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Based on the photographic series Padre Patria (2014–2019) and Vírgenes de la Puerta (2014–2016), by Juan José Barboza-Gubo and Andrew Mroczek, this essay reflects on the identity of trans women in Peru from the perspective of sexuality, mestizaje, and the coloniality of power. Padre Patria offers a visual narrative of hate crimes against the LGBTI community in different parts of the country. Vírgenes de la Puerta proposes a new model of femininity through the appropriation of religious icons like the Virgin Mary. From decolonial, feminist, sexual diversity, and biopower theories, this work investigates the reformulation of the photographic portrait of trans women through Marian aesthetics and patriarchal violence. The political dimension of this photographic project seeks to render visible the experiences of trans women today [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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Los usos de la tracción animal fueron ampliamente documentados por el fotógrafo Artur Pastor, particularmente en el contexto agrícola y del cultivo de cereales. A través de una selección de fotografías de Pastor, pretendemos demostrar el diálogo entre su obra y los procesos de cultivo de cereales que utilizaban animales de trabajo en el Alentejo. Las imágenes presentadas coinciden con los métodos utilizados en la agricultura durante la época de las grandes arroteias, que se inició a finales del siglo XIX y se prolongó hasta el tercer cuarto del siglo XX. Utilizando la bibliografía de referencia sobre los métodos de producción de cereales en el Alentejo, pretendemos comprender el contexto de las obras de Pastor, darles significado y cuestionarlas.

Este texto establece una discusión basada en investigaciones teórico-prácticas transversales sobre la presencia de lo sublime en los procesos artísticos contemporáneos, con especial atención a aquellos relacionados con los procedimientos tecnopoéticos y el arte híbrido. Muchos de estos procedimientos y tecnologías, adoptados por los artistas, se crean a partir de preguntas sobre la condición humana, incluyendo la vulnerabilidad social, física y psicológica, los sistemas religiosos, el cientificismo, las situaciones geopolíticas, la convivencia cultural, entre muchas otras. Algo complejo y multirreferencial que reúne estados de sublimidad y las subjetividades inherentes a personas que se encuentran en constante adaptación a realidades emergentes. Para ello se estudió el concepto de sublime, desde los primeros planteamientos, elaborados por Longino, así como por Edmund Burke, Immanuel Kant, Jean-Fraçois Lyotard, Friedrich Schiller, entre otros, quienes debatieron y actualizaron este concepto a la luz de producciones artísticas desarrolladas en diferentes momentos de la história del arte. En 2010, Simon Morley, historiador del arte y artista británico, reunió un conjunto de reflexiones y documentos para resaltar la presencia de lo sublime en obras creadas en los más diversos lenguajes: video, fotografía, performance, pintura, instalaciones, intervenciones, entre otros. Así, el análisis de estos documentos primarios y estudios realizados en los laboratorios y bibliotecas de la University of the Arts London –UAL, sumado a las actividades desarrolladas en taller contribuyó a ampliar las discusiones sobre lo sublime, tomando como referencia la obra “Cividade”, una instalación artística con fotografías en óxidos minerales y pólvora sobre placas de fibrocemento, encapsuladas con resina óptica.

El 26 de abril de 2023, el fotógrafo japonés Shoichi Aoki (Tokio, 1955), lanzaba en formato digital una versión en inglés del primer número de la revista Fruits, publicada originalmente en Japón el 23 de junio de 1997. Aquel primer número, de apenas 85 páginas con fotografías a color, mostraba una selección de la moda callejera característica del barrio de Harajuku, en Tokyo. Las páginas de aquel primer número de Fruits eran un desfile de jóvenes ataviados con llamativos atuendos diseñados por marcas lujosas como Comme des Garçons o Vivienne Westwood, combinados con diseños propios de marcas locales como Harajuku Milkboy. Los siguientes 269 números de la revista Fruits la convirtieron en un referente de la fotografía de moda en el cambio de milenio. El lanzamiento de la versión en inglés en formato digital de aquel primer número puede ser entendido, por supuesto, como una ofrenda a una revista esencial, pero también como algo intrínseco a toda la obra de Shoichi Aoki: como apología de la fotografía de moda como documento indispensable para la comprensión de la estética urbana de un siglo XXI globalizado e hiperconectado.

A partir de las series fotográficas Padre Patria (2014–2019) y Vírgenes de la Puerta (2014–2016), de Juan José Barboza-Gubo y Andrew Mroczek, este ensayo reflexiona acerca de la identidad de las mujeres trans en el Perú desde la sexualidad, el mestizaje y la colonialidad del poder. Padre Patria ofrece una narrativa visual de los crímenes de odio hacia la comunidad LGBTI en diferentes lugares del país. En Vírgenes de la Puerta se propone un nuevo modelo de feminidad a través de la apropiación de íconos religiosos como la Virgen María. A partir de enfoques decoloniales, feministas, de diversidad sexual y biopoder, este trabajo indaga sobre la reformulación del retrato fotográfico de las mujeres trans a través de la estética mariana y la violencia patriarcal. La dimensión política de este proyecto fotográfico busca visibilizar las experiencias de las mujeres trans en la actualidad.

W artykule omawiam wybrane przykłady z historii użycia obrazów w praktyce etnograficznej i w antropologicznym dyskursie. Skupiam się na nieoczywistej, wieloznacznej naturze obrazu, którego wytwarzanie można uznać za formę uczestnictwa w kulturze i konkretnej etnograficznej sytuacji. W sposób szczególny skupiam się na obrazowaniu i wykonywaniu fotografii w kontekście kolonialnym w Afryce, przywołując między innymi działalność Kazimierza Zagórskiego. Omawiam również przykłady twórczości wizualnej Edwarda S. Curtisa i Roberta Flaherty’ego w Ameryce Północnej. Historia wizualności etnograficznej dobrze oddaje zmieniające się paradygmaty antropologii. Dziś oglądane obrazy, będące wynikiem etnograficznych praktyk wizualnych doby kolonialnej, podkreślają kreacyjną oraz niestabilną naturę obrazu.

O movimento olímpico da modernidade e o processo de industrialização emergem praticamente no mesmo momento, quando o esporte é vislumbrado como um instrumento benéfico para manter o corpo produtivo e controlado. Nessa direção, as máquinas e as aspirações de ruptura com as representações culturais identificadas com o antigo fazem-se necessárias à conformação de outro imaginário social. O hipismo é uma das práticas esportivas que pode exemplificar a construção de descontinuidades e continuidades de representações na dinâmica entre o antigo e o moderno. O objetivo da pesquisa é investigar que representações culturais da modalidade do salto do hipismo foram estabelecidas por meio de fotografias veiculadas em reportagens sobre a participação brasileira nos Jogos Olímpicos entre os anos de 1948 e 1996. O recorte temporal da pesquisa situa-se entre o ano de 1948, quando, pela primeira vez, atletas brasileiros da modalidade Salto do Hipismo representaram o país em Jogos Olímpicos, e estende-se até o ano de 1996, o qual baliza a conquista da primeira medalha olímpica brasileira na referida modalidade hípica. De tal modo, atrelamos dois artefatos de modernidade e sua relação com o movimento olímpico, ao aplicarmos, como metodologia, a análise de imagens veiculadas pelas reportagens sobre as delegações brasileiras no cenário olímpico. Além disto, foram submetidos, à análise documental, jornais, revistas e demais periódicos que continham a temática disponível na Hemeroteca Digital (BNDigital) da Fundação Biblioteca Nacional. Ademais, foram acessadas imagens disponíveis em centros de memória do esporte, sites da Confederação Brasileira de Hipismo (CBH), de federações estaduais e da Federação Equestre Internacional (FEI). Diante da problemática da imagem como operador da memória esportiva e artefato de modernidade, a interpretação dos indícios está amparada no campo da Nova História Cultural, a fim de compreender como sucedeu o registro e quais as suas funções na composição de um artefato ou lugar de memória. Do mesmo modo, buscamos interpenetrar os registros que se conservam e aqueles que não permanecem, ao empenharmo-nos em cruzar aqueles que estão disponíveis nos centros de memória e nos sites oficiais com os demais encontrados na imprensa do período.

A 1980 black and white photograph portrays a naked woman, whose identity is unknown, holding a large knife pointing at her pregnant belly. The photograph, No matar, ni ver matar animales III (1985), is a self-portrait by Cuban artist Marta María Pérez Bravo (Havana, 1959). It belongs to the series Para concebir (1985-1986) in which the artist captures the period of pregnancy and post-partum in a sequence of black and white shots with strongly anti-romantic and exorcising connotations. The title refers to the superstition linked to the Afro-Cuban religions of Santería and Palo Monte according to which a woman will give birth to a child with a violent temperament if she kills or witnesses the killing of an animal during the nine months of gestation. By examining the work of Pérez Bravo, together with that of Johanna Hammann (Lima,1954-2017), Barbara Carrasco (El Paso, 1967), Monica Mayer (Mexico City, 1954) and Josely Carvalho (São Paulo, 1942), this article aims to investigate the emergence of a dystopian representation of the maternal body in Latin American art since the late 1970s. This iconography subverts the traditional collective imagery of motherhood as caring and loving, contrasting it with an often brutal and violent representation, symptomatic of local traditions, religious values, racial issues and the socio-political situations of certain realities in Latin America. This body of images suggests a maternal ‘artivism’ that denotes an understanding and representation of the female body as a political and militant apparatus and social product.

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A fotografia em contexto colonial se mostra hoje como uma fonte importante e complexa para a historiografia dos impérios contemporâneos. Mesmo o breve imperialismo alemão utilizou-se largamente do aparato fotográfico para registrar as mais diversas cenas e gentes coloniais, assim como a partir de tal material fizeram-se inúmeros usos em diferentes suportes materiais. A partir do arquivo fotográfico da Sociedade Colonial Alemã, pretende-se aqui desenvolver uma análise sobre fotografias coloniais, buscando inseri-las no amplo contexto do desenvolvimento da política imperialista e do racialismo enquanto um discurso pretensamente científico. Para tanto, partiremos de um mesmo espaço geográfico em dois momentos distintos: em primeiro lugar, discutiremos acerca do papel da visualidade sobre o Outro como um elemento partícipe do empreendimento colonial; num segundo momento, pensaremos sobre a permanência da ideologia racialista no antigo território colonial alemão da África de Sudoeste, a partir de registros fotográficos e atividades dos colonos alemães vinculados ao Partido Nazista neste espaço africano.

Este artigo analisa as categorias de autorretrato e selfie para compreender as problemáticas espaço-temporais presentes no pensamento de Mauricio Lissovsky que envolvem a construção da imagem de si. Pela chave da performance, busca-se compreender a historicidade dos autorretratos até o fenômeno das selfies e apontar maneiras diferenciadas por meio das quais os corpos compõem relatos de si, com intencionalidades e sentidos próprios que configuram modos diversos de encarar o espaço e tempo nas experiências fotográficas. Apesar de apresentarem as matrizes do gênero, os autorretratos sélficos trazem especificidades em sua performance, o gesto como modo de instaurar o espaço-tempo fotográfico.

Com as imagens de Rineke Dijkstra e Nan Goldin, retomamos, estética e politicamente, a noção de máquina de esperar de Mauricio Lissovsky, observando as relações entre a espera das fotógrafas e das mulheres retratadas em suas maternidades. A ideia é abordar, por meio das obras Recém-mãe, de 1994, e Daqui à maternidade, do período de 1986 a 2000, o modo como, ao retratarem a experiência materna, elas impregnam a imagem com a sua qualidade e restabelecem o poder de indeterminação da máquina lissovskiana face a uma antimáquina de expectação feminina.

O que fazem, querem ou sonham as imagens? Desafiadoras indagações, pois não estamos diante de um campo de conhecimento fechado, mas numa arena a céu aberto, centrífuga e vertiginosa. É na leitura de sua história e de sua vertigem, do que foi, do que poderia ter sido e do que ainda será que a fotografia se revela. Em sua pesquisa, Mauricio Lissovsky coaduna duas metodologias, biográfica e iconológica. Contudo, constata-se que, da junção das partes, surge um método lissovskyano de análise de imagens fotográficas. Com embasamento teórico em sua extensa produção acadêmica, o que se propõe é o aprimoramento desse pensar metodológico sobre como entendê-las e como nos entender com as imagens.

Feito originalmente para homenagear Mauricio Lissovsky, o texto se dedica a dois temas intricados. Primeiro, trata do último livro do autor, A fotografia e seus duplos; e, em seguida, discute como a ontogênese por ele proposta se constitui como um estudo histórico das formas fotográficas na perspectiva de seu devir. Trata-se, aqui, de homenagear o autor e, simultaneamente, destacar sua relevância como pensador original, fundamental nos estudos acerca da fotografia, no Brasil e no mundo.

Em 2010, Maurício Lissovsky ministrou um curso de Pós-Graduação denominado “O método da redenção”. A partir de anotações e leituras sugeridas nesse curso, questiona-se a possibilidade de pensar uma ética e uma política do “instante” – termo frequentemente utilizado nas aulas para se referir à apreensão messiânica de uma temporalidade singular: o agora saturado de tensões. Para se chegar ao problema, utilizou-se o método da individuação do elemento filosófico (Entwicklungsfähigkeit) sobre o conjunto discursivo que compôs o referido curso. Conclui-se com o questionamento acerca do valor da proposição de Lissovsky frente à exigência de uma ética e uma política para os tempos atuais.

El ensayo explora las genealogías que relacionan los actuales sistemas de visión por computadora y de generación de imágenes mediante inteligencia artificial con los usos de la fotografía en las investigaciones científicas del siglo diecinueve. Tomando como casos de estudio las imágenes obtenidas por Étienne-Jules Marey y Francis Galton, el audiovisual fomenta el análisis de las latencias o mutaciones culturales que manifiestan las imágenes operativas de ambas épocas.

O conjunto fotográfico em carte-de-visite intitulado Secca de 1877/78, realizado em colaboração entre José do Patrocínio e Joaquim Antônio Corrêa, mobiliza corpos de retirantes em Fortaleza para compor imaginários sobre os flagelos da fome e da miséria que assolavam a região em período de estiagem. Em conjunto com relatos jornalísticos, as imagens de corpos flagelados constituíram-se como testemunhos visuais da barbárie frente aos moradores da Guanabara que se recusavam a acreditar nas narrativas partilhadas por jornais e por parlamentares demandando políticas de assistência. Associadas a frases que propõem sentidos às imagens, retomamos estas proposições tomando-as como ‘montagens’ pelas quais nos propomos a discutir sobre as relações com o corpo no ato fotográfico a partir das inscrições emergentes naquele contexto e nas composições de arquivo em que as acessamos.

Se presenta esta inédita colección fotográfica sobre arte y arqueología que, en 1943, el Consejo Superior de Investigaciones Científicas compró a Joaquín Montaner, antiguo director de la muestra artística de la Exposición Internacional de Barcelona de 1929. A través de un ejemplo bibliográfico, centrado en el análisis de las imágenes más antiguas y completas que se conocen del códice único del Cantar de mio Cid, se destaca su singularidad, unicidad e importancia iconográfica para la investigación sobre, al menos, 3359 objetos patrimoniales (de los 4899) que fueron expuestos y fotografiados durante el certamen.

El libro de la historiadora y ensayista Isabel Segura Soriano se entiende como un viaje a través de la reconstrucción de la memoria de una ciudad. Barcelona como núcleo y sujeto para una amplia selección de fotógrafas/es que, como comenta la autora, exploraron nuevas maneras de decir la ciudad desde su tránsito y uso cotidiano.

Las propiedades de la imagen en los circuitos comunicacionales contemporáneos están cada vez más ligadas a un contexto material muy concreto, desde los combustibles fósiles de los que depende, los cables de fibra óptica y centros de datos que recorre a los propios dispositivos que la producen y reproducen. Mediante el término “imagen-energía” apelo a la finitud de aquello que, a pesar de ser intangible, tiene un impacto medioambiental muy concreto, para poder entender críticamente las complejidades que rodean hoy a lo visual; una imagen cada vez más acelerada, que ha roto con la linealidad de su producción para ser recombinada una y otra vez en luz, en electricidad, en calor; pero nunca desprendida de su herencia ideológica, colonial y capitalista.

En 1989 se presentó Vanishing Presence en el Walker Art Center en Minneapolis, una muestra que recogía una amplia selección de fotografías con borrones o directamente borrosas. La exposición establecía el recorrido del borrón desde los efectos producidos por la incapacidad técnica hasta su utilización posterior como recurso intencionado [4]. Esos ’defectos’, como apariciones fantasmales, siguen manifestándose quizá aún más en la era digital. El presente artículo pretende hacer un primer acercamiento a este tipo de imágenes borrosas (digitales y analógicas), su capacidad evocadora y significativa, así como destacar el poder del imaginario gótico (utilizado en su sentido más amplio) para representar los terrores del presente y del futuro.

Resumo A fotografia é um gênero bastante recorrente na vida social, mas tem sido relativamente pouco estudada no contexto escolar. Essa proposta está fundamentada na Base Nacional Comum Curricular, que recomenda a inclusão de semioses múltiplas nas atividades de leitura, escrita e interpretação dos alunos, que precisam desenvolver sua capacidade de analisar criticamente o que leem em âmbito visual. Portanto buscamos criar propostas para a análise de fotografias em sala de aula. Com isso, encontramos respaldo metodológico nas categorias de modalização. A partir disso, mostramos como as fotografias integram um contexto discursivo e não podem ser lidas de forma dissociada desse contexto, ou seja, o conhecimento de mundo do leitor é relevante para o processo de produção de sentidos.

A Guerra Civil de Espanha é considerada o primeiro conflito moderno a ser fotografado, dia após dia, por fotógrafos espanhóis e estrangeiros. Esses instantâneos tirados entre 1936 e 1939 são hoje suportes de memória para recuperar a história do conflito espanhol. No entanto, no seu contexto, tornaram-se mais uma ferramenta para ganhar a guerra no domínio da propaganda. O objetivo deste artigo é refletir sobre o papel desempenhado por um jornal português, O Comércio de Porto, na cobertura da guerra. O jornal fez uma extraordinária cobertura fotográfica dos acontecimentos em Espanha. E fê-lo como porta-voz oficial de Franco em Portugal. Começaremos por traçar o perfil das 1099 fotografias publicadas entre julho de 1936 e abril de 1939 e depois analisaremos a forma como essas imagens foram utilizadas para manter o moral dos Aliados, criticar o inimigo e convencer os estrangeiros da necessidade de colaborar com a causa política comum.

Este escrito se propone reflexionar en torno a un conjunto de fotografías de la serie Ajuste y represión (M.A.F.I.A., 2017), en perspectiva con un grupo de imágenes de El Cordobazo de Isaac Silbermanas del año 1969. A partir del reconocimiento de rasgos anacrónicos en dichas representaciones se desarrolla una indagación teórica sobre la constitución del espacio-tiempo en las imágenes fotográficas. Para lo cual, planteamos pensar desde las categorías de magia (Flusser, 2019), performatividad (Soto Calderón, 2020) y ficción (Dubois, 2016; Escobar, 2021) como nociones que abordan aspectos específicos de las imágenes, y que nos conducen a trazar encuentros, desencuentros e interrogantes sobre los modos en los que la fotografía construye representaciones ficcionales de lo real.

Las actualizaciones recientes de los sistemas operativos de los teléfonos celulares trajeron como novedad la posibilidad de generar fotos en movimiento con sus cámaras digitales. Estas fotos consisten en un video muy breve que termina en una imagen estática, que es la que corresponde al instante de la toma. La foto en movimiento puede entenderse como un nuevo tipo de imagen que combina de, modo muy preciso, dos materias de la expresión preexistentes (el video digital y la fotografía digital) y que sigue ampliando el universo de lo que socialmente se llama “fotografía” para abarcar, por primera vez, imágenes en movimiento. Empleando la noción semiótica de dispositivo, este trabajo analiza la génesis de estas nuevas fotografías, así como también ciertas prácticas novedosas que vienen habilitadas con posterioridad a la toma. Entre ellas, el artículo se detiene en la posibilidad, brindada por el dispositivo, de generar nuevas fotografías estáticas de los instantes previos a la captura original, lo que da lugar a la práctica novedosa de tomar una foto de un momento pasado. Esta particularidad del dispositivo, que tiene la capacidad de desvincular, por primera vez, el instante fotografiado del de la toma, tiene implicancias enunciativas relevantes y puede reconfigurar, en un futuro cercano y con la expansión de los saberes de este arché, la comprensión social de lo que se entienda por “fotografía”.

O presente artigo se vale da fotografia de Augusto Militão, capturada em 1862, mostrando a Várzea do Carmo e os seus usos à época. Nossa pesquisa explora as questões ambientais decorrentes das migrações, das reformas feitas pela prefeitura no início do século passado na região da Várzea do Carmo, bem como os avanços da industrialização às margens do Rio Tamanduateí e suas implicações. Pretendemos com o artigo problematizar as questões das perdas causadas por essas presenças e intervenções, enriquecendo o debate que envolve as questões ambientais relacionadas à reurbanização e industrialização daquelas localidades.

Este artigo investiga as relações técnicas, estéticas e históricas entre o design, a fotografia e as artes visuais, propondo a compreensão dessas disciplinas não como campos autônomos do conhecimento, e sim expressões intrinsecamente conectadas, cujas influências mútuas contribuem para a compreensão de elementos da cultura visual. Ao adotar uma perspectiva fundamentada no pensamento de Michel Foucault, o texto destaca, também, como a dinâmica entre os saberes, os poderes e os processos de subjetivação permeiam a criação imagética e fomentam movimentos de resistência — que, para o autor, são forças propulsoras para a inovação e para a originalidade. A interseção entre esses campos, permeada pela interdisciplinaridade, revela um panorama com-plexo e dinâmico, em que os limites entre as práticas criativas se diluem e, com isso, abrem espaço para novas abordagens e interpretações que alimentam o tecido cultural contemporâneo.

Este artigo compara duas experiências educacionais separadas por quinze anos. Na primeira parte do texto, relata-se o desenvolvimento de uma oficina de artes digitais realizada no projeto Caminhando Juntos (CAJUN), no bairro Bela Vista, em Vitória, ES, entre 2008 e 2009. Essa oficina teve como um dos objetivos centrais o fortalecimento de vínculos socioafetivos de crianças e adolescentes, com vistas ao desenvolvimento da autoestima, da identidade e do senso de pertença. Na segunda parte, comentam-se as práticas de ateliê de fotografia para o curso de Cinema e Audiovisual da Universidade Federal do Espírito Santo, no ano de 2023. Através desse processo de rememoração, do uso de conceitos operatórios desenvolvidos durante os processos de ensino-aprendizagem e do comparativo entre essas duas experiências, compreende-se a importância da memória educacional para a formulação de metodologias de trabalho eficientes e sensíveis.

O presente artigo tem por objetivo analisar como a produção e a divulgação de imagens que expõem a violência e a degradação humana podem ser utilizadas como denúncia social e contribuir para transformar a realidade de pessoas apagadas socialmente. A pesquisa apoia-se no livro-reportagem O Holocausto Brasileiro, publicado em 2015, pela jornalista Daniela Arbex, que apresenta uma reportagem investigativa sobre o hospital psiquiátrico da cidade de Barbacena, estado de Minas Gerais, conhecido como O Colônia, que, após quase oitenta anos utilizando de tratamentos desumanos, passa por uma reforma na psiquiatria devido a um movimento antimanicomial incentivado através da exposição de imagens nos meios de comunicação. O resgate da história do hospital psiquiátrico está em diálogo a teorias sobre o conceito e a prática ética da fotografia, tais como: Cartier-Bresson, e o instante decisivo; Sontag (2003), e a fotografia como denúncia; Kossoy (2001), e a eternização do tempo através da fotografia.

Esta investigación busca determinar cómo las tradiciones y costumbres generadas en la historia y la cultura de un barrio, se han extrapolado a la red social Facebook; como elemento socializador, manteniendo en la memoria activa; costumbres, lugares y personajes más allá de la distancia, el tiempo y lo espacios. Para este estudio, aplicamos la metodología con un enfoque mixto, en una revisión explorativa-descriptiva de dos instrumentos. El primero, los grupos virtuales de Facebook Barrio de Monserrate y Cuartel primero Monserrate, analizando la información publicada de enero a junio 2023. El segundo instrumento, fueron entrevistas a profundidad realizadas con un experto en redes sociales, una experta en revalorización de costumbres e historia de los pueblos y los administradores de los grupos analizados. El análisis y discusión de los contenidos e interacción de los grupos en Facebook contextualizan el rol que cumple esta red social, en la construcción de estas comunidades y el impacto que representa en la memoria individual y colectiva de sus integrantes, fortaleciendo la identidad barrial, validando a Baltar-Moreno (2022) y el principio de que existe memoria colectiva mientras el grupo social que la mantiene, siga existiendo en el tiempo y en el espacio, para no desaparecer.

La fachada, esa suerte de piel arquitectónica, adopta multitud de formas y es en este marco donde la arquitectura dialoga entre el lugar, la identidad y la historia. Por consiguiente, la ciudad no debe abordarse únicamente desde una dimensión física, sino que es fundamental incorporar la experiencia de quienes la habitan. En este sentido, la fotografía no solo invita a ver la ciudad desde una perspectiva histórica, sino que también permite ofrecer una representación personal e intencionada de esta con la que poder acceder a una subjetividad expresiva. Así, a través de una serie de fotografías de diversas edificaciones podemos no solo contemplar la transformación urbana y social de A Coruña en el siglo XX, sino también proponer un acto de reinterpretación y resignificación de espacios arquitectónicos con carga histórica y simbólica.

El presente artículo examina la evolución de la representación de la mujer negra en el universo fotográfico del Caribe, para lo cual establece dos momentos significativos: la fundación del signo “mujer negra” en la fotografía decimonónica y el cambio de paradigma en la obra de artistas contemporáneas de la región, con énfasis en la producción fotográfica de la jamaicana Renée Cox y las cubanas María Magdalena Campos Pons y Susana Pilar Delahante Matienzo. Se toma como referentes teóricos algunas ideas del feminismo decolonial en la voz de María Lugones, al tiempo que se enfatiza la interseccionalidad entre la raza y el género como una herramienta interpretativa en la valoración del devenir del signo “mujer negra” en el arte fotográfico de las Antillas.

This article presents the results of the master's research, aiming to understand how photography participates in the initial training of teachers at a state university, located in the interior of Bahia. From a qualitative perspective, the descriptive research used the device of Experience Groups (EGs), in which data and information were produced on how the students related to photography in its dimension of production and reception. The data produced in the field were analyzed based on the contributions of philosophical hermeneutics. In view of the massive and automated use of photography today, it is understood that the experience with photography in its dimension of production and reception can be a formative experience in the sense of placing the interpreter in relation with their life stories, offering other horizons of the world capable of updating prejudices towards the construction of inventive/invented existentialities. In view of this, how can photographic polysemy forge a pedagogy of experience-formation? [ABSTRACT FROM AUTHOR]