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282 p., La investigación realiza un análisis sobre la resignificación de la idea de paisaje a partir de los procesos de desindustrialización y los diferentes modelos de regeneración urbana de los espacios industriales y fabriles, y su vinculación con las prácticas artísticas contemporáneas. Los rastros, las huellas, o los vestigios de la arqueología postindustrial que aún queda latente en los espacios abandonados, se convierten en material de investigación, intervención y análisis en la obra de diferentes artistas. Enfocamos esta investigación como un archivo donde las propuestas y obras artísticas evidencian, resaltan o denuncian este tipo de transiciones o transformaciones del paisaje, incidiendo en el proceso y en las estrategias del arte como modelos de activación.En el proceso nos encontramos con cuestiones como el vacío, o ese tiempo de espera de los espacios entre la ocupación, posterior desocupación industrial y un uso aún por definir. Ese tiempo indefinido de camino hacia un futuro mejor, convierte el ¿mientras tanto¿ en algo que supera muchas veces la escala de la vida activa de los vecinos del lugar, que buscan en el trabajo colectivo y en la cultura soluciones transitorias aplicadas al día a día. La investigación analiza estas cuestiones y todos los elementos que se entrecruzan en los diversos destinos de estos paisajes que se abandonan, se mantienen, se activan, se regeneran, o se transforman sin dejar rastro de lo que fueron en el pasado.

436 p., La fotografía tiene un gran poder para penetrar cualquier capa cultural, política, económica o social. Lo que la convierte en uno de los dispositivos con mayor alcance para informar a toda una civilización a través de las diversas relaciones de poder que atraviesan su tejido. Por lo que para comprender su función disciplinaria, es necesario activar un sistema de pensamiento capaz de generar un análisis crítico ante los mecanismos intrínsecos del dispositivo fotográfico. En esta línea de pensamiento, la práctica de los artistas conceptuales y postmodernos estableció una nueva relación entre lo simbólico, la fotografía y sus usos; lo que posibilitó nuevas dialécticas y formas de hacer.Con la entrada de lo digital, las teorías y debates suscitados por la retórica fotográfica se han multiplicado,obligándonos a pensar y actuar de manera diferente. Lo que ha provocado una revisión del concepto 'fotografía', así como la gestación del término 'postfotografía'. Sin embargo, aunque esta nueva práctica continúe perpetuando el pensamiento crítico transitado por la fotografía conceptual y postmoderna, el abanico de posibilidades que ofrece supera o discute algunas de las estrategias y retóricas de los movimientos precedentes. Por lo que es necesario revisar toda la práctica discursiva que se ha generado en relación a lo fotográfico.

(c) 2021 Aitziber Ayesa Anaut, Confidencialidad afecta a las páginas 15-16 de la INTRODUCCIÓN, páginas 73-76 del CAPÍTULO 2.3.9 y páginas 165-166 de CONCLUSIONES, Nuestra hipótesis se centra en la idea de que la práctica del yoga y de la meditación, pueden generar cambios en el artista, para que éste mejore su actividad artística, en sus distintos aspectos. Por lo tanto los objetivos necesarios para corroborar dicha hipótesis son: Investigar sobre los efectos del yoga y de la meditación. Tanto los efectos objetivos, o derivados de experimentos científicos, como los subjetivos, o las percepciones de los propios artistas, que serán el objetivo de una serie de entrevistas que se realizarán para dicho fin. Aquí habría que añadir las observaciones de algunos campos intermedios como son la Educación y la Psicología. De igual modo, averiguar si hay declaraciones de artistas que practiquen yoga o meditación y se han pronunciado sobre la influencia de estas técnicas en su quehacer artístico

510 p., El paisaje es un concepto moderno relacionado con la manera de relacionarnos con el mundo a través dela tecnología. El paisaje se ha ido modelando a lo largo de los siglos a partir de las teorías humanistas y ha servido para construir los imaginarios colectivos sobre los que se han construido las sociedades modernas. Se trata de un concepto muy vinculado a lo tecnológico que evoluciona constantemente. Desde su origen en el campo de la pintura, el concepto del paisaje ha ido transformándose y en la actualidad han ido apareciendo paisajes en campos como la genética, la biología o la acústica. Sin embargo, carecemos de herramientas conceptuales apropiadas para analizar estos paisajes contemporáneos. Esta tesis trata de suplir esta carencia proponiendo un modelo de análisis desde la complejidad basado en el planteamiento del dispositivo de Foucault y el de membrana osmótica de Paul Virilio.

668 p., The advent of the many emerging crises of our time, and of the manyemerging technologies that are set to define the short-term future, pose aseries of challenges that could heavily disrupt social and economic structures worldwide if they are not addressed in a sensible and timely manner. This research project aims to analyze and expose how the artistic, academic, and cultural disciplines could adapt and evolve in the face of this situation, withthe goal of generating a knowledge base that could be utilized to progressively redefine said disciplines in a way that would allow them to help our species overcome the challenges posed by the future in a significant manner. The data for this project was collected through the qualitative study and cross-analysisof hundreds of relevant articles and studies.This study unveils that these emerging challenges are extraordinarily intricate and dangerous in nature, and uncovers that their root cause resides inthe continued inability of our species to reconcile its tribal legacy with theever-evolving nature of technology, concluding that contemporary societies arecritically underprepared to handle these challenges sensibly. Possible solutionsto this situation determined by this project include the proposal for aredefinition of the artistic, academic, and cultural disciplines conducted intune with our tribal nature and the nature of technology that makes use ofsocial networking structures based on the patterns that define naturallyoccurring evolutive emergent systems to reconcile said natures.Other themes analyzed by this study include the relevance of the artisticmindset as a vital aspect of the human being, the necessity of sensibly democratizing the new emerging technologies, and the potential occurrence of an evolutive emergent in the foreseeable future as a consequence of humaninteraction and organizational complexity reaching a sustained critical mass.These findings indicate the need for the realization of a progressiveredefini

525 p., Zentzua eta Sentsua (Sentido lógicoy Sentido Sensorial) es una investigación que trata de diseñar espacios artísticos dirigidos a las exposiciones culturales sensitivas, en la que grupos en riesgo de exclusión museística nutren a la investigadora para crear a través de la sensorialidad un espacio adaptable a cada visitante-espectador. Es un proyecto en la que a través de diversas exposiciones colectivas de 8 artistas e investigadores de la UPV/EHU, de distintas áreas de conocimiento han participado haciendo hincapié en la accesibilidad para aquellos colectivos en riesgo de exclusión en el mundo del arte contemporáneo como son personas ciegas, sordas y niños, intentando fomentar que sus obras de arte puedan ser estimuladas a través de otros sentidos más allá de los habituales (vista y oído). En esta exposición interdisciplinar se ha querido visibilizar a estos colectivos, por lo que ha sido ampliamente meditada y es el resultado de una serie de entrevistas a personas que tuvieron lugar en 2018 con personas de estos colectivos. En ellas, dieron sus valoraciones personales acerca de la accesibilidad en el arte y detallaron experiencias personales que les habían llevado a tener diferentes opiniones sobre la accesibilidad en la práctica museística. A lo largo de esta investigación los artistas muestran sus obras, en busca de soluciones para que su propia obra sea accesible intentando dar una visión transversal de la idea de museo, en donde las obras podrán ser percibidas a través de una experiencia sensorial y en la que el desarrollo de un espacio adaptable (adaptabilidad) ayuda a dar otra perspectiva artística. Cada visitante va con los ojos caminando por la sala expositiva y guiándose por el espacio artístico a base de pautas, que le guiarán a la vez a 8 piezas artísticas que son sentidas por diferentes percepciones sensoriales, pero sin mirarlas.

1063 p., El objetivo de esta investigación es constatar hasta qué punto el arte es capaz de influir en la gestión del patrimonio industrial, socializar la problemática de su obsolescencia, sensibilizar a la sociedad y a las instituciones respecto a su fragilidad y valor y contribuir a revitalizar la memoria colectiva de la industrialización. Para ello se emplea una metodología teórico-práctica propia basada en un profundo análisis documental, un extenso trabajo de campo y una prolífica experimentación artística multidisciplinar para desentrañar las problemáticas que afectan al patrimonio construido, ayudar en la búsqueda de diagnósticos certeros sobre esas problemáticas y facilitar, a través de la intervención artística del patrimonio, su revitalización, tanto física como de memoria. Esta metodología se estructura en base a 5 conceptos, siendo éstos: obsolescencia, gestión, transformación, reutilización y revitalización; conceptos que actúan como columna vertebral y secuencial de los acontecimientos que han afectado al patrimonio industrial construido en el Bilbao Metropolitano. De estos conceptos, los cuatro primeros dan diferentes perspectivas sobre el devenir del patrimonio construido, mientras el último, el de revitalización, da cuenta de los proyectos artísticos creados ad hoc para esta investigación con el objetivo de intervenir y revitalizar el patrimonio material obsolescente. Gracias a la conjunción del análisis teórico y a mi propia creación artística puedo afirmar que esta investigación doctoral ayuda a crear dinámicas positivas y afectos de las instituciones y la sociedad hacia el patrimonio industrial y que su intervención artística lo revitaliza.

Las transformaciones conceptuales acontecidas sobre el monumento, desde el siglo XIX y más específicamente en el siglo XX, han contribuido junto con cambios artísticos, sociales y culturales, en estrecha interrelación entre todas estas transformaciones, a que el arte público urbano que apela al concepto escultórico-monumental se tenga que examinar con mayor frecuencia debido a la rapidez con que se suceden las innovaciones.Nuevas categorías como Site/Nonsite surgirán para entender estos procesos, otras provenientes de diferentes campos del conocimiento como entropía se tomarán para explicar los nuevos monumentos, sin olvidar que conceptos tradicionalmente utilizados se replantearán y redefinirán dándoles un sentido más acorde con las realidades propuestas. De esta manera, la percepción de tiempo, espacio, forma, estructura, escala, entre otros elementos variarán y modificarán, a su vez, la interpretación de los objetos artísticos.Dirigimos nuestra investigación a partir de la traída a colación y estudio de cuatro obras las cuales, cada una con sus características, han aportado significativamente a esta evolución de los monumentos: Conjunto Monumental de Târgu Jiu, de Constantin Brancusi, Memorial de los Veteranos de Vietnam en Washington, de Maya Lin, Cementerio de Finisterre, de César Portela y el Memorial a los Judíos Asesinados de Europa en Berlin, de Peter Eisenmann. Consideramos otras formas de monumentos que han aportado al debate ideas, conceptos y valores, que han ayudado al desarrollo de la escultura y el monumento en el espacio público urbano: los antimonumentos, contra-monumentos, non-U-mento, no-monumento, así como otras propuestas vinculadas a reivindicaciones feministas en Sudamérica o del Apartheid sudafricano.Todos ellos fruto del deseo de buscar la esencia del monumento que permita contener el dolor de vivir y restañar las fracturas sociales creando un bloque de sensaciones que no deja de significar y producir afectos.

280 p., Esta tesis doctoral investiga el animal como recurso y proceso de creación en el Arte Contemporáneo. El interés personal por el tema de investigación comenzó en el año 2013 con la realización del Trabajo de Fin de Máster titulado La huella como relato de ser(es). El objetivo de dicha investigación es configurar un marco operativo teórico desde el que discutir, analizar y proponer el quehacer artístico personal, dialogado y contextualizado sobre la imagen del animal muerto desde 1960. Recopilando y clasificando algunos de los modelos artísticos hasta la presente actualidad. En dicho proceso de estudio, se establecen nueve capítulos discursivos (inclusive la creación personal) donde la imagen del animal es fundamento por excelencia, tanto en el discurso de los artistas como también en la propia obra artística. En ellos se otorga especial interés a aspectos como: la idea del animal como símbolo y significación social, el uso que se hace del animal como metáfora y desarrollo antropomórfico, la caza, el trofeo, los derechos de los animales, la imagen del animal como icono y símbolo, su representación y su presentación en la Historia del Arte que desencadena en la desterritorialización del animal tanto vivo como muerto en prácticas artísticas contemporáneas. No obstante, da lugar a la imagen del animal muerto y sus tres vertientes a la hora de realizar dicha práctica artística, mediante la muerte en directo, la muerte registrada en vídeo o film y la representación del animal muerto en la galería. Haciendo uso de técnicas como la taxidermia y la taxidermia chapucera convirtiendo así el cuerpo del animal en algo envilecido, en el despojo. Ante lo dicho se desarrolla la nueva retórica del animal muerto en el Arte Contemporáneo. Aproximándonos al concepto de la muerte como negación del ser humano y su reacción ante la misma en el espacio artístico. Dando lugar a un nuevo repensar en el proceso creador de dicha imagen del animal muerto dentro de un discurso plástico donde el a

507 p., Este trabajo de investigación es una aproximación desde la teoría y la práctica al porqué de lasinteracciones entre marca y arte después del último cambio de siglo. Si bien se tiene en cuenta lanaturaleza recíproca de estas interacciones, el objetivo se ha centrado prácticamente de maneraunidireccional en la utilización de la marca como recurso en la obra de arte. La tesis plantea la ¿Teoríadel re-ad¿ como práctica artística a partir de la remezcla de la marca como artefacto global, el análisis desu naturaleza republicitadora y las consecuencias de un desdoblamiento final de este tipo de obra frutodel remanente de la propia marca. El término re-ad, acuñado específicamente para el contexto de estainvestigación (apócope de re-advertising, lo que sería republicidad en inglés) pretende definir las obrasque utilizan la marca como recurso ejerciendo una republicidad (in)voluntaria y subliminal. El re-adtambién se presenta como una de las respuestas visuales al fenómeno hiperconsumista como una figurabasada en el uso de las marcas desde una perspectiva ¿apocalíptica¿ (crítica) e ¿integrada¿ (la simplerepresentación del paisaje hiperconsumista), pero a través de la cual la obra ejerce una republicidad queresponde a la naturaleza promocional de la propia marca. Ante la particular exigencia de profanar lasformas de la sociedad de hiperconsumo con intenciones ambiguas y más o menos críticas, y la necesidadde seducir al espectador, nos encontramos con una figura que se fundamenta en los procesos de creacióndel pasado atendiendo a las problemáticas de la contemporaneidad. La marca es única e irrepetible y suaura queda por tanto definida como un discurso metafísico que el consumidor legitima, donde el valorexclusivo que esta difunde convierte en «único» también al consumidor. Este concepto de aura de marcaque surge de la emancipación del objeto, resulta equiparable a la nueva aura que surge de lamercantilización de la obra de arte y del consiguiente abandono del consumo de la obr

280 p., Esta tesis doctoral investiga el animal como recurso y proceso de creación en el Arte Contemporáneo. El interés personal por el tema de investigación comenzó en el año 2013 con la realización del Trabajo de Fin de Máster titulado La huella como relato de ser(es). El objetivo de dicha investigación es configurar un marco operativo teórico desde el que discutir, analizar y proponer el quehacer artístico personal, dialogado y contextualizado sobre la imagen del animal muerto desde 1960. Recopilando y clasificando algunos de los modelos artísticos hasta la presente actualidad. En dicho proceso de estudio, se establecen nueve capítulos discursivos (inclusive la creación personal) donde la imagen del animal es fundamento por excelencia, tanto en el discurso de los artistas como también en la propia obra artística. En ellos se otorga especial interés a aspectos como: la idea del animal como símbolo y significación social, el uso que se hace del animal como metáfora y desarrollo antropomórfico, la caza, el trofeo, los derechos de los animales, la imagen del animal como icono y símbolo, su representación y su presentación en la Historia del Arte que desencadena en la desterritorialización del animal tanto vivo como muerto en prácticas artísticas contemporáneas. No obstante, da lugar a la imagen del animal muerto y sus tres vertientes a la hora de realizar dicha práctica artística, mediante la muerte en directo, la muerte registrada en vídeo o film y la representación del animal muerto en la galería. Haciendo uso de técnicas como la taxidermia y la taxidermia chapucera convirtiendo así el cuerpo del animal en algo envilecido, en el despojo. Ante lo dicho se desarrolla la nueva retórica del animal muerto en el Arte Contemporáneo. Aproximándonos al concepto de la muerte como negación del ser humano y su reacción ante la misma en el espacio artístico. Dando lugar a un nuevo repensar en el proceso creador de dicha imagen del animal muerto dentro de un discurso plástico donde el a

280 p., Esta tesis doctoral investiga el animal como recurso y proceso de creación en el Arte Contemporáneo. El interés personal por el tema de investigación comenzó en el año 2013 con la realización del Trabajo de Fin de Máster titulado La huella como relato de ser(es). El objetivo de dicha investigación es configurar un marco operativo teórico desde el que discutir, analizar y proponer el quehacer artístico personal, dialogado y contextualizado sobre la imagen del animal muerto desde 1960. Recopilando y clasificando algunos de los modelos artísticos hasta la presente actualidad. En dicho proceso de estudio, se establecen nueve capítulos discursivos (inclusive la creación personal) donde la imagen del animal es fundamento por excelencia, tanto en el discurso de los artistas como también en la propia obra artística. En ellos se otorga especial interés a aspectos como: la idea del animal como símbolo y significación social, el uso que se hace del animal como metáfora y desarrollo antropomórfico, la caza, el trofeo, los derechos de los animales, la imagen del animal como icono y símbolo, su representación y su presentación en la Historia del Arte que desencadena en la desterritorialización del animal tanto vivo como muerto en prácticas artísticas contemporáneas. No obstante, da lugar a la imagen del animal muerto y sus tres vertientes a la hora de realizar dicha práctica artística, mediante la muerte en directo, la muerte registrada en vídeo o film y la representación del animal muerto en la galería. Haciendo uso de técnicas como la taxidermia y la taxidermia chapucera convirtiendo así el cuerpo del animal en algo envilecido, en el despojo. Ante lo dicho se desarrolla la nueva retórica del animal muerto en el Arte Contemporáneo. Aproximándonos al concepto de la muerte como negación del ser humano y su reacción ante la misma en el espacio artístico. Dando lugar a un nuevo repensar en el proceso creador de dicha imagen del animal muerto dentro de un discurso plástico donde el a

179 p., Cuerpo Influido dirige la mirada hacia aspectos vitales, emociones y afectos que influyen, condicionan y dejan su marca en las obras de arte. En esta tesis se concibe que estos aspectos vitales deben ser gestionados, y por tanto, explorados y desvelados durante la producción artística, resultando el arte una práctica de construcción del yo, de autoconocimiento que requerirá un cuidado de sí. He tomado como objeto de estudio mis propios procesos artísticos para reconocer y dar cuenta de cómo es o puede ser el camino de la creación, con sus desvíos y derivas, con el ánimo de señalar momentos de revelación, así como características y lugares habituales o recurrentes. A partir de la identificación de estas características, valorándolas como ¿pequeñas verdades¿ sobre la relación entre la implicación personal del/a artista y su saber técnico del arte, he podido construir un relato ficcional que cumple con el ensayo en sentido y profundización. El proceso de escritura, entendido como actividad análoga a la construcción material de una pieza, ha permitido ampliar y articular las distintas cualidades y peculiaridades del hecho artístico. He recurrido a la creación de un léxico propio y a la transformación de las cuestiones tratadas en imperativos y proposiciones, con el objetivo de hacer localizables los hallazgos de la investigación y representar del modo más fiel la experiencia del proceso de creación (su saber abierto, intuitivo, singular). La cuestión de la influencia viene a indicar la relación con otras creaciones y artistas, con los ya nombrados aspectos vitales, y la afectación entre distintos elementos y niveles de percepción que surgen de la presencia material. Esta consciencia de afectación entre partes ha dado lugar a una estructura de tesis en la que existen dos Bloques que proponen un paralelismo entre lo personal (A) y lo técnico (B), con tres Secciones cada uno que agrupan y recogen epígrafes con preocupaciones particulares. Además, 12 Situaciones vertebran l

392 p., A lo largo de esta investigación que parte desde el arte, el materialismo dialéctico y la teoría crítica, se han trabajado cuestiones tanto materiales como estéticas relacionadas con la producción del paisaje urbano bilbaíno. Una de las cuestiones centrales que revela el estudio es como la consolidación de las ciudades marca, va más allá de una transforman física del paisaje, de acuerdo a las necesidades de la acumulación capitalista. Se dirige a la consolidación de una esfera pública burguesa y la difusión de un sentido común dominante al servicio de los valores neoliberales. Siendo el principal objeto de estudio de nuestra investigación el paisaje urbano, hemos constatado la necesidad de romper con las visiones idealistas, románticas e historicistas apostando claramente por un acercamiento dialéctico-materialista. El detonante para asumir este cometido ha sido la experiencia adquirida en la producción plástica personal, así como productor-trabajador que ha desarrollado su práctica en diferentes territorios de la ciudad.

507 p., Este trabajo de investigación es una aproximación desde la teoría y la práctica al porqué de lasinteracciones entre marca y arte después del último cambio de siglo. Si bien se tiene en cuenta lanaturaleza recíproca de estas interacciones, el objetivo se ha centrado prácticamente de maneraunidireccional en la utilización de la marca como recurso en la obra de arte. La tesis plantea la ¿Teoríadel re-ad¿ como práctica artística a partir de la remezcla de la marca como artefacto global, el análisis desu naturaleza republicitadora y las consecuencias de un desdoblamiento final de este tipo de obra frutodel remanente de la propia marca. El término re-ad, acuñado específicamente para el contexto de estainvestigación (apócope de re-advertising, lo que sería republicidad en inglés) pretende definir las obrasque utilizan la marca como recurso ejerciendo una republicidad (in)voluntaria y subliminal. El re-adtambién se presenta como una de las respuestas visuales al fenómeno hiperconsumista como una figurabasada en el uso de las marcas desde una perspectiva ¿apocalíptica¿ (crítica) e ¿integrada¿ (la simplerepresentación del paisaje hiperconsumista), pero a través de la cual la obra ejerce una republicidad queresponde a la naturaleza promocional de la propia marca. Ante la particular exigencia de profanar lasformas de la sociedad de hiperconsumo con intenciones ambiguas y más o menos críticas, y la necesidadde seducir al espectador, nos encontramos con una figura que se fundamenta en los procesos de creacióndel pasado atendiendo a las problemáticas de la contemporaneidad. La marca es única e irrepetible y suaura queda por tanto definida como un discurso metafísico que el consumidor legitima, donde el valorexclusivo que esta difunde convierte en «único» también al consumidor. Este concepto de aura de marcaque surge de la emancipación del objeto, resulta equiparable a la nueva aura que surge de lamercantilización de la obra de arte y del consiguiente abandono del consumo de la obr

278 p., El fragmento exento es un fenómeno que vivimos en la conciencia, cuando miramos a ciertas obras, sobre el cual no tenemos tiempo para reflexionar. Esta situación nos ha llevado a investigar los fenómenos que vivimos en la conciencia cuando miramos a otras obras. Se trata de cuatro fenómenos de duración y cuatro de retención, que llamamos «ahí», «hasta ahí», «a partir de ahí» y «fuera de ahí», sobre los cuales podemos reflexionar, volver sobre el curso de lo vivido. Con estos fenómenos hemos compuesto un marco fenomenológico y mediante este marco hemos formulado el fragmento exento por sus cuatro tipos:corporal, incitante, temporal y psíquico y lo hemos definido genéricamente como un fenómeno dado en el acto de mirar, que cursan ciertas obras y que no cae propiamente ni en una duración ni en una retención. Investigando el fragmento exento nos es posible explicar que cuando miramos a ciertas obras,hay un tiempo, en la vivencia de este acto, que se da a la experiencia como vínculo entre autor y espectador. Nuestra hipótesis es que las causas de este tiempo están en las obras pero no se manifiestan por lo que pensamos de ellas, sino en la vivencia de ver que tenemos cuando miramos hacia ellas. El objetivo de la investigación es, pues, conocer esta vivencia de ver y sobre la base de este conocimiento exponer la teoría del tiempo dado a la experiencia como vínculo entre autor y espectador. Nuestraconclusión es que cualquiera que mire a las obras que cursan el fragmento exento tendrá la misma experiencia temporal porque el tiempo, en la vivencia de este acto, no cambia, no para, sigue igual, una yotra vez.

238 p., Esta tesis deconstruye al monstruo femenino actual en el audiovisual de terror a raíz de la proliferación del mismo desde el año 2000. Para ello, se analizan cinco películas: Ginger Snaps (John Fawcett, 2000), Raw (Julia Ducournau, 2016), A girl walks home alone at night (Ana Lily Amirpour, 2014), The Babadook ( Jennifer Kent, 2014) teniendo en cuenta los siguientes objetivos: diseccionar la relación entre cuerpo, feminidad y poder que encarnan; comprobar si siguen definidas por su sexualidad ,y si esto ha cambiado, qué otras formas de monstruosidad femenina hay más allá del monstruoso-femenino promulgado por Bárbara Creed. Asimismo, observar si las monstruas hacen referencia o encarnan, de forma aberrante, las experiencias corporales femeninas, y si la estrategia formal y narrativa de la película busca la reacción corporal de los/as espectadores/as. La presente tesis tiene en cuenta también el cambio acaecido en el género de terror, siendo cada vez más evidente, su idoneidad para tratar temas femeninos dirigidos a la audiencia femenina, que entiende a la monstrua contemporánea como un cuerpo cultural subversivo. Este análisis solo es posible teniendo en cuenta antecedentes cinematográficos previos que ayudan a contextualizar las actuales novedades, aunque no se trata de una investigación de corte historicista, ordenadas en tres tipos de monstruas: Mujer-animal; Zombies y Vampiras; y Brujas y Madres monstruosas

340 p. Anexos no públicos, El objetivo de esta investigación fue constatar hasta qué punto la integración de lo sonoro en la creación artística interdisciplinaria condiciona y determina la percepción de la obra y comprobar si la fusión de lo sonoro puede redimensionarla o resignificarla. Para ello se establece una analogía entre las variables del sonido (sus posibles estructuraciones y las diversas configuraciones que pueden adquirir para construir una lógica discursiva) con las disciplinas artísticas cuando intervienen en una obra multimedia concibiéndolas como parámetros integrantes de una estructura mayor. El procedimiento que se sigue es la observación de la creación artística desde dos perspectivas: la creación artística interdisciplinaria y la creación musical pura. Esta tesis se divide en tres partes. En la primera parte se analizan las conexiones entre música y otras disciplinas artísticas: poesía, artes plásticas, vídeo creación, danza, cine, etc. Se observa cómo se interconectan adquiriendo diferentes cualidades expresivas. Verificamos a través del análisis pragmático y gestáltico que la integración de lo sonoro puede condicionar la percepción de la obra, redimensionarla o resignificarla. En la segunda parte presento mi forma de estructurar el discurso musical a partir de la organización fractal de las variables del sonido, desde un aspecto fenomenológico y gestáltico. La tercera parte analizo una ópera de mi autoría, en la cual aplico y verifico las conclusiones obtenidas en esta investigación. A través del análisis de obras de diferentes creadores y épocas, y de mi propia creación artística puedo corroborar que el sonido y la música, cuando se configuran con el mismo grado de fusión que lo hacen las variables del sonido cuando se configuran en discurso musical, conseguirán resignificar la obra.

472 p., El concepto de identidad de un ecosistema sonoro indaga el de paisaje sonoro. El problema de investigación gira alrededor de cómo identificar los elementos que constituyen la identidad sonora de un ecosistema desde el marco conceptual de la complejidad. Implica definir los conceptos de identidad sonora y ecosistema sonoro y comprender los desafíos de carácter metodológico y técnico que la perspectiva compleja plantea para la exploración de los ecosistemas sonoros en 4 etapas: (1) registro; (2) análisis y edición (3) almacenaje y (4) uso en la creación.En torno a este desafío construyo las siguientes preguntas: ¿Qué es la identidad sonora? ¿Qué elementos temporales, espaciales, geográficos, sociales y perceptivos intervienen en la construcción de un ecosistema sonoro? ¿Qué factores tomar en consideración durante su registro? ¿Cómo puede el registro de un sonidode un ecosistema indicarnos algo sobre la identidad de este ecosistema? Sugiero la hipótesis de que la identidad sonora de un ecosistema se manifiesta de modo complejo, enconstante transformación, respondiendo en cada momento a distintos fenómenos que emergen en cadalugar. Los objetivos de la tesis son conceptuales y artísticos: (a) identificar los elementos del un ecosistema sonoro; (b) definir el concepto de identidad sonora de un ecosistema; (c) crear una tipología de ecosistemas sonoros; (d) identificar y crear una tipología de los tipos de actitud artística en relación con ecosistemassonoros; (e) registrar ecosistemas sonoros y (f) usar los registros para crear identidades sonoras.La tesis pretende contribuir tanto al campo del arte sonoro como al de las artes plásticas ofreciendo reflexiones metodológicas sobre el registro un ecosistema sonoro, una tipología de las actitudes artísticas en relación con el ecosistema sonoro, un repertorio de grabaciones que puede ser empleado tanto en la docencia como en la práctica artística y un conjunto de obras sonoras propias.

346 p., Esta tesis tiene el objetivo fundamental de cuestionar la performatividad de las máquinas de óptica hasta las máquinas inteligentes y los seres humanos: lo que pueden crear y ver. Por lo tanto,también está cuestionando el pensamiento plástico de las personas los hombres. Somos capaces de transformarnos a través de nuestros artefactos y convertirnos en: Deep Learning, robots de reconocimiento facial, cámaras de vigilancia, robots utilizados en hospitales, Artificial Intelligence for Art,Deep Reinforcement learning. El conocimiento, el cuerpo cambia el estado y la inteligencia cambia los marcos. La performatividad de la interfaz hombre /máquina sin duda permite sacudir y crear cuerpos artísticos híbridos. La investigación teórica se ha centrado en importantes teorías científicas y estéticas desde el siglo XX hasta la actualidad sobre la relación máquina/hombre y la evolución cognitiva. Como segundo objetivo, se trata de estudiar las consecuencias de la desaparición de las pantallas. El medio de la imagen encuentra otros soportes: realidad virtual, teléfono inteligente. La producción de la imagen debería ser revisada ya que el ``acto de hacer" imágenes se reinventa. Las máquinas también lo hacen,por lo que también debemos mirar la política de las imágenes. La investigación práctica incluye un grupo de investigación creado y un proyecto de estética neurológica que implica una investigación teórica.Los resultados muestran que la evolución de las máquinas transforma la definición de arte.Desde el simple automatismo de la visión, las máquinas inteligentes se encargan de cosas que antes no hacían. Comienzan a crear formas, representaciones del mundo físico. La enunciación de la desaparición de las pantallas es de hecho un problema que esconde otro. La minituarización y la versatilidad de los dispositivos significa que las máquinas inteligentes son cada vez menos visibles para el ojo humano. Las consecuencias de estos estados hacen que el artista cambie su práctica por una p

586 p., La presente investigación se centra en el proyecto colaborativo Download OpenDesign, de diseño de producto sostenible y comprometido con la Agenda 2030, llevado a cabo a lo largo de 6 años entre la School of Art and Design de la Guangdong University of Techonolgy en Guangzhou, China, y la Escuela Superior de Diseño de La Rioja, en Logroño; en nuestro compromiso con la educación como motor de cambio, que contribuya a la creación de un nuevo sistema que considera a las personas sobre los factores económicos: más diverso, intercultural, participativo y equitativo; a través de la formación de profesionales comprometidos de forma ética a nivel social y medioambiental; y en nuestra confianza en que la transformación del modelo productivo y de consumo, a través del diseño, mejorará la situación de crisis medioambiental e hiperconsumista actual.Nuestro proyecto se centra en la optimización de la actividad proyectual de diseño de producto utilizando materiales locales, evitando el uso de plásticos, minimizando los procesos de fabricación, favoreciendo la autonomía, diseñando para las personas, fomentando la colaboración y el compartir el conocimiento como la vía para conseguir una sociedad más justa y un planeta menos sobreexplotado.

209 p., Esta tesis doctoral propone una dialéctica y una contextualización evidente de los méritos lumínicos audiovisuales a través del tiempo. De esta manera, nos damos cuenta de que se han alcanzado unos hitos comunicadores representativos, unas realidades de plasmación, de significación y de emoción a través del cuadro representativo en audiovisual, a las que se renuncia, y que no encontramos en el medio televisivo actual. Se reivindica un modelo expresivo y comunicador de la luz a través del sistema de comunicacio¿n audiovisual, sin contaminar, es decir, sin que las realizaciones finales tengan que ser contaminadas por el recurso constante y entorpecedor de otros sistemas de comunicacio¿n, porque la evidencia del cuadro representativo no cumple la función comunicadora inicial. Esta tesis doctoral se centra en la participación comunicadora de la luz en lo audiovisual. Conceptos como iluminación, luminosidad y luminancia en movimiento son esencia audiovisual. De esta manera, se ofrecen alternativas para la conceptualización de la iluminación en audiovisual que se ajuste al momento oportuno. Se trata de la construcción de una luz adecuada para el encuadre en el tránsito temporal. Sólo de esta manera, el fenómeno comunicador audiovisual puede adquirir un sentido completo. Porque los cinematografistas e iluminadores que comprenden la luz, crean.

Capítulo de libro que responde al planteamiento de imaginar las derivas futuras del arte a partir de la metodología propuesta por la editora (Ohihane Sánchez Duro) / Editoreak (Ohihane Sanchez Durok) proposatutako metodologia abiapuntu moduan hartuta, artearen etorkizuneko deribak irudikatzeko planteamenduari erantzuten dion liburu-kapitulua, [ES] Artistas y agentes diversos, aceptamos el reto de imaginar, especular, diseñar, crear… desde nuestra experiencia profesional y personal vinculada a un entorno artístico-cultural específico, el del País Vasco, contextos posibles en los que los y las artistas y agentes culturales sean, como la vida, devueltas al centro., [EU] Artistek eta askotariko eragileek erronka hau onartzen dugu: gure esperientzia profesional eta pertsonaletik abiatuta, imajinatzea, espekulatzea, diseinatzea eta sortzea, ingurune artistiko-kultural espezifiko bati lotuta, Euskal Herrikoari, alegia. Testuinguru posible horietan, artistak eta kultura-eragileak, bizitza bera bezala, zentrora itzuliak izango dira.

209 p., Esta tesis doctoral propone una dialéctica y una contextualización evidente de los méritos lumínicos audiovisuales a través del tiempo. De esta manera, nos damos cuenta de que se han alcanzado unos hitos comunicadores representativos, unas realidades de plasmación, de significación y de emoción a través del cuadro representativo en audiovisual, a las que se renuncia, y que no encontramos en el medio televisivo actual. Se reivindica un modelo expresivo y comunicador de la luz a través del sistema de comunicacio¿n audiovisual, sin contaminar, es decir, sin que las realizaciones finales tengan que ser contaminadas por el recurso constante y entorpecedor de otros sistemas de comunicacio¿n, porque la evidencia del cuadro representativo no cumple la función comunicadora inicial. Esta tesis doctoral se centra en la participación comunicadora de la luz en lo audiovisual. Conceptos como iluminación, luminosidad y luminancia en movimiento son esencia audiovisual. De esta manera, se ofrecen alternativas para la conceptualización de la iluminación en audiovisual que se ajuste al momento oportuno. Se trata de la construcción de una luz adecuada para el encuadre en el tránsito temporal. Sólo de esta manera, el fenómeno comunicador audiovisual puede adquirir un sentido completo. Porque los cinematografistas e iluminadores que comprenden la luz, crean.

(c) 2021 Aitziber Ayesa Anaut, Confidencialidad afecta a las páginas 15-16 de la INTRODUCCIÓN, páginas 73-76 del CAPÍTULO 2.3.9 y páginas 165-166 de CONCLUSIONES, Nuestra hipótesis se centra en la idea de que la práctica del yoga y de la meditación, pueden generar cambios en el artista, para que éste mejore su actividad artística, en sus distintos aspectos. Por lo tanto los objetivos necesarios para corroborar dicha hipótesis son: Investigar sobre los efectos del yoga y de la meditación. Tanto los efectos objetivos, o derivados de experimentos científicos, como los subjetivos, o las percepciones de los propios artistas, que serán el objetivo de una serie de entrevistas que se realizarán para dicho fin. Aquí habría que añadir las observaciones de algunos campos intermedios como son la Educación y la Psicología. De igual modo, averiguar si hay declaraciones de artistas que practiquen yoga o meditación y se han pronunciado sobre la influencia de estas técnicas en su quehacer artístico

278 p., El fragmento exento es un fenómeno que vivimos en la conciencia, cuando miramos a ciertas obras, sobre el cual no tenemos tiempo para reflexionar. Esta situación nos ha llevado a investigar los fenómenos que vivimos en la conciencia cuando miramos a otras obras. Se trata de cuatro fenómenos de duración y cuatro de retención, que llamamos «ahí», «hasta ahí», «a partir de ahí» y «fuera de ahí», sobre los cuales podemos reflexionar, volver sobre el curso de lo vivido. Con estos fenómenos hemos compuesto un marco fenomenológico y mediante este marco hemos formulado el fragmento exento por sus cuatro tipos:corporal, incitante, temporal y psíquico y lo hemos definido genéricamente como un fenómeno dado en el acto de mirar, que cursan ciertas obras y que no cae propiamente ni en una duración ni en una retención. Investigando el fragmento exento nos es posible explicar que cuando miramos a ciertas obras,hay un tiempo, en la vivencia de este acto, que se da a la experiencia como vínculo entre autor y espectador. Nuestra hipótesis es que las causas de este tiempo están en las obras pero no se manifiestan por lo que pensamos de ellas, sino en la vivencia de ver que tenemos cuando miramos hacia ellas. El objetivo de la investigación es, pues, conocer esta vivencia de ver y sobre la base de este conocimiento exponer la teoría del tiempo dado a la experiencia como vínculo entre autor y espectador. Nuestraconclusión es que cualquiera que mire a las obras que cursan el fragmento exento tendrá la misma experiencia temporal porque el tiempo, en la vivencia de este acto, no cambia, no para, sigue igual, una yotra vez.

340 p. Anexos no públicos, El objetivo de esta investigación fue constatar hasta qué punto la integración de lo sonoro en la creación artística interdisciplinaria condiciona y determina la percepción de la obra y comprobar si la fusión de lo sonoro puede redimensionarla o resignificarla. Para ello se establece una analogía entre las variables del sonido (sus posibles estructuraciones y las diversas configuraciones que pueden adquirir para construir una lógica discursiva) con las disciplinas artísticas cuando intervienen en una obra multimedia concibiéndolas como parámetros integrantes de una estructura mayor. El procedimiento que se sigue es la observación de la creación artística desde dos perspectivas: la creación artística interdisciplinaria y la creación musical pura. Esta tesis se divide en tres partes. En la primera parte se analizan las conexiones entre música y otras disciplinas artísticas: poesía, artes plásticas, vídeo creación, danza, cine, etc. Se observa cómo se interconectan adquiriendo diferentes cualidades expresivas. Verificamos a través del análisis pragmático y gestáltico que la integración de lo sonoro puede condicionar la percepción de la obra, redimensionarla o resignificarla. En la segunda parte presento mi forma de estructurar el discurso musical a partir de la organización fractal de las variables del sonido, desde un aspecto fenomenológico y gestáltico. La tercera parte analizo una ópera de mi autoría, en la cual aplico y verifico las conclusiones obtenidas en esta investigación. A través del análisis de obras de diferentes creadores y épocas, y de mi propia creación artística puedo corroborar que el sonido y la música, cuando se configuran con el mismo grado de fusión que lo hacen las variables del sonido cuando se configuran en discurso musical, conseguirán resignificar la obra.

346 p., Esta tesis tiene el objetivo fundamental de cuestionar la performatividad de las máquinas de óptica hasta las máquinas inteligentes y los seres humanos: lo que pueden crear y ver. Por lo tanto,también está cuestionando el pensamiento plástico de las personas los hombres. Somos capaces de transformarnos a través de nuestros artefactos y convertirnos en: Deep Learning, robots de reconocimiento facial, cámaras de vigilancia, robots utilizados en hospitales, Artificial Intelligence for Art,Deep Reinforcement learning. El conocimiento, el cuerpo cambia el estado y la inteligencia cambia los marcos. La performatividad de la interfaz hombre /máquina sin duda permite sacudir y crear cuerpos artísticos híbridos. La investigación teórica se ha centrado en importantes teorías científicas y estéticas desde el siglo XX hasta la actualidad sobre la relación máquina/hombre y la evolución cognitiva. Como segundo objetivo, se trata de estudiar las consecuencias de la desaparición de las pantallas. El medio de la imagen encuentra otros soportes: realidad virtual, teléfono inteligente. La producción de la imagen debería ser revisada ya que el ``acto de hacer" imágenes se reinventa. Las máquinas también lo hacen,por lo que también debemos mirar la política de las imágenes. La investigación práctica incluye un grupo de investigación creado y un proyecto de estética neurológica que implica una investigación teórica.Los resultados muestran que la evolución de las máquinas transforma la definición de arte.Desde el simple automatismo de la visión, las máquinas inteligentes se encargan de cosas que antes no hacían. Comienzan a crear formas, representaciones del mundo físico. La enunciación de la desaparición de las pantallas es de hecho un problema que esconde otro. La minituarización y la versatilidad de los dispositivos significa que las máquinas inteligentes son cada vez menos visibles para el ojo humano. Las consecuencias de estos estados hacen que el artista cambie su práctica por una p

586 p., La presente investigación se centra en el proyecto colaborativo Download OpenDesign, de diseño de producto sostenible y comprometido con la Agenda 2030, llevado a cabo a lo largo de 6 años entre la School of Art and Design de la Guangdong University of Techonolgy en Guangzhou, China, y la Escuela Superior de Diseño de La Rioja, en Logroño; en nuestro compromiso con la educación como motor de cambio, que contribuya a la creación de un nuevo sistema que considera a las personas sobre los factores económicos: más diverso, intercultural, participativo y equitativo; a través de la formación de profesionales comprometidos de forma ética a nivel social y medioambiental; y en nuestra confianza en que la transformación del modelo productivo y de consumo, a través del diseño, mejorará la situación de crisis medioambiental e hiperconsumista actual.Nuestro proyecto se centra en la optimización de la actividad proyectual de diseño de producto utilizando materiales locales, evitando el uso de plásticos, minimizando los procesos de fabricación, favoreciendo la autonomía, diseñando para las personas, fomentando la colaboración y el compartir el conocimiento como la vía para conseguir una sociedad más justa y un planeta menos sobreexplotado.

238 p., Esta tesis deconstruye al monstruo femenino actual en el audiovisual de terror a raíz de la proliferación del mismo desde el año 2000. Para ello, se analizan cinco películas: Ginger Snaps (John Fawcett, 2000), Raw (Julia Ducournau, 2016), A girl walks home alone at night (Ana Lily Amirpour, 2014), The Babadook ( Jennifer Kent, 2014) teniendo en cuenta los siguientes objetivos: diseccionar la relación entre cuerpo, feminidad y poder que encarnan; comprobar si siguen definidas por su sexualidad ,y si esto ha cambiado, qué otras formas de monstruosidad femenina hay más allá del monstruoso-femenino promulgado por Bárbara Creed. Asimismo, observar si las monstruas hacen referencia o encarnan, de forma aberrante, las experiencias corporales femeninas, y si la estrategia formal y narrativa de la película busca la reacción corporal de los/as espectadores/as. La presente tesis tiene en cuenta también el cambio acaecido en el género de terror, siendo cada vez más evidente, su idoneidad para tratar temas femeninos dirigidos a la audiencia femenina, que entiende a la monstrua contemporánea como un cuerpo cultural subversivo. Este análisis solo es posible teniendo en cuenta antecedentes cinematográficos previos que ayudan a contextualizar las actuales novedades, aunque no se trata de una investigación de corte historicista, ordenadas en tres tipos de monstruas: Mujer-animal; Zombies y Vampiras; y Brujas y Madres monstruosas

472 p., El concepto de identidad de un ecosistema sonoro indaga el de paisaje sonoro. El problema de investigación gira alrededor de cómo identificar los elementos que constituyen la identidad sonora de un ecosistema desde el marco conceptual de la complejidad. Implica definir los conceptos de identidad sonora y ecosistema sonoro y comprender los desafíos de carácter metodológico y técnico que la perspectiva compleja plantea para la exploración de los ecosistemas sonoros en 4 etapas: (1) registro; (2) análisis y edición (3) almacenaje y (4) uso en la creación.En torno a este desafío construyo las siguientes preguntas: ¿Qué es la identidad sonora? ¿Qué elementos temporales, espaciales, geográficos, sociales y perceptivos intervienen en la construcción de un ecosistema sonoro? ¿Qué factores tomar en consideración durante su registro? ¿Cómo puede el registro de un sonidode un ecosistema indicarnos algo sobre la identidad de este ecosistema? Sugiero la hipótesis de que la identidad sonora de un ecosistema se manifiesta de modo complejo, enconstante transformación, respondiendo en cada momento a distintos fenómenos que emergen en cadalugar. Los objetivos de la tesis son conceptuales y artísticos: (a) identificar los elementos del un ecosistema sonoro; (b) definir el concepto de identidad sonora de un ecosistema; (c) crear una tipología de ecosistemas sonoros; (d) identificar y crear una tipología de los tipos de actitud artística en relación con ecosistemassonoros; (e) registrar ecosistemas sonoros y (f) usar los registros para crear identidades sonoras.La tesis pretende contribuir tanto al campo del arte sonoro como al de las artes plásticas ofreciendo reflexiones metodológicas sobre el registro un ecosistema sonoro, una tipología de las actitudes artísticas en relación con el ecosistema sonoro, un repertorio de grabaciones que puede ser empleado tanto en la docencia como en la práctica artística y un conjunto de obras sonoras propias.

209 p., Esta tesis doctoral propone una dialéctica y una contextualización evidente de los méritos lumínicos audiovisuales a través del tiempo. De esta manera, nos damos cuenta de que se han alcanzado unos hitos comunicadores representativos, unas realidades de plasmación, de significación y de emoción a través del cuadro representativo en audiovisual, a las que se renuncia, y que no encontramos en el medio televisivo actual. Se reivindica un modelo expresivo y comunicador de la luz a través del sistema de comunicacio¿n audiovisual, sin contaminar, es decir, sin que las realizaciones finales tengan que ser contaminadas por el recurso constante y entorpecedor de otros sistemas de comunicacio¿n, porque la evidencia del cuadro representativo no cumple la función comunicadora inicial. Esta tesis doctoral se centra en la participación comunicadora de la luz en lo audiovisual. Conceptos como iluminación, luminosidad y luminancia en movimiento son esencia audiovisual. De esta manera, se ofrecen alternativas para la conceptualización de la iluminación en audiovisual que se ajuste al momento oportuno. Se trata de la construcción de una luz adecuada para el encuadre en el tránsito temporal. Sólo de esta manera, el fenómeno comunicador audiovisual puede adquirir un sentido completo. Porque los cinematografistas e iluminadores que comprenden la luz, crean.

Capítulo de libro que responde al planteamiento de imaginar las derivas futuras del arte a partir de la metodología propuesta por la editora (Ohihane Sánchez Duro) / Editoreak (Ohihane Sanchez Durok) proposatutako metodologia abiapuntu moduan hartuta, artearen etorkizuneko deribak irudikatzeko planteamenduari erantzuten dion liburu-kapitulua, [ES] Artistas y agentes diversos, aceptamos el reto de imaginar, especular, diseñar, crear… desde nuestra experiencia profesional y personal vinculada a un entorno artístico-cultural específico, el del País Vasco, contextos posibles en los que los y las artistas y agentes culturales sean, como la vida, devueltas al centro., [EU] Artistek eta askotariko eragileek erronka hau onartzen dugu: gure esperientzia profesional eta pertsonaletik abiatuta, imajinatzea, espekulatzea, diseinatzea eta sortzea, ingurune artistiko-kultural espezifiko bati lotuta, Euskal Herrikoari, alegia. Testuinguru posible horietan, artistak eta kultura-eragileak, bizitza bera bezala, zentrora itzuliak izango dira.

(c) 2021 Aitziber Ayesa Anaut, Confidencialidad afecta a las páginas 15-16 de la INTRODUCCIÓN, páginas 73-76 del CAPÍTULO 2.3.9 y páginas 165-166 de CONCLUSIONES, Nuestra hipótesis se centra en la idea de que la práctica del yoga y de la meditación, pueden generar cambios en el artista, para que éste mejore su actividad artística, en sus distintos aspectos. Por lo tanto los objetivos necesarios para corroborar dicha hipótesis son: Investigar sobre los efectos del yoga y de la meditación. Tanto los efectos objetivos, o derivados de experimentos científicos, como los subjetivos, o las percepciones de los propios artistas, que serán el objetivo de una serie de entrevistas que se realizarán para dicho fin. Aquí habría que añadir las observaciones de algunos campos intermedios como son la Educación y la Psicología. De igual modo, averiguar si hay declaraciones de artistas que practiquen yoga o meditación y se han pronunciado sobre la influencia de estas técnicas en su quehacer artístico

278 p., El fragmento exento es un fenómeno que vivimos en la conciencia, cuando miramos a ciertas obras, sobre el cual no tenemos tiempo para reflexionar. Esta situación nos ha llevado a investigar los fenómenos que vivimos en la conciencia cuando miramos a otras obras. Se trata de cuatro fenómenos de duración y cuatro de retención, que llamamos «ahí», «hasta ahí», «a partir de ahí» y «fuera de ahí», sobre los cuales podemos reflexionar, volver sobre el curso de lo vivido. Con estos fenómenos hemos compuesto un marco fenomenológico y mediante este marco hemos formulado el fragmento exento por sus cuatro tipos:corporal, incitante, temporal y psíquico y lo hemos definido genéricamente como un fenómeno dado en el acto de mirar, que cursan ciertas obras y que no cae propiamente ni en una duración ni en una retención. Investigando el fragmento exento nos es posible explicar que cuando miramos a ciertas obras,hay un tiempo, en la vivencia de este acto, que se da a la experiencia como vínculo entre autor y espectador. Nuestra hipótesis es que las causas de este tiempo están en las obras pero no se manifiestan por lo que pensamos de ellas, sino en la vivencia de ver que tenemos cuando miramos hacia ellas. El objetivo de la investigación es, pues, conocer esta vivencia de ver y sobre la base de este conocimiento exponer la teoría del tiempo dado a la experiencia como vínculo entre autor y espectador. Nuestraconclusión es que cualquiera que mire a las obras que cursan el fragmento exento tendrá la misma experiencia temporal porque el tiempo, en la vivencia de este acto, no cambia, no para, sigue igual, una yotra vez.

340 p. Anexos no públicos, El objetivo de esta investigación fue constatar hasta qué punto la integración de lo sonoro en la creación artística interdisciplinaria condiciona y determina la percepción de la obra y comprobar si la fusión de lo sonoro puede redimensionarla o resignificarla. Para ello se establece una analogía entre las variables del sonido (sus posibles estructuraciones y las diversas configuraciones que pueden adquirir para construir una lógica discursiva) con las disciplinas artísticas cuando intervienen en una obra multimedia concibiéndolas como parámetros integrantes de una estructura mayor. El procedimiento que se sigue es la observación de la creación artística desde dos perspectivas: la creación artística interdisciplinaria y la creación musical pura. Esta tesis se divide en tres partes. En la primera parte se analizan las conexiones entre música y otras disciplinas artísticas: poesía, artes plásticas, vídeo creación, danza, cine, etc. Se observa cómo se interconectan adquiriendo diferentes cualidades expresivas. Verificamos a través del análisis pragmático y gestáltico que la integración de lo sonoro puede condicionar la percepción de la obra, redimensionarla o resignificarla. En la segunda parte presento mi forma de estructurar el discurso musical a partir de la organización fractal de las variables del sonido, desde un aspecto fenomenológico y gestáltico. La tercera parte analizo una ópera de mi autoría, en la cual aplico y verifico las conclusiones obtenidas en esta investigación. A través del análisis de obras de diferentes creadores y épocas, y de mi propia creación artística puedo corroborar que el sonido y la música, cuando se configuran con el mismo grado de fusión que lo hacen las variables del sonido cuando se configuran en discurso musical, conseguirán resignificar la obra.

346 p., Esta tesis tiene el objetivo fundamental de cuestionar la performatividad de las máquinas de óptica hasta las máquinas inteligentes y los seres humanos: lo que pueden crear y ver. Por lo tanto,también está cuestionando el pensamiento plástico de las personas los hombres. Somos capaces de transformarnos a través de nuestros artefactos y convertirnos en: Deep Learning, robots de reconocimiento facial, cámaras de vigilancia, robots utilizados en hospitales, Artificial Intelligence for Art,Deep Reinforcement learning. El conocimiento, el cuerpo cambia el estado y la inteligencia cambia los marcos. La performatividad de la interfaz hombre /máquina sin duda permite sacudir y crear cuerpos artísticos híbridos. La investigación teórica se ha centrado en importantes teorías científicas y estéticas desde el siglo XX hasta la actualidad sobre la relación máquina/hombre y la evolución cognitiva. Como segundo objetivo, se trata de estudiar las consecuencias de la desaparición de las pantallas. El medio de la imagen encuentra otros soportes: realidad virtual, teléfono inteligente. La producción de la imagen debería ser revisada ya que el ``acto de hacer" imágenes se reinventa. Las máquinas también lo hacen,por lo que también debemos mirar la política de las imágenes. La investigación práctica incluye un grupo de investigación creado y un proyecto de estética neurológica que implica una investigación teórica.Los resultados muestran que la evolución de las máquinas transforma la definición de arte.Desde el simple automatismo de la visión, las máquinas inteligentes se encargan de cosas que antes no hacían. Comienzan a crear formas, representaciones del mundo físico. La enunciación de la desaparición de las pantallas es de hecho un problema que esconde otro. La minituarización y la versatilidad de los dispositivos significa que las máquinas inteligentes son cada vez menos visibles para el ojo humano. Las consecuencias de estos estados hacen que el artista cambie su práctica por una p

238 p., Esta tesis deconstruye al monstruo femenino actual en el audiovisual de terror a raíz de la proliferación del mismo desde el año 2000. Para ello, se analizan cinco películas: Ginger Snaps (John Fawcett, 2000), Raw (Julia Ducournau, 2016), A girl walks home alone at night (Ana Lily Amirpour, 2014), The Babadook ( Jennifer Kent, 2014) teniendo en cuenta los siguientes objetivos: diseccionar la relación entre cuerpo, feminidad y poder que encarnan; comprobar si siguen definidas por su sexualidad ,y si esto ha cambiado, qué otras formas de monstruosidad femenina hay más allá del monstruoso-femenino promulgado por Bárbara Creed. Asimismo, observar si las monstruas hacen referencia o encarnan, de forma aberrante, las experiencias corporales femeninas, y si la estrategia formal y narrativa de la película busca la reacción corporal de los/as espectadores/as. La presente tesis tiene en cuenta también el cambio acaecido en el género de terror, siendo cada vez más evidente, su idoneidad para tratar temas femeninos dirigidos a la audiencia femenina, que entiende a la monstrua contemporánea como un cuerpo cultural subversivo. Este análisis solo es posible teniendo en cuenta antecedentes cinematográficos previos que ayudan a contextualizar las actuales novedades, aunque no se trata de una investigación de corte historicista, ordenadas en tres tipos de monstruas: Mujer-animal; Zombies y Vampiras; y Brujas y Madres monstruosas

586 p., La presente investigación se centra en el proyecto colaborativo Download OpenDesign, de diseño de producto sostenible y comprometido con la Agenda 2030, llevado a cabo a lo largo de 6 años entre la School of Art and Design de la Guangdong University of Techonolgy en Guangzhou, China, y la Escuela Superior de Diseño de La Rioja, en Logroño; en nuestro compromiso con la educación como motor de cambio, que contribuya a la creación de un nuevo sistema que considera a las personas sobre los factores económicos: más diverso, intercultural, participativo y equitativo; a través de la formación de profesionales comprometidos de forma ética a nivel social y medioambiental; y en nuestra confianza en que la transformación del modelo productivo y de consumo, a través del diseño, mejorará la situación de crisis medioambiental e hiperconsumista actual.Nuestro proyecto se centra en la optimización de la actividad proyectual de diseño de producto utilizando materiales locales, evitando el uso de plásticos, minimizando los procesos de fabricación, favoreciendo la autonomía, diseñando para las personas, fomentando la colaboración y el compartir el conocimiento como la vía para conseguir una sociedad más justa y un planeta menos sobreexplotado.

472 p., El concepto de identidad de un ecosistema sonoro indaga el de paisaje sonoro. El problema de investigación gira alrededor de cómo identificar los elementos que constituyen la identidad sonora de un ecosistema desde el marco conceptual de la complejidad. Implica definir los conceptos de identidad sonora y ecosistema sonoro y comprender los desafíos de carácter metodológico y técnico que la perspectiva compleja plantea para la exploración de los ecosistemas sonoros en 4 etapas: (1) registro; (2) análisis y edición (3) almacenaje y (4) uso en la creación.En torno a este desafío construyo las siguientes preguntas: ¿Qué es la identidad sonora? ¿Qué elementos temporales, espaciales, geográficos, sociales y perceptivos intervienen en la construcción de un ecosistema sonoro? ¿Qué factores tomar en consideración durante su registro? ¿Cómo puede el registro de un sonidode un ecosistema indicarnos algo sobre la identidad de este ecosistema? Sugiero la hipótesis de que la identidad sonora de un ecosistema se manifiesta de modo complejo, enconstante transformación, respondiendo en cada momento a distintos fenómenos que emergen en cadalugar. Los objetivos de la tesis son conceptuales y artísticos: (a) identificar los elementos del un ecosistema sonoro; (b) definir el concepto de identidad sonora de un ecosistema; (c) crear una tipología de ecosistemas sonoros; (d) identificar y crear una tipología de los tipos de actitud artística en relación con ecosistemassonoros; (e) registrar ecosistemas sonoros y (f) usar los registros para crear identidades sonoras.La tesis pretende contribuir tanto al campo del arte sonoro como al de las artes plásticas ofreciendo reflexiones metodológicas sobre el registro un ecosistema sonoro, una tipología de las actitudes artísticas en relación con el ecosistema sonoro, un repertorio de grabaciones que puede ser empleado tanto en la docencia como en la práctica artística y un conjunto de obras sonoras propias.