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A presente investigação analisa as perspetivas teórico-práticas que pertencem ao fotográfico. Este conceito é entendido como as características oriundas da imagem fotográfica, do seu funcionamento, da sua fruição, mas também da sua história, e que se encontram espalhadas na produção artística contemporânea. As obras consideradas nesta investigação inscrevem-se no arco temporal que começa nos anos sessenta do século XX até hoje. São operações artísticas que utilizam diversos media: desde as imagens em movimento à projeção, desde a escultura à instalação. Através de uma metodologia que remete para a área da Arqueologia dos Media, pretende-se desenvolver uma análise que enfatiza a receção de operações de matriz fotográfica quer num plano visual, no que diz respeito à questão da re-apresentação e à ideia de traço fotográfico, quer mais conceptual, relativo à utilização da fotografia em vários contextos históricos, bem como em áreas não artísticas. Ao lado de uma reflexão mais abrangente que considera a prática internacional, é aprofundado ainda o contexto artístico português, nomeadamente através de três casos de estudo, os de Daniel Blaufuks, de Francisco Tropa e da dupla João Maria Gusmão e Pedro Paiva. This research aims to analyze theoretical and practical perspectives concerning the photographic. This concept is considered as the characteristics arising from the photographic image, its functioning, its fruition, but also its history, in the contemporary artistic production. The artworks studied in this research belong to the period between 1960s and the contemporary times. They are artistic operations that include different media: from moving images to projections, sculptures and installations. Through a Media archaeology methodology, this analysis emphasizes the reception of the operations with a photographic matrix, on the one hand, in a visual perspective: regarding the re-presentation and the idea of a photographic trace; on the other hand, with a more conceptual approach, studying the use of photography in various historical contexts, as well as in non-artistic areas. Alongside a broader reflection on international practice, the Portuguese artistic context is also considered, namely through three case studies of the works of Daniel Blaufuks, Francisco Tropa and the duo João Maria Gusmão and Pedro Paiva.

Neste artigo, estudam-se os panoramas fotográficos do Rio de Janeiro elaborados pelo suíço Georges Leuzinger durante a segunda metade do século XIX. Leuzinger é tido como um dos pioneiros da vistas de paisagens cariocas, isto é, fotografias panorâmicas que possibilitavam a visualização das belezas naturais e do crescimento urbano do Rio de Janeiro. A disseminação de imagens alusivas a uma nação moderna era favorável ao Império brasileiro, numa época de necessária fundamentação da identidade política e cultural do país. As fotografias de Georges Leuzinger fizeram parte de exposições brasileiras e universais entre os anos de 1866 e 1885. Assim, objetiva-se realizar uma análise acerca dos usos estéticos da fotografia de paisagem do Rio de Janeiro a partir da década de 1860, levando em conta seu público (nacional e estrangeiro), os assuntos retratados e o pioneirismo de Leuzinger na comercialização e exposição dessas imagens. This paper studies the photographic landscapes of Rio de Janeiro taken by the Swiss Georges Leuzinger during the second half of the 19th century. Leuzinger is regarded as one of the pioneers of views of Rio’s landscapes, which were panoramic photographs that enabled the visualization of the city’s natural beauties and urban growth. The dissemination of images alluding to a modern nation was favorable to the Brazilian Second Empire, at a time of necessary promotion of political and cultural identity. Georges Leuzinger’s photographs were part of Brazilian and Universal exhibitions between 1866 and 1885. Thus, this article analyzes the aesthetic uses of Rio de Janeiro’s landscape photography from the 1860s onwards, considering its audience (national and foreign), the subjects portrayed and Leuzinger’s pioneering spirit in the commercialization and exhibition of these images.

RESUMO Este artigo propõe uma análise da obra de Valério Vieira (1862-1941) dividida em cinco partes. Na primeira parte, resgata os processos criativos envolvidos na concepção de Os trinta Valérios (c. 1900) e do Segundo panorama de São Paulo (1922), enquadrando as duas obras em seus contextos históricos. A análise permite delinear o perfil de um autor mais vinculado a práticas da fotografia oitocentista do que alinhadas a propostas do modernismo, sem deixar de sublinhar sua originalidade. Nas quatro partes seguintes, aborda as relações estabelecidas entre a obra de Valério Vieira e outros campos da arte: cinema, teatro e música, em diálogos reais ou imaginários travados com artistas como Georges Meliès, Leopoldo Fregoli, Almirante e Pixinguinha. ABSTRACT This article aims to analyse the work of Valerio Vieira (1862-1941) in five parts. The first part revisits the creative processes entailed in the making of Os Trinta Valérios (c.1900) and Segundo panorama de São Paulo (1922) as we look at both works in connection with their historical context. The present analysis sheds lights on an author whose work is more aligned with the practices of nineteenth-century photograph rather than the proposals of modernism, while highlighting the artist’s originality. In the four subsequent parts, we approach the relations between Valerio Vieira’s work and other fields of art: cinema, theatre, and music through real or imaginary interchanges with artists like Georges Melies, Leopoldo Fregoli, Almirante and Pixinguinha.

The exhibition “Surveys in the Territory: landscape and settlement” (Plataforma das Artes e da Criatividade, Guimarães, October 2015 - February 2016) brought together a series of photographs from projects of different kinds, dedicated to Portuguese territory: from the scientific expedition to Serra da Estrela in 1881, to the work of contemporary photographers such as Paulo Catrica, Válter Vinagre or André Príncipe (among others), and including a set of research projects from the middle of the 20th century that used photography as a method of recording their fieldwork (Orlando Ribeiro, Ethnol- ogy Studies Center, Survey of Regional Architecture). Considering the objects brought together in that context, this text seeks to ques- tion in what way did the diversification of the photographic prac- tices that took place in contemporary Portugal have been related to the interest in contemplating, studying and thinking about the national territory., A exposição “Os Inquéritos (à fotografia e ao território): paisagem e povoamento” reuniu na Plataforma das Artes e da Criatividade de Guimarães (entre Outubro de 2015 e Fevereiro de 2016) um conjunto de fotografias resultantes de projectos de naturezas distintas, dedicados ao território português: desde a expedição científica promovida pela Sociedade de Geografia de Lisboa à Serra da Estrela em 1881, até ao trabalho de fotógrafos contemporâneos como Paulo Catrica, Válter Vinagre ou André Príncipe (entre vários outros), passando por um conjunto de projectos de investigação de meados do século XX que usaram a fotografia como método de registo nos seus trabalhos de campo (Orlando Ribeiro, Centro de Estudos de Etnologia e o Inquérito à Habitação Regional). Tomando os objectos reunidos naquele contexto como ponto de partida, este texto procura questionar de que maneira a diversificação das práticas fotográficas no Portugal contemporâneo se relacionou com o interesse em contemplar, estudar e pensar o território nacional.

Submitted by Telma Fath (cristinadamasceno@hotmail.com) on 2021-02-19T17:45:38Z No. of bitstreams: 1 Tese A Legitimação da Fotografia no Campo da Arte e sua repercussão na Bahia.pdf: 6268363 bytes, checksum: 2403d63af4ce87fbffb9d2551a1c77c7 (MD5) Approved for entry into archive by Lêda Costa (lmrcosta@ufba.br) on 2021-03-10T14:39:43Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Tese A Legitimação da Fotografia no Campo da Arte e sua repercussão na Bahia.pdf: 6268363 bytes, checksum: 2403d63af4ce87fbffb9d2551a1c77c7 (MD5) Made available in DSpace on 2021-03-10T14:39:46Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Tese A Legitimação da Fotografia no Campo da Arte e sua repercussão na Bahia.pdf: 6268363 bytes, checksum: 2403d63af4ce87fbffb9d2551a1c77c7 (MD5) Esta pesquisa trata do processo de legitimação da fotografia no campo das artes visando entender suas bases históricas e repercussão no Brasil, em particular na Bahia. A partir do conceito de “campo”, de Pierre Bourdieu, procurou-se compreender os principais acontecimentos que determinaram a posição ocupada pela fotografia desde os seus primórdios e permanência. Na busca por reconhecimento artístico, os fotógrafos desenvolveram experimentações criativas que constituíram os fundamentos para utilização da fotografia pelos artistas, nas primeiras décadas do século XX, quando, também, a fotografia passou a ser admitida no Museu de Arte Moderna de Nova York (MoMA). No Brasil, na segunda metade do século XIX, a fotografia foi utilizada como ferramenta por muitos pintores e na Bahia. A Academia de Belas Artes acompanhou as orientações da Academia Imperial, introduzindo a fotografia na programação de suas primeiras Exposições Gerais. Professores e estudantes, oriundos da Academia de Belas Artes da Bahia, incluíram a fotografia dentre seus serviços artísticos. Nos anos de 1940, a atuação do Foto Cine Clube Bandeirante foi fundamental para a inserção da fotografia nos espaços legitimadores da arte, exercendo, também, influência no cenário fotoclubista brasileiro. Na Bahia, nos anos de 1960, a fotografia adentrou o Museu de Arte Moderna e foi integrada em exposições de caráter nacional, como: 1° Salão Nacional de Arte Fotográfica da Bahia; Sala Especial de Fotografia, na II Bienal de Artes Plásticas da Bahia; II Salão Bahiano da Fotografia Contemporânea. Seguindo as tendências internacionais de renovação da arte moderna, a fotografia passou a ser assimilada de forma híbrida pelos artistas baianos: Lênio Braga, Juarez Paraiso, Jamison Pedra e Silvio Robatto, no projeto ambiental do grupo Etsedron, dentre outros. Posteriormente, as transformações ocorridas no campo da arte em relação à significação do objeto de arte favoreceu o processo de legitimação da fotografia como obra de arte, repercutindo na Bahia, inicialmente, nos Salões Universitários, em que a fotografia apareceu pela primeira vez como categoria específica e, em seguida, na Bienal do Recôncavo e no Salão da Bahia.

De caráter interdisciplinar, esta investigação é uma intersecção entre as áreas da arqueologia pré-histórica e da imagem fotográfica histórica. Nosso objeto arqueológico é constituído por uma documentação fotográfica realizada no primeiro terço do século XX sobre a arte rupestre ao ar livre da Galiza, Noroeste da Espanha. Trata-se das imagens fotográficas registradas durante dezanove anos pelo naturalista espanhol Ramón Sobrino Buhígas (1888- 1946), o qual as reuniu e as organizou no Corpus Petroglyphorum Gallaeciae, obra publicada em latim no ano 1935 em Madrid. Entretanto, o advento da Guerra Civil Espanhola, somado a outros fatores, acabou por ofuscar a difusão desta obra-prima e pioneira no gênero. No ano 2000, a publicação de uma versão fac-similada com tradução dos textos para a língua galega promoveu nova difusão do Corpus Petroglyphorum. Sem embargo, a carente reprodução das imagens impressas em suas páginas acabou por comprometer a lisibilidade da valiosa documentação e o consequente entendimento das metodologias utilizadas no processo de registro das figuras rupestres. Com o objetivo de compreender tais procedimentos metodológicos, nos deslocamos até a cidade de Pontevedra (Galiza), onde se conserva em museu um exemplar histórico do raríssimo Corpus Petroglyphorum Gallaeciae, além de autênticos originais fotográficos do autor. A evolução da investigação in loco também nos proporcionou acesso ao acervo documental familiar onde se preserva cerca de quinhentos negativos fotográficos sobre placas de vidro com as imagens produzidas por Sobrino Buhígas. Desta forma, o manancial de informações obtido graças ao material conservado em ambos acervos gráficos nos permitiu identificar e descobrir importantes elementos metodológicos empregados pelo naturalista pontevedrês em seu trabalho de campo e em laboratório, bem como os meios que utilizou para comunicar os petróglifos galaicos naquele momento histórico. O resultado deste trabalho é, portanto, uma contribuição dupla, tanto para a historiografia da arqueologia quanto para a historiografia da fotografia, além de corroborar o caráter pioneiro e vanguardista do trabalho de documentação realizado por Ramón Sobrino Buhígas.

Tese (doutorado)—Programa de Pós-Graduação em Comunicação, Faculdade de Comunicação, Universidade de Brasília, 2020. Este trabalho trata da fotografia como objeto comunicacional. Seu objetivo é responder a uma questão recorrente sobre o estatuto da fotografia: Qual o lugar da fotografia na Comunicação? Entre os obstáculos encontrados destaca-se a escassez de referências bibliográficas, análises teóricas ou pesquisas que coloquem em discussão o estatuto comunicacional da fotografia. As fontes hoje disponíveis têm outras referências e, em sua grande maioria, partem ou discutem o estatuto artístico da fotografia, sendo, portanto, pouco apropriadas às questões da Comunicação. A estratégia metodológica adotada, mais que procurar fornecer uma resposta que reflita uma posição própria, optou por seguir dois caminhos. Primeiramente, foram explorados os aportes da história da fotografia, onde a instauração de seu uso como meio de comunicação (carte de visite, cartão postal, panorama etc.) aponta sentidos que escapam à questão da Arte. Depois, já no campo das proposições conceituais, a pesquisa buscou resgatar os trabalhos teóricos nos quais a fotografia seja o tema central e esteja relacionada à comunicação social. A análise dos textos de Walter Benjamin, Roland Barthes, Marshall McLuhan, Jean Baudrillard, Lev Manovich e Fred Ritchin, que constituem o corpus do trabalho de análise, mostrou a formação de uma tradição de pensamento na qual elementos comunicacionais – embora dispersos e nem sempre requisitados como tal – permitem situar a fotografia no espaço epistemológico da Comunicação. Esta afirmação se apoia na análise do tratamento dado a questões como a reprodutibilidade técnica, a retórica da imagem, as transformações do espaço-tempo, a existência de novo regime de signos e as implicações técnicas e deontológicas da aplicação da nova tecnologia digital à imagem. This work approaches photography as a communicational object. It aims to answer one of photography’s statute most recurring questions: What is photography’s place in Communication? Among the obstacles were encountered, the scarcity of bibliographic references, theoretical analysis or research that put photography’s communicational statute in debate. The source material available today have different references and, most of the time, are based or debate the artistic statute of photography, making them less relevant to the discussion of the Communication’s questions. The methodological strategy adopted, rather than seeking to provide an answer that reflects its own position, it follows two lines of approach. First, we explored the contributions of the history of photography where the role as a communication medium (carte-de-visite, postcard, panorama etc.) indicates photography’s meanings beyond those of the Arts. Past that and in the field of conceptual propositions this research sought to bring to light the theoretical works that place photography as the central theme and relate it to the Communication Science. The analysis of the works of Walter Benjamin, Roland Barthes, Marshall McLuhan, Jean Baudrillard, Lev Manovich and Fred Ritchin comprise the corpus of the analytical debate and showcase the formation of a traditional thought in which communicational elements, although not always seen as such and dispersed, allow us to place photography in the epistemological field of Communication. This statement provides support for the analysis of the treatment given to issues such as technical reproducibility, image rhetoric, space-time transformations, a new regime of signs and as technical and deontological implications of the new digital image technology.

Submitted by Joana Mateus (jmateus@campus.ul.pt) on 2021-02-02T09:50:25Z No. of bitstreams: 2 ULFBA_TES_1342_CAPA.jpg: 159123 bytes, checksum: 84b900e0cec1b17e69ec31e3cccfb65f (MD5) ULFBA_TES_1342.pdf: 7771149 bytes, checksum: 8c0df14bf7f0ecdc722b13b4a4c9a7ee (MD5) Made available in DSpace on 2021-02-02T09:51:28Z (GMT). No. of bitstreams: 2 ULFBA_TES_1342_CAPA.jpg: 159123 bytes, checksum: 84b900e0cec1b17e69ec31e3cccfb65f (MD5) ULFBA_TES_1342.pdf: 7771149 bytes, checksum: 8c0df14bf7f0ecdc722b13b4a4c9a7ee (MD5) Previous issue date: 2020-06-24

Resumo Após a Segunda Guerra Mundial Alan Fisher produziu imagens com o objetivo de divulgar o trabalho do recém-criado Serviço Especial de Saúde Pública (Sesp). O fotógrafo era contratado do Office of Inter-American Affairs, agência criada para dinamizar a chamada política da boa vizinhança. Mais que a captura de paisagens amazônicas, as fotografias de Alan Fisher pretendiam retratar uma Amazônia moderna, na qual ciência e saúde - possibilitadas pela atuação dos médicos do Sesp - seriam os elementos fundamentais para superar a condição periférica em que a região se encontrava. Fisher também foi correspondente de guerra, cobrindo a atuação da Força Expedicionária Brasileira na Itália, e percorreu o interior do país colaborando com a exibição de filmes educativos que pretendiam ensinar melhores hábitos sanitários às populações. Abstract After the World War II, Alan Fisher produced images in order to publicize the work of the newly created special service for public health (Serviço Especial de Saúde Pública - Sesp). The photographer was hired by the Office of Inter-American Affairs, an agency created to boost the so-called good neighborhood policy. More than the capture of Amazonian landscapes, Alan Fisher intended to portray a modern Amazon, in which science and health - made possible by the performance of doctors of the Sesp - would be the key elements in overcoming the peripheral condition in which the region was. Alan Fisher was also a war correspondent covering the Brazilian Expeditionary Force in Italy and traveled over the countryside of Brazil collaborating with the exhibition of educational films that intended to teach better healthful habits to these populations.

El presente artículo intenta presentar la producción de fotógrafos amateurs en la Ciudad de México en la primera mitad del siglo XX, proponiendo pensar la historia de la fotografía para más allá de “la mirada opulenta”, como nos presentó el investigador mexicano José Antonio Rodríguez, cuando habla de un historia de la fotografía que se detiene en los grandes nombres e movimientos con base en un modelo europeizante de estructuración de esa historia, que aún ve en las producciones latinoamericanas obras menores y/o de procedencia exótica. Presentando a fotógrafos anónimos que circulaban por las calles de la ciudad en la década de 1920, los pictorialistas amateurs de las primeras agremiaciones, los que trabajaban en estudios, hasta la formación del Club Fotográfico de México y la creación de archivos para ese material, tenemos la intención de intensificar la atención a las posibilidades de investigación de la fotografía latinoamericana a partir de fotógrafos locales, de la posibilidad de una microhistoria de la fotografía que busque espacio para la creación visual fotográfica siempre plural, para las variadas formas de la historia de la fotografía. O presente artigo busca apresentar a produção de fotógrafos amadores na Cidade do México na primeira metade do século XX, tendo como direcionamento pensar a história da fotografia para além de “la mirada opulenta”, como nos aponta o pesquisador mexicano José Antonio Rodríguez, referindo-se a uma história da fotografia que se detém nos grandes nomes e nos grandes movimentos com base em um modelo europeu de estruturação dessa história, que vê em algumas produções latino-americanas como obras menores e/ou de procedência exótica. Passando pelos fotógrafos anônimos que circulavam pelas ruas da cidade na década de 1920, pelos pictorialistas amadores das primeiras agremiações, pelos que trabalhavam em estúdios, a formação do Club Fotográfico de México e a criação de arquivos para esse material, temos a intensão de ressaltar as possibilidades de pesquisa da fotografia latino-americana partindo de fotógrafos locais, da possibilidade de uma micro-história da fotografia que abra espaço para a criação visual fotográfica sempre plural, para as variadas formas das histórias da fotografia.

O presente artigo propõe uma reflexão sobre a especificidade da fotografia e as transformações proporcionadas pelo desenvolvimento da fotografia digital. Marcada desde o início por uma heterogeneidade de usos e processos, a imagem fotográfica parece ter recusado, desde sua invenção, uma definição específica de meio, englobando diversas técnicas. A essa originária falta de contornos da fotografia soma-se agora a consolidação da tecnologia digital, que, nos últimos anos, transformou definitivamente nossa relação com as imagens. Tomando como marco a discussão em torno da ideia de “campo ampliado” apresentada por Rosalind Krauss e escritos teóricos recentes sobre a imagem fotográfica, este estudo procura contribuir para a compreensão da fotografia digital a partir de duas questões principais: 1. É possível circunscrever a fotografia dentro de um campo, mesmo que ampliado? 2. Como a fotografia digital se relaciona com os diferentes procedimentos e usos reunidos, a partir da metade do século XIX, sob o nome fotografia?

Tese de Doutoramento em Ciências da Comunicação, A evolução tecnológica de ecrãs de uma década atrás, demandou ao campo da comunicação e do design a busca de novos conhecimentos para o desenvolvimento relativo a conteúdos interativos. No mesmo período a fotografia digital estava em adiantado estado de uma transformação radical, em relação aos seus processos técnicos e aos seus entendimentos teóricos, no sentido de um movimento ontológico que se afastava da realidade e se aproximava da ficção. Buscamos com esse estudo, encontrar formas de tornar motivador e eficiente o acesso a determinados conteúdos, a partir das novas possibilidades técnico-conceituais do que se convencionou chamar de fotografia expandida. O objetivo geral que nos lançamos, busca compreender os requisitos do projeto, relativos à linguagem e narração que contribuem para ampliar o espetro emocional em narrativas a partir da fotografia digital expandida. Nosso estudo partiu do que sugere a literatura dessa área sobre os elementos e estratégias de linguagem fotográfica, narrativa e cognição. Trata-se, portanto, de um estudo transdisciplinar, onde triangulamos teorias e práticas de áreas de estudos diferentes, tais como os estudos literários, teorias da comunicação e do design, e também alguns tópicos relativos ao campo da neurociência. Nosso critério epistêmico permitiu produzir um conhecimento que tem sua validade determinada, onde confirmamos nossa hipótese inicial que sugeria que narrativas que se utilizam da fotografia digital expandida conseguem comunicar com espetro emocional informações de conteúdos museológicas, a partir de um conjunto de requisitos de design, através de uma interface., The technological evolution of screens a decade ago, demanded from the field of communication and design the search of new knowledge for the development of interactive contents. At the same time, digital photography was in an advanced and radical transformation state regarding its technical processes and theoretical understandings, in the sense of an ontological movement that moved away from reality and approached fiction. With this study, we seek to find ways to make exciting and efficient the access to certain contents, by means of new technical-conceptual possibilities, conventionally named expanded photography. The general objective that we proposed, aimed to understand the design requirements related to language and narration that contribute to expand the emotional spectrum in narratives through expanded digital photography. Our study started with what literature in this area suggests about the elements and strategies of photographic language, narrative and cognition. Therefore, it is a transdisciplinary study, where we triangulate theories and practices of different research areas, such as literary studies, communication, and design theories, as well as some topics related to neuroscience. Our epistemic criteria allowed us to obtain a knowledge that has its validity determined, where we confirm our initial hypothesis suggesting that narratives who employ expanded digital photography can communicate with emotional spectrum information of museological contents, from a set of design requirements, through an interface., O presente trabalho foi realizado com apoio do CNPq, Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico - Brasil

SILVA, Wagner Souza e; PEREIRA, Raul Ernesto. Pequena história da fotografia nas redes sociais. Passagens: Revista do Programa de Pós-graduação em Comunicação - UFC, Fortaleza (CE), v. 8, n. 2, p. 206-219, 2017. Servindo-se de uma aproximação similar à que Walter Benjamin estabelece em seu Pequena história da fotografia, texto produzido próximo ao centenário da prática fotográfica, o ensaio aqui proposto buscará explorar a recente trajetória da fotografia associada às redes sociais, neste momento próximo ao seu bicentenário. Apesar de pequeno em termos de tempo, o período aqui abordado é grandioso em termos de impacto, em vista das reconfigurações tecnológicas promovidas pelo numérico nas últimas duas décadas, as quais vêm definindo os primeiros movimentos de uma prática fotográfica inserida numa nova dinâmica de produção e compartilhamento, que entendemos possuir importância e ineditismo similares aos primeiros anos da fotografia no século XIX, os quais, para Benjamin, representaram a essência da fotografia.

Este trabalho tem duas componentes. A primeira, uma investigação da história da fotografia a cores e dos seus procedimentos, a segunda, uma componente prática, o meu projeto fotográfico. Surpreendentemente, foi a componente prática que arrastou a investigação histórica. Na verdade, à medida que ia evoluindo no conhecimento dos processos da fotografia a cores, fui-me deparando com uma questão para a qual não encontrava resposta cabal nos autores que escrevem sobre a Historia da fotografia: Que fatores impediram uma mais rápida disseminação da fotografia a cores, por comparação com o desenvolvimento da fotografia monocromática? Encetei, assim, a procura de uma resposta, tendo concluído que a fotografia a cores só não atingiu a maturidade artística mais cedo basicamente por dois grandes motivos. O primeiro deveu-se à dificuldade de fixar a imagem a cores num suporte exequível do ponto de vista técnico. O segundo, o medo que alguns fotógrafos tiveram da mudança, para um processo em que perdiam parte do controlo da revelação e da impressão, além de ser mais dispendioso. No que toca à parte prática, pude experimentar processos digitais e processos hoje classificados como “analógicos”. Ambos contribuíram para, com as suas particularidades, “pintar” a cor que quis dar às imagens que realizei e, que, no contexto académico deste projeto, vou mostrar. This work has two components. The first is an investigation about the history of color photography and its procedures, the second is a practical component, my photographic project. Surprisingly, it was the practice component that dragged historical research. In fact, as I was evolving knowledge of the color photography process, I faced with a question to which I found no clear answer in the authors who write about photography history: What were the factors preventing a more rapid spread of color photography in comparison with the development of monochrome photography? I wended thus the search for an answer, and concluded that the color photography only not reached artistic maturity earlier basically for two main reasons. The first was due to the difficulty for fixing the color image on a support feasible from a technical point of view. The second was the fear of change that some photographers had, in a process they lost control of the developing and printing, and much more expensive. As regards the practical part, I experienced digital processes and processes today classified as "analog". Both contributed with its peculiarities to "paint" the color I want to give to the images I made, and that I will show in the academic context of this project.

resumo Este texto resgata a produção fotográfica de Claudia Andujar do final dos anos de 1950 e início de 1960 - ainda anterior ao trabalho que viria a desenvolver com os Yanomami - para uma análise que leve em consideração a dimensão do assunto escolhido; o resultado visual de sua representação e a forma de circulação do trabalho. Ao enfatizar esses aspectos, o objetivo é entender de que modo a estética desenvolvida pela artista em questão é contaminada e assim constituída por critérios discursivos alinhados a uma história da fotografia forjada por mecanismos institucionais. abstract This text captures the photographic production of Claudia Andujar of the late 1950s and early 1960s - even before the work developed with the Yanomami - for an analysis that takes into account the dimension of the chosen subject; its visual representation and the ways of its circulation. By emphasizing these aspects, the goal is to understand how the aesthetic developed by the artist in question is contaminated and thus constituted by discursive criteria aligned with a history of photography forged by institutional mechanisms.

This paper focuses on a specific characteristic of the modern photograph, the strangeness effect. It seeks to retrace the paths taken since it was incorporated in the photograph, becoming a remarkable aesthetic feature to Russian and German vanguards of the interwar, until it was fully established as part of a modern visual lexicon. At the same time, its progressive loss of political intention as it was incorporated in the visual culture during the second half of the 20th century is stressed. Este artigo se detém em uma característica estética específica da fotografia moderna, o efeito de estranheza. Busca-se retraçar os caminhos que percorreu, desde que foi incorporada na fotografia, se tornando marcante nas vanguardas russa e alemã de entreguerras, até se estabelecer como parte do léxico imagético moderno. Ao mesmo tempo, atenta-se para a progressiva perda de intenção política que sofreu ao ser incorporada à cultura visual durante a primeira metade do século XX.

A presente dissertação consiste na análise da relação entre arquitectura e da fotografia desde o séc. XIX, através do estudo da Fotografia de Arquitectura, de forma a se identificar em que momentos, estas beneficiam ou não da sua mútua interacção. Este tema apresenta-se relevante para os diferentes agentes que operam no ambiente construído e mental do espaço contemporâneo no sentido de aprofundar o conhecimento num domínio ainda pouco estudado. A análise que aqui se propõe verificar, compreende a evolução da Fotografia de Arquitectura e a forma como esta pode modificar a percepção do ambiente construído, assim como entender qual o seu valor e utilidade para o exercício, divulgação e reconhecimento arquitectónico. Neste sentido a análise será dividida em dois grupos principais e ambos em dois capítulos cada. O primeiro grupo composto pelo capítulo I – História da Fotografia de Arquitectura, aborda os diferentes estilos e movimentos fotográficos relacionando-os com os principais estilos/movimentos arquitectónicos, incluindo as relações entre arquitectos e fotógrafos assim como os acontecimentos mais relevantes. O segundo capítulo do primeiro grupo, II – A análise da Imagem, procura entender como as diferentes características técnicas associadas ao acto mecânico de fotografar podem alterar a nossa percepção da realidade. O segundo grupo é composto pelo capítulo III – O Valor da Fotografia de Arquitectura, onde a fotografia é classificada segundo o seu uso, documental, comercial e artístico. O último capitulo IV – A Arquitectura e a Imagem, procura identificar quais as implicações do uso da imagem na partilha, divulgação e execução da arquitectura., The present study seeks to understand the relation between Architecture and Photography since the XIX century by the analysis of Architecture Photography, in a way to identify in which moments, is there an advantage or disadvantage from it’s mutual interaction. The topic is relevant for all the diferent contemporary agents that build the concrete and mental environments, in order to gain more knowledge in a poorly studied field. The proposed analysis comprises the evolution of Architecture Photography and how it can change the perception of the built environment, as well as understand what is it’s value and utility for architectural exercise. In this sense, the analysis will be divided into two main groups and two each in two sections. The first group consists of the Chapter I - History of Architecture Photography, which discusses the different styles and photographic movements relating them to the main styles / architectural movements, including the relations between architects and photographers as well as the most relevant events. The second chapter of the first group, II – Image Analysis, seeks to understand how the different technical characteristics associated with the mechanical act of shooting can change our perception of reality. The second group is composed by Chapter III - The Value of Architectural Photography, where it’s classified according to it’s use; documentary, commercial and artistic. The last chapter IV - Architecture and Image, which seeks to identify the implications of using image for sharing architectural work and thought., Orientação : Miguel João Mendes do Amaral Santiago Fernandes

O objetivo dessa pesquisa e identificar e analisar as especificidades da producao de daguerreotipos no rio de Janeiro entre 1840-1850. O daguerreotipo foi o primeiro processo fotografico reconhecido e patenteado pelo governo frances em agosto de 1839. No Brasil, foi apresentado em janeiro de 1840, pelo abade Louis Compte na cidade do Rio de Janeiro na presenca do futuro imperador d. Pedro II. Para realizacao dessa pesquisa, utilizamos como documento os anuncios dos daguerreotipistas nos jornais do periodo em circulacao na corte e o manual de como produzir daguerreotipos. A partir das informacoes contidas nos anuncios estabelecemos categorias objetivando sistematizar os dados; sao essas: professores, comercio, moldura, acessorios, formatos, tempo, horario, cor, detalhes e novidades. Dessa forma, foi possivel comparar as informacoes gerais com relacao a producao de daguerreotipos e as particularidades apresentadas pelos fotografos relacionando os dados e possibilitando mapear o processo de conhecimento nesse periodo

O artigo analisa a relação que o Exército brasileiro manteve com a tecnologia fotográfica no final do século XIX e início do século XX. Foram analisados os acervos fotográficos de duas campanhas militares: o da Guerra de Canudos (1896-1897) e o da Guerra do Contestado (1914-1916). Investigou-se a forma como o Exército investiu na tecnologia fotográfica para registrar os feitos militares e combater as críticas efetuadas à repressão dos dois maiores conflitos sociais da Primeira República (1889-1930). São destacados os avanços nessa tecnologia e a lógica dos discursos oficiais incorporados nas representações fotográficas. Houve um deslocamento na forma de registrar e imortalizar os feitos militares entre Canudos e o Contestado, especialmente no que diz respeito à produção e circulação de fotografias relacionadas a morte e destruição no campo de batalha. Tal mudança esteve relacionada às transformações políticas e sociais vividas no Brasil durante o período, articuladas ao projeto local de modernização militar. The article analyses the relationship established by the Brazilian Army with the photographic technology in the late 19th and early 20th Century. The photographic collections of two military campaigns were studied: the Canudos War (1896-1897) and the Contestado War (1914-1916). We investigated how the Brazilian Army had invested in the photographic technology for recording the military action and refute criticisms against the repression of the two major social conflicts of the Brazilian First Republic (1889-1930). We highlight the advances in this technology and the logic of the official reasoning embedded in the photographic representations. There was a change in the form of recording and immortalize the military action between Canudos and Contestado, especially regarding to the production and circulation of photographs related to death and destruction on the battlefield. This change was related to the political and social transformations experienced in Brazil during the First Republic and was also articulated to the local project of military modernization.

Quando a temporalização da história e da percepção põe em movimento um presente cada vez mais efêmero e contingente, a categoria do instante adquire lugar relevante no cenário epistemológico moderno. Surge, na segunda metade do século XIX, verdadeiro arsenal cronométrico que se articula ao imperativo de estruturar o tempo, dentro e fora do corpo, em substâncias idênticas, eminentemente divisíveis e estimáveis, opondo-se à hipótese filosófica e fenomenológica de que o tempo, por excelência, seria um contínuo indivisível. Trata-se de uma disputa pela imagem do tempo e, portanto, por sua natureza e seu sentido - dilema que envolve o mapeamento e o 'imageamento' por meio das novas tecnologias da imagem, tendo no microinstante um conceito-chave e na fotografia instantânea uma engrenagem fundamental. Presente como problemática na formulação de campos de saber variados, a fotografia participa não apenas de uma cronometria generalizada, mas também da problematização dessa fragmentação temporal, crítica que instaura novas percepções e relativizações acerca do tempo. Nesse sentido, perpassando as experiências fotográficas no âmbito científico de Jules Janssen e Étienne-Jules Marey, confrontando-as e levando-as a dialogar com os debates filosóficos, científicos e artísticos, o artigo pretende problematizar a profunda relação entre fotografia e experiência moderna do tempo. When the timing of history and perception sets in motion an increasingly transient and contingent present, the category of the instant takes a relevant place in the modern epistemological scenario. In the second half of the 19th century emerged a veritable chronometric arsenal that coordinates with the imperative of structuring time, within and outside the body, in identical substances, eminently divisible and estimable, in opposition to the philosophical and phenomenological hypothesis that time, par excellence, would be an indivisible continuum. This is a dispute for the image of time and, therefore, for its nature and meaning; a dilemma involving mapping and 'imaging' using the new image technologies, where the microinstant is a key concept and the instantaneous photography a fundamental driving force. As a problem in the formulation of various fields of knowledge, the photography is not only a part of generalized chronometry but also creates problems for this time fragmentation, a criticism that installs new perceptions and relativizations about time. Therefore, this article intends to unravel the scientific photographic experiences of Jules Janssen and Étienne-Jules Marey, confront them, and use them to interact with philosophical, scientific, and artistic debates in order to question the profound relationship between photography and the modern experience of time.