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La popularidad de los relicarios antropomorfos en Aragón ha sido muy notada por la historiografía, vinculando su origen a la donación de los bustos de san Valero, san Vicente y san Lorenzo a la catedral de Zaragoza por el papa Benedicto XIII. Gracias a su papel en las festividades, las tres piezas conformaron una imagen del poder catedralicio que fue ampliamente reproducida a lo largo de la Edad Moderna. El valor de los restos santos auspiciado por el Concilio de Trento animó a otras sedes y parroquias a adoptar este modelo, que también constaba de un ceremonial en el que el espacio litúrgico cobró una importancia fundamental donde desplegar los discursos que legitimaban las instituciones eclesiásticas locales.

En este artículo se expone una visión de conjunto de la importancia del relicario de la Catedral de Orihuela, tanto desde el punto de vista artístico como de su relevancia como testimonio de las creencias en torno a las reliquias sagradas durante la Edad Media y la Moderna en el orbe católico y, en este caso particular, de la Iglesia de Orihuela. Los relicarios conservados muestran la configuración inicial del aparato devocional y ceremonial en la Catedral como nueva sede episcopal en el Renacimiento, las advocaciones que se escogieron, muchas de ellas con la intención de prestigiar el templo, otras vinculadas a la identidad aragonesa de Orihuela. Así lo demuestran la existencia de reliquias como las astillas de la cruz donde fue crucificado Cristo, la de san Pedro, el cráneo del papa san Antero o del primer mártir de la iglesia, san Esteban, testimonios del papel que desempañaba la catedral como centro espiritual de la nueva diócesis creada en 1564, y, significativamente, de su labor contrarreformista. Todas ellas se engarzaron en piezas de orfebrería de gran valor, principalmente bustos relicarios, que muestran el alto nivel alcanzado por los plateros y orfebres establecidos en el entorno oriolano, principalmente el taller de Miguel de Vera y Hércules Gargano.

Reseña de: Sánchez García, Jesús Ángel; Vázquez Castro, Julio y Vigo Trasancos, Alfredo (eds.): Arquitecturas añoradas. Memoria gráfica del patrimonio destruido en Galicia en el siglo XX. Gijón, Trea, 2023. ISBN: 978–84-19525–46‑8. 944 pp.

Este artículo explora el caso de san Justino mártir, cuyas reliquias fueron recientemente descubiertas en la iglesia conventual de San Jerónimo en la ciudad de Puebla de los Ángeles, México. Este hallazgo representa un importante testimonio de la presencia de reliquias de catacumba o corpisanti en Puebla durante el siglo XVIII. El análisis de la authentica de la reliquia en conjunto con el material documental del Archivo Histórico del Vicariato de Roma permite reconstruir el contexto de su concesión a la luz de las conexiones entre Roma y la Nueva España durante el siglo XVIII, a través de las donaciones efectuadas por Giovanni Antonio Guadagni (1674–1759), vicario general de Roma durante el gobierno de los papas Clemente XII (1730–1740) y Benedicto XIV (1740–1758).

Introducción al dossier

Este artículo aborda el papel de la Compañía de Jesús en las procesiones de recibimiento de las reliquias de mártires paleocristianos y beatos jesuitas en dos ciudades andinas del Nuevo Reino de Granada, Santafé y Tunja, de acuerdo con lo establecido por el Concilio de Trento. La llegada de estas reliquias sirvió como promotor de la fundación de los colegios jesuitas en las dos ciudades, en las que la exaltación de las reliquias de los mártires tendrá un posterior uso taumatúrgico y un importante papel en la extirpación de idolatrías. Las procesiones de recepción de reliquias en Santafé y Tunja, traídas por los jesuitas desde las catacumbas romanas, en la segunda década del siglo XVII, son comparadas en este artículo. Esta es una fiesta barroca que sacraliza el espacio de las ciudades y consagra los templos y colegios de la Compañía de Jesús.

Reseña de: Silva Santa Cruz, Noelia; García García, Francisco de Asís; Rodríguez Peinado, Laura; y Romero Medina, Raúl (eds.), (In)materialidad en el arte medieval, Gijón, Trea, Piedras Angulares, 2023. ISBN: 978–84-19525–680. 352 págs.

Los restos mortales de San Juan de Dios reposan en una urna de plata que fue labrada en 1767 por el orfebre jiennense Miguel de Guzmán. Ésta se confeccionó con la plata de otra anterior enviada desde México en 1730, que nunca gustó al general de la orden fray Alonso de Jesús y Ortega. En este trabajo aportamos noticias inéditas sobre el envío de esta urna y de otros regalos de plata labrada y joyas remitidos a la basílica de San Juan de Dios de Granada, en el siglo XVIII, por los padres sanjuanistas de los hospitales del Nuevo Mundo.

El objetivo de esta investigación es presentar y reconstruir la devoción y promoción a la santidad que tuvieron los mártires jesuitas de las misiones de Tepehuanes en los albores del siglo XVII en la Nueva España, desde la redacción de informaciones, la creación de dibujos y pinturas, y especialmente por la veneración de sus reliquias y los milagros alcanzados por quienes las poseían. A través del análisis de testimonios e imágenes se demuestra su invención y devoción no solo como ejemplos del triunfo de las acciones misioneras en el Nuevo Mundo, sino también como la posibilidad de ser declarados mártires, prueba patente de la madurez espiritual de las tierras conquistadas a partir de un nuevo arquetipo martirial. El entorno marginal de la Nueva España —las inestables fronteras de misión y avance— fue de gran importancia en la dinámica espiritual de su tiempo, por el afán de sus habitantes cristianos para participar en la creación de nuevas devociones y objetos de culto que replicaran la experiencia europea a través de las reliquias.

Tras la reforma cisneriana, las clarisas de Salamanca se convierten en un importante monasterio dentro de las redes de espiritualidad femenina de la meseta ibérica. Entre su modesta colección de reliquias se distinguen algunas manufacturas conventuales realizadas en papel, núcleos espirituales originadores de prácticas de visualización y oración como productos creados para la unión en Dios. Son estos relicarios oraciones convertidas en imágenes, en los que los significados adheridos al proceso de creación, a los materiales y a los espacios en los que se veneran los distinguen de otros vestigios sacros al uso. Para ellos se plantea un estudio que trasciende las aparentes contradicciones presentes en estos pequeños lugares para la contemplación y que pretende resituarlos en sus contextos propios de peregrinación interior y religiosidad encerrada en movimiento, de raíces medievales y ecos carmelitanos.

Las huellas que dejan Jesucristo y algunos santos, ya sea sobre tierra o sobre piedras, son índices de presencia histórica, y por lo general están asociadas con aquellos personajes que no dejaron restos corporales. A diferencia de los fragmentos del cuerpo, las huellas y la superficie donde éstas se imprimen adquieren el estatus de reliquia por medio de su contacto con la materia sagrada. En el siglo diecisiete, algunos relatos que argumentan sobre el trabajo apostólico que habría tenido lugar en América con anterioridad a la conquista española, ponen de relieve las pisadas y otras señales que habrían dejado santo Tomás, o uno de sus discípulos, como vestigios de su presencia y temprana evangelización en la región. Este artículo analiza los relatos coloniales sobre los vestigios del apóstol, y de manera particular la Crónica Moralizada (1638) de Antonio de la Calancha, como parte de un esfuerzo por construir una topografía cristiana sobre el paisaje andino. El lenguaje evocativo empleado por el autor, se argumenta, evidencia su interés en elevar el aura de las piedras en donde el santo había dejado rastros y señales. Al hacerlo, Calancha las transforma en objetos de contemplación a la vez que reafirma su condición como reliquias. Enfocándose en la materialidad de las piedras, y dirigiendo la atención del lector al detalle, Calancha replica la experiencia del peregrino, que se detiene a examinar devotamente y a tocar los lugares sagrados, así como la actitud reverente del devoto frente al relicario.

EEn este trabajo abordamos el estudio del relicario que los condes de Altamira tenían en el oratorio de su palacio de Almazán (Soria). Creado en la segunda mitad del siglo XVI por Francisco Hurtado de Mendoza, I marqués de Almazán, este espacio seguía las directrices marcadas por la Contrarreforma. A pesar de ciertos avatares históricos, la colección de reliquias permaneció en el mismo sitio hasta el siglo XIX. A través de un inventario localizado en el Archivo Histórico de la Nobleza, y fechado en 1740, podemos conocer las piezas que se conservaban en el siglo XVIII. El estudio de dicho documento nos permitirá mostrar la evolución de este interesante conjunto, así como reconstruir la estructura en la que se depositaban las reliquias.

To what extent could human bones identified in excavations since the 1960s in two major urban centers of medieval Nigeria bear witness - or not - to the passage of the plague pandemic in the second half of the 14th century? Our analysis is based on the bones of individuals found in a mass grave in Benin City in 1962-1963, the very partial remains of a child unearthed at the Oduduwa College II site in Ile-Ife in 2019, and on descriptions of human remains discovered during various archaeological projects in this central city of the Yoruba world. The stratigraphic position of the skeletons, the positioning of the bodies and the markings observed on certain bones are all elements that we take into account to feed our reflection on the plague and, more broadly, on mortuary practices in tropical Africa before the opening of Atlantic trade, and their consequences on archaeological deposits.

Monitoring of the preventive archaeology component of the Nachtigal amont hydroelectric dam project was carried out in two phases, from 2019 to 2023, under two contracts managed by IRD and carried out by a Franco-Cameroonian team. Over 75,148 pottery shards were collected from just over 200 sites. Some forty mass spectrometer radiocarbon dates were performed. Our preliminary typochronological description is based on the examination of some 20,000 fragments from 58 archaeological sites. The sequence appears to be made up of seven different groups, recognized above all by morphological-decorative criteria: Group I (9th-7th centuries BC), Group IIa (8th-5th centuries BC), Group IIb (6th-2nd centuries BC), Group III (AD 2nd-5th centuries), Group IV (AD 12th-14th centuries), Group V (AD 15th-17th centuries) and Group VI (AD 17th century-contemporary).

The Mbam chieftaincy houses, built from 1920 till the end of 1930, were put in place thanks to the colonial administration, who sought to reinforce the power of the chiefs they appointed in societies that lacked such power. The buildings were modelled on the grand colonial mansions of the early 20th century, with a single floor surrounded by a veranda, usually supported by arches or brick pillars. Access to the first floor is via a monumental staircase. These buildings also led to the rise of different trades that will influence all local architectures. Nowadays, the presence of these buildings indicates places of power. On these sites, the right-holders seek to build as close as possible to these houses, or to what remains of them. This, to show their kinship with the deceased chiefs and, consequently, their level of chieftaincy claim or to local or even national representation of their community.

In March 2023, we were able to observe and interview the last active dyer in northern Benin, in a district of the town of Nikki. A living human treasure whose disappearance could mean the disappearance of a centuries-old technical tradition, Tahirou Husseini took us through a number of operations involved in preparing the dye bath and colouring the textiles. He also described the context in which the craft was practised in the past and the changes that have taken place over time. In this article, we share this information. Some of it has rarely been mentioned in the literature.

Tomando como punto de partida ciertos detalles biográficos del vicecanciller Andrés Roig (1564-1622), algunos inéditos, este artículo reflexiona en torno al modo de vida nobiliario de aquellos protegidos por el duque de Lerma que, como Roig, medraron a la sombra del valido. Un discurso en tres actos (medrar, vivir, morir) en el que se pone en el centro del debate la importancia del objeto artístico para destacar socialmente. En una sociedad en la que la apariencia lo es todo, en vida y en muerte, los cargos y títulos conseguidos requieren de una complementaria «ostentación, fausto y magnificencia», en palabras del mismo Roig. El caso valenciano ofrece ejemplos muy representativos y poco estudiados de la práctica del valimiento, sobre todo por cuanto el duque de Lerma poseía allí todos sus estados patrimoniales no castellanos y notables intereses que trató de consolidar.

El presente estudio explica la cabecera de la iglesia de la cofradía de Nostra Dona de Montserrat de Roma (1518-1522), proyectada por Antonio da Sangallo el Joven. A partir del análisis de los disegni de Antonio Cordini y de la planta actual, de pruebas documentales extraídas del Llibre de la fàbrica y de la observación de los restos materiales, se actualiza y amplía el conocimiento sobre la planta y sobre los trabajos realizados en travertino por los maestros scalpellini Bindo y Melchiore. Se reconstruye su localización, su cronología, su precio y sus características, y se proporcionan algunas posibles identificaciones. También se reflexiona sobre la importancia otorgada por este arquitecto al orden arquitectónico y a las interrelaciones numéricas.

En sus orígenes, en Europa y Asia Oriental la pintura de paisaje creó escenarios naturales diferentes, reflejo de una comprensión cultural que muestra la relación de sus sociedades con el medio natural. Desde este contexto, el objetivo de este artículo será dilucidar el sentido del espacio de estos dos ámbitos, mediante un estudio comparado de la representación de la naturaleza del Biombo de los pinos (ca. 1595) de Hasegawa Tōhaku y del cuadro Cazadores en la nieve (1565) de Pieter Brueghel el Viejo. Para ello compararemos los respectivos espacios pictóricos, características distintivas y sistemas de representación: la perspectiva europea y el foco móvil extremo oriental. Así, atendiendo a la denominación de Panofsky sobre la perspectiva como la «forma simbólica de Occidente», valoraremos si se puede extrapolar esta definición al foco móvil como la «forma simbólica de Oriente». Desde estas premisas, examinaremos si el desarrollo de ambos espacios pictóricos puede responder a esta hipótesis.

Este trabajo pretende profundizar en las particularidades que rodearon a los artistas que alcanzaron el puesto de Escultor de la Real Cámara o del Rey entre 1552 y 1701. El punto de partida lo supondrán los trabajos que el profesor Martín González publicó en los años 90 aunque, si bien sus intereses se ocuparon fundamentalmente de las obras promocionadas por la Corona en este periodo, las páginas de este artículo se centrarán en los condicionantes que este título comportó para la forma de vida y el desarrollo profesional de los artistas que lo ostentaron. Este cambio de perspectiva, conllevará el descubrimiento de nuevos aspectos sobre el prestigio y los riesgos que suponía para estos autores trabajar para la Corte.

El artículo ofrece una revisión de los relicarios antropomorfos realizados en Sicilia entre la segunda mitad del siglo XVI y finales del XVII. Son obras que interpretan los peculiares propósitos del arte de la Contrarreforma, orientadas estratégicamente a implementar una nueva evangelización encaminada a disipar los problemas surgidos tras la Reforma Protestante. La contribución tiende a resaltar las características formales y decorativas de los artefactos, a menudo caracterizadas por un marcado realismo, en algunos casos acentuado por el color de los rostros, rematados con colores que simulan la tez.

Se presentan y estudian en este artículo algunas novedades e incorporaciones en la obra de Vicente Carducho y Eugenio Cajés, dos de los artistas cortesanos más importantes del primer tercio del siglo XVII. Especialmente referidas a dibujos, pero también algunas precisiones documentales y sobre pinturas que incrementan nuestro conocimiento de sus métodos de trabajo, así como el corpus de obras conocidas.

Lima colonial siguió una distribución espacial tipo damero de espacios públicos y privados. Sin embargo, a medida que creció la ciudad, la transgresión a la cuadricula fue la norma por parte de los vecinos, sobre todo en la periferia de la ciudad, por lo que las autoridades, a través de las denuncias de los perjudicados, corregían, obligando a los infractores a deshacer lo hecho. Paralelamente, espacios con significados reconocidos y asumidos por la población limeña colonial surgieron, que las autoridades mantuvieron para gloria y disfrute de todos. El objetivo es debelar a través de algunos ejemplos el mantenimiento o no de la traza de la ciudad y la perspectiva de paisajes identitarios asumidos por los limeños y sus autoridades.

Este artículo aborda el estudio de la colección de objetos metálicos de una colección que resulta del hallazgo de un naufragio de la Edad Moderna. A través del inventario de los objetos objeto de estudio se desarrolló un análisis formal, funcional y social. Se pretende poner de relieve el escaso estudio dedicado a los objetos de latón y, con especial énfasis, de estaño en Portugal, además de diseccionar las metodologías utilizadas internacionalmente y documentar la discrepancia de información entre los diferentes contextos científicos que se han dedicado al tema.

La iconografía musical aglutina detalles que permiten interpretar datos de diversa naturaleza vinculados con la obra artística. La serie de los carros sobre el Pregón de la Máscara, elaborada por Domingo Martínez entre 1748 y 1949, supuso el reflejo —en ojos del pintor sevillano— de una fiesta desde distintos puntos de vista, pero en la que música adquiere gran importancia, dada la elevada presencia de instrumentos y músicos. Este trabajo propone el análisis e interpretación de la iconografía musical de esta serie mediante conceptos que complementan la forma del instrumento representado, al mismo tiempo que pretende establecer conexiones entre la organología y la técnica interpretativa desde los convencionalismos y estandarizaciones habituales en el ecuador del siglo XVIII.

Se documenta el proceso constructivo del retablo del altar mayor del Santuario de Nuestra Señora de Palomares de Trebujena (Cádiz). La obra es iniciada por Agustín de Medina y Flores en 1759. Tras la muerte de éste al año siguiente, intervienen sucesivamente en la obra durante los años siguientes los maestros Alejandro Román y Juan de Olarte, así como el escultor Diego Roldán. En 1772 el retablo es concluido por Andrés Marín, autor del trono que preside el camarín.

Los espacios sagrados son realidades cambiantes que están profundamente relacionadas con el lugar donde se construyen. La presencia de preestructuras, el desgaste material, el impacto de la naturaleza y la mano humana, así como la necesidad de adaptarlas a nuevos usos, son factores esenciales para entender las distintas capas que estas arquitecturas encierran y transportan simultáneamente a través del tiempo. Partiendo del estudio de caso de la iglesia parroquial de São João Batista da Foz do Douro, el objetivo es demostrar la necesidad de reflexionar sobre los espacios sagrados como realidades sujetas a devenir. La reinterpretación y reconstitución de esta iglesia a lo largo de la diacronía es posible gracias al cruce de fuentes escritas y huellas materiales.

El propósito del artículo es dar a conocer dos inventarios sobre la iglesia del antiguo convento de san Pedro de Alcántara de Sevilla, de la orden franciscana descalza. Este hermoso templo del que apenas se conocen datos históricos sufrió, una y otra vez, las desamortizaciones del siglo XIX. Como resultado la merma del patrimonio artístico fue considerable. A este respecto los citados inventarios de 1836 y h. 1893, desvelan los bienes muebles que existían en esas fechas. En este estudio establecemos una comparación de sus datos en cuanto a la retablística, escultura y pintura que relacionamos con el actual patrimonio conservado, a la vez que se aportan las últimas noticias sobre la iglesia.

En la presente investigación se aborda con profundidad el estudio documental de un trabajo de las hermanas Antúnez para la sevillana Hermandad de la Macarena, concretamente el conjunto procesional de la Virgen del Rosario estrenado en 1882. Gracias a este estudio, a partir de las noticias encontradas en el archivo de la cofradía, se propone la identificación de las piezas además de trazar su historia material. También, con el objetivo de contextualizar todo esto se aborda el estudio biográfico y curricular de las hermanas Antúnez, recopilando los datos conocidos a los que se le han añadido otros novedosos.

La efervescencia artística que animó la segunda mitad del siglo XIX en Chile queda plasmada en varios periódicos dedicados a las Bellas Artes que llevan las firmas de personajes ilustres de la escena cultural chilena. Entre estas publicaciones nos centraremos en la Revista de Bellas Artes que circuló en Santiago entre 1889 y 1890. Tras el análisis del contexto cultural en el que se insertó su fundación, nos dedicaremos a analizar algunos escritos publicados en la revista por Pedro Lira, Vicente Grez y Giovanni Mochi. Demostraremos que la RBA fue la voz del sector más acomodado de la sociedad chilena decimonónica, que puso en evidencia las falencias del Estado en cuanto a progreso e impulso dado a las artes nacionales.

Importadas de la moda francesa, las devantures permitieron transformar y renovar los establecimientos comerciales, adaptándolos a los nuevos gustos de los siglos XIX y XX. A pesar de su calidad estética, algunas de estas fachadas no resistieron al paso del tiempo, conservándose su memoria sólo en los dibujos que acompañaban a las licencias de obra y, en casos más concretos, en fotografías antiguas de los establecimientos que albergaban. Estas fuentes proporcionan información detallada sobre los materiales utilizados, así como sobre los responsables de los proyectos. A partir del estudio de las oficinas de orfebrería ubicadas en las calles de Flores y Santo António (31 de Janeiro) pretendemos con este artículo demostrar cómo estos elementos interactúan con el espacio urbano.

La contribución investiga la relación entre las artes contemporáneas y las fiestas religiosas en Sicilia. De particular interés los Prisenti de Gibellina cuya tradición, que cayó en desuso tras el terremoto de Belice en 1968, fue recuperada por artistas capaces de conciliar las exigencias de las vanguardias con la vocación de recuperar la memoria. Las tradiciones como fundamento de la identidad sugiere un paralelo con El encuentro, una reinterpretación del rito de la Madonna vasa vasa de Módica llevada a cabo por Adrian Paci. Surge así una línea de investigación internacional que utiliza múltiples códigos lingüísticos transversales unidos por la atención al espacio público como catalizador de las relaciones comunitarias y oportunidad de reflexión sin precedentes sobre el rito colectivo.

El pabellón del Reino de Murcia en la Exposición Iberoamericana de Sevilla representó de manera conjunta a las provincias de Murcia y Albacete, ligadas históricamente. Las propuestas para el edificio, que sirvió de espacio expositivo, se centraron en mostrar un diseño arquitectónico que reuniera aspectos constructivos, decorativos y culturales propios del pasado histórico de la zona. En este trabajo se documenta la participación e historia del proyecto murciano-albacetense y se analizan los diseños realizados para el pabellón hasta la definitiva construcción del edificio.

Los usos de la tracción animal fueron ampliamente documentados por el fotógrafo Artur Pastor, particularmente en el contexto agrícola y del cultivo de cereales. A través de una selección de fotografías de Pastor, pretendemos demostrar el diálogo entre su obra y los procesos de cultivo de cereales que utilizaban animales de trabajo en el Alentejo. Las imágenes presentadas coinciden con los métodos utilizados en la agricultura durante la época de las grandes arroteias, que se inició a finales del siglo XIX y se prolongó hasta el tercer cuarto del siglo XX. Utilizando la bibliografía de referencia sobre los métodos de producción de cereales en el Alentejo, pretendemos comprender el contexto de las obras de Pastor, darles significado y cuestionarlas.

La vida y figura de San Francisco de Asís despertaron un gran interés durante la segunda mitad del pasado siglo. En ese contexto se encargó al artista José María Párraga (1937-1997) la realización de todo un ciclo decorativo para la recientemente establecida Parroquia de San Francisco de Asís en la ciudad de Murcia. Párraga, cuya vasta producción incluye un amplio espectro de manifestaciones artísticas enmarcadas en un estilo personal e inclasificable, diseñó una serie de pirograbados, relieves y murales para la iglesia y su entorno, proyecto del que se conservan asimismo dibujos preparatorios.

En este artículo se exploran los diversos espacios alternativos que han venido surgiendo en Sevilla a lo largo de las dos últimas décadas. Con desigual trayectoria, y tomando como punto de partida la actividad de la Richard Chanin Foundation, se plantea una secuencia de espacios que han resultado claves para la puesta de largo de un considerable número de artistas, teniendo como punto en común no estar constituidos como galerías artísticas al uso, sino como lugares que podríamos vincular con actividades más ligadas a la gestión cultural.

María Dolores Casanova Teruel fue una pintora relevante en el contexto del arte contemporáneo español desde finales de los años sesenta hasta, aproximadamente, 1988. Sin embargo, su trascendencia se ha diluido con el tiempo. Dado el carácter narrativo y autorreferencial de su producción, este artículo aspira a reconstruir su trayectoria vital mientras se mantuvo activa en el espacio público. Para ello, se efectúa un análisis del diálogo biográfico-artístico en su obra, en el que sus memorias publicadas, eje vertebrador del discurso, se confrontan con sus creaciones pictóricas. El estudio también se sustenta en entrevistas a Casanova divulgadas en prensa y en otras inéditas a sus familiares y allegados, así como en material de archivo. La investigación demostrará una correspondencia casi exacta entre los diferentes episodios e intereses de su vida, registrados en su autobiografía, y su legado. No obstante, a su vez, el examen constatará que, donde el texto de la artista «miente», pasa con aparente indiferencia u oculta determinados momentos clave de su existencia, son sus pinturas las que revelan su «yo» más íntimo, que solo puede hallarse en su plástica y no en su crónica.

I begynnelsen av 1900-tallet ble produksjonen av monumentale glassmalerier reetablert i Norge. I perioden 1900 til 1913 ble de fire første glassmaleriverkstedene etablert. Reetableringen markerer starten på det moderne norske glassmaleri og er en av de viktigste forutsetningene for feltets videre utfoldelse. I artikkelen blir det diskutert hvordan reetableringen av glassmalerihåndverket foregikk, og hvilke aktører som var definerende for perioden.

I artikkelen blir det undersøkt hva slags kunstverksbegrep som ligger til grunn for legaldefinisjonen i merverdiavgiftsforskriften § 1-3-2. Inntil en omfattende forskriftsendring i 2017 førte forskriften til hyppig strid mellom kunstnere og avgiftsmyndighetene på grunn av en foreldet kunstdefinisjon. I artikkelen blir det drøftet hvor hensiktsmessig den nye avgrensningen av kunstverksbegrepet er etter sitt formål. Det blir samtidig gjort noen tanker rundt kunstfilosofiens utfordringer i dens mange forsøk på å definere kunstbegrepet. Utfordringene har fått enkelte til å hevde at begrepet ikke lar seg definere. I artikkelen blir det argumentert for at det foreligger reelle behov for å definere kunstbegrepet i ulike sammenhenger, og at forskriften viser at det er fullt mulig å formulere hensiktsmessige definisjoner til bestemte formål.

I artikkelen blir tre oversette koloniale gjenstander i samlingene til Nasjonalmuseet i Oslo undersøkt, hver med tilknytning til det spanske Habsburg-riket, fra Japan til Peru via Mexico: en lakkiste, en vinkanne i sølv og en utskåret bilderamme.

Norwegian artists that began exhibiting their work around 1900–1910 had vastly different career trajectories depending on their gender. The article highlights the career trajectories of five women, all of whom were all students at Harriet Backer’s art school. The women received the same training as the men. A combination of factors (political, economic, social, critical reception, etc.) affected this generation of women artists particularly hard, while the men became central to the development of modern art in Norway.

Carmen Suárez Guerra (1879-1949) se configura como un caso de singular interés en el panorama artístico español de comienzos del siglo XX. Además de lograr el éxito en una disciplina creativa marcadamente masculinizada, el esmalte a fuego sobre metales, consiguió superar algunos de los principales obstáculos que limitaban el reconocimiento profesional de las artistas. Más allá de importantes galardones –Medalla de Oro en la icónica Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes de París (1925); segunda mujer premiada con Primera Medalla en la Exposición Nacional de Bellas Artes (1922)–, la artista obtuvo un triunfo mucho más difícil de conquistar: que la crítica de arte renunciara a los tradicionales discursos sexistas y considerara «su sentir artístico igual a los grandes maestros de la actualidad». Este trabajo examina, a partir de fuentes documentales inéditas, la trayectoria de Carmen Suárez, y, en particular, la influencia que ejerció sobre la crítica y la prensa en pro de la erradicación de los estereotipos machistas y a favor de la valoración de las creadoras en el sistema artístico.

The sequencing of circles congruent with a (divided) column diameter – a visualization of the Vitruvian concept of a fixed module – is expanded by the inclusion, in the same scale, of geometric figures intrinsic to the ad triangulum method. The indication of continuous use of the proposed proportional system from Classical Antiquity to the 18th century points to the existence of a single canon for designing intercolumnar plane and fenestration.

El artículo confronta dos textos –La vida de los edificios de Rafael Moneo y La libertad estructural, condición del milagro de Anne Lacaton y Jean-Philippe Vassal– para proponer una reflexión acerca de las condiciones contemporáneas que permiten que la arquitectura cambie. El texto de Moneo sugiere la identificación de unos rasgos formales esenciales y la autonomía del proyecto de arquitectura una vez construido, como origen y garantía de un certero cambio futuro. El cambio es parte de un destino ya escrito y no tanto un proceso. En el de los franceses son la estructura portante y el concepto de superposición, los que devienen en una arquitectura capaz de asumir el cambio como el episodio de un destino abierto. Si el primero apela a valores esenciales atemporales, los segundos identifican la temporalidad como permanente estado de la arquitectura y de nuestra cotidianeidad. El artículo discute estas dos maneras de abordar el cambio como condición inevitable de la arquitectura, no niega su validez y explica su trasfondo con el apoyo de algún otro texto.

Con la llegada a América, decenas de animales fueron traídos a Europa como alimento, pero sobre todo como mascotas exóticas. Su presencia en jardines y cámaras de maravillas pronto despertó la curiosidad de científicos y artistas, que incluyeron estas nuevas especies en sus libros y cuadros. En el caso de los artistas, su representación estuvo fuertemente condicionada por la presencia previa o no de especies de la misma familia. Para mostrar las diferencias según el caso y la red de significados y usos otorgados en el arte a las distintas especies americanas, tomaremos los loros como ejemplo de una familia conocida desde la Antigüedad por los europeos y los armadillos como muestra de una familia desconocida en el Viejo Continente.

Sanatta özgünlük esas olsa da her sanatçı, eserlerinde eslâfın eserlerinden etkilenir ve bilerek ya da bilmeyerek bu eserlerdeki bazı unsurları eserlerinde yeniden işler. Bu durum, husûsiyetle de bir an’aneye bağlı olan sanatlarda eserlerin oluşturulması sırasında birtakım benzerliklerin ortaya çıkmasına neden olur. Rastlanılan bu benzerlikler, Doğu ve Batı edebiyatlarında olduğu gibi Batı müziği müzikolojisi sahasında da tanımlanmış ve sınıflandırılmıştır. Ancak Türk müziği literatüründe benzer bir sınıflandırma eksikliği bulunmaktadır. Türk müziği üzerine çalışan araştırmacıların, bu tür benzerlikleri genellikle “nazîre”, “melodik-ritmik benzerlik”, “gönderme”, “çeşitleme”, “ezgi atfı”, “bestekârlık meşki” gibi terimlerle tanımlamakta olduğu, ancak, kullanılan terimin kavramla her zaman uyumlu olmadığı ve farklı terimlerin aynı mefhumlar için kullanıldığı gözlemlenmiştir. Makalede Klasik Türk edebiyatı belâgat terminolojisinden yola çıkılarak, literatürdeki bu kavram kargaşasına bir çözüm önerisi sunulmuş, Türk müziğindeki bestelerarası ilişkilerin tanımlanması ve açıklanmasında kullanılabilecek yeni terimler önerilmiştir. Türk edebiyat ve belâgat sanatlarında nazîre ve serikât-ı şi’riyye başlıkları altında yer alan ve metinlerarası ilişkileri tanımlayan terimler incelenmiş, bunlardan bazıları olan nazîre, tazmîn, iktibâs, irsâl-i mesel, tehzîl, tevârüd, selh, ilmâm, mesh, iğâre, nesh, intihâl, akd ve hâll terimleri ile Türk müziğindeki bestelerarası ilişkilerin tarif ve tasnifine yönelik yeni bir öneride bulunulmuştur. Adı geçen her bir terim Türk müziğinin önde gelen bestekârlarından örneklerle açıklanmıştır. Bu bağlamda Dede Efendi, III. Selim, Şakir Ağa, Zekâî Dede ve bazı yakın dönem bestekârlarının eserlerinden örnekler kullanılmıştır. Bu makalede ayrıca daha geniş bir düzeyde, sanatçıların seleflerinin eserlerinden nasıl yararlandıklarını ve neden bu yönteme başvurdukları irdelenerek bunun gelenek/tradisyon oluşumuna nasıl bir etkisi olduğu açıklanmaktadır. Önceki eserlerden malzemelerin ne şekilde ve neden kullanıldığı, ortaya çıkan sonucun kalitesine göre adlandırmanın nasıl değişeceği edebiyat terimleri ile farkları gösterilerek îzâh edilmiştir. Tesbit edilebildiği kadarıyla bu çalışma, sahasında bir ilk olma özelliği taşımaktadır. Batı müziğindeki bestelerarası ilişkiler Burkholder tarafından “müzikal ödünç” kavramı altında 14 maddeye ayrılarak sınıflandırmaktadır. Onun bu tasnifi yaparken kullandığı terimlerin çoğunlukla edebiyat mahreçli olması, çalışmanın ilham kaynaklarından biri olmuştur.

Siyer yazıcılığı, belirli dönemlerde toplumların ihtiyaç ve sorunları doğrultusunda, mevcut rivayetlerin siyer yazımına eklenmesi sonucu içerik olarak genişleyen bir uğraş alanıdır. Bu genişleme, siyer yazıcılığında yeni türlerin ortaya çıkmasına zemin hazırlamıştır. Ortaya çıkan siyer alt dallarından biri, nübüvvetin ispatını önceleyen ve amaçlayan “Delâil Edebiyatı” olmuştur. Bu tür, sistematik gelişimini 2/8. asrın ikinci yarısında gerçekleştirmiş olsa da delâil kapsamına giren örneklerin daha önceki siyer kitaplarında yer aldığı bilinmektedir; ancak bu türün tam olarak başlangıcı henüz tespit edilememiştir. İlk siyer kaynaklarının tamamı günümüze ulaşmamış olmakla birlikte varlığından bahsedilen bu eserlerin bazıları râvi merkezli taramalar sonucu derlenmiştir. Asıl eserin tamamını yansıtmakta yetersiz kalan bu çalışmalar nedeniyle sonraki kaynaklara yönelmek ihtiyacı hasıl olmuştur. Günümüze ulaşan nüshalar arasında İbn İshâk’ın eserinde delâil türünün ilk örnekleriyle karşılaşmak mümkündür. Ancak İbn İshâk’ın kaleme aldığı nüshaların çoğu günümüze ulaşmamıştır. Onun rivayetlerini derleyen İbn Hişâm, delâil konusunda daha bütüncül bir anlatım sunmaktadır. Dolayısıyla bu makalede öncelikle her iki müellifin eserlerinde bulunan delâil türü anlatımlar tespit edilmeye çalışılmıştır. Fakat araştırma sırasında bu türe ait çok sayıda örnekle karşılaşıldığından araştırmanın risâlet öncesi dönemle sınırlandırılması gerekmiştir. İrhâsât türü rivayetleri içeren bu aralık, delâil edebiyatının başlangıç ve temel konularından kabul edilir. Bu sınırlandırmanın ardından söz konusu rivayetler kronolojik olarak tasnif edilerek söz konusu eserin belirli bir amaç doğrultusunda mı yoksa siyerin doğal akışına uygun olarak mı toplandığı anlaşılmaya çalışılmıştır. Dolayısıyla çalışmada rivayet merkezli veri tespiti, analiz yöntemi ve mantık ilkeleri kullanılarak nihai bir sonuca ulaşılmaya çalışılmıştır.

Bağlama, geçmişten günümüze Türk halk müziğinin en yaygın kullanılan çalgısı olmuş ve müzikal aidiyetinden farklı olan birçok müzik türünde kullanılır hâle gelmiştir. İcra sahasında meydana gelen bu genişlemeye paralel olarak gerek çalım gerekse yapım tekniklerinde birtakım yenilikler meydana gelmiştir. Her iki disiplin özelinde meydana gelen bu yenilikler, yapımcıları çağın ve icracıların ihtiyaçlarına uygun bir bağlama yapmaya, icracıları da icra pratikleri ve beklentileri doğrultusunda bir bağlamaya sahip olmaya yönlendirmiştir. Bu hususta bağlama yapımı ve icrası, birbiriyle dirsek teması olan ve bütüncül ele alınması gereken iki disiplin olarak icracı ve yapımcıların yakından ilgilendikleri bir konu olmuştur. Özellikle ileri düzey icracıların icra ettikleri eser repertuvarının zenginliği ve bu eserlerin zorluk derecesi gibi durumlar, kullanılan bağlamanın niteliklerini önemli hâle getirmiştir. Nitel bir durum çalışması olan bu araştırmanın amacı; icracı ve yapımcı gözünden kaliteli bir bağlamanın niteliklerini belirleyerek buna etki eden değişkenleri, kaliteli bir bağlamanın icra pratikleri üzerindeki etkisini, icracıların bağlama tercihlerini ve yapımcıların yapım tekniklerini etkileyen değişkenleri ortaya koymaktır. Bu amaç doğrultusunda uzman görüşü alınarak belirlenen 11 usta yapımcı ve 11 usta icracı ile 4 açık uçlu sorudan oluşan yarı yapılandırılmış görüşme yapılmıştır. Görüşmelerden elde edilen veriler betimsel analiz yöntemi uygulanarak kategorize edilmiş ve bu kategoriler frekans ve yüzde bilgilerini yansıtacak şekilde tablolaştırılmıştır. Kaliteli bir bağlama niteliği ve oluşumunu etkileyen değişkenler konusunda katılımcıların benzer görüşler dile getirmelerinin yanı sıra zıt görüşlere de sahip oldukları sonucuna varılmıştır. Kaliteli bir bağlamanın icra pratikleri üzerindeki etkisine ilişkin katılımcıların büyük ölçüde benzer düşündükleri, ancak bazı katılımcıların farklı yaklaşımlar sergiledikleri görülmüştür. İcracıların bağlama tercihlerinin kişisel yaklaşımları ve icra pratikleri temelinde şekillendiği tespit edilmiştir. Bununla birlikte icra pratiklerinin, bağlama yapım sürecinde bazı yapımcılar tarafından dikkate alınırken bazı yapımcıların standart bir yapım tekniği benimsedikleri görülmüştür. Araştırma kapsamında elde edilen sonuçlardan yola çıkarak öneriler sunulmuştur.