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Onde e como cineastas negros e negras têm fabricado a diferença do ponto de vista da linguagem: no filme como engenho de criação e no cinema como máquina de circulação entre mundos? Em que pontos esse processo de produção cinematográfica negra afronta o racismo no Brasil ou como cinemas negros fazem resistência ao racismo construindo uma experiência outra do corpo negro? Para tanto, analisamos, sob a forma de ensaio, dois curta-metragens de ficção “Alma no Olho (Zózimo Bulbul, 11”, 1974) e Kbela (Yasmin Thainá, 22”, 2015) utilizando uma metodologia de traços e aproximações com intelectuais negros e negras a partir da experiência com as imagens e dados dos processos fílmicos.

FAPEMIG - Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de Minas Gerais CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior Esta pesquisa busca analisar a emergência do cartaz de manifesto nas Jornadas de Junho nos diferentes ambientes como exercício estético-político de autoexpressão e de escrita insurgente alternativa às mídias tradicionais, como agente articulador de visibilidade, constituindo assim o caráter político, didático e transformador do próprio acontecimento. Inspirados nas coleções e nas constelações construímos um corpus de pesquisa que nos ajudou a contar o que ocorreu em junho de 2013. A partir de cartazes de manifesto e de outras narrativas sobre as Jornadas de Junho (jornalísticas, científicas e artísticas) esboçamos as complexas relações sociais e políticas daquele momento histórico. Para nos iluminar em nossas análises convocamos autores como Rancière, Didi-Huberman, Deleuze, Brecht, Bakhtin, Butler, entre outros. Os cartazes foram analisados em sua performance junto aos corpos dos manifestantes e nos ambientes por onde apareceram, sendo moldado e moldando esses ambientes na passagem de um para o outro. Para o desenvolvimento deste estudo, no exercício da construção de coleções/constelações, buscou-se organizar e examinar os cartazes/imagens desta tese como prática criativa de comunicação em um determinado contexto e ambientes em que tais conteúdos foram criados. Nosso modelo metodológico analisou não só o conjunto de imagens e cartazes por nós colecionados, mas diferentes conjuntos de dados que ajudaram a compreender o acontecimento. As diferentes fontes de dados não foram tratadas como campos isolados. Em vez disso, nosso modelo mostrou como os diferentes dados se relacionaram e se complementaram, dando uma visão mais complexa e emaranhada dos acontecimentos. O cartaz foi um “dispositivo” de insurgência que interrompeu a máquina consensual em seu modo habitual de produzir sentido e legibilidade para os acontecimentos. Permitiu que a escrita se tornasse parte da performance e do gesto político que redesenhou os percursos urbanos e as experimentações individuais. Possibilitou aos sujeitos experimentarem e expressarem suas subjetividades. Com isso compreendemos que não se tratou apenas de elaborar entendimentos sobre a própria participação/exposição nos protestos, mas de fabular uma outra experiência, de inventar outro vocabulário, apresentando novos termos, novos enunciados que se contrapusessem àqueles já legitimados. This research seeks to analyze the emergence of the poster in the June Journeys in different environments as an aesthetic-political exercise of self-expression and insurgent writing as an alternative to traditional media, as an articulating agent of visibility, thus constituting the political, didactic and transforming character of the event itself. Inspired by the collections and constellations, we built a research corpus that helped us to tell what happened in june 2013. From manifesto posters and other narratives about the June Journeys (journalistic, scientific and artistic) we sketched the complex relationships social and political aspects of that historical moment. To enlighten us in our analyses, we call on authors such as Rancière, Didi-Huberman, Deleuze, Brecht, Bakhtin, Butler, among others. The posters were analyzed in their performance next to the bodies of the demonstrators and in the environments where they appeared, being molded and molding these environments in the passage from one to the other. For the development of this study, in the exercise of building collections/constellations, we sought to organize and examine the posters/images of this thesis as a creative practice of communication in a given context and environments in which such contents were created. Our methodological model analyzed not only the set of images and posters we collected, but different sets of data that helped to understand the event. Different data sources were not treated as isolated fields. Instead, our model showed how different data related and complemented each other, giving a more complex and tangled view of events. The poster was a “device” of insurgency that interrupted the consensual machine in its usual way of producing meaning and legibility for the events. It allowed writing to become part of the performance and political gesture that redesigned urban paths and individual experiments. It allowed the subjects to experience and express their subjectivities. With this, we understand that it was not just a matter of elaborating understandings about the participation/exhibition in the protests, but of creating another experience, of inventing another vocabulary, presenting new terms, new statements that would oppose those already legitimized.

CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior Esta pesquisa se dedica ao estudo da filmografia do cineasta cambojano Rithy Panh, em seu esforço de elaboração do passado traumático do seu país. Buscou-se analisar quatro documentários do diretor que abordam o genocídio perpetrado pelo regime do Khmer Vermelho no Camboja, no período de 1975 a 1979. Para compreender o trabalho de memória realizado pelo cineasta, a tese se apoiou em estudos da filosofia da história (Walter Benjamin) e da psicanálise (Freud e Lacan). A análise fílmica investigou a relação peculiar entre quem filma e quem é filmado, as narrativas de testemunho e a ressignificação das imagens de arquivo. Foram identificadas quatro modalidades de elaboração cinematográfica da memória coletiva cambojana: a nomeação em Bophana, uma tragédia cambojana (1996), o encontro em S-21, a máquina de morte do Khmer Vermelho (2002), o confronto em Duch, o mestre das forjas do inferno (2011) e a rememoração em A imagem que falta (2013). This research studies the filmography of Cambodian filmmaker Rithy Panh, in his effort in the elaboration of the traumatic past of his country. We sought to analyze four of his documentaries that address the genocide perpetrated by the Khmer Rouge regime in Cambodia, from 1975 to 1979. To understand the filmmaker's work of memory, the thesis was based on studies of the philosophy of history (Walter Benjamin) and psychoanalysis (Freud and Lacan). The film analysis investigated the peculiar relationship between who films and who is filmed, the testimony narratives and the resignification of archival images. Four modalities of cinematographic elaboration of Cambodian collective memory were identified: the nomination in Bophana, a Cambodian Tragedy (1996), the encounter in S-21: The Khmer Rouge Killing machine (2002), the confrontation in Duch, Master of the Forges of Hell (2011) and the remembrance in The Missing Picture (2013).

Essa pesquisa trata da constatação do surgimento de um número significativo de obras no campo das artes visuais, relacionadas à biblioteca. Foi verificado que o surgimento dessas obras coincidiu com a retomada do interesse pela obra de Aby Warburg, a partir do final dos anos de 1980, e com o aparecimento de vários estudos em torno de sua KBW ou Kulturwissenschaftliche Bibliotek Warburg e do Atlas Mnemosyne ou Bilderatlas. A partir dessa evidência, essa pesquisa busca traçar e compreender as possíveis relações entre a KBW e as bibliotecas de artista. Essa denominação provisória, biblioteca de artista, considera a biblioteca como um espaço de construção poética, descrevendo as produções de artista cujo suporte é o espaço da biblioteca, seja esse um espaço real ou ficcional. Assim, denominamos essas obras, bibliotecas de artista, poeticamente, apresentando suas diferentes possibilidades, a partir do trabalho de diversos artistas. Não consideramos determinante que os artistas que produziram bibliotecas de artista tivessem necessariamente tido contato com a obra de Aby Warburg. Porém julgamos que sua obra revelou uma outra possibilidade para se pensar a biblioteca, assim como uma outra maneira para se pensar e fazer a pesquisa de imagem, levando, também, à exploração de diferentes relações entre palavras e imagens. À semelhança de Warburg, os artistas fazem da biblioteca uma arena, um campo a ser pensado, um território no qual podem construir, intervir ou ficcionar uma biblioteca. This research analyses the emergence of a significant number of works in the field of visual arts, from the late 1980s, related to libraries. The emergence of these works has been found to coincide with the resumption of interest in Aby Warburg’s work from the late 1980s, and the appearance of various studies around his KBW or Kulturwissenschaftliche Bibliotek Warburg and the Atlas Mnemosyne or Bilderatlas. From this evidence, this research seeks to trace and understand possible relationships between KBW and artist’s libraries. This provisional denomination, artist’s library, considers the library as a space of poetic construction, describing the artist’s productions supported by the library space, whether it is a real or a fictional space. Thus, we poetically call these works artist’s libraries, presenting their different possibilities based on the work of various artists. We do not consider it crucial that the artists who produced artist’s libraries have necessarily had contact with Aby Warburg’s work. However, we believe that his work revealed another possibility to think about the library, as well as another way to think and do image research, also leading to the exploration of different relationships between words and images. Like Warburg, artists use the library as an arena, a field to think about, a territory in which they can build, intervene, or fictionalize a library.

CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior A partir de uma proposição de natureza colaborativa, a presente tese trata das relações que se estabelecem entre o acontecimento, a memória, a narrativa e as autoficções poéticas. Pela perspectiva de um morador de uma antiga casa repleta de memórias e em vias de desaparecimento, o estudo reúne considerações acerca de imagem, tempo, ruína e alegoria para analisar proposições de natureza poética que aproximam e confundem o ato de criar com o ato de viver. Interessa-nos investigar o incessante movimento de imitação criadora da experiência temporal viva pautado por uma lógica do esquecimento e da apropriação de outras histórias. Dirigimos especial atenção ao papel das imagens nesse ato e suas possíveis implicações em relação a nosso sentido de alteridade. Nesse sentido, a pesquisa acompanha a transformação da casa em um espaço de convívio entre artistas reunindo diferentes enunciados poéticos na perspectiva de borrar as linhas fronteiriças entre o que é pessoal, o que é do outro e o que é da humanidade. Pretende-se atestar que é pela extensão do tempo enquanto distensão e pelo exercício de escritura do viver, que alcançamos, ao mesmo tempo, as impressões do passado, a multiplicidade do presente e seu dilaceramento em signos do futuro. Based on a collaborative artistic proposition, the present thesis investigates the relations that are established between the event, the memory, the narrative and the poetic self-fictions. From the perspective of the last resident of an old house full of memories and in a process of ongoing disappearance, the study brings together considerations about image, time, ruin and allegory to analyze poetic statements that approximate and confuse the act of creating with the act of living. We are interested in investigating the incessant movement of creative imitation of the lived temporal experience ruled by a logic of forgetting and appropriation of other stories. We pay particular attention to the role of images in this act and its possible implications in relation to our sense of otherness. In this sense, the research follows the transformation of the house into a living space between artists bringing together different poetic statements in order to blur the boundaries between what is personal, what is of the other and what is of humanity. The thesis intends to attest that it is by the extension of time as a distension, and by the rewriting exercise of living that we, at the same time, attain the impressions of the past, the multiplicity of the present and its laceration in signs of the future.

CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior Dança: arquivos como invenções é uma pesquisa em torno das plataformas digitais de dança contemporânea que busca ressaltar e analisar o modo como a noção de arquivo vem sendo reconfigurada a partir das mídias digitais. Projetos realizados nesse campo, tais como Synchronous Objects (2009), Motion Bank (2010–2013), Coreographic Coding Labs, CCLs demonstram que o registro de uma coreografia não está apenas vinculado a uma reprodução fiel dela mesma. Vários projetos nesta área propõem a criação de objetos coreográficos, rompendo com paradigmas da representação, da neurose do apagamento da dança e inaugurando novas perspectivas relacionadas à fluidez e à dinamicidade dos arquivos (Wolfgang Ernst; Maaike Bleeker são algumas referências nestas ideias). As proposições de Jacques Derrida (2001) em O mal de arquivo embasam o questionamento sobre o que é um arquivo, e a impossibilidade de univocidade desse conceito. Ressaltam ainda que o arquivamento produz e registra o evento e, por isto, está relacionado ao seu futuro. Assim, os acervos online, plataformas digitais, o MOCAP e outros sistemas de captura de movimentos podem transformar a coreografia em dados e esta se faz, refaz e pode ser reinventada em diversas outras formas. Serão ainda as proposições de André Lepecki do corpo como arquivo, e a distinção entre arquivo e repertório de Diana Taylor alguns dos conceitos adotados nesta pesquisa, visando investigar a premissa dos Arquivos como invenções. Assumir as duas proposições, tanto do corpo como arquivo quanto dos objetos coreográficos, tal como explicitado por Scott deLahunta, James Leach, Sarah Whatley, William Forsythe, levanos a considerar os modos como tais práticas vêm expandindo as noções de coreografia, inclusive nas suas interrelações com as mídias digitais. Investir na construção de plataformas digitais de dança é ampliar os entendimentos acerca da coreografia e, em especial, desenvolver conexões com diversas áreas do conhecimento, bem como instigar as conversações em dança com um público mais amplo. Este projeto de pesquisa atua na interseção entre o campo teórico e prático focado nos processos de criação em dança em sinergia com as interfaces e plataformas digitais. Tal entrelaçamento reforça e aprofunda as noções da dança como conhecimento e dos arquivos como invenções. The research in Dance: Archives as Inventions concerns digital platforms related to contemporary dance, analyzing how digital media has reconfigured the notion of archive. Projects carried out in this field, such as Synchronous Objects (2009); Motion Bank (2010-2013); Choreographic Coding Labs, CCLs have demonstrated that choreography archives are not merely an attempt to faithfully represent the artistic works. Many projects in this broad area are proposing the creation of choreographic objects, breaking with the paradigms of representation, the neuroses of vanishing on dance and inaugurating new perspectives related to the fluidity and dynamicity of archives (Wolfgang Ernst; Maaike Bleeker are some authors engaged on this idea). Archive Fever, Derrida’s proposition supports the question about what is an archive and sustains the impossibility of having uniqueness on this concept. It also emphasizes that the archiving produces and records the event, so it is related to its future. Thus, online collections, digital dance archives, MOCAP and other tracking systems can turn choreography into data in order to make it able to be remade and reinvented in many different forms. Alongside, André Lepecki’s proposition of the body as archive, and the distinction between archive and repertoire by Diana Taylor are adopted in this research with the aim to investigate the premise of archives as inventions. Assuming both concepts, the body as archive and the choreographic objects, proposed by Scott deLahunta, James Leach, Sarah Whatley, William Forsythe, leads to considering them as practices that are extending the notions of choreography and archives, in interrelations with digital media. Building digital dance platforms means to expand endeavors related to choreography and in particular to further develop connections with different fields of knowledge, as well as instigating conversations related to dance with a wider audience. This research project acts at the intersection between theoretical and practice-based fields, focusing on dance creative process in synergy with digital platforms. This interweaving of fields and practice reinforces and deepens the notions of dance as knowledge and archives as inventions.

CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior Esta pesquisa visa contribuir ao campo dos Métodos Digitais para estudos em Comunicação e Mídia, enfocando especificamente o problema da análise computacional de imagens por técnicas de aprendizado de máquina. Visando superar perspectivas metodológicas operacionais que se voltam a abordagens quantitativas, este estudo propõe refletir sobre o tratamento teórico concedido às imagens digitais nessas investigações e sobre como métodos computacionais conformam modos de ver particulares. O referencial teórico ampara-se principalmente nos Estudos de Ciência e Tecnologia (STS) e, em especial, na Teoria Ator-Rede (TAR). Por meio de conceitos desses domínios, as imagens são compreendidas como inscrições sociotécnicas, em uma condição de multiplicidade ontológica. Assume-se, portanto, a incerteza quanto à possibilidade de tratamento individual da imagem, considerando-a, de outro modo, como efeito de materialidades relacionais distribuídas. Estes são aspectos centrais da hipótese conceitual da imagem-rede, proposta por esta tese. Esta formulação é articulada a um esforço de descrição da operação de técnicas de reconhecimento de imagem por aprendizado de máquina baseadas em redes neurais artificiais. Em vista da vinculação desses modelos a amplas bases de treinamento colhidas da internet, bem como de sua tendência de infraestruturalização, considera-se que eles seriam parte importante do campo visual contemporâneo, engendrando visualidades computacionais com forte participação em processos de datificação e mediação algorítmica das imagens em plataformas online. A aplicação dessas técnicas como recursos metodológicos é proposta, portanto, como uma reapropriação crítica que considera os métodos como partes integrantes do objeto investigado. Esse gesto é exercitado em um estudo de caso voltado a imagens publicadas no Twitter durante um evento midiático. Em uma confluência das discussões teórico-metodológicas elaboradas ao longo do trabalho, propõe-se, ao final, um dispositivo metodológico denominado Atlas para Imagens-Redes. Ele visa proporcionar condições para práticas de navegação heurística pelas imagens, enquanto também busca resguardar a multiplicidade ontológica de suas instanciações. This research seeks to contribute do the field of Digital Methods for studies in Communication and Media by focusing, specifically, the issue of computational analysis of images through machine learning techniques. Aiming to overcome operational methodological perspectives which turn to quantitative approaches, this study proposes to reflect upon how digital images are theoretically considered in those efforts and how computational methods conform particular modes of seeing. The theoretical framework is mainly derived from Science and Technology Studies (STS) and, especially, Actor-Network Theory (ANT). Through concepts from these domains, images are understood as sociotechnical inscriptions, in a condition of ontological multiplicity. An uncertainty is therefore assumed regarding the possibility of treating images individually and, in contrast, it is proposed to approach them as effects of distributed relational materialities. These are central aspects of the conceptual hypothesis of the image-network, which is proposed by this thesis. This formulation is articulated to an effort of describing the operation of machine learning image recognition techniques based on artificial neural networks. Considering the relations among these models and large training data sets harvested from the internet, as well as their infrastructuralization tendencies, it is considered that they are important components of the contemporary visual field, generating computational visualitites with strong participation in datafication and algorithmic mediation processes to which images are subjected in online platforms. The application of these techniques as methodological resources is proposed, therefore, as a critical repurposing which considers methods as integral parts of the objects under scrutiny. This approach is exercised in a case study focusing on images published on Twitter during a media event. In a confluence of the theoretical and methodological discussions, a methodological device named Atlas for Image-Networks is finally proposed. It seeks to afford conditions for heuristic navigational practices through the images, while also attempting to preserve the ontological multiplicity of their instantiations.

O arquivo que aqui se constrói é aquele que emerge pelos testemunhos das imagens. Ora silenciada e por vezes retomada - a memória evocada por aqueles que se alinham com a discordância, produz trabalhos artísticos enquanto manifestos e denúncias de abusos contidos no exercício do poder e colabora para elaboração de um pensamento imagético resistente. Como os galhos indomáveis do crescimento inevitável de uma murta, a superação da barbárie de um processo civilizatório infindável e constante, constitui-se na borda de um trajeto inalcançável. Entende-se na verdade, que a construção de um Arquivo Selvagem latino, neste texto, está para além de uma localização geográfica e mais próxima de um resgate mnemônico e imagético: uma coleta polifônica composta por um recorte de respiros fictícios, acontecimentos históricos e trabalhos artísticos que se entrelaçam pela violência. The file that is built here is one that emerges from the testimonies of the images. Now silenced and sometimes retaken - the memory evoked by those who align with discordance, produces artistic works as manifestoes and denunciations of abuses contained in the exercise of power and collaborates to elaborate a resistant imaginary thought. As the indomitable branches of the inevitable growth of a myrtle, overcoming the barbarity of an endless and constant civilizing process is the edge of an unreachable path. It is understood, in fact, that the construction of a Latin Wild File in this text is beyond a geographic location and closer to a mnemonic and imagery rescue: a polyphonic collection composed of a cut of fictitious breaths, historical events and works which are intertwined by violence

Consideramos que o estudo das visualidades – conceito que tomamos de W. J. T. Mitchell (2009) e que usamos juntamente com o de televisualidade (ROCHA, 2018a) – é o caminho mais produtivo para se acessarem as matrizes culturais, conceito-metáfora que, proposto por Martín-Barbero (2009), refere-se à riqueza de determinações locais e históricas que sustenta os regimes de ver e mostrar, os quais, compartilhados em certo contexto sociocultural, são perceptíveis nos produtos televisivos. O principal objetivo desta dissertação é investigar visualidades de mulheres caipiras em telenovelas da Rede Globo de Televisão. Vamos analisar as seguintes personagens: Márcia (interpretada por Drica Moraes), de Chocolate com Pimenta; Mirna (Fernanda Souza), de Alma Gêmea; e Mafalda (Camila Queiroz), de Êta Mundo Bom!. Queremos encontrar o que o composto imagem/texto de pictures (MITCHELL, 2017) dessas personagens revela sobre matrizes culturais e regimes de ver e mostrar que sustentam visualidades de mulheres caipiras. Também buscamos perceber como tais pictures interpelam audiências, quais experiências aquelas podem proporcionar a telespectadores. A pesquisa além de compreender a importância histórica e cultural das imagens nas culturas populares na América Latina, tal como indicam Serge Gruzinski (2006) e Jesús Martín-Barbero (2009), inscreve-se no campo interdisciplinar de estudos de cultura visual e experimenta adotar o que Mitchell (2009, 2017) denomina como “dar imagem à teoria”. Trata-se de um percurso investigativo de questionamento das pictures de meios mistos, entre estes a televisão. Em vez de partir-se de conceitos prévios sobre a mulher caipira e buscar validá-los no modo como se aplicariam (ou não) à telenovela, buscam-se explorar elementos verbo-visuais de representações televisivas para, com isso, perceberem-se imagens possíveis a partir de uma mesma materialidade e como estas podem dialogar com regimes de visualidade da cultura na qual se inserem tais representações. O trabalho articula o método dos estudos visuais com o estilo televisivo, tal como este é proposto por Jeremy Butler (2010), considerando as especificidades de um meio complexo e multifacetado como a televisão, que possui forma criativa única e regimes criativos próprios que se formam em articulação com a cultura (MITTELL, 2010; MARTÍNBARBERO, 2009). A partir do investimento no composto dialético imagem/texto de pictures das personagens, o trabalho mostra como o rural e o urbano participam de diferentes modos de visualidades das três mulheres caipiras, localizando os corpos femininos e, também, ligando-os a utopias vinculadas a determinadas matrizes culturais. Entre o rural e o urbano, o elevado e o mundano, o arcaico e o moderno, a comédia e o drama, o humano e o não humano, o artístico e o útil, as telenovelas mostram como Márcia, Mirna e Mafalda compartilham dramas culturais e de gênero vividos por mulheres caipiras complexas, mestiças, que transitam entre o campo e a cidade. Ao mesmo tempo, essas mulheres contribuem para a construção de relatos de nação baseados em recriações de espaçotempos passados. We regard the study of visualities – concept taken from W. J. T. Mitchell (2009) and used here along with the idea of televisuality (ROCHA, 2018) – as the most productive means of accessing cultural matrices, concept-metaphor proposed by Martín-Barbero (2009) and understood as referring the historical and local determinacies that sustain regimes of seeing and showing shared in a certain sociocultural context and perceived on televisual products. Our main objective is to investigate caipira women’s visualities in Brazilian telenovelas broadcasted by Rede Globo de Televisão: Chocolate com Pimenta’s Márcia (played by Drica Moraes); Alma Gêmea’s Mirna (Fernanda Souza); and Êta Mundo Bom!’s Mafalda (Camila Queiroz). We aim to find what the image/text composite that constitutes pictures (MITCHELL, 2017) of these characters shows about cultural matrices and regimes of seeing and showing that sustain caipira women’s visualities. We also aim to notice the ways these pictures talk with their audiences, that is, the experiences the pictures may offer to viewers. This research, besides of taking into account the historical and cultural relevance of the images in Latin America’s popular cultures – as this aspect is indicated by Serge Gruzinski (2006) and Jesús Martín-Barbero (2009) –, is associated to the interdisciplinary field of visual culture studies and tries to adopt what Mitchell (2009, 2017) points to as “giving image to theory”. This investigative path enquiries pictures presented by hybrid media, as is the case of television. Instead of using previous concepts of caipira woman and testing their validity in regard to the mentioned telenovelas, we inquire verbo-visual components of the televisual representations, in order to perceive different images that may be generated by the same materiality and how these may interact with visuality regimes integrated to the culture in which those representations take part. This work articulates visual studies method with television style, as the last is proposed by Jeremy Butler (2010); we regard the particularities of a complex, multifarious medium as television, whose unique creative form and creative regimes are shaped in conjunction with culture (MITTELL, 2010; MARTÍN-BARBERO, 2009). By investing in the analysis of the image/text dialectic composite displayed by the characters’ pictures, this work shows different ways the rural and the urban take part in the three caipira women’ visualities, whose bodies are localized and, at the same time, connected to utopias linked to certain cultural matrices. Between the rural and the urban, the elevated and the mundane, the archaic and the modern, the comedy and the drama, the human and the nonhuman, the artistic and the useful, the telenovelas show how Márcia, Mirna and Mafalda share cultural and gender dramatic issues experienced by complex caipiras, mestiças who live between the rural and the urban. Simultaneously, those women contribute to the construction of narratives of nation that are based on the recreation of past situations.

Este trabalho discute as modulações do duplo em três produções do cinema contemporâneo: Cidade dos Sonhos (David Lynch,2001); Elefante (Gus Van Sant, 2003) e Mal dos Trópicos (Apichatpong Weerasethakul, 2004). Em um movimento de caráter exploratório, servindo-nos de leituras dos campos da psicanálise e da antropologia, consideramos o filme como um espaço privilegiado na elaboração das subjetividades, um agenciador de relações construídas tanto entre os personagens quanto entre a obra e o espectador. Destacamos as distintas formas de endereçamento do olhar presentes na especificidade de cada obra, procurando compreender, por meio da figura do duplo, de que forma o desejo atravessa, mobiliza e enlaça os sujeitos (personagens e espectadores) nessas narrativas. Chegamos, desse modo, a três modulações da figura do duplo: a sedução em Mal dos Trópicos, a errância em Elefante e a fantasia em Cidade dos Sonhos. This thesis aims to reflect on three different contemporary films: Mulholland Drive (David Lynch, 2001), Elephant (Gus Van Sant, 2003) and Tropical Malady (Apichatpong Weerasethakul, 2004), based on the figure of Double. Considering the film as a privileged space where subjectivity can be elaborated between characters and spectatorship and adopting a heuristic initiative founded on some notions deriving of psychoanalysis and anthropology fields, we intend to associate the singularity of each of these narratives to a specific psychic investment to the spectator considered as a desiring subject. Enhancing the multiple ways that the sight can be challenged in these movies, we investigate how desire operates trough these narratives employing the double as an asset. As the three modulations of Double, we selected the seduction as the figure that main represents Tropical Malady, the wander for Elephant and the fantasy for Mulholland Drive.

Em abril de 2007, a edição brasileira da revista Rolling Stone chegava às bancas com uma chamada, no mínimo, instigante: quem tem medo de Marisa Monte?. Tendo em vista a autonomia conquistada pela artista frente ao mercado fonográfico e o crescente investimento na construção da própria imagem, esta pesquisa discute a reconfiguração da visibilidade a partir de certo deslimite entre os domínios do público e do privado. Para tanto, analisamos fotografias feitas por Marisa Monte para o projeto gráfico do disco e do songbook Memórias, crônicas e declarações de amor (2000). Partindo do pressuposto de que os produtos midiáticos estão cada vez mais permeados por narrativas autobiográficas, buscamos mapear alguns traços que marcam a subjetividade contemporânea, em um contexto de emergência da vida ordinária e do homem comum. Buscamos entender ainda de que maneira os processos de celebrização foram transformados devido à constante exteriorização da intimidade. Por meio da análise das imagens, desejamos refletir acerca de uma dinâmica sociocultural que intensificou a demanda de observação do outro e, ao mesmo tempo, legitimou a exposição e a gestão de si. Portanto, ao contextualizar a postura de Marisa Monte diante da indústria cultural brasileira, tentamos mensurar traços autorais que fazem de sua própria obra parte de uma estratégia de manutenção da fama, respondendo, assim, às práticas contemporâneas que estimulam o culto à performance. In April 2007, the Brazilian edition of Rolling Stone magazine arrived at the newsstand with the at least curious headlines: who is afraid of Marisa Monte?. Taking in consideration the autonomy conquered by the artist in relation to the phonographic market and the increasing investment in the construction of the own image, this research discusses the reconfiguration of the visibility from certain unlimit between the domains of the public and the private. For this, we analyzed photographs made by Marisa Monte for the graphical project of the record and songbook Memórias, crônicas e declarações de amor (Memories, chronicles and declaration of love - 2000). Consideringthat the mediatic products are even more permeated by autobiographical narratives, we search to verify some traces that structure the contemporary subjectivity, in a context of emergency of theordinary life and the common man. We also searched to understand how the celebrization processes had been transformed due to a constant exteriorization of the privacy. Through the analysis of the images, we desired to reflect about a sociocultural dynamics that intensified the demand of observation of the other and, at the same time, legitimized the exposition and the management of herself. Therefore, when we contextualized the position of Marisa Monte in relation to the Braziliancultural industry, we tried to measure authorial traces that make her proper music part of a strategy of maintenance of the fame, answering, thus, to the contemporary practices that stimulate the cult of the performance.

Banksy é um codinome autoral, uma assinatura de grafites e estênceis que se assomam aos muros, às fachadas, às ruas, às praças da Inglaterra desde a última década, propagando-se por outros tantos espaços urbanos ao redor do mundo (da Europa à América Latina, dos Estados Unidos à Palestina), um trânsito, uma atitude já típica da nova geração britânica de artistas do urbano em geral, grafiteiros em particular tribo unida. Assinatura em possível apelidação, pelasufixação, do termo inglês bank (banco), nos diminutivos do lucro, do consumo; nos superlativos da barricada, do obstáculo, da resistência. De seu eficiente e eficaz anonimato conjetura-se encobrir um bretão de Bristol, Robert Banks, de supostos trinta e cinco anos. Outra possibilidade estaria no pseudônimo abrigar um coletivo de artistas esforçando-se num mesmo raciocínio plástico e conceitual (bem-humorado e filosófico, reflexivo do real, do agora). Além do espaço público das ruas, Banksy também opera em original interferência e apropriação de outros espaços públicos: parques de diversões (como a Disneylândia), zoológicos, museus principalmente; em "arte-invasões" que inserem suas obras burlando ironicamente não apenas a vigilância, mas especialmente o acesso, o processo seletivo e a autorização. Tentar encontrá-lo é criar respeitante à ideologia e ao humor deseu anonimato uma investigação, uma busca não pelo indivíduo ou pelo personagem, mas pelo que representa; pelo trajeto de sua arte e pela realidade que a causa e impulsiona, construindo um pequeno panorama de nossos tempos e alinhavando um diálogo, talvez uma dialética, numa entrevista imaginária a partir das palavras do próprio sorrateiro artista alvo móvel, alvo invisível. Banksy is a graffiti and stencils authorial code name, a tag looming to the walls, to the façades, to the streets, to the squares of England since the early 90's, spreading for so many other urban spaces around the world (from Europe to Latin America, from USA to Palestine), a transit, an attitude already typical of the new British street artists joint tribe. From suffixing, Banksy is a signature in possible nicknaming to the term bank, on the profit, consumption diminutives; on the barricade, obstacle, resistance superlatives. By his efficient and effective anonymity it's conjectured to hide a 34-year-old English man, Robert Banks, from Bristol. Another possibility would be the pseudonym sheltering a group of artists making an effort at the exact same plastic and conceptual reasoning (cheerful and philosophical, reflexive of the Real and theNow). Besides the street's public spaces, Banksy also operates in original interference and appropriation of other public spaces: amusement parks (like Disneyland), zoos, museums specially; in "art-intruders" which inserts his works ironically defrauding not only the surveillance, but even more the access, the selective process and the authorization. To probe to find him is to create concerning to the ideology and the humor of his anonymity an investigation, a search not for the person or the character, but for what depicts; for his art itinerary, for what it cause and impels, building a small landscape of our days andtacking a dialogue, maybe a dialectics, in an imaginary interview starting from the own sly artist words activity target, invisible target.

Esta dissertação investiga o constante atravessamento de conceitos e práticas artísticas no campo do filme/vídeodocumentário. As nuances desse atravessamento se manifestam em diferentes contextos e de diferentes maneiras, explicitando a potencialidade do gênero documentário de se autoquestionar através da desmontagem e da experimentação da sua linguagem. São investigados aspectoshistóricos do gênero documentário, utilizando-se também algumas ferramentas conceituais, enfatizando o pensamento de Gilles Deleuze sobre as imagens em movimento. Os filmes e vídeos são uma importante referência para este estudo, e os utilizamos para demonstrar como o hibridismo surge na própria prática fílmica e vídeográfica, e desmonta as categorias clássicas do documentário, em direção àvastidão de possibilidades do documentário perfurado. This dissertation investigates the constant artistic concepts crossing-over and also investigates practices in the film/videodocumentary field. The nuances of this crossing-over are manifested in different contexts and in different ways, highlightingthe potential of the documentary genre to self-questioning through the disassembly and testing of its own language. For this matter, historical aspects of the documentary genre are investigated by also using some conceptual tools to emphasize the thinking of Gilles Deleuze on moving images. Films and videos are an important reference for the matters of this study and therefore are used to demonstrate how the hybridism appears in the very heart of the filmic and videographic practices. The same films and videos are also used to dismantle the classical categories of documentary, toward the vast possibilities of the drilleddocumentary.

Nesta dissertação, investigamos as apropriações do cinema pelo vídeo a partir das obras: 24 Hours Psycho (1993), de Douglas Gordon, Schizo Uncopyrighted (2004), de Diego Lama e Psycho(s): A Live Remix (2006), de IP Yuk-Yiu. Em todos esses três vídeos, é reconhecível uma mesma imagem, tomada como referência em suas apropriações: a imagem do filme Psicose (1960), de Alfred Hitchcock, sendo que, em dois dos três vídeos, há também a presença das imagens de seu remake, o Psicose (1998) de Gus Van Sant. A abordagem que fazemos em relação aos três vídeos tem como intuito entender a forma como cada vídeo se apropria do cinema, assim como o tipo de imagem que criam ao deslocarem as imagens do filme Psicose. A partir das reflexões de Arthur C. Danto (2006), Hans Belting (2006), Nicolas Bourriaud (2007) e Philippe Dubois (2004), traçamos, nesta pesquisa, um perfil dos tipos de apropriação que se dão no contexto da arte contemporânea em geral, especificamente nas apropriações do cinema pelo vídeo, com o objetivo de compreendermos as apropriações que se dão nos vídeos de Gordon, Lama e Yuk-Yiu. Ao final, retomamos as noções de imagem-movimento e imagemtempo em Deleuze, para, por meio de seus fundamentos, esboçarmos uma reflexão sobre a imagem que esses vídeos criam ao se apropriarem do filme Psicose. This investiges the films appropriations that are made by video, in works: 24 Hours Psycho (1993), by Douglas Gordon, Uncopyrighted Schizo (2004), by Diego Lama and Psycho (s): The Live Remix (2006), by IP Yuk-Yiu. In all this three videos is identified the same image, taked as reference in their appropriations: the image of the movie Psycho (1960), of Alfred Hitchcock, and two of three videos have also images by his remake, the Psycho (1998), of Gus Van Sant. The approach we do about the relation of this three video is made to understand the way how each video appropriate the cinema, as well as the type of image they create when transform the images from the Psycho movie. Using the reflections of Arthur C. Danto (2006), Hans Belting (2006), Nicolas Bourriuad (2007) and Philippe Dubois (2004), we construct in this dissertation a profile of the types of appropriation that occurs in the general context of contemporary art, and specifically the films appropriations made by video, that helps to understand the appropriations made by Gordon, Yuk-Yiu and Lamas videos. In the end, we taking up the ideas of moving-image and time-image in Deleuze, tracing through its grounds what we consider to be the image that these videos create when appropriate the Psycho film.