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The article analyzes the spectacularization of intimacy in the iconographies of buses in the Colombian Caribbean between 2013 and 2023, investigating whether these representations constitute power, territory, history, and cultural identity of the subjects through iconological communication. More than 1000 photographs were reviewed to select 15 iconographies and conduct interviews with bus drivers and owners. It is revealed that in some cities, cultural signs are being replaced by icons of commercial and institutional power. [Extracted from the article]

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Analisar, descrever e classificar as realizações do homem consideradas cultural e socialmente arte é refletir sobre as experiências e os efeitos estéticos em diversos contextos ao longo da história e, principalmente, sobre os juízos de valores e imagem culturais. Nesse sentido, este artigo aborda a consciência histórica como um fenômeno coletivo desenvolvido pela cultura ocidental moderna ao encontro de um novo contexto, atual e decolonial. Por meio de uma revisão da literatura sobre a formação das disciplinas Estética e História da Arte, objetiva-se interpretar o significado da arte como imagem formadora dos ideais contemporâneos para um mundo sustentável, valorizando as diferenças como proposta de revisão do conhecimento estabelecido pelo ocidente, considerando novas narrativas com foco nos estudos da cultura visual para a formação de uma história inclusiva da arte. Para isso, os efeitos desse novo contexto são discutidos mediante a experiência estética sobre os desafios da construção de conhecimento ao se reverem os principais valores da cultura ocidental. Assim, conclui-se por meio desta análise que é necessário interpretar as transformações culturais pelas artes em relação às mudanças materiais, éticas e estéticas que envolvem a consciência histórica e novos desenvolvimentos para conhecimento em humanidades nos ambientes ocidentais e não ocidentais.

A guerra – aqui entendida num sentido lato, e englobando múltiplas iterações em termos de escala, protagonistas e motivações – é, seguramente, uma das temáticas mais presentes no cinema de ficção científica das últimas cinco décadas. Sagas como Planet of the Apes, Star Wars, Mad Max, Terminator, The Matrix ou The Hunger Games são, a esse propósito, bem demonstrativas, como o são os filmes Escape from New York, Dune, Children of Men ou Avatar. Trata-se de obras que, independentemente do juízo cinéfilo ou do estatuto crítico das mesmas, ocupam um lugar de destaque no imaginário e na cultura ocidentais. O que pretendemos, neste ensaio, é organizar uma galeria de retratos dos principais protagonistas e antagonistas dessas narrativas. Para tal recorreremos a uma abordagem híbrida e heterogénea, multi-, trans- ou mesmo a-disciplinar, dependendo da perspetiva adotada a cada passo: propomo-nos operar uma semiótica alargada que reenvie ou se cruze com um conjunto de noções provindas da filosofia, da narratologia, da religião ou da estética, num repertório organizado em tríades concetuais que nos permitirão pontos de vista múltiplos sobre os retratados e, desse modo, detetar os signos e sinais da sua condição enquanto rostos-ideia, rostos-arquétipo ou rostos-figura: o humano, o pós-humano e o desumano; o herói, o anti-herói e o vilão; o soldado, o alien e o androide; o belo, o sublime e o feio; a alegoria, a parábola e a fábula; o paraíso, o purgatório e o inferno; a utopia, a heterotopia e a distopia. Através da análise destes rostos da guerra futura, pretendemos esboçar a hipotética galeria/iconologia de um devir bélico da condição humana.

La ciencia de la imagen, propuesta como iconología, ofrece una perspectiva crítica sobre las relaciones que, a través de la imagen, se presentan entre las artes y las ciencias. La iconología conlleva la puesta en límite de la historia de las artes y las ciencias, y de sus dimensiones epistemológicas, estéticas y políticas en tanto sustentos de sus sistemas de representación. Ella cuestiona la descripción a partir de la experiencia de la alteridad que, a través de la mediación de la creatividad, provoca una remoción de paradigmas sobre el saber, los conocimientos y las técnicas, que expone la dimensión pre y postparadigmática de las artes y las ciencias y hace posible considerar la investigación-creación como una dimensión de transición de teorías en imágenes y de exposición de una cultura visual de alteridad.

Representing the flaua bilis: the Portrait of the Choleric in Cesare Ripa’s Iconology. The theory of the four humours (blood, phlegm, yellow bile and black bile) forms the basis of ancient medicine. Coming from the Hippocratic corpus and completed by Galen of Pergamum (129–216 AD) in his De Temperamentis by means of individual complexions (blood, phlegmatic, angry, melancholic), this theory is essential in modern Europe after more than two thousand years of transmission, development and practice of medicine. Our article aims to examine its fortune in the Iconology of the Italian scholar Cesare Ripa (1555–1622). Starting with the Roman edition of 1603, he enriched his famous allegorical repertoire with a complex entry encoding the four temperaments: Collerico per il fuoco, Sanguigno per l’aria, Flemmatico per l’acqua, Malenconico per la terra. We work here only with the Choleric and undertake to determine the reasons which governed the choice of the attributes retained by C. Ripa (youth, nudity, sword, shield adorned with a flame, lion, fury in the gaze) to offer poets, painters and sculptors the archetype of a figure dominated by yellow, hot and dry bile. To this end, we analyze the medical, literary and iconographic sources on which the author relies, considering also the richness and complexity of the medical discourse he had at his disposal and the very purpose of his Iconology.

The labels or tags that, attached to the bottles, serve to identify their content, have their heyday in the Marco del Jerez in the period between the last third of the 19th century and the Spanish Civil War. Among the iconographic motifs that serve to illustrate this new form of emblems, there are those alluding to the classical world, although they do not constitute a majority. This paper seeks to find the reason why these iconographic motifs are used, either because of the quality of the wine or liquor, the target public or the place where it is to be consumed. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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Since the dawn of the Late Preclassic Period, the archetypical figure of the Old Man started to adorn a variety of artifacts manufactured by Maya artists and artisans. This article aims to present and examine an unprovenanced effigy-flute whose poly-globular resonator has been adorned with the visage of the toothless nonhuman being. Traditionally referred as God N, God D, or Itzamnaaj/Itzam Kokaaj, depending on the context and his sphere of control, this theopolymorphic figure has been the subject of numerous extensive investigations. The fact that his wrinkled face has also been applied to the body of prestige woodwind artifacts suggests a possible symbolic link between the divinity, the sonorous field, the instrumental practice, and ritual performances. However, the topic has received little scholarly attention. Dated from the Late Classic period and registered under inventory number 1981.033, this aerophone is currently part of the Musée des Instruments de Music's permanent collection (mim) held in Brussels, Belgium. Furthermore, this sounding artifact shall be considered as a unique example of sonorous mediation with the supersensible given the fact that it combines significant iconographic features with a specific organological configuration. Therefore, the analysis of the flute contributes to better comprehend the figure of the elderly Maker. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

This work aims to interpret images extracted from the first editions of the work Aritmética da Emília (1935 and 1947) by Monteiro Lobato. When we consider the image as a participant element of the text, it becomes an interpretive key for the narrative plot, appearing as indispensable for the text, because it not only facilitates reading, but, before that, allows the perception of elements that without it wouldn't be noticed. Our analysis option will be based on Ginzburg (2002 and 2007) and Manguel (1997), in addition to authors located in the field of Mathematics Education, such as Dalcin (2008), Brito (2011) and Dalcin and Brito (2014). Our reflection extends to the writing of history, seeking constituent elements in the reading, writing and teaching triad, when presenting a written analysis in dialogues between the characters consecrated by Lobato - the Viscount of Sabugosa, the Emília doll, Pedrinho and Narizinho. This writing, which approaches the way of doing that is typical of fictional aesthetics, by mobilizing dialogues between characters, amplifies the debate, emphasizing the dialogical character of the construction of knowledge, as opposed to aspects that present knowledge in a ready-made, finished, concluded way. We hope, with this, to let a glimpse of the symbiotic relationship between reading-writing-teaching and the world-image. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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This article is the second in a series of works which aims to contribute to documenting the success of the medical theory of individual complexions, derived from the theory of the four humours, through the major work which constitutes the Iconologia of the Italian humanist Cesare Ripa (1555-1622). We analysed here the figure of the phlegmatic and undertook to determine the reasons which governed the choice of the attributes retained by Ripa (portliness, pallor of the skin, coat in badger furs, tilted head and girded with a black headband, turtle) to offer poets, painters and sculptors the archetype of a character dominated by cold and damp phlegm. To this end, we have been interested in the medical and iconographic sources on which the author was able to rely and have tried to identify the attributes which are part of tradition and those which testify to an inuentio of the author in the iconographic art. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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El registro fotográfico forma parte vital de nuestra cultura y nos permite informarnos y documentarnos de tiempos pasados. Asimismo, por medio del análisis formal e interpretativo de la imagen aprehendemos su significado y comprendemos la motivación y el contexto en el cual fueron hechas. En este artículo se analizan dos fotografías utilizadas como tarjetas publicitarias hechas por los capuchinos con el propósito de conseguir recursos económicos para seguir evangelizando la Araucanía. La metodología está basada en la propuesta de Panofsky (1979), actualizada en el trabajo de Lacruz (2010).

Investigating the concept of landscape through its representation is a multidisciplinary theme that can reveal much of the human trajectory and how it relates to, perceives, and interferes with its surroundings. The investigation proposed here aims to point out possibilities of analysis from the selection of some pieces of art, paintings, in which the landscape is represented, either as a background, either as the main theme or in dialogue with the other elements. The way it appears highlighted, its colors, compositional relationships and with other elements are fundamental to understand how the category of landscape would perceive, understood, and represented. In the end it is possible to understand it as part of a text not only in what could be readly seen, but beyond it. For this, the images were from Panosfsky’s Iconography and Iconology, extrapolating it also in the light of Cassirer, supported by Cosgrove’s geographical reflections, especially in his book ‘Palladiam Landscape’. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

O presente artigo propõe apresentar uma reflexão concernente à relação entre imagem e palavra e suas múltiplas consequências observadas ao longo do percurso histórico, artístico e cultural desde o Renascimento, através das nomenclaturas dos vestuários. A cidade será o palco para a permanência de muitas lexias construídas ao longo de várias histórias e que serão registradas nos dicionários a partir do século XVII, em diferentes regiões da atual Europa. Através do levantamento de um volume de nomenclaturas que envolvem o universo sociocultural em torno aos vestuários, aos materiais têxteis e ao saber fazer, verifica-se, no período tratado, a construção de uma área específica de conhecimento: a Moda. A metodologia aborda o estudo de diferentes imagens das artes, bem como de textos antigos e contemporâneos quanto à história da Moda e a história das imagens, na qual os textos costuram sentidos mais amplos através da intermidialidade entre palavras e representações. As terminologias estudadas foram lexicograficamente definidas e organizadas em três núcleos principais: moda, espaço/tempo e sociedade. Entre as palavras e as imagens, encontramos um mundo material cuja representação iconográfica carrega sentidos mais amplos, criando janelas históricas e culturais que permitem à contemporaneidade se efetivar como espectadores do passado, como receptores de memórias.

O protestantismo de missão chegou no fim do século XIX no Brasil com uma alta diver-sificação de meios visuais em formatos como de Bíblias ilustradas, charts com ilustra-ções religiosas circulando nas escolas dominicais e slides de lanternas, usados tanto dentro de igrejas e suas instituições de ensino como em apresentações públicas. Nesse artigo apresentamos um desses slides de lanterna com uma temática ética, intitulado por nós como “Vícios, ganância e morte”. Nosso interesse se concentra na sua icono-grafia e consequente (e suposta) iconologia peculiar. Dialogamos com o método icono-lógico de Erwin Panofsky. Como resultado apontamos a polifonia da linguagem visual do slide de lanternas que, entre outros, revela uma concepção moral complementar que integra questões da ética social e pessoal, que apelam tanto à necessidade de políticas públicas como à importância de uma educação religiosa que capacita o indivíduo para analisar e estabelecer comportamentos e hábitos pessoais.

La comprensión de una obra artística puede ser entendida como la asimilación de un continuo diálogo entre dos (2) temporalidades: la que posee por sí misma la obra, frente a la temporalidad del espectador que la observa. Este proceso de asimilación define el significado de una representación artística en un momento determinado de la historia. Bajo este principio se presenta a continuación el análisis visual de la obra Creación de las aves (1957), realizada por la artista Remedios Varo. El ejercicio centra su interés por definir diversos niveles de significación de la obra, a través de la propuesta de Erwin Panofsky y Didi-Huberman, de quienes se retoma el valor del anacronismo histórico como modelo de comprensión de una imagen detenida en el tiempo.

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La iglesia de la Compañía de Jesús de Granada constituye uno de los ejemplos capitales del barroco andaluz gracias a sus particularidades artísticas y estilísticas. Sin embargo, la excesiva focalización hacia determinados elementos singulares de la misma por parte de la historiografía motiva una necesaria relectura de otros mucho más desconocidos. Por ello, el presente artículo ofrece un novedoso análisis iconográfico e iconológico de la bóveda de la sacristía (1617-1620), mediante el cual podemos acercarnos a la implantación de la doctrina jesuítica en la Granada de los inicios del siglo XVII.

As montanhas sempre fascinaram os homens desde antes da efetivação do lógos, transmitindo-lhes medo, devoção e respeito. Devido a isso, diversas interpretações mítico-religiosas foram criadas, tendo tais elevações como elementos-chave: seja como representação da divindade, sua morada, ou locais para suas teofanias. Assim, o cristianismo, como o judaísmo de onde surgiu, não ficou alheio a essa peregrinação aos locais sagrados, muitos dos quais montes. Por volta do ano 1000 de nossa era, os peregrinos cristãos ansiavam por dirigir-se a Jerusalém, como forma de expiar seus pecados na virada do novo milênio que se aproximava, no entanto, os turcos otomanos dificultaram tal acesso, levando os fiéis europeus a buscarem novas alternativas para expressar sua fé, como os montes sagrados. Dessa maneira, este artigo visa a compreender como se efetivou este processo, buscando resgatar elementos iconográficos e iconológicos que se dispersaram devido à ação do tempo, a fim de que pesquisadores e estudantes brasileiros possam ter acesso a esse manancial logo-imagético também presente em nosso fazer artístico. Para isso, empreendeu-se, de modo especial, uma pesquisa logo-imagética, a partir das considerações iconográficas de Cesare Ripa (2007a, 2007b).

Las situaciones de crisis colectiva, como las provocadas por las guerras y las catástrofes naturales, suscitan la activación de un extenso imaginario visual que permite la articulación del relato de la tragedia. Por medio de tropos visuales prestablecidos, los medios de comunicación dan forma y establecen la narración de los acontecimientos aprovechando el potencial tanto simbólico como narrativo de esas historias visuales que se han mostrado eficaces anteriormente. La singularidad de la covid-19 ha permitido la gestación de nuevas metáforas visuales que, si surten efecto, se incorporarán al inventario del que se nutre la prensa. En esta investigación se presenta, por medio del estudio de caso y las entrevistas la creación de un tropo fotográfico que hemos nombrado el tropo de la resiliencia. El análisis ha permitido detallar el proceso de asentamiento de un conjunto de motivos visuales que, de forma recurrente, los distintos autores han replicado, añadiendo en cada nueva instancia que realizaban, nuevos elementos que ampliaban su significación. Los medios de comunicación han acogido con entusiasmo el nuevo tropo y lo han añadido rápidamente al flujo informativo. El tropo de asentará definitivamente si, en futuras situaciones de crisis, es nuevamente recuperado y utilizado

La religiosidad popular en Cuba ha tributado a la búsqueda de una identidad icónica. El presente artículo se plantea el propósito de mostrar su importancia en las artes visuales holguineras, a partir de las obras de José G. Rodríguez Maslótikhass y Rubén Hechavarría Salvia. Con diversos grados de implicación, estos desarrollan poéticas ancladas en elementos simbólicos y rituales de la religiosidad popular presentes en la identidad local de los que son portadores. Se plantean los sustratos socioculturales que favorecieron dichos acercamientos, en especial, a partir de la década de los noventa del s. XX. En el ejercicio interpretativo, la imagen artística se redimensiona como objeto depositario y generador de cultura, lo cual se vio favorecido por el empleo de la Iconología como método de análisis. El calado profundo de las aproximaciones estudiadas marcó pautas dentro de la producción artística en Holguín. Demostró la importancia de esta vertiente para la visualidad local que conecta con una línea de reflexión arraigada en el arte cubano. Esta se manifiesta como objeto de estudio poliédrico que invita a nuevas interpretaciones desde otros campos del conocimiento, en tanto suceso artístico estrechamente vinculado a la identidad cultural.

This article sees the light as the result of a research accomplished at the Xaverian Historic Archives, in Bogotá. The investigation allowed the author to have direct access to the documentary files gathered from different national and international archives, on the goods and chattels which made up the decoration of the church owned by the Society of Jesus in Santa Fe de Bogotá. The actual enclosure, in its decoration, has been modified over the years, having been adapted to the taste of the epoch and to the historic circumstances by which it has been marked, like the fact that it was converted into pro-Cathedral, after the expulsion of the Jesuits from the Kingdom of Spain, in the latter part of the 18th century. Thus, the claim of this article is to try to unveil the first level of the theological-spiritual and didactic reading of the original decorative ensemble of the temple that belonged and still belongs, to the Society of Jesus. Therefore, we will realize a reflection on how the image, the art, that was used always by the Catholic Church to transmit the faith, is a fundamental tool to express a theological content which could be understood by the persons who contemplated it; and we will propose the possible keys of reading, obviously, from the point of view of the Ignatian spirituality, so as to explain from it, the message that the Jesuits were sending to the Bogotanian people, or to any other faithful, who would enter into the sacred place. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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The theory of the four humours (blood, phlegm, yellow bile and black bile) forms the basis of ancient medicine. Coming from the Hippocratic corpus and completed by Galen of Pergamum (129-216 AD) in his De Temperamentis by means of individual complexions (blood, phlegmatic, angry, melancholic), this theory is essential in modern Europe after more than two thousand years of transmission, development and practice of medicine. Our article aims to examine its fortune in the Iconology of the Italian scholar Cesare Ripa (1555-1622). Starting with the Roman edition of 1603, he enriched his famous allegorical repertoire with a complex entry encoding the four temperaments: Collerico per il fuoco, Sanguigno per l'aria, Flemmatico per l'acqua, Malenconico per la terra. We work here only with the Choleric and undertake to determine the reasons which governed the choice of the attributes retained by C. Ripa (youth, nudity, sword, shield adorned with a flame, lion, fury in the gaze) to offer poets, painters and sculptors the archetype of a figure dominated by yellow, hot and dry bile. To this end, we analyze the medical, literary and iconographic sources on which the author relies, considering also the richness and complexity of the medical discourse he had at his disposal and the very purpose of his Iconology. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

Copyright of Arte & Ensaio is the property of Arte & Ensaio and its content may not be copied or emailed to multiple sites or posted to a listserv without the copyright holder's express written permission. However, users may print, download, or email articles for individual use. This abstract may be abridged. No warranty is given about the accuracy of the copy. Users should refer to the original published version of the material for the full abstract. (Copyright applies to all Abstracts.)

As artes fi gurativas exigem dos seus estudiosos a observação e identifi cação dos temas representados através de duas disciplinas auxiliares, a Iconografia e a Iconologia, muitas vezes confundidas uma com a outra. Foi Erwin Panofsky o grande historiador da Arte, que distinguiu estes conceitos em “Estudos de Iconologia”, em 1939. A “Última Ceia” de Leonardo da Vinci, revela uma interpretação muito renascentista das atitudes dos apóstolos, que manifestam magistralmente a dúvida que corrói a assembleia quando Cristo anuncia a traição de um dos seus. Esta duplicidade de atitudes invade todas as épocas artísticas, quando os mesmos elementos gráfi cos podem ser interpretados de formas diametralmente opostas, caso do “carpe diem” greco-romano que se converte nas “danças macabras” da Idade Média, associadas à condenação da “Vanitas”. Sempre e sempre, a lembrança da morte inevitável, a influenciar os comportamentos humanos, tanto pela busca do prazer enquanto é tempo, como pela preparação de uma boa e virtuosa morte, recompensada num problemático Além.

Ao final de 2020, foram lançados em Berlim a exposição e o livro Bielderatlas Mnemosyne – The Original, que reconstituem a obra monumental que o estudioso alemão Aby Warburg (1866-1929) deixou inacabada ao mor- rer. Até hoje, o trabalho só era conhecido pelas fotos em preto e branco, feitas por Warburg, dos 63 painéis que havia finalizado. Por 10 anos, dois estudiosos alemães buscaram encontrar as imagens que Warburg usou, e reconstituir a forma original, com cores e tamanho até então esquecidos.

Este artigo narra a experiência de pesquisa iconológica possibilitada pelo Warburg Institute Photographic Collection, em busca das fontes e referências de uma fotografia do acervo londrino. O ensaio desenvolve-se ao redor do tema clássico das personificações das deusas Fortuna e Vênus, e as relações visuais que se apresentam entre ambas, principalmente depois do século XV. Levantam-se questões acerca do processo metodológico do historiador da arte frente à pesquisa em arquivos e acervos, e também frente às problemáticas linguísticas. Compreende-se a pesquisa de matriz iconológica como um processo de criação narrativa e de tensões entre corpo, palavra e imagem, e portanto, como uma experiência estética. O ensaio desenvolve diálogos com Aby Warburg, Edgar Wind, Fritz Saxl, Monica Centanni e Raul Antelo.

Copyright of Potestas: Estudios del Mundo Clásico e Historia del Arte is the property of Potestas Estudios del Mundo Clasico e Historia del Arte and its content may not be copied or emailed to multiple sites or posted to a listserv without the copyright holder's express written permission. However, users may print, download, or email articles for individual use. This abstract may be abridged. No warranty is given about the accuracy of the copy. Users should refer to the original published version of the material for the full abstract. (Copyright applies to all Abstracts.)

*El autor desea extender un agradecimiento a la Dirección General de Asuntos del Personal Académico de la UNAM, por su apoyo al proceso de investigación mediante el Proyecto IN400920 PAPIIT: Imágenes y poder en América Latina. La Revolución cubana como modelo de construcción épica. El objetivo de este texto es realizar el acercamiento a una captura fotográfica que se hizo a Fidel Castro el 8 de enero de 1959 en el Cuartel Columbia. Ese día, el dirigente revolucionario llegó a La Habana, después de que había transcurrido una semana de la salida del dictador Fulgencio Batista (el 1° de enero del mismo año). Luego de bajar de la afamada Sierra Maestra el líder guerrillero inició una travesía terrestre a lo largo de toda la isla, desde Santiago de Cuba hasta la capital. Se remarca la fecha de ese 8 de enero, dado que el 14 de septiembre del mismo año también se desarrolló otro destacado acto. En esta segunda fecha, Castro formalizaría la conversión del edificio militar en centro educativo, que sería denominado como Ciudad Escolar Libertad. Además, se habla puntualmente del Cuartel Columbia, dado que ese mismo día también se capturaron muchas otras fotografías sobresalientes, como sucedió durante el discurso que emitió el propio Fidel en el Palacio Presidencial. Como premisa hipotética se sostiene que en dicha fotografía se encierra un potencial histórico y visual que poco se ha atendido, y que tal circunstancia de descuido impide ampliar el conocimiento histórico que algunos vestigios iconográficos ofrecen –como el de esa imagen que en este texto se analizará detenidamente– para una mejor comprensión de la realidad cubana, y también latinoamericana.

L’obiettivo di questo contributo è quello di investigare il significato di un’associazione diffusa nell’iconologia tardo‐medievale, quale quella tra Pietro Martire e Bernardino da Siena. Attraverso l’analisi di diversi casi di studio, l’autore getta una nuova luce sull’immagine di un binomio che nel corso del Quattrocento si è caricato di molteplici e differenti significati.

Sin duda el significado de las obras de arte ha sido siempre un desafío para los historiadores del arte. Vislumbrar la mentalidad de los hombres que produjeron las obras del pasado, poder aproximarnos a su verdadero y original significado, requiere de un profundo conocimiento tanto del contexto histórico, económico y social como de las creencias, ideas, etcétera de la sociedad que las produjo. En este sentido, el presente trabajo tiene como objetivo ofrecer un resumen de las interpretaciones iconológicas disponibles en la bibliografía, acerca de la iconografía que tematizan tres piezas de la colección de calcos de la Facultad de Artes (FDA) de la Universidad Nacional de La Plata (UNLP) en función de ajustar las atribuciones existentes.

Apresentado no Colóquio Iconologia[s] Leituras (2018), promovido pelo grupo de pesquisa Bureau de Estudos sobre a Imagem e o Tempo da UFMG , este a artigo se ocupa das categorias “semelhança” e “similitude” na iconografia magrittiana problematizando, em sua leitura, a teoria da imagem subjacente à poética paradoxal do pintor René Magritte. Palavras-chave: iconologia; semelhança; René Magritte

La reciente publicación del hallazgo de una fuente iconográfica del relieve de la Reina Camila en el jerezano Palacio de Riquelme lleva al autor de dicho hahhazgo a decir que esto invalida todo el programa iconológico propuesto hace algún tiempo. se trata de demostrar que dicha fuente no sólo no invalida sino que corrobora dicha interpretación, haciendo hincapié en la diferencia entre iconografía y sus posibles fuentes y el método iconológico, que intenta ir más allá, buscando una interpretación, un mensaje coherente en la obra de arte.

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Copyright of Philostrato is the property of Epiarte, S.L. and its content may not be copied or emailed to multiple sites or posted to a listserv without the copyright holder's express written permission. However, users may print, download, or email articles for individual use. This abstract may be abridged. No warranty is given about the accuracy of the copy. Users should refer to the original published version of the material for the full abstract. (Copyright applies to all Abstracts.)

Saint Domingo de Caleruega represents one of the leading personalities of the Middle Ages for his performance as innovator of the spirituality of the time. This article is entering his knowledge through the search for the meanings of its attributes iconographic with method iconology.

Los historiadores de la educación están prestando cada vez más atención al interior de las instituciones educativas. Pues bien, una de las fuentes históricas más importantes de que disponemos para abordar esa tarea es la constituida por el conjunto de los libros utilizados en las instituciones educativas, un dispositivo escolar textual e icónico. A este interés suscitado entre la comunidad de historiadores se une una tendencia que incluye, en los trabajos historiográficos las imágenes como fuente de estudio. Es en este marco donde se inserta este trabajo que tiene como objetivo plantear una metodología de análisis que tenga en cuenta los modos de interrelación entre la expresión y las formas de representación y el contenido en los textos escolares editados en España desde mediados del siglo XX y principios del siglo XXI para transmitir contenidos, valores, ideologías y creencias

La forma en que el público consume cultura en el siglo XXI ha cambiado sustancialmente. Es por ello que los museos de arte están tomando medidas para competir con otras formas de ocio alternativas, y atraer al público, y al no-publico, para que viva una experiencia educativa que sea también amena y grata. En los museos de arte, gracias a la tecnología digital, se pueden realizar diferentes recorridos virtuales, participar en juegos multimedia o contemplar con detalle obras de arte, con un excelente resultado educativo. La idea de educar para mirar se plantea para que los usuarios preparen con antelación la visita al museo, utilizando las herramientas digitales y virtuales que los museos ponen a su disposición en sus páginas web. Pero debido a la general falta formación del público, proponemos que también ayuden a los visitantes a poder realizar la interpretación iconográfica e iconológica de las obras, y así superar la barrera del desconocimiento, que conduce a la sensación de cansancio y aburrimiento, que parte del público refleja en las redes sociales.