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Objective/context: 1is work seeks to generate interpretations around a particular form of registration: photographic albums of leisure and vacation travel in Argentina around the mid-twentieth century. We study travel albums as an object that, through representational practices, allows for re#ecting on the subjectivities and sensibilities of personal and public memory. Methodology: We use a qualitative methodology, understanding that the photographic collection gathered in an album is a cultural practice that reveals the values of those who create, preserve, and manipulate it and also of those who interpret it and give it meaning. 1e starting point is a limited corpus of albums from private collections, some acquired in antique shops and others lent for study by families who kept them in their collections. Creative variations may appear in them, as photographs, maps, tickets, and words coexist, traces that generate an intertext of discourses. Originality: Although there are some works related to family albums in Argentina and some approaches to travel photographs in general, the presence of speci!c research on travel photographic albums is fragmented, which is the subject of this article. Conclusions: 1e !nal re#ections consider that travel photo albums have a powerful social and cultural relevance because, in their interpretation, other stories of the known history can be contributed, in which emotions and individual and private motivations can be perceived, as well as the creation of national, collective, and public representations. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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Durante cinco años de la década de los 70, José Luis Romany fotografió, dibujó y midió decenas de viviendas vernáculas del entorno de Dénia. El objetivo principal era identificar sistemas constructivos y tipos arquitectónicos propios de la casa popular en esa zona. Sus dibujos y anotaciones fueron tomadas a lápiz a mano alzada durante las visitas en pequeños cuadernos escolares de dibujo. Repasó alguno de estos dibujos a tinta durante sus largas ausencias en Madrid. Tenía en mente realizar un estudio en profundidad, pero este proyecto quedó truncado. Todo ello fue objeto de sendas exposiciones, en 2007 y 2016. Su reciente fallecimiento nos conmina a recuperar no solo su trabajo. Nos obliga a repensar nuestro lugar respecto de aquel patrimonio al que tanta atención dedicó y del que tan poco queda. Más allá del valor de su testimonio, hoy se impone la pregunta por la relación de nuestro presente con un pasado no tan lejano con el que ya apenas si compartimos nada. ¿Qué hacer con aquella límpida arquitectura vernácula que hoy, frente a la dignidad de una ruina o la humillación de verse transformada en vulgar chaletón, reclama ser partícipe del presente?

The article recovers certain debates on the potentialities and risks involved in contemporary collaborative artistic practices, and focuses on Fome de resistência, a work by the Alagoan artist Jonathas de Andrade and the Mẽbêngôkre-Kayapó women painters of the Pukany Village, Menkragnoti territory in southern Pará, Brazil. In this proposal, the photographic record of the intervention of the old maps with the ancestral paintings of the menires, the women who inhabit these lands, formulates an interweaving of languages, knowledge and affections capable of mobilizing questions about the sedimentation of certain representations and ways of relating. From the study of the background, procedures and staging of the work, we observe the ways in which this intervention participates in the discussions on the limitations of the hegemonic regime of Western cartography to account for the ways in which existence is woven in the Mẽbêngôkre-Kayapó communities. In this line, the readings on the ambiguities and the diverse folds of the work allow us to repair the potentialities of the proposals that are based on forms of listening less inclined to uniformity, and more attentive to the opacities and variations as inputs to imagine other forms of coexistence.

Przedmiotem artykułu jest wykorzystywanie w badaniach jakościowych materiału jakim jest fotografia. Jest ona nie tylko zapisem historycznej rzeczywistości czynionej przez badacza jako status quo, ale co współcześnie ważne jest rodzajem zwrotu ku obrazowi i próby jego interpretacji. Korzystając z różnych źródeł antropologicznych i socjologii fotografii, autor analizuje materiał badawczy w postaci fotografii, które zgromadził podczas prowadzenia badań terenowych na Ziemi Łowickiej. Stanowiły one ważny element przeprowadzonych wywiadów swobodnych z liderami lokalnymi. Obraz traktowany jest jako tekst kultury tworzony przez badacza i badanego w dyskursie społecznym.

Los usos de la tracción animal fueron ampliamente documentados por el fotógrafo Artur Pastor, particularmente en el contexto agrícola y del cultivo de cereales. A través de una selección de fotografías de Pastor, pretendemos demostrar el diálogo entre su obra y los procesos de cultivo de cereales que utilizaban animales de trabajo en el Alentejo. Las imágenes presentadas coinciden con los métodos utilizados en la agricultura durante la época de las grandes arroteias, que se inició a finales del siglo XIX y se prolongó hasta el tercer cuarto del siglo XX. Utilizando la bibliografía de referencia sobre los métodos de producción de cereales en el Alentejo, pretendemos comprender el contexto de las obras de Pastor, darles significado y cuestionarlas.

Este texto establece una discusión basada en investigaciones teórico-prácticas transversales sobre la presencia de lo sublime en los procesos artísticos contemporáneos, con especial atención a aquellos relacionados con los procedimientos tecnopoéticos y el arte híbrido. Muchos de estos procedimientos y tecnologías, adoptados por los artistas, se crean a partir de preguntas sobre la condición humana, incluyendo la vulnerabilidad social, física y psicológica, los sistemas religiosos, el cientificismo, las situaciones geopolíticas, la convivencia cultural, entre muchas otras. Algo complejo y multirreferencial que reúne estados de sublimidad y las subjetividades inherentes a personas que se encuentran en constante adaptación a realidades emergentes. Para ello se estudió el concepto de sublime, desde los primeros planteamientos, elaborados por Longino, así como por Edmund Burke, Immanuel Kant, Jean-Fraçois Lyotard, Friedrich Schiller, entre otros, quienes debatieron y actualizaron este concepto a la luz de producciones artísticas desarrolladas en diferentes momentos de la história del arte. En 2010, Simon Morley, historiador del arte y artista británico, reunió un conjunto de reflexiones y documentos para resaltar la presencia de lo sublime en obras creadas en los más diversos lenguajes: video, fotografía, performance, pintura, instalaciones, intervenciones, entre otros. Así, el análisis de estos documentos primarios y estudios realizados en los laboratorios y bibliotecas de la University of the Arts London –UAL, sumado a las actividades desarrolladas en taller contribuyó a ampliar las discusiones sobre lo sublime, tomando como referencia la obra “Cividade”, una instalación artística con fotografías en óxidos minerales y pólvora sobre placas de fibrocemento, encapsuladas con resina óptica.

El 26 de abril de 2023, el fotógrafo japonés Shoichi Aoki (Tokio, 1955), lanzaba en formato digital una versión en inglés del primer número de la revista Fruits, publicada originalmente en Japón el 23 de junio de 1997. Aquel primer número, de apenas 85 páginas con fotografías a color, mostraba una selección de la moda callejera característica del barrio de Harajuku, en Tokyo. Las páginas de aquel primer número de Fruits eran un desfile de jóvenes ataviados con llamativos atuendos diseñados por marcas lujosas como Comme des Garçons o Vivienne Westwood, combinados con diseños propios de marcas locales como Harajuku Milkboy. Los siguientes 269 números de la revista Fruits la convirtieron en un referente de la fotografía de moda en el cambio de milenio. El lanzamiento de la versión en inglés en formato digital de aquel primer número puede ser entendido, por supuesto, como una ofrenda a una revista esencial, pero también como algo intrínseco a toda la obra de Shoichi Aoki: como apología de la fotografía de moda como documento indispensable para la comprensión de la estética urbana de un siglo XXI globalizado e hiperconectado.

A partir de las series fotográficas Padre Patria (2014–2019) y Vírgenes de la Puerta (2014–2016), de Juan José Barboza-Gubo y Andrew Mroczek, este ensayo reflexiona acerca de la identidad de las mujeres trans en el Perú desde la sexualidad, el mestizaje y la colonialidad del poder. Padre Patria ofrece una narrativa visual de los crímenes de odio hacia la comunidad LGBTI en diferentes lugares del país. En Vírgenes de la Puerta se propone un nuevo modelo de feminidad a través de la apropiación de íconos religiosos como la Virgen María. A partir de enfoques decoloniales, feministas, de diversidad sexual y biopoder, este trabajo indaga sobre la reformulación del retrato fotográfico de las mujeres trans a través de la estética mariana y la violencia patriarcal. La dimensión política de este proyecto fotográfico busca visibilizar las experiencias de las mujeres trans en la actualidad.

W artykule omawiam wybrane przykłady z historii użycia obrazów w praktyce etnograficznej i w antropologicznym dyskursie. Skupiam się na nieoczywistej, wieloznacznej naturze obrazu, którego wytwarzanie można uznać za formę uczestnictwa w kulturze i konkretnej etnograficznej sytuacji. W sposób szczególny skupiam się na obrazowaniu i wykonywaniu fotografii w kontekście kolonialnym w Afryce, przywołując między innymi działalność Kazimierza Zagórskiego. Omawiam również przykłady twórczości wizualnej Edwarda S. Curtisa i Roberta Flaherty’ego w Ameryce Północnej. Historia wizualności etnograficznej dobrze oddaje zmieniające się paradygmaty antropologii. Dziś oglądane obrazy, będące wynikiem etnograficznych praktyk wizualnych doby kolonialnej, podkreślają kreacyjną oraz niestabilną naturę obrazu.

O movimento olímpico da modernidade e o processo de industrialização emergem praticamente no mesmo momento, quando o esporte é vislumbrado como um instrumento benéfico para manter o corpo produtivo e controlado. Nessa direção, as máquinas e as aspirações de ruptura com as representações culturais identificadas com o antigo fazem-se necessárias à conformação de outro imaginário social. O hipismo é uma das práticas esportivas que pode exemplificar a construção de descontinuidades e continuidades de representações na dinâmica entre o antigo e o moderno. O objetivo da pesquisa é investigar que representações culturais da modalidade do salto do hipismo foram estabelecidas por meio de fotografias veiculadas em reportagens sobre a participação brasileira nos Jogos Olímpicos entre os anos de 1948 e 1996. O recorte temporal da pesquisa situa-se entre o ano de 1948, quando, pela primeira vez, atletas brasileiros da modalidade Salto do Hipismo representaram o país em Jogos Olímpicos, e estende-se até o ano de 1996, o qual baliza a conquista da primeira medalha olímpica brasileira na referida modalidade hípica. De tal modo, atrelamos dois artefatos de modernidade e sua relação com o movimento olímpico, ao aplicarmos, como metodologia, a análise de imagens veiculadas pelas reportagens sobre as delegações brasileiras no cenário olímpico. Além disto, foram submetidos, à análise documental, jornais, revistas e demais periódicos que continham a temática disponível na Hemeroteca Digital (BNDigital) da Fundação Biblioteca Nacional. Ademais, foram acessadas imagens disponíveis em centros de memória do esporte, sites da Confederação Brasileira de Hipismo (CBH), de federações estaduais e da Federação Equestre Internacional (FEI). Diante da problemática da imagem como operador da memória esportiva e artefato de modernidade, a interpretação dos indícios está amparada no campo da Nova História Cultural, a fim de compreender como sucedeu o registro e quais as suas funções na composição de um artefato ou lugar de memória. Do mesmo modo, buscamos interpenetrar os registros que se conservam e aqueles que não permanecem, ao empenharmo-nos em cruzar aqueles que estão disponíveis nos centros de memória e nos sites oficiais com os demais encontrados na imprensa do período.

A 1980 black and white photograph portrays a naked woman, whose identity is unknown, holding a large knife pointing at her pregnant belly. The photograph, No matar, ni ver matar animales III (1985), is a self-portrait by Cuban artist Marta María Pérez Bravo (Havana, 1959). It belongs to the series Para concebir (1985-1986) in which the artist captures the period of pregnancy and post-partum in a sequence of black and white shots with strongly anti-romantic and exorcising connotations. The title refers to the superstition linked to the Afro-Cuban religions of Santería and Palo Monte according to which a woman will give birth to a child with a violent temperament if she kills or witnesses the killing of an animal during the nine months of gestation. By examining the work of Pérez Bravo, together with that of Johanna Hammann (Lima,1954-2017), Barbara Carrasco (El Paso, 1967), Monica Mayer (Mexico City, 1954) and Josely Carvalho (São Paulo, 1942), this article aims to investigate the emergence of a dystopian representation of the maternal body in Latin American art since the late 1970s. This iconography subverts the traditional collective imagery of motherhood as caring and loving, contrasting it with an often brutal and violent representation, symptomatic of local traditions, religious values, racial issues and the socio-political situations of certain realities in Latin America. This body of images suggests a maternal ‘artivism’ that denotes an understanding and representation of the female body as a political and militant apparatus and social product.

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Based on the photographic series Padre Patria (2014–2019) and Vírgenes de la Puerta (2014–2016), by Juan José Barboza-Gubo and Andrew Mroczek, this essay reflects on the identity of trans women in Peru from the perspective of sexuality, mestizaje, and the coloniality of power. Padre Patria offers a visual narrative of hate crimes against the LGBTI community in different parts of the country. Vírgenes de la Puerta proposes a new model of femininity through the appropriation of religious icons like the Virgin Mary. From decolonial, feminist, sexual diversity, and biopower theories, this work investigates the reformulation of the photographic portrait of trans women through Marian aesthetics and patriarchal violence. The political dimension of this photographic project seeks to render visible the experiences of trans women today [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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Ficha técnica: Concha Casajús Quirós Biblioteca Añil Feminista Toledo, 2024 151 pp. ISBN 978-84-128226-2-5

El objeto de este texto es el estudio del estatuto comunicativo de las fotos presentes en el expediente de depuración abierto por el franquismo para examinar la conducta respecto al Movimiento Nacional del cineasta y diplomático Edgar Neville. Las normas para la depuración de funcionarios señalaban que los empleados públicos podían presentar “documentos de prueba” que demostrasen su adhesión o sus servicios al Movimiento Nacional. Nuestra hipótesis es que dichas fotos, se tomasen o no como prueba, carecen de ese estatuto y su presencia en el expediente es una demostración más de las irregularidades y del caos que rodeó todo el proceso de depuración franquista.

A partir del marco teórico-metodológico de la historia emocional, efectuamos una contribución original a los estudios sobre el exilio republicano español en México. Analizamos un caso testigo de la diáspora catalana que buscó refugio en tierras mexicanas durante el Franquismo y atendemos al anhelo y la plasmación del retorno a Barcelona del escritor Pere Calders, en 1962. Para ello, nos centraremos en las fotografías de su archivo personal, depositado en la Biblioteca d’Humanitats de la Universitat Autònoma de Barcelona (BH-UAB). Esta elección permite examinar su experiencia exiliar, que apenas ha sido abordada por la ciencia histórica y, desde el examen de las imágenes, integrarla a la historiografía sobre movimientos contemporáneos de población entre España y América. De esta manera, efectuamos un seguimiento visual del derrotero vital de Calders, para ahondar en las emociones que jalonaron la etapa final de su exilio: el reencuentro con su entorno familiar y con el mundo intelectual y profesional barcelonés de la última época de la dictadura franquista y de la Transición española.

O artigo examina o uso de imagens no jornalismo, a sua contribuição na construção social da realidade e o estabelecimento de uma estética da verdade ao longo da evolução técnica dos meios de comunicação. A pesquisa pretende compreender os efeitos das plataformas digitais e das redes sociais na produção e distribuição de informações. Uma hipótese central é que o novo sistema de informação, despojado dos códigos tradicionais do jornalismo e de outros filtros institucionais, cria um espaço onde convergem fatos, realidade e fantasia. Isso facilita a disseminação de fake news e desinformação, enfraquecendo a capacidade da imagem de representar um mundo fora de si mesma. A pesquisa adota uma análise qualitativa do conteúdo das plataformas digitais, a partir da leitura crítica de imagens selecionadas e de uma revisão da literatura, tanto clássica quanto contemporânea.

El artículo aborda el Archivo de la Memoria Trans (AMT) de Argentina como expresión política de resistencia –que busca contribuir a la alteración del sentido en el escenario público– en un orden simbólico eminentemente cisheteronormado. El planteo central gira en torno a la concepción del AMT en tanto práctica intelectual que busca intervenir en la creación de sentido con el objetivo de participar de la construcción de la memoria colectiva desde la perspectiva de las disidencias sexo-genéricas. Con este objetivo, se analiza su condición de archivo digital que altera el régimen de visibilidad y el reparto de lo sensible. Asimismo, se reflexiona sobre el marco productivo de las fotografías y aquellas prácticas que componen el AMT en tanto experiencias performáticas, concibiéndolas como expresión de la mutación del archivo tradicional enmarcadas en la domicialización de los archivos.

Antonio Pizza (ed.) Habitar la “Isla Blanca”. Interpretaciones de la arquitectura ibicenca Ediciones Asimétricas, 2023

Este artículo analiza el uso de la fotografía panorámica y el dibujo planimétrico como herramienta pedagógica a través de la investigación educativa basada en las artes. El proyecto parte de los resultados visuales creados por el alumnado de la Facultad de Ciencias de la Educación. Se propusieron una serie de acciones artísticas que permitan reflexionar sobre los usos de su propio espacio íntimo, poniendo el foco en la habitación como punto de partida creativo y constructivo. Dichas acciones se basan en referentes artísticos que sirvieron de guía en la construcción de un discurso estético. Estas imágenes creadas por el alumnado reflejan sus experiencias diarias, permitiéndoles explorar y expresar desde lo visual sus contextos vitales, así como reflexionar sobre el tiempo que pasan en ese espacio, cómo se configura y qué circunstancias ocurren dentro de la intimidad del hogar. Los resultados permiten vislumbrar patrones de rutinas, cromáticos, y formales, siendo presentados mediante un conjunto de recreaciones visuales construidas por las investigadoras para crear una aproximación visual colectiva y significativa del espacio del estudiante.

A fotografia em contexto colonial se mostra hoje como uma fonte importante e complexa para a historiografia dos impérios contemporâneos. Mesmo o breve imperialismo alemão utilizou-se largamente do aparato fotográfico para registrar as mais diversas cenas e gentes coloniais, assim como a partir de tal material fizeram-se inúmeros usos em diferentes suportes materiais. A partir do arquivo fotográfico da Sociedade Colonial Alemã, pretende-se aqui desenvolver uma análise sobre fotografias coloniais, buscando inseri-las no amplo contexto do desenvolvimento da política imperialista e do racialismo enquanto um discurso pretensamente científico. Para tanto, partiremos de um mesmo espaço geográfico em dois momentos distintos: em primeiro lugar, discutiremos acerca do papel da visualidade sobre o Outro como um elemento partícipe do empreendimento colonial; num segundo momento, pensaremos sobre a permanência da ideologia racialista no antigo território colonial alemão da África de Sudoeste, a partir de registros fotográficos e atividades dos colonos alemães vinculados ao Partido Nazista neste espaço africano.

Este artigo analisa as categorias de autorretrato e selfie para compreender as problemáticas espaço-temporais presentes no pensamento de Mauricio Lissovsky que envolvem a construção da imagem de si. Pela chave da performance, busca-se compreender a historicidade dos autorretratos até o fenômeno das selfies e apontar maneiras diferenciadas por meio das quais os corpos compõem relatos de si, com intencionalidades e sentidos próprios que configuram modos diversos de encarar o espaço e tempo nas experiências fotográficas. Apesar de apresentarem as matrizes do gênero, os autorretratos sélficos trazem especificidades em sua performance, o gesto como modo de instaurar o espaço-tempo fotográfico.

Com as imagens de Rineke Dijkstra e Nan Goldin, retomamos, estética e politicamente, a noção de máquina de esperar de Mauricio Lissovsky, observando as relações entre a espera das fotógrafas e das mulheres retratadas em suas maternidades. A ideia é abordar, por meio das obras Recém-mãe, de 1994, e Daqui à maternidade, do período de 1986 a 2000, o modo como, ao retratarem a experiência materna, elas impregnam a imagem com a sua qualidade e restabelecem o poder de indeterminação da máquina lissovskiana face a uma antimáquina de expectação feminina.

O que fazem, querem ou sonham as imagens? Desafiadoras indagações, pois não estamos diante de um campo de conhecimento fechado, mas numa arena a céu aberto, centrífuga e vertiginosa. É na leitura de sua história e de sua vertigem, do que foi, do que poderia ter sido e do que ainda será que a fotografia se revela. Em sua pesquisa, Mauricio Lissovsky coaduna duas metodologias, biográfica e iconológica. Contudo, constata-se que, da junção das partes, surge um método lissovskyano de análise de imagens fotográficas. Com embasamento teórico em sua extensa produção acadêmica, o que se propõe é o aprimoramento desse pensar metodológico sobre como entendê-las e como nos entender com as imagens.

Feito originalmente para homenagear Mauricio Lissovsky, o texto se dedica a dois temas intricados. Primeiro, trata do último livro do autor, A fotografia e seus duplos; e, em seguida, discute como a ontogênese por ele proposta se constitui como um estudo histórico das formas fotográficas na perspectiva de seu devir. Trata-se, aqui, de homenagear o autor e, simultaneamente, destacar sua relevância como pensador original, fundamental nos estudos acerca da fotografia, no Brasil e no mundo.

Em 2010, Maurício Lissovsky ministrou um curso de Pós-Graduação denominado “O método da redenção”. A partir de anotações e leituras sugeridas nesse curso, questiona-se a possibilidade de pensar uma ética e uma política do “instante” – termo frequentemente utilizado nas aulas para se referir à apreensão messiânica de uma temporalidade singular: o agora saturado de tensões. Para se chegar ao problema, utilizou-se o método da individuação do elemento filosófico (Entwicklungsfähigkeit) sobre o conjunto discursivo que compôs o referido curso. Conclui-se com o questionamento acerca do valor da proposição de Lissovsky frente à exigência de uma ética e uma política para os tempos atuais.

El ensayo explora las genealogías que relacionan los actuales sistemas de visión por computadora y de generación de imágenes mediante inteligencia artificial con los usos de la fotografía en las investigaciones científicas del siglo diecinueve. Tomando como casos de estudio las imágenes obtenidas por Étienne-Jules Marey y Francis Galton, el audiovisual fomenta el análisis de las latencias o mutaciones culturales que manifiestan las imágenes operativas de ambas épocas.