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A história do Ensino Médio no Brasil é formada de tensões, conflitos e disputas em torno de sua organização, finalidade e identidade e determinada pelas contradições da formação social do País. Com isso em mente, por meio de um estudo de natureza teórico-bibliográfica, no presente artigo analisam-se os pressupostos da reforma do Ensino Médio, da Base Nacional Comum Curricular e o ensino de arte à luz da pedagogia histórico-crítica. Busca-se, assim, contribuir para a construção coletiva de uma educação que proporcione o acesso das camadas populares aos níveis mais elevados das ciências, da filosofia e da arte visando a uma transformação radical da sociedade.

O presente artigo discorre sobre práticas de aprendizagem criativa, observadas na disciplina de Estágio em Docência, no curso de mestrado do Programa de Pós-graduação em Arte - PPGA UFES. A investigação descrita neste texto apresenta métodos de ensino pautados na criatividade e em processos de criação em arte. Inspirados nos projetos utópicos dos artistas Ilya e Emilia Kabakov (1998-2018), os percursos metodológicos são elaborados em diálogo com os ativadores criativos do autor David de Prado Díez (1987). Neste sentido, caminhos são traçados por meio do método Solução Criativa de Problemas em direção a uma abordagem pedagógica vital

O presente artigo é resultante de uma dissertação do Mestrado Profissional em Artes da Universidade do Estado de Santa Catarina (PROF-ARTES-UDESC) defendida em 2023. O foco temático foi a formação de professores e o ensino de arte na comunidade indígena Kaingang do Paraná. O problema da pesquisa consistiu em analisar “como ocorre a formação continuada dos professores em Arte ofertada pela Secretaria Estadual de Educação do Paraná (SEED-PR) na comunidade Indígena Kaingang, da Terra Indígena Mangueirinha (PR)?”. O objetivo geral foi: Investigar a formação continuada do professor de arte e suas consequências no ensino de arte ofertado na Educação Indígena, da Terra Indígena Mangueirinha, no Paraná, relacionando-a com a produção artística contemporânea indígena nacional. Utilizou-se uma metodologia de cunho qualitativo, a qual incluiu revisão bibliográfica e entrevistas. Como aporte teórico, contou-se com o apoio dos seguintes autores: Saviani (2009, 2021), Lagrou (2013), Helm (2007, 2012), Mota (1994), entre outros, assim como documentos curriculares da área. Foram obtidos os seguintes resultados: a formação continuada para professores de Arte ofertada pela SEED-PR, que também atinge a comunidade analisada, não contempla as especificidades do contexto indígena Kaingang, já que, quando há formação, esta ocorre de modo acelerado, padronizado, no formato de Educação a Distância (EaD) e se encontra alinhada aos interesses do neoliberalismo.

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This text presents a study of the state of knowledge about Art Teaching in technical courses integrated into High School at the Federal Institutes of Education, Science and Technology. This is a search for bibliographic sources that have addressed the aforementioned problem in the period from 2011 to 2020. The searches for theses, dissertations, articles and books were carried out at the Brazilian Digital Library of Theses and Dissertations (BDTD), at the Bank of Theses and Dissertations by the Coordination for the Improvement of Higher Education Personnel (Capes), in the Scientific Electronic Library On-Line (Scielo) database and, Google Scholar database. At first, we made a distinction between Art as a technical skill or cultural content and Art as a content specific to educational environments, and then, we showed discussions and reflections carried out by researchers from different parts of the country, allowing us to verify that the teaching of Art has the potential to overcome the predominantly mechanical and technical aspect that schools with a professional and technological profile are impregnated with. The texts, unanimously, place the teaching of Art as a transforming and humanizing factor, which crosses the barriers of simple technique and allows students to understand a non-objective world, and so allowing them to understand their own subjectivities. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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O presente trabalho de natureza qualitativa apresenta uma revisão da legislação que regulamenta e rege o ensino da arte no Brasil, evidenciando suas conquistas e impasses à luz de alguns autores que dialogam com marcos regulatórios do campo educacional. Segue com a observação e o confronto dos currículos existentes de licenciatura em arte no Estado de Santa Catarina no que tange à especificidade das linguagens ofertadas. Para tanto, enviou-se um questionário aos professores de arte da microrregião de Joinville - São Francisco do Sul, Schroeder, Araquari, Balneário Barra do Sul, Corupá, Garuva, Guaramirim, Itapoá, Jaraguá do Sul, Joinville e Massaranduba - que atuam na educação profissional e tecnológica integrada ao ensino médio, permitindo a emergência de um breve retrato de suas vivências em sala de aula. De um passado com educadores polivalentes ao reconhecimento contemporâneo das especificidades das quatro linguagens artísticas, passando por diversos estágios, nota-se que ainda paira a incerteza sobre o que é arte e quem está melhor preparado para ensiná-la. Ademais, persiste a desestruturação das escolas com a falta de materiais e equipamentos além do menosprezo das instituições de ensino.

Partindo de vivências e inquietações sobre as condições de ensino de Arte na rede estadual de ensino no Paraná, o presente artigo tem por objetivo relatar um processo de pesquisa cartográfica já finalizada e elaborar uma análise, sustentada na articulação entre o pensamento dos filósofos Jacques Rancière, Gilles Deleuze e Félix Guattari, bem como na aproximação com Villém Flusser, que tenciona as concepções vividas e apresenta horizontes possíveis. Para isso, partimos da distinção entre ato criativo e ato produtivo para pensar em estratégias de transformação de um ensino precarizado em um ensino emancipador, propondo a reconquista da poesia, da potência do ato criativo descompromissado com as demandas produtivas, enquanto estratégia de reestruturação das condições de ensino de Arte. O percurso realizado desembocou num projeto de saídas da escola que reelaboraram as noções de ensino e aprendizagem e proporcionaram relações outras com o fazer artístico.

Este estudo circunscreve uma reflexão sobre o conceito proposto pela Base Nacional Comum Curricular – BNCC no que se refere às Artes Integradas a partir das percepções de Licenciandos de Artes Visuais e Música na modalidade de Educação a Distância – EaD e semipresencial de uma Universidade Municipal e Professores de Arte de uma Rede Municipal de Ensino, ambas situadas na Região Metropolitana do Vale do Paraíba e Litoral Norte – SP. O presente artigo originou-se do extrato de uma dissertação que pesquisou o contexto e as inquietações da polivalência das linguagens artísticas no ensino de Arte e da problematização de uma tese que tem como escopo investigar o percurso de sistematização das Artes Integradas como unidade temática a partir das referências de professores da educação básica e expoentes da Arte Educação do Brasil. A metodologia da pesquisa foi de natureza qualitativa com base nos registros oficiais da BNCC e de referências bibliográficas e se complementa com uma pesquisa de campo para coleta sobre a percepção de licenciandos de Artes Visuais e Música e professores de Arte sobre a interpretação das Artes Integradas por meio de questionário. A análise qualitativa das informações ocorreu a partir de gráficos gerados pela plataforma Google Forms e do software Excel, assim como pelas nuvens de palavras produzidas pelo site Jason Davies. A reflexão revelou que os participantes concebem as Artes Integradas com uma abstração, assim como a própria BNCC.

Este artigo em pauta, resultante da pesquisa “Por uma educação implicada: um olhar para a educação da sensibilidade através do Ensino de Artes”, propõe compreender comoa educação da sensibilidade, através do ensino de artes, pode infligir o lugar racional em que se impôs a educação ocidental. Tem-se como base, especialmente, a Abordagem Sociocultural de Freire (1987), que, por sua vez, se interconecta com a Abordagem Triangular de Barbosa (2011), que trata de uma educação libertária, visando a emancipação sociocultural e política do sujeito, como ferramenta analítica para despertar nos educandos possibilidades outras de compreensão da realidade, o meio da diversidade cultural e humana como exercício fundamental. Neste trabalho, desejamos contribuir como ensino das artes, numa perspectiva implicada na construção de pontes e travessias, para a ressignificação da aprendizagem na contemporaneidade, não mais pautada pela abordagem de ensino tradicional. As abordagens supracitadas buscam estratégias de sociabilidade para a valorização da subjetividade, do conhecimento prévio do sujeito e para o fortalecimento das trocas de saberes entre o educador e educando, para além do contexto educacional. Interessa ainda problematizar como a sensibilidade foi destituída do processo educacional pelo ocidente, através de forças doutrinadoras e, sobretudo, propor alternativas emancipadoras para uma ampla leitura de mundo através da arte-educação, para a subversão de lógicas dominantes cristalizadas na sociedade como um todo.

Resumo A teoria histórico-cultural, criada pelos pesquisadores russos Vigotski, Leontiev e Luria entre 1920 e 1930, alcança os pesquisadores de Psicologia e Educação no Brasil a partir de 1980, apresentando uma nova dimensão para a formação e atuação desses profissionais. Com base nesse pressuposto, realizou-se revisão sistemática da literatura científica brasileira entre 2006-2020 em busca de artigos publicados em áreas de interseção entre a Psicologia da Educação e a Arte Educação, visando a identificar a circulação, recepção e apropriação do conceito de educação estética de Vigotski. Os resultados encontrados coadunam com estudos de teóricos que consideram os conceitos de “vivência” e “meio” como essenciais para a compreensão da teoria histórico-cultural.

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O presente estudo traz como reflexão o cotidiano no ensino da arte e da cultura visual como construção epistêmica. Para isso, destacamos alguns autores que se somaram nesse corpus, para provocar atravessamentos nas relações subjetivas dos sujeitos com as práticas ordinárias, como: Michel de Certeau (2014), Suely Rolnik (2019), Gilles Deleuze (2022), Nilda Alves (2001), María Acaso (2011), entre outros. Além disso, problematizamos as implicações de ser professora-artista na fronteira pedagógica com as práticas de si, tomando como objetos de investigação a série 1 por dia e os Medicamentos Poéticos & Receituário Artístico. Tais práticas, elaboram estratégias de resistência aos ditames do sistema capitalista, na tentativa de criar caminhos alternativos para o que já foi estabelecido como ensino da arte.

RESUMO Este artigo discute a curadoria educativa de artes visuais com base na análise de um processo cíclico de criação, aplicação em sala de aula e avaliação do material educativo Violência & heroísmo. Produzido e testado no âmbito do projeto de ensino, pesquisa e extensão “Mediação da experiência estética na escola”, da Universidade do Estado de Minas Gerais, esse material se sustenta em uma série de premissas conceituais e metodológicas que busca integrar educação estética e ética. Considerando a experiência adquirida no projeto e referências encontradas na literatura de ensino de arte, são propostos oito parâmetros para a curadoria educativa voltada para o ensino fundamental II, que compreende do 6º ao 9º ano, e para o ensino médio.

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O presente trabalho tem como proposta apresentar e discutir a realização de um projeto desenvolvido com crianças entre nove e dez anos, alunos do 4º ano do Ensino Fundamental da Escola Estadual de Educação Básica Laura Klaudat, localizada em Tunas/RS. Objetivou-se apresentar a história da fotografia e instigar a curiosidade e a imaginação dos estudantes a partir do trabalho da fotógrafa Andréa Brächer de sua série intitulada “A vinda das fadas”. Com esse trabalho, que articula realidade e ficção, foi possível discutir tais aspectos com os alunos através de uma série de atividades, sendo plausível perceber que os alunos se apropriaram do conhecimento sobre fotografia pelo seu envolvimento no projeto, bem como pela incorporação de debates sobre a fotografia em outras aulas e atividades, as quais integraram estudantes de outras séries e a comunidade escolar em geral.

Este estudo traz uma análise da experiência realizada com os/as acadêmicos/as do curso de Artes Visuais da Universidade do Extremo Sul Catarinense (Unesc) nos anos de 2013 a 2016, nas disciplinas de “Gravura e Pesquisa” e “Serigrafia e Pesquisa”. O objetivo deste estudo é identificar o que os discentes trazem em suas memórias sobre suas experiências escolares relacionadas à disciplina de Artes na educação básica, na forma de relatos e imagens, com o intuito de perceber qual é o lugar da disciplina de Artes e qual tem sido o lugar da gravura no tocante às linguagens artísticas, a fim de compreender o processo de formação para a prática docente no ensino de Artes. Na metodologia, o estudo em questão foi desenvolvido dentro de uma abordagem qualitativa e artográfica, a partir das produções visuais e das memórias/narrativas dos/as acadêmicos/as. A coleta de dados ocorreu mediante a aplicação de um questionário. Com base na análise dos dados, observou-se que a gravura é pouco citada como linguagem artística desenvolvida na escola, sendo mais enfatizados o desenho e a pintura. Conclui-se que as linguagens artísticas, incluindo a poética da gravura, necessitam ser mais desenvolvidas nas salas de aula e que, cada vez mais, o ensino de arte precisa ser valorizado com espaços adequados, como fonte de sensibilidade, empatia e formação na educação básica.

O artigo parte da problemática sobre como documentar aquilo que profissionais do ensino da arte planejam em/para exposições em museus e centros culturais, apresentando reflexões teóricas que correlacionam os conceitos de memória, arquivo e documento. O texto tem como objetivos debater relações entre documento e memória no ambiente cultural da América Latina, apontar como tais vínculos acarretam em distintas formas de registro e proporcionar reflexão a respeito das diferentes formas que a memória de nossas práticas educativas em arte podem ganhar, ao nos integrarmos com nossa paisagem cultural. A escrita apresenta resultados de uma pesquisa de caráter bibliográfico e de campo (esta realizada em Lima, Peru), referenciada em leituras dos campos da arte, da educação, da história e da semiótica da cultura, a partir de autores como Artières (1998), Farge (2009), Lotman (1998), Pinheiro (2020), Sennet (2020), Taylor (2013) e Zumthor (1993). Dentre os resultados, ressalta-se o entendimento de que a escolha da forma mais apropriada para o registro de uma memória tem relação com o que se considera que precisa ser lembrado e que incluir essas outras formas de manifestação da memória amplia o que entendemos por conhecimento.

Este artigo entrelaçou diferentes perspectivas pedagógicas do ensino da Arte/Teatro e os seus desdobramentos como agentes desobedientes do currículo escolar. A partir das histórias e vivências que atravessam e constituem as duas artistas-educadoras-pesquisadoras - Eleni Souza Nobre e Iracy Vaz da Costa -, refletiu-se sobre como a disciplina de Arte e a formação docente influenciam nas experiências do/a estudante no espaço escolar. Os discursos e as ações apresentadas nos convocam para posicionamentos que valorizam e estimulam produções de conhecimento e metodologias em arte como um espaço de rupturas e resistências contra as normatividades e as colonialidades, criando zonas interseccionais entre aprendizagem, metodologias, planejamentos e ensino.

O presente trabalho tem por objetivo analisar o livro didático de Arte para os Anos Finais do Ensino Fundamental, considerando a estrutura didática e metodológica da obra, bem como suas relações com o ensino de Arte como componente da Área de Linguagens, de acordo com a organização da Base Nacional Comum Curricular (BNCC), documento norteador dos currículos escolares. Para tanto, a análise volta-se ao livro do 6º ano, pertencente a uma coleção de livros de Arte do 6º ao 9º ano do Ensino Fundamental, intitulada “Por toda pArte”, da Editora FTD (2018), aprovada pelo Plano Nacional do Livro Didático como sugestão a ser adotada pelas escolas, em vigência até o ano de 2022. Para a análise nos apoiamos em duas competências específicas da área de Linguagens, a qual componente se insere e uma específica de Arte para os Anos Finais do Ensino Fundamental. A metodologia adotada é do tipo qualitativa, e como procedimento técnico a análise documental e para referencial teórico a revisão bibliográfica, por meio de teses e dissertações defendidas em programas de Pós-Graduação que se relacionam com a temática. O estudo revelou que o livro analisado está de acordo com as competências da BNCC analisadas, onde os capítulos da obra podem ser trabalhados de acordo com o contexto do professor na ordem apresentada ou de forma aleatória. Ainda com relação as competências analisadas a obra contempla em sua totalidade, sendo a apresentação teórica dos temas e a abordagem na perspectica da História da Arte se apresentam de modo contínuo nas propostas de atividades, contemplando ainda as múltiplas linguagens artísticas, como por exemplo a música, dança e atividades de produção artística individual ou coletiva pelos estudantes. Sugere-se a continuidade do estudo, de modo que análise seja ampliada para toda a coleção ou outra coleção de Arte, tendo em vista a pouca produção acdêmica sobre o tema bem como pesquisas correlatas.

Este artigo resulta de uma pesquisa desenvolvida entre os anos de 2016 e 2018 que investigou algumas representações de corpos em livros didáticos de Ensino de Arte, mais especificamente o modo como são eles apresentados, discutidos ou não e problematizados. A metodologia empregada se ocupou da análise de cinco coleções voltadas para o Ensino de Artes no Ensino Fundamental: Projeto Mosaico (2015); Por toda Parte (2015); Projeto Araribá: arte (2014); Tear (2015) e A arte de fazer arte (2015). Entre as questões que nortearam a pesquisa, destacou-se: por que certas representações de corpos (na arte ou no cotidiano) passam a ser mais valorizadas do que outras e, assim, compõem em maior quantidade o conjunto de imagens dos livros didáticos de Ensino de Arte? Entre os autores que solidificaram a pesquisa, citam-se Débora Lupton, Gisela Ferreira da Silva, Lucia Santaella, entre outros. Concluiu-se que a maioria dos livros das coleções analisadas, com efeito, aborda o corpo de maneira muito genérica, com um aprofundamento menor ao que o tema de fato merece.

Este artigo apresenta o processo de ensino/aprendizagem/investigação que ocorre no componente curricular Ensino de Arte na formação de professores. De abordagem metodológica narrativa, elabora uma agenda feminista com o intuito de potencializar modos outros de pensar esse processo. A agenda feminista se compromete com a ação efetiva de apresentar a produção de artistas mulheres contemporâneas em um relato desapegado do modelo andro/euro/cêntrico colonial. Um compromisso para além da paridade de gênero, que busca desconstruir um violento imaginário colonial, patriarcal, racista e criar estratégias de responsabilidade pelas narrativas que fazemos circular. Os resultados revelam um processo afetivamente aliançado, que saboreia fazeres epistemológicos outros.

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Este artigo é fruto da pesquisa que estamos desenvolvendo no mestrado em Artes Visuais da UFPB/UFPE e surge da necessidade de nos debruçarmos sobre as produções acadêmicas da pós-graduação brasileira de pesquisadores que investigaram as artes indígenas no ensino das Artes Visuais na educação básica, tendo em vista a pouca visibilidade desses estudos. Assim, tomamos como objetivo investigar as teses e dissertações brasileiras em torno da temática indígena no ensino das Artes Visuais. Metodologicamente, optamos por uma revisão bibliográfica, explorando a base de dados da Biblioteca Digital Brasileira de Teses e Dissertações (BDTD) do Instituto Brasileiro de Informação em Ciência e Tecnologia (IBICT) no recorte temporal de 2010 a 2020, a partir dos seguintes descritores: Ensino de Arte, Artes Visuais e Artes indígenas. A análise do conteúdo de cinco dissertações trouxe aporte para entender algumas lacunas, silenciamentos e estereotipização sobre as artes indígenas e nos faz refletir sobre a necessidade de trabalhar essa temática numa perspectiva intercultural e decolonial.

Este artigo mapeia e analisa a discussão sobre o ensino de Arte antirracista na produção acadêmica da pós-graduação brasileira em Artes. Por meio de uma revisão bibliográfica sistemática, explorou a Biblioteca Digital Brasileira de Teses e Dissertações (BDTD), do Instituto Brasileiro de Ciência e Tecnologia (IBICT), no recorte temporal de 2010 a 2021. A análise de conteúdo de cinco dissertações e uma tese de doutorado aponta para um ensino de Arte ainda alimentado pela perspectiva do multiculturalismo em abordagens pró-diversidade. Sinaliza que uma perspectiva antirracista no componente curricular Arte demanda uma docência próxima da produção e do fazer de artistas que abordam a temática do racismo na arte contemporânea.

O presente artigo faz uma discussão com Racière (2012) e Deleuze (2010; 2018) e versa sobre a emancipação intelectual e artí­stica com a visão filosófica da aprendizagem e o encontro com os signos responsáveis pelo aprender. A partir de uma experiência prática/teatral, algumas problematizações emergiram do processo de escrita do artigo e nos mobilizaram a pensar: como a emancipação artí­stica e intelectual contribui na formação do aluno nos primeiros anos do ensino fundamental? Como aparato metodológico, utilizamos dos métodos de pesquisa intervenção e pesquisa experiência. Dessa maneira, analisamos como a criação teatral foi se construindo pelos saberes infantis, ideias e percepções coletivas de cada grupo ao longo da oficina teatral. As tentativas de controle iniciadas pela professora mostraram como as crianças são subjetivadas e como a aprendizagem, ainda hoje, é vista como modelo ultrapassado a ser seguido e a prática teatral é subjetivada no cotidiano escolar.

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No escopo deste artigo, parte-se de uma revisão acerca da história do ensino de Arte no Brasil, abordando os eventos fundamentais em torno de diferentes concepções político-pedagógicas da arte/educação no processo de sua implementação no nosso território. Para tanto, tomam-se, entre outras, as complementaridades e convergências do pensamento de dois estudiosos brasileiros: o arte/educador João Francisco Duarte-Júnior e o líder indígena Ailton Krenak. Reflete-se sobre o futuro do ensino de Arte no Brasil pós-pandemia do novo coronavírus, notadamente na rede pública de ensino, lançando um olhar que, embora sustente um otimismo precário, concebe o amanhã como sendo fruto do presente a ser construído, embora pareça impossível.

Resumo: O artigo objetiva conhecer as concepções do ensino de arte que permeiam o trabalho pedagógico das escolas-parque de Brasília. Por meio de revisão sistemática na produção acadêmica nacional em forma de teses, dissertações, livros e capítulos de livros, foram identificados 18 estudos entre o ano de fundação da primeira escola-parque de Brasília, 1960, e o ano de 2017. Para auxiliar a análise desses estudos, o artigo se baseia em textos de John Dewey e Anísio Teixeira, tendo em vista que seus pensamentos constituíram a gênese das escolas-parque. Na análise, foi possível perceber três concepções do ensino de arte: a) como referência de uma nova perspectiva pedagógica para a educação nacional; b) como elemento entrelaçador de culturas e construtor de uma identidade para a cidade de Brasília; e c) como mediador de autoexpressão, liberdade, resistência e emancipação.

Resenha da obra Provoque: cultura visual, masculinidades e ensino de artes visuais, escrita por João Paulo Baliscei e publicada pela Editora Metanoia em 2020.

O presente artigo apresenta um estudo teórico, objetivando analisar os principais conceitos que fundamentam a ação pedagógica do docente de Arte, a partir da Psicologia Histórico-Cultural e da Teoria Desenvolvimental. Discutem-se os conceitos de atividade, desenvolvimento psíquico e humanização como promotores do desenvolvimento das funções psicológicas superiores, entre as quais a criação e a fruição. Trata-se de um ensino organizado que atua na zona de desenvolvimento iminente, atualizando-a e ampliando-a gradativamente, visando o pensamento teórico e o desenvolvimento do sujeito como partícipe do gênero humano. Apresentam-se, ainda, as pesquisas desenvolvidas com esse referencial, no período de 2011 a 2021, voltado à disciplina de Arte, destacando as ações pedagógicas propostas para uma educação que promova o desenvolvimento da sensibilidade e percepção estética, objetivando o ser humano genérico, comprometido com um projeto de sociedade menos excludente.

Este texto é parte de uma pesquisa de mestrado que se configura com experimentações artísticas e rodas de conversas com alunos, professoras e professores da rede pública municipal de Porto Velho, Rondônia. Tem como objetivo principal discutir como se articula o ensino de arte nos anos iniciais do Ensino Fundamental. Para essa conversa, são convidados autores das filosofias da diferença pelas obras de Deleuze (1981), Deleuze e Guattari (2010) e Lins (2008, 2012), que atravessam a todo o momento, compondo com as experimentações artísticas que se movimentam, navegam e transbordam em pensamentos reverberantes, se despindo dos métodos e possibilitando outros modos de fazer pesquisa. Assim, o processo de criação se mostrou potente quando realizado coletivamente, sem direcionamentos e movimentos pré-definidos. Apresentaram-nos um cotidiano escolar permeado por acontecimentos, fugas das regras e aprisionamentos que estratificam a potência da arte, fugindo às tentativas de controle e se compondo com os blocos de sensações no processo de criação artística.

O texto apresenta percursos reflexivos e relacionados a um conjunto de ações realizadas nas disciplinas vinculadas aos estágios durante o período pandêmico da COVID-19 em um curso de Licenciatura em Artes Visuais. A construção da identidade docente se vincula às singularidades das relações das e dos discentes com os estágios no território das Artes Visuais e os percursos formativos realizados nesse espaço/tempo da disciplina. Ao articularmos tais questões com as reflexões sobre cultura docente e docência compartilhada, pretendemos evidenciar escolhas, conflitos e movimentos que perpassam os estágios na formação inicial de docentes para além de situações marcadas pela pandemia da COVID-19. São gestos de escuta e de partilha, com mudanças de percursos, que foram feitos em contextos educativos e formativos, em um exercício que envolveu acolhimento e construção de estratégias para a formação profissional na universidade.

Copyright of ECCOM: Educação, Cultura e Comunicação is the property of ECCOM: Educacao, Cultura e Comunicacao and its content may not be copied or emailed to multiple sites or posted to a listserv without the copyright holder's express written permission. However, users may print, download, or email articles for individual use. This abstract may be abridged. No warranty is given about the accuracy of the copy. Users should refer to the original published version of the material for the full abstract. (Copyright applies to all Abstracts.)

A presente pesquisa tem como objetivo verificar as potencialidades do vídeo mapping como recurso de ensino de artes para as pessoas com deficiência. Para tanto, busca-se pensar estratégias que possibilitem novos modelos de aprendizagens baseados na sociedade da informação, consolidada na motivação entre professores e alunos de transformarem as potencialidades desses recursos em aprendizagem. Cabe destacar a necessidade de incluir os alunos com deficiência no processo de ensino/aprendizagem da disciplina de Artes. O processo deve ocorrer de modo cooperativo e autônomo, promovendo a Educação Inclusiva, um direito destes indivíduos, garantido pela Lei de Diretrizes e Bases nº 9.394/96 e fortalecido pela Lei nº 13.146, de 6 de julho de 2015. Para a realização deste trabalho, faz-se uso da revisão bibliográfica do tipo integrativa. Os resultados visam corroborar para superar lacunas da Educação Especial inclusiva no Estado de Roraima. Neste caso, as TIC mostram-se como um instrumento eficaz para o ensino de Artes Visuais.

O texto apresenta dados de uma pesquisa em andamento sobre o ensino da arte e a formação de professores e professoras de arte no recôncavo baiano. Em consonância com as pesquisas do Observatório da Formação de Professores no âmbito do Ensino de Arte (OFPEA/BRARG) e apontou-se lacunas existentes na perspectiva do ensino de arte e da formação docente para a emancipação. Os dados apresentados são oriundos do projeto de pesquisa intitulado “Formação de Professores de Artes Visuais no Recôncavo Baiano: Limites em expansão sob a luz da Pedagogia Histórico-Critica” iniciado em 2018, registrado no Centro de Artes, Humanidade e Letras da Universidade Federal do Recôncavo da Bahia. Sem financiamento, a pesquisa se desenvolve com a adesão voluntária dos discentes do curso de licenciatura em artes visuais. Utilizou-se dois instrumentais de coleta de dados denominados “diagnostico escolar” e “práticas teóricas e metodológicas do ensino da arte”. Nessa primeira aproximação de análise dos dados temos um ensino de arte diluído em atividades artísticas, a utilização de atividades de artes como estratégia metodológica para aprendizagem de outros componentes. Registrou-se ainda a ausência de docentes formados em artes, carga horária insuficiente e ou ausente nas etapas de ensino da educação básica. Aponta-se a urgência da transformação radical no ensino de arte no recôncavo baiano e a ampliação do diálogo com a cultura popular.

O presente artigo correlaciona arte, estética e mercado, investigando como as transformações nesta relação repercutem no ensino de arte e no trabalho docente. O objetivo é evidenciar as estratégias do capitalismo na construção de consenso, sendo uma destas estratégias o apagamento da especificidade da arte, de modo promover sua indissociabilidade com o trabalho humano. A pesquisa reitera a essência das relações e de produção de mais-valor a partir dos fundamentos do materialismo histórico-dialético e assinala a tomada de consciência teórica como pressuposto para a fruição estética, valorizando o conhecimento artístico como fundamental nas realizações humanas. A abordagem metodológica parte da análise de estudos bibliográficos, evidenciando como o desvelamento da correlação entre os campos implica em ganho interpretativo na leitura da realidade e seus desdobramentos.

O presente artigo tem por objetivo identificar a formação acadêmica dos docentes efetivos de Arte do Instituto Federal do Paraná. Propõe verificar, também, junto às ementas e os roteiros de análise dos projetos pedagógicos dos cursos (PPC) técnicos integrados da instituição, às principais áreas/linhas de atuação profissional e tentativas de integração para traçar um perfil desse corpo docente. Para isso, foi desenvolvida uma pesquisa qualitativa, de caráter descritivo e documental publicados nos sites dos campi e na página da pró-reitoria de gestão de pessoas (PROGEPE). O estudo revela que o IFPR se constitui no presente momento em uma instituição com 26 campi, com 43 docentes efetivos de Arte, com formações diversas dentro da área de arte - embora sem nenhum profissional com formação específica em Dança. Há casos de profissionais sem formação ministrando o componente, além de uma extrema dificuldade em legitimar o ensino de arte no contexto institucional, ora por uma resistência interna da gestão em reconhecer a relevância da área para a formação humana e profissional, ora pela indisponibilidade de espaços adequados para as práticas educativas em Arte.

O artigo apresenta uma análise sobre a formação de professores de Arte no curso de Licenciatura em Educação do Campo- Linguagens (Ledoc- LNG) da Universidade Federal do Espírito Santo (UFES). Parte da pergunta acerca das particularidades que constituem a Ledoc-LGN enquanto proposta interdisciplinar de formação de professores. Tem por objetivo compreender de que maneira tal formação se realiza na prática e como contribui da inserção dos estudantes na docência em Arte. Os dados foram produzidos a partir de pesquisa documental e entrevistas. Fundamenta a análise na categoria marxiano-lukacsiana de particularidade. Investiga as mudanças nas práticas de formação de professores de Arte mediadas por demandas sociais emergentes e dispositivos legais e suas implicações para o currículo de formação inicial de professores. Desta forma a análise desenvolveu-se a partir das Diretrizes Curriculares Nacionais do Curso de Licenciatura em Educação do Campo e as orientações legais para a oferta de curso interdisciplinar. O estudo identifica importantes mudanças nos currículos e nas práticas de formação de professores de Arte quando voltadas às políticas afirmativas. A análise permite perceber avanços no atendimento às necessidades da educação campesina, ao mesmo tempo aponta para os limites dessa proposta de formação inicial.

O artigo é um recorte das análises preliminares acerca das ações do Pibid Arte da Universidade Federal do Vale do São Francisco, submetido ao Edital 02/2020. O intuito é demonstrar a importância do programa na qualificação do trabalho docente a partir do diálogo entre a formação inicial e continuada a partir do pressuposto de que suas ações atuam de forma contra-hegemônica ao modelo vigente de formação docente no Brasil. Fundamentado na Pedagogia Histórico-Crítica, o Pibid Arte, proporcionou aos/bolsistas e supervisores/a, no período de outubro de 2020 a abril de 2021, procedimentos metodológicos tais como: estudos sistematizados com leituras, palestras, observação da realidade escolar no ensino remoto, relatórios com o objetivo de analisar a dinâmica institucional, pedagógica e política que envolve a práxis docente. Os primeiros resultados apontam a incorporação de algumas atitudes a saber: a. prática investigativa sobre a realidade escolar e o contexto social e histórico dos estudantes; b. uma aproximação maior dos/as bolsistas com a escrita acadêmica; c. para o/a supervisor/a, registro e revisão da prática pedagógica; d. o reconhecimento do papel da escola e do professor na sistematização dos conhecimentos para a formação humana, destacando o ensino de arte e a especificidade de seus conteúdos. Por fim, conclui-se que o Pibid Arte é um espaço diferenciado para pensar as políticas de formação docente em Arte, sobretudo, se constituindo em um movimento de resistência contra a precarização do trabalho pedagógico em curso no país demonstrando possibilidades de pesquisas vindouras para o fortalecimento da docência.

O artigo analisa, a partir da perspectiva histórico-cultural, questões pertinentes à formação inicial das/os professoras/es do Curso de Licenciatura em Artes Visuais – Integral (versão 2006), da Universidade Federal do Espírito Santo – UFES, e como essa formação reverbera nos modos de ensinar arte contemporânea na Educação Infantil que, em tempos de avanços tecnológicos significativos, tem redimensionado a forma das crianças produzirem e consumirem arte. Para tanto, realiza um estudo de caso a partir de entrevistas e diálogos com professoras desse segmento da educação básica. Fundamenta-se em Vigotski (2007) para abordar a perspectiva histórico-cultural no campo da psicologia, em Bakhtin (2010)), no campo da linguagem, e em Benjamin (2007) para pensar a criança. No campo do ensino da arte, apoia-se em Barbosa (2005) e em Cocchiarale (2006) e, para a formação de professores, em Fonseca da Silva (2019), em Foerste e Camargo (2019) e em Nóvoa (2009). Finaliza propondo uma aproximação entre a formação de professoras/es e a arte contemporânea, apresentando propostas educativas a partir de um ensino contemporâneo da arte para crianças pequenas.

O presente texto analisa as produções científicas acadêmicas sobre a Arte e Educação Especial disponibilizadas na Biblioteca Digital de Teses e Dissertações do IBICT. Trata-se de uma pesquisa bibliográfica, de cunho quantitativa, que contou com os recursos da análise bibliométrica para coletar, tratar e analisar todo o material. O resultado da pesquisa apresenta o corpus final de 16 artigos, produzidos por 16 diferentes autores, em sua maioria por mulheres, entre 2003 e 2017, com maior predominância no quadriênio 2009 a 2012. Os estudos concentram-se na Região Sudeste e nas instituições de ensino superior como a UDESC, USP, UFU, UFRN. Predominaram as pesquisas defendidas nos Programas de Pós-Graduação em Artes e, geralmente, com ênfase na modalidade de Artes Visuais. Os temas das 16 produções concentram-se na discussão da inclusão na e pela Arte, seguido do ensino de Arte. Os objetivos dos trabalhos versavam sobre a importância de compreender o papel da Arte na inclusão social e escolar das pessoas com deficiência, bem como entender a relevância da Arte na educação formal e não-formal. Os resultados dos estudos sinalizam que a Arte traz muitos benefícios relacionados à qualidade de vida e promoção da inclusão, porém, poucos enfatizam os aspectos pedagógicos e formativos da Arte. Conclui-se que a produção científica sobre Arte e Educação Especial é relevante, mas requer repensar a discussão da apropriação do conhecimento artístico pelas pessoas com deficiência.

O artigo discute a inserção da cultura surda na escola inclusiva, na Educação infantil e no Ensino de arte. Debruçamo-nos nas obras da artista plástica surda Nancy Rourke e selecionamos oito dentre as diferentes obras produzidas por ela entre 2010 e 2012, versando sobre identidade, alteridade e diferença. A pesquisa foi de natureza exploratória, com abordagem qualitativa e de caráter bibliográfico. Os estudos permitiram-nos compreender a aula de arte como um espaço privilegiado que produz ricas oportunidades de trabalho com as diferentes características do ser humano. Por isso, é relevante que o educador conheça as obras da artista e desenvolva, em sua sala de aula, atividades pedagógicas adequadas a cada turma, de modo a permitir que seus alunos, através da arte, conheçam e discutam a diversidade humana retratada nas pinturas. Em face do exposto acima, concluímos que trabalhar com o ensino de arte na Educação infantil nos possibilita iniciar o processo de apreciação estética e a formação de uma sociedade mais aberta e preparada para a vivência na perspectiva da diversidade humana.

Com foco na especificidade e autonomia do componente curricular Dança na Educação Básica, considerado na legislação educacional brasileira desde 2016, o texto reflete sobre a inserção do ensino de Dança na escola, a partir de produções acadêmicas recentes sobre o tema. A revisão de literatura e a pesquisa documental realizadas evidenciam aspectos contextuais, estruturais e relacionais da Dança como campo de conhecimento no meio escolar.

RESUMO Este trabalho considera que a elaboração da teoria estética de John Dewey, apresentada no livro “Arte como experiência”, publicado em 1934, decorre de uma série de ensaios da década de 1920 - “Experience, nature and art” [Experiência, natureza e arte], “Individuality and experience” [Individualida e experiência], “Affective thought” [Pensamento afetivo] e “Art in education - education in art” [Arte em educação - educação em arte]. O trabalho analisa cada um desses ensaios individualmente e relaciona os seus conteúdos com os temas centrais do livro, com o propósito de oferecer novas diretrizes para o trabalho docente na atualidade.

Este artigo se dedica a expor algumas reflexões acerca das relações entre arte e jogo surgidas a partir da experiência de ensino remoto emergencial intitulada Jogos, Poéticas, Estratégias e Gameficação – JPEG, como parte do Campo Remoto, atividade remota emergencial desenvolvida no âmbito dos cursos de artes visuais da Universidade Estadual do Paraná – Campus Curitiba I, no ano de 2020, em razão da pandemia da Covid-19. Dessa experiência surgiu um projeto de extensão universitária chamado Fabrica Ludi, cujo objetivo é desenvolver jogos que têm por tema o universo das artes visuais. Tomando como ponto de partida as teorizações de Johann Huizinga (Homo ludens) e Roger Caillois (Os jogos e os homens) sobre os jogos, são estabelecidos paralelos com o conceito filosófico da autonomia da arte e com a presença da noção de jogo em pensadores como Friedrich Schelling e Ludwig Wittgenstein. A partir desse arcabouço teórico, são apresentados e discutidos dois jogos criados pela equipe do projeto Fabrica Ludi: The Artworld e Gira-gira da arte, em que os conceitos de "mundo da arte" de Arthur Danto e o de ironia como tropo formativo da historiografia, de Hayden White, são empregados para estabelecer situações de ludicidade.