pessoas através da arte, de acordo com objetivos fixados nas Agendas da Organização das Nações Unidas relativamente à igualdade de género e capacitação de todas as mulheres e meninas e aos direitos LGBTI +. publishersversion published

O Misticismo acompanhou o comportamento do ser humano desde sempre: na forma de vida, rituais, superstições, crenças religiosas ou ações inconscientes, sendo estes alguns exemplos que podemos ainda hoje observar na vida de muitas pessoas. Também na música o Misticismo está presente, tanto na Música Sacra, como noutras correntes, inclusive na Música Contemporânea. Esta dissertação faz parte do projeto artístico desenvolvido no âmbito do Mestrado em Música – ramo de Performance. Sendo este um documento de apoio ao Recital final, a temática centra-se na obra de dois compositores contemporâneos: Mario Lavista (mexicano, 1943-) e Torü Takemitsu (japonês, 1930-1996), os quais, oriundos de tradições culturais e espirituais distintas, estão ambos marcadamente influenciados pelo Misticismo. A presente dissertação tem então como principal objectivo refletir e desenvolver uma proposta interpretativa de quatro obras para flauta solo: ‗Canto del Alba‘ e ‗Lamento‘ de Lavista, e ‘Air‘ e ‗Voice‘ de Takemitsu, numa abordagem que pretende revelar a dimensão mística presente nestas obras, e a sua influência na Performance musical. Na Performance das referidas obras, pretende-se expandir as possibilidades de interpretação a partir do que está para além da partitura. Assim, procurou-se uma encenação que propicie a experiência mística e, em complemento à execução instrumental especializada da flauta transversal, acrescentou-se a exploração de outros meios de produção sonora, como sejam, os instrumentos ancestrais, de conhecido caráter terapêutico, como Gongos, Taças de Cristal e Concha. Estes instrumentos, usados tanto no Ocidente como no Oriente para criar ambientes meditativos, são introduzidos para estimular o despertar e ampliar a sensibilidade dos sentidos, quer do intérprete, quer do ouvinte. A Performance está aqui ao cargo do grupo Sidereae Nunciae (Mensageiras das Estrelas, em Latim), constituído pela autora e uma especialista em música terapêutica, cuja criação em 2017 resultou no encontro da música clássica com a música improvisada e acabou por conduzir a esta investigação artística. Esta dissertação apresenta assim uma primeira parte onde se fundamenta teoricamente e contextualiza esta abordagem interpretativa das referidas composições musicais. E, uma segunda parte, onde se procura explicitar o processo de produção artística, descrevendo o processo de criação de cada proposta interpretativa, assim como refletir sobre os vários concertos que conduziram e ajudaram na preparação do Recital final, cuja gravação em DVD faz parte deste documento. Mysticism has conditioned the behaviour of humans ever since: in the form of life, rituals, superstitions, religious beliefs or unconscious actions, being these some examples that we can still today observe in the life of many people. Mysticism is present also in music, in sacred music and in other streams, including contemporary music. This dissertation is part of the artistic project developed in the context of the completion of the master's degree in Music – branch of Performance. Being this a supporting document of the final Recital, the theme focuses on the composition of two contemporary composers: Mario Lavista (Mexican, 1943-) and Töru Takemitsu (Japanese, 1930-1996), which, from different cultural and spiritual traditions, are both markedly influenced by Mysticism. The present dissertation has as principal aim to reflect and develop an interpretive proposal of four compositions for solo flute: ' Canto del Alba ' and ' Lamento ', of Lavista, ‗Air' and ' Voice ' of Takemitsu, on an approach that aims to reveal the mystical dimension present in these compositions and its influence on musical Performance. In the Performance of such compositions, it is intended to expand the possibilities of interpretation from what lies beyond the score. So, in addition to the specialized instrumental playing of the flute, it was added the exploitation of other means of sound production, such as the ancient instruments of known therapeutic character, like Gongs, Crystal bowls and Conch Shell. These instruments, used both in the West as in the East to create meditative environments, are introduced to stimulate the awareness and increase the sensitivity of the senses, both of interpreter and listener. The Performance is done by the group Sidereae Nunciae (Messengers of the Stars, in Latin), consisting of the author and of a specialized therapeutic musician, whose creation in 2017, resulted on the merging of classical music with the improvised music, that led to this artistic investigation. Therefore, this dissertation, presents a first part with the base theoretical principles and context of this interpretative approach of the musical compositions chosen. And a second part, where it is intended to clarify the process of artistic production, describing the process of creation of each interpretative proposal, as well as to reflect on the various concerts led to help in preparing the final Recital, whose recording on DVD is part of this document. Mestrado em Música

Submitted by Licínia Santos (biblioteca@fba.ul.pt) on 2018-05-24T18:28:41Z No. of bitstreams: 2 ULFBA_TES1109_capa.jpg: 403052 bytes, checksum: 9d9c415b849ae3ca7f3d247c54a6f3f1 (MD5) ULFBA_TES1109_Dissertacao_Pollyanna Martins_Do resultado para o processo_REVISAO FINAL.pdf: 2363465 bytes, checksum: 1e35494b5d3ba8cb57c58961170f891a (MD5) Made available in DSpace on 2018-05-24T18:28:55Z (GMT). No. of bitstreams: 2 ULFBA_TES1109_capa.jpg: 403052 bytes, checksum: 9d9c415b849ae3ca7f3d247c54a6f3f1 (MD5) ULFBA_TES1109_Dissertacao_Pollyanna Martins_Do resultado para o processo_REVISAO FINAL.pdf: 2363465 bytes, checksum: 1e35494b5d3ba8cb57c58961170f891a (MD5) Previous issue date: 2018-03-05

José Paiani Spaniol é um experiente docente-pesquisador na Pós-Graduação do Instituto de Artes da Universidade Estadual Paulista, em São Paulo - Brasil, e atraiu nosso interesse analítico justamente por atuar, no ambiente universitário, nas fronteiras entre docência e pesquisa artística. Se reconhece como artista-pesquisador, elaborando processos formais a partir de uma insistente busca de equilíbrio entre produtividade acadêmica e produção expressiva. José Paiani Spaniol is an experienced lecturer at the Institute of Arts of the Paulista State University in São Paulo - Brazil, and has attracted our analytical interest precisely because of his role in the university environment at the frontiers between teaching and artistic research. It recognizes himself as an artist-researcher, elaborating formal processes based on an insistent search for a balance between academic productivity and expressive production.

Submitted by Licínia Santos (biblioteca@fba.ul.pt) on 2017-01-25T13:06:35Z No. of bitstreams: 2 ULFBA_MatPrima_V4_3_CAPA.jpg: 430798 bytes, checksum: a2c93edf21dc906be8ad20c701725911 (MD5) ULFBA_MatPrima_V4_3_p58-70.pdf: 243364 bytes, checksum: 3be6f1b11d9898cdc5cda73b8563446a (MD5) Made available in DSpace on 2017-01-25T13:06:50Z (GMT). No. of bitstreams: 2 ULFBA_MatPrima_V4_3_CAPA.jpg: 430798 bytes, checksum: a2c93edf21dc906be8ad20c701725911 (MD5) ULFBA_MatPrima_V4_3_p58-70.pdf: 243364 bytes, checksum: 3be6f1b11d9898cdc5cda73b8563446a (MD5) Previous issue date: 2016 info:eu-repo/semantics/publishedVersion

Submitted by Licínia Santos (biblioteca@fba.ul.pt) on 2015-11-09T18:26:00Z No. of bitstreams: 2 ULFBA_ET_12_936(1)_CAPA.jpg: 858982 bytes, checksum: dba46f184c02e1e6d8764a7cb2706fde (MD5) ULFBA_ET_12_936(1)_FernandoRosaDias.pdf: 10044453 bytes, checksum: 9470d8bbbbd492fcfec310dca4197489 (MD5) Made available in DSpace on 2015-11-09T18:26:31Z (GMT). No. of bitstreams: 2 ULFBA_ET_12_936(1)_CAPA.jpg: 858982 bytes, checksum: dba46f184c02e1e6d8764a7cb2706fde (MD5) ULFBA_ET_12_936(1)_FernandoRosaDias.pdf: 10044453 bytes, checksum: 9470d8bbbbd492fcfec310dca4197489 (MD5) Previous issue date: 2015

Submitted by Licínia Santos (biblioteca@fba.ul.pt) on 2018-02-06T16:01:12Z No. of bitstreams: 2 ULFBA_MP_v3_iss1_capa.jpg: 900887 bytes, checksum: 8805828040c9452188b12eda641424a3 (MD5) ULFBA_MATERIAPRIMA5_p114-125.pdf: 113073 bytes, checksum: bceba75ec6836eed4c1e2f0093b512c5 (MD5) Made available in DSpace on 2018-02-06T16:01:12Z (GMT). No. of bitstreams: 2 ULFBA_MP_v3_iss1_capa.jpg: 900887 bytes, checksum: 8805828040c9452188b12eda641424a3 (MD5) ULFBA_MATERIAPRIMA5_p114-125.pdf: 113073 bytes, checksum: bceba75ec6836eed4c1e2f0093b512c5 (MD5) Previous issue date: 2015-01 info:eu-repo/semantics/publishedVersion

Textos apresentados ao I Encontro sobre Investigação e(m) artes, realizado na Universidade de Évora em 2013.

Encontro de investigação artística realizado em Évora por iniciativa da Escola de Artes, 19 de Junho de 2013

Submitted by Licínia Santos (biblioteca@fba.ul.pt) on 2013-05-07T11:19:43Z No. of bitstreams: 2 ULFBA_Estudio_n7_CAPA.jpg: 129243 bytes, checksum: 90dc81c3ec13520ab8f54daa602e8e17 (MD5) ULFBA_Estudio_n7_JoãoPauloQueiroz.pdf: 2142156 bytes, checksum: bdd7783638905a7db07503a702230616 (MD5) Made available in DSpace on 2013-05-07T11:20:10Z (GMT). No. of bitstreams: 2 ULFBA_Estudio_n7_CAPA.jpg: 129243 bytes, checksum: 90dc81c3ec13520ab8f54daa602e8e17 (MD5) ULFBA_Estudio_n7_JoãoPauloQueiroz.pdf: 2142156 bytes, checksum: bdd7783638905a7db07503a702230616 (MD5) Previous issue date: 2013

Submitted by Licínia Santos (biblioteca@fba.ul.pt) on 2012-03-16T16:42:15Z No. of bitstreams: 2 ULFBA_CENTRO DE ESTUDOS DA IMAGÉTICA DA ORDEM DOS HOSPITALÁRIOS DO PRIORADO DO CRATO.pdf: 6558738 bytes, checksum: 5ffc301d8ac820f5e946df68f5c0319c (MD5) ULFBA_ARTE TEORIA 12-13.tif: 1349516 bytes, checksum: eadd761efb052cc5c3c73157ac2d86fe (MD5) Made available in DSpace on 2012-03-16T16:42:25Z (GMT). No. of bitstreams: 2 ULFBA_CENTRO DE ESTUDOS DA IMAGÉTICA DA ORDEM DOS HOSPITALÁRIOS DO PRIORADO DO CRATO.pdf: 6558738 bytes, checksum: 5ffc301d8ac820f5e946df68f5c0319c (MD5) ULFBA_ARTE TEORIA 12-13.tif: 1349516 bytes, checksum: eadd761efb052cc5c3c73157ac2d86fe (MD5) Previous issue date: 2010

Submitted by Licínia Santos (biblioteca@fba.ul.pt) on 2018-01-25T18:51:41Z No. of bitstreams: 2 ULFBA_Investigação em Arte_CAPA.jpg: 512602 bytes, checksum: 6152b0e53ee6a6dbaf03c0b31a75e9e1 (MD5) ULFBA_Investigação em Arte_JoséQuaresma.pdf: 9579032 bytes, checksum: 781c929ee6134e73a23e11b61556de1a (MD5) Made available in DSpace on 2018-01-25T18:51:53Z (GMT). No. of bitstreams: 2 ULFBA_Investigação em Arte_CAPA.jpg: 512602 bytes, checksum: 6152b0e53ee6a6dbaf03c0b31a75e9e1 (MD5) ULFBA_Investigação em Arte_JoséQuaresma.pdf: 9579032 bytes, checksum: 781c929ee6134e73a23e11b61556de1a (MD5) Previous issue date: 2010 info:eu-repo/semantics/publishedVersion

Submitted by Licínia Santos (biblioteca@fba.ul.pt) on 2018-07-05T09:07:18Z No. of bitstreams: 2 ULFBA_TES1135_capa.jpg: 654000 bytes, checksum: 691e101e8c316bea4ffbd22e74c55ef4 (MD5) ULFBA_TES1135_A educac_a_o nos discursos da arte contempora_nea_Mariana Oliveira.pdf: 1405928 bytes, checksum: 9d8097ffb087b5cbc3e9f2244222cad6 (MD5) Made available in DSpace on 2018-07-05T09:08:17Z (GMT). No. of bitstreams: 2 ULFBA_TES1135_capa.jpg: 654000 bytes, checksum: 691e101e8c316bea4ffbd22e74c55ef4 (MD5) ULFBA_TES1135_A educac_a_o nos discursos da arte contempora_nea_Mariana Oliveira.pdf: 1405928 bytes, checksum: 9d8097ffb087b5cbc3e9f2244222cad6 (MD5) Previous issue date: 2008-06-07

A arte que explora as fronteiras científicas e tecnológicas investiga também as possibilidades e implicações dessas inovações tecnológicas. A exploração de novos territórios criativos e estéticos com as ferramentas próprias da ciência e das tecnologias aplicadas, direcciona o desenvolvimento de projectos artísticos de carácter experimental e transdisciplinar, em que há uma necessidade real de aumentar substancialmente os conhecimentos científicos e tecnológicos dos artistas que trabalham nestas áreas de experimentação e criação, para poderem percorrer os seus próprios caminhos estéticos, formais e conceptuais. Os parâmetros dos conhecimentos científicos e tecnológicos requeridos, ainda não são claros. Poderá o artista encontrar a mistura certa dos processos objectivos e subjectivos? As tecnologias contemporâneas e a sua experimentação na arte aparecem em propostas tão diversas, que são difíceis de enumerar, situando-se em diversos campos das ciências e envolvendo actividades de cooperação no trabalho, modificando mesmo o conceito de autor e de obra de arte. Portanto, no último século, a definição do que é a arte, tem sido expandida para além dos media convencionais, contextos e propósitos. No entanto, podem-se registar algumas características que se mantêm, como por exemplo, a não existência de propósitos utilitários, pretender provocar uma audiência ou motivá-la, geralmente com propósitos estéticos ou intelectuais. Se produzir arte não é apenas formular um objecto, mas também a formulação de ideias complexas, então que efeitos têm as questões académicas na prática da arte? E qual é a natureza da relação entre arte e pensamento? Que tipo de pensamento vem da arte e como é que nós o definimos? Quando a arte em questão é investigação académica, como é que ela se situa, tanto em termos de educação superior universitária, como na prática da arte em sentido lato? É evidente que existe uma enorme complexidade, no entendimento da arte como investigação. Mas é necessário propor formas, em que o discurso visual, juntamente com o verbal, possam, mais activamente, gerar um debate de ideias e desenvolver novas metodologias experimentais em relação às questões: Como é que a investigação através da arte pode ser demonstrada, avaliada e criticada? O que é diferente acerca da prática da arte como constituinte da investigação e como é que pode produzir formas diferentes de conhecimento? The art that explores the scientific and technologic frontiers also researches on the possibilities and implications of those technologic innovations. The exploration of new creative and aesthetic territories with the tools proper of science and the applied technologies directs the development of artistic projects of experimental and trans-disciplinary character which truly require from the artists who lead their work in these experimentation and creation areas the need to increase the scientific and technological knowledge, so they can make their own aesthetic, formal and conceptual paths. The parameters of the required scientific and technological knowledge are not clear yet. Will the artist really find the right mix of the objective and the subjective processes? Contemporary technologies and their experimentation in art occur in so many different proposals it is hard to mention, being present in various fields of sciences and comprising work cooperation activities, even changing the concept of author and work of art. So, since the last century, the definition of art has been expanded beyond the conventional media, contexts and purposes. However, it is possible to remark that some features are to be kept, for example the non-existence of practical purposes, attempting to provoke or motivate a given audience generally with aesthetic or intellectual purposes. If producing art is not only formulating an objective but also the formulation of complex ideas, then what sort of effects do academic questions have in the practice of art? And what is the nature of the relationship between art and thought? What sort of thought comes from art and how do we define it? When the art in question is academic research, how is it located, both in terms of university education and in the practice of art in general? Of course there is an enormous complexity in the understanding of art as research. But it is necessary to propose forms in which the visual and the verbal discourses together can more actively generate a debate and develop new experimental methodologies related to the questions: How can research through art be exhibited, evaluated and criticized? What is different about the practice of art as part of research work and how can it produce different knowledge forms?