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Con la herramienta IPad y el software Procreate, experimentamos a través del arte digital para crear un proyecto artístico compuesto por 9 ilustraciones que recrean a los Nahuales Maya desde una visión contemporánea. Las ilustraciones formarán parte de una baraja de cartas acompañada de un libro del que también elaboramos su la ilustración de cubierta. Este trabajo que dejamos abierto aborda la parte de preproducción y producción del proyecto

La escritura me enseñó a decir aquello que tenía oculto, me ayudó a conocerme más y a profundizar en mis sentimientos. Mediante este proyecto se pretende llevar a personas al azar la oportunidad de conocer los beneficios de escribir y de pasar tiempo con ellos mismos.

Desarrollo visual de un mundo de fantasía diseñado por la autora y cuyo objetivo es convertirse en un juego de rol en formato libro. El tema es la fantasía épica en un mundo distópico donde la magia ha reemplazado a la tecnología. El TFG se centra en el desarrollo visual de tres personajes, dos criaturas, cinco entornos y una muestra de diseño editorial. Desenvolupament visual d'un món de fantasia dissenyat per l'autora i que té com a objectiu convertir-se en un joc de rol en format llibre. El tema és la fantasia èpica en un món distòpic on la màgia ha reemplaçat la tecnologia. El TFG es centra en la creació visual de tres personatges, dues criatures, cinc entorns i una mostra de disseny editorial. Visual development of a fantasy world designed by the autor and whose objective is to be turned into a table top role playing game book. The subject is epic fantasy in a distopic world where magic has replaced technology. This TFG centers around the visual development of three characters, two creatures, five environments and a sample of editorial design.

Este trabajo de fin de grado se titula “Xanadú”, nombre con el que a su vez me identifico como artista. En este proyecto se trata el tema de la mitología asturiana, una mitología de la región conocida como “paraíso natural” y que en este caso es transformado a un “paraíso naturalmente inventado”. A los seres mitológicos de esta zona del noroeste de la península se les ha otorgado una nueva forma para darles así un nuevo significado a sus leyendas, las cuales están quedando en el olvido debido a su antigua forma de transmisión. Estos personajes mitológicos son creados e ilustrados digitalmente, tomando como referencia sus primeras descripciones y adaptándolas a la sociedad asturiana desde un punto de vista más adecuado a nuestros tiempos. Las nuevas representaciones están recogidas en una serie de ocho postales, acompañadas de un texto en asturiano perteneciente a cada uno de los personajes y que a su vez transmite rasgos de su personalidad. This end-of-grade project is entitled "Xanadú", which is also the name i use as an artist. The asturian mythology, the group of myths from a region known as “natural Paradise”, is addressed in this work, transforming and renaming this “natural Paradise” to a “naturally invented paradise”. The mythological beings of this area of the northwest of the peninsula have been given a new form. this way, their legends receive a new meaning that changes them from the old form of transmission which makes them highly forgotten. These mythological characters are created and illustrated digitally, taking their first descriptions as a reference and adapting them to asturian society from a more appropriate point of view to our times. The new representations are collected in a series of eight postcards, accompanied by a text written in asturian that belongs to each one of the characters and which also transmits their personality.

Trabajo Teórico-práctico sobre mis investigaciones de los trabajos creativos llamados “13 Horas” y otros trabajos relacionados, encontrando en las estéticas de las artes visuales el tema que trata, las últimas 13 horas de vida del poeta Federico García Lorca. Los referentes artísticos se interrelacionan entre las artes escénicas y las artes plásticas desde una actitud intermedia, con el siguiente desarrollo: Discursos de “13 Horas”, La escenografía y la instalación como generadora de acción, las artes plásticas y escénicas, performance, video-performance, happening, arte conceptual, los recursos audiovisuales, la danza, danza-teatro en productos intermedia escénicos, el espacio sonoro, Instalación, lugar de creación y conclusiones. Treball teoricopràctic sobre les meues investigacions dels treballs creatius anomenats “13 hores” i altres treballs relacionats, trobant en les estètiques de les arts visuals el tema que tracta, les últimes 13 hores de vida del poeta federico garcía lorca. Els referents artístics s'interrelacionen entre les arts escèniques i les arts plàstiques des d'una actitud intermèdia, amb el següent desenvolupament: Discursos de “13 hores”, l'escenografia i la instal·lació com a generadora d'acció, les arts plàstiques i escèniques, performance, vídeo-performance, happening, art conceptual, els recursos audiovisuals, la dansa, dansa-teatre en productes intermèdia escènics, l'espai sonor, instal·lació, lloc de creació i conclusions. Theoretical-practical work on my investigations of the creative works called "13 hours" and other related works, finding in the aesthetics of the visual arts the subject it deals with, the last 13 hours of the life of the poet federico garcía lorca. the artistic references are interrelated between the performing arts and the plastic arts from an intermediate attitude, with the following development: Speeches of "13 hours", the scenery and the installation as a generator of action, the plastic and scenic arts, performance, video-performance, happening, conceptual art, audiovisual resources, dance, dance-theater in scenic intermediate products, the sound space, installation, place of creation and conclusions.

Los recuerdos, tanto en formato físico como mental, no son impresiones totalmente fieles a la realidad. En vista de que están constituidos por un órgano mediador que los transforma y los traduce, hemos centrado nuestra investigación teórica en cómo se construyen los recuerdos y, por consiguiente, las imágenes asociadas a éstos. Como resultado de la investigación hemos confeccionado una serie de siete fotografías que, mediante el empleo del fotomontaje, reflejan a nivel visual, procesual y conceptual lo que entendemos por imagen mnemónica.

El projecte intenta condensar la història de l'art des del període clàssic a l'actual mitjançant dues peces de la mateixa obra The project tries to condense the history of art from the classical period to the present through two pieces of the same work. El projecte intenta condensar la història de l'art des del període clàssic a l'actual mitjançant dues peces de la mateixa obra

Este trabajo de fin de grado muestra el desarrollo de la marca Artem, una empresa de maquillaje que crea sus productos inspirándose en obras de arte. El proyecto consiste en crear la identidad visual corporativa, diseñar el manual de identidad corporativa y las aplicaciones corporativas, tanto offline como online. Con este proyecto se busca posicionar a Artem como una marca creativa, inclusiva y tolerante.

La intención con la que abordamos este tema es la de poner en manifiesto una problemática que debería hacerse visible a todos los efectos para poder paliar su repercusión en nuestros mares y océanos. Como principio sine qua non, no debemos olvidar que cualquier tipo de vida se inició en el agua, en el seno de nuestros seis grandes océanos: el pacífico, el atlántico, el índico, el ártico, el antártico y el austral¿ y con ellos acabará si no paramos esta ¿muerte transparente¿ que se cierne sobre ellos. L`intenció amb la qual abordem aquest tema és la de posar en manifest una problemàtica que hauria de fer-se visible amb caràcter general per a poder pal·liar la seua repercussió en les nostres mars i oceans. Com a principi sine qua non, no hem d'oblidar que qualsevol tipus de vida es va iniciar en l'aigua, en el si dels nostres sis grans oceans: el pacífic, l'atlàntic, l'índic, l'àrtic, l'antàrtic i l'austral¿ i amb ells acabarà sinó parem aquesta ¿mort transparent¿ que plana sobre ells. The intention with which we address this issue is to highlight a problem that should be made visible for all purposes in order to mitigate its impact on our seas and oceans. As a sine qua non principle, we must not forget that any type of life began in the water, within our six great oceans: the pacific, the atlantic, the indian, the arctic, the antarctic and the southern... and with them it will end if we don't stop this ¿transparent death¿ that hangs over them.

A través de este proyecto hemos querido investigar sobre el pasado y la propia herencia familiar, siguiente estas: costumbres, historias, y vivencias; plasmándolas de manera física para conservar la memoria colectiva que de estas hay. Se ha intentado hacer un nexo con las propias raíces y tradiciones, mediante labores como el bordado y fotografías viejas, haciendo uso de elementos típicos del entorno propio, el rural y jugando con texturas naturales características de este (cuerdas, herramientas de campo, troncos, tierra, ramas, los tintes naturales que se pueden sacar de las plantas) con la finalidad de sentirse orgulloso por formar parte de una identidad, de un pueblo y hacer a que perduro el que tanto le caracteriza. A través de este proyecto hemos querido investigar sobre el pasado y la propia herencia familiar, siguiente estas: costumbres, historias, y vivencias; plasmándolas de manera física para conservar la memoria colectiva que de estas hay. Se ha intentado hacer un nexo con las propias raíces y tradiciones, mediante labores como el bordado y fotografías viejas, haciendo uso de elementos típicos del entorno propio, el rural y jugando con texturas naturales características de este (cuerdas, herramientas de campo, troncos, tierra, ramas, los tintes naturales que se pueden sacar de las plantas) con la finalidad de sentirse orgulloso por formar parte de una identidad, de un pueblo y hacer a que perduro el que tanto le caracteriza.

Corto animado al estilo de los años 20-30 donde se muestra las aventuras de Iberio y su amigo Bullio mientras deben evitar al malvado don Matador.

Creación de una pieza de videoarte sobre el mito de las pleiades basándonos en los libros de la autora Lucinda Riley. El video arte estará compuesto de fotografías, animaciones y videos.

La propuesta se basa en la recopilación de datos que reconstruyan rutas que seguían las mujeres durante la postguerra española para mantener a sus familias. Documentar las rutas presenta el reconocimiento y visibilización del trabajo nutricio que tuvieron que desempeñar forzosamente figuras vulneradas, invisibilizadas y oprimidas. Como material de documentación plástica se incluye el cabello de mujeres recopilado en altea, por lo que biológicamente está conectado a ellas. Por otro lado, incluye una narración de audio de testimonios que relatan las hijas y nietas, narran y contextualizan la ruta y realidad en la que sus antecesoras vivían. La proposta es basa en la recopilació de dades que reconstruïsquen rutes que seguien les dones durant la postguerra espanyola per a mantindre a les seues famílies. Documentar les rutes presenta el reconeixement i visibilització del treball nutrici que van haver d'exercir forçosament figures vulnerades, invisibilitzades i oprimides. Com a material de documentació plàstica s'inclou el cabell de dones recopilat a altea, per la qual cosa biològicament està connectat a elles. D'altra banda, inclou una narració d'àudio de testimoniatges que relaten les filles i netes, narren i contextualitzen la ruta i realitat en la qual les seues antecessores vivien. The proposal is based on the compilation of data that reconstructs routes that follow the gifts during the spanish postwar period to support their families. Documenting the routes presents the recognition and visibility of the nutritional work that vulnerable, invisibility and oppressed figures will have to forcefully exercise. With plastic documentation material, the hair of the gifts is included in altea, for which it is biologically connected to them. Also, it includes an audio narration of testimonies that tell the stories and nets, narrate and contextualize the route and reality in which their ancestors live.

Triptic o les Tragèdies Rurals de Federico García Lorca, tracta d'una mena de travestisme, del liminal, de tot allò que no hauria de poder ser, d'existir (ser real i vertader), de totes aquelles coses que es situen sobre el llindar, que no son propies ni alienes, que son sense ser, del daemon, transitiu, indefinit... Triptych or the Rural Tragedies of Federico García Lorca, is about a kind of transvestism, the liminal, everything that should not be able to be, to exist (to be real and true), of all those things that are located on the threshold, which are neither own nor alien, which are without being, of the daemon, transitive, indefinite ... A work through collective images, the social being and the de-construction of the home (living space, places of memory).

La música ha sido siempre una herramienta pública para aunar voces. Este TFG pretende reivindicar la importancia del feminismo p ara posicionar a la mujer en la sociedad. B asándonos en una lista de canciones feminista s con un claro mensaje reivindicativo daremos a conocer más artistas y cantantes importantes tanto de la época actual como épocas anteriores . M ediante la confección de un fanzine que recopile una serie de ilustraciones, realizadas mediante técnicas digitales, daremos forma a nuestra propuesta artística.

Nuestro trabajo de fin de grado consiste en el desarrollo visual de un cómic de autoría propia, cuyo título es “Ellas y yo”. La estética del cómic está inspirada tanto en el cómic europeo como en el manga japonés. El género del cómic sería dramático y el tema es el día a día de nuestra protagonista y su relación con la personificación de su ansiedad y depresión, que se representan como personajes antropomórficos con las que solo ella puede interactuar. En particular hemos desarrollado el concept art de las tres protagonistas, y hemos analizado y definido el formato de página del cómic. Como resultado definitivo también hemos dibujado una historieta que ejemplifica el tipo de interacción entre las protagonistas, el diseño de página y las tipografías definitivas

L’ordinaire à travers le prisme de l’inconscient es un proyecto artístico completo que parte de una pre-producción, emprende la producción de obra inédita, recoge algunas obras precedentes y acomete en su pre-producción la realización de una exposición individual nocturna. Esta reúne obras plásticas y audiovisuales de carácter surrealista e intermedia. Basada en los temas del sueño, del inconsciente y del objet trouvé, propone una reflexión en torno a los conceptos de lo ordinario y lo cotidiano, frente a los de lo extraño y lo desconocido, entre otros.

Este proyecto trata de explorar en las estéticas de lo decadente y lo nostálgico que el autor observa en las arquitecturas naturales y humanas en las que se crió. Para ello, se genera un libro de artista en el que se combinan diversos procedimientos tales como la impresión botánica sobre textil, la elaboración artesanal de papel y el grabado calcográfico. Aquest projecte intenta explorar en les estètiques de la decadencia i la nostalgia que l'autor observa en les arquitectures naturals i humanes en què es va criar. Per això, es genera un llibre d'artista en què es combinen diversos procediments com ara la impressió botànica sobre tèxtil, l'elaboració artesanal de paper i el gravat calcogràfic. Aquest projecte intenta explorar en les estètiques de la decadencia i la nostalgia que l'autor observa en les arquitectures naturals i humanes en què es va criar. Per això, es genera un llibre d'artista en què es combinen diversos procediments com ara la impressió botànica sobre tèxtil, l'elaboració artesanal de paper i el gravat calcogràfic.

Nuestro trabajo parte de la investigación del arquetipo de la sombra y el autoanálisis del mundo onírico propio. Utilizando una metodología de investigación cualitativa nuestro objetivo es la creación de un poomsae de taekwondo vinculado con la relación simbólica entre la mujer y la loba, y fusionarlo con el lenguaje artístico de la instalación-performance El nostre treball part de la investigació de l’arquetip de l’ombra i l’autoanàlisi del món oníric propi. Utilitzant una metodologia d’investigació qualitativa, el nostre objectiu és la creació d’un poomsae de taekwondo vinculat amb la relació simbòlica entre la dona i la lloba, i fusionar-ho amb el llenguatge artístic de l’instal·lació-performance.

Una serie de ilustraciones que conforman el apartado del diseño conceptual y artístico de entornos y personajes para un videojuego. Este pertenece al género conocido como "souls like" y está ambientado en un mundo de fantasía con temática japonesa. Este trabajo de fin de grado se ha realizado mediante técnicas de 3d e ilustración digital. Una sèrie d'il·lustracions que conformen l'apartat del disseny conceptual i artístic d'entorns i personatges per a un videojoc. Aquest pertany al gènere conegut com a "souls like" i està ambientat en un món de fantasia amb temàtica japonesa. Aquest treball de fi de grau s'ha realitzat mitjançant tècniques de 3d i il·lustració digital. A series of illustrations that make up the conceptual and artistic design of environments and characters for a video game. This game belongs to the genre known as souls like and is set in a japanese-themed fantasy world. This project has been carried out using 3d and digital illustration techniques.

Durante el paso de los años, las mujeres han adquirido mayores derechos, facilitándoles la entrada al mundo laboral y mejorando su calidad de vida hasta la actualidad. A pesar de esa evolución, continúan sufriendo la llamada violencia de género. Con una intención artivista y mediante una metodología de investigación cualitativa basada en las Artes (Arts based Research) se utiliza la fotografía callejera para realizar una serie de 15 imágenes para incitar al espectador a la indagación y la reflexión sobre los espacios privados que se muestran, pero desde una mirada pública

Diseño y creación de una marca propia y dos prototipos de juguetes didácticos para fomentar el aprendizaje de la lengua de signos. Tras una investigación acerca de cómo nos relacionamos con nuestro entorno, con las personas, llegando a concluir que nuestra manera de comunicarnos es importante en la relación con el mundo que nos rodea. Se presenta un proyecto para ayudar a la inclusión de la comunidad sorda, además de ser beneficioso para el desarrollo cerebral y la comunicación, aprendiendo el abecedario dactilológico español a través de dos juguetes, en formato tridimensional y bidimensional, con ayuda de la observación y repetición, prueba y error. Se plantea el uso de los colores primarios, azul, amarillo y rojo que están relacionados con la obra de la artista Nancy Rourke, artista sorda, los cuales se usan simbólicamente por grupos de letras. 2

Con mi proyecto pretendo poner el acento sobre las relaciones familiares y, en concreto, las materno filiales. Esta idea se transmite en forma de cuento ilustrado en el que se relata la relación entre una madre y su hija y la historia de un secreto. Con este trabajo hemos desarrollado un proyecto de narración gráfica en el que ponemos en práctica un proyecto de ilustración digital creado con la herramienta iPad, el software Procreate y maquetando en Adobe Indesign. Amb el meu projecte pretenc posar l'accent sobre les relacions familiars i, en concret, les matern filials. Aquesta idea es transmet en forma de conte il·lustrat en el qual es relata la relació entre una mare i la seua filla i la història d'un secret. Amb aquest treball hem desenvolupat un projecte de narració gràfica en el qual posem en pràctica un projecte d'il·lustració digital creat amb l'eina ipad, el programari procreate i maquetant en adobe indesign. With my project i intend to put the accent on family relationships and, specifically, mother-child relationships. This idea is conveyed in the form of an illustrated story in which the relationship between a mother and her daughter and the story of a secret are recounted. With this work we have developed a graphic narration project in which we put into practice a digital illustration project created with the ipad tool, the procreate software and laying out in adobe indesign.

Ante una sociedad donde la necesidad de consumir cada vez es mayor, nos encontramos un nuevo paradigma donde el individuo ya no consume por necesidad, sino por una satisfacción personal. Este consumismo extremo según el filósofo Gilles Lipovetsky es una de las principales características de la hipermodernidad, una nueva era que deja atrás la posmodernidad. Este individuo hipermoderno alejado de la tradición, busca en lo material una nueva fe, convirtiéndose a su vez en objeto de consumo fabricado por los nuevos medios de comunicación. El cortometraje animado que se presenta en este proyecto de investigación hacer reflexionar al espectador sobre los nuevos sistemas de creencias, la inevitable evolución a la que se enfrente la sociedad y, por lo tanto, la crisis de identidad que esto genera.

Este proyecto se trata de un poemario ilustrado que consta de seis textos con sus seis ilustraciones correspondientes, tratando el trauma y las carencias infantiles como tema principal. “Las estancias que habito” indaga en mi infancia a través de lenguajes híbridos que aúnan la ilustración, en un juego de metáforas y recursos estilísticos y la narrativa autobiográfica, para desde ahí abordar las carencias emocionales y traumas vividos que han dejado heridas sin curar en mi vida adulta. Aquest projecte es tracta d'un poemari il·lustrat que consta de sis textos amb les seues sis il·lustracions corresponents, tractant el trauma i les mancances infantils com a tema principal. “Les estades que habite” indaga en la meua infància a través de llenguatges híbrids que conjuminen la il·lustració, en un joc de metàfores i recursos estilístics i la narrativa autobiogràfica, per a des d'ací abordar les mancances emocionals i traumes viscuts que han deixat ferides sense curar en la meua vida adulta. This project is an illustrated collection of poems that consists of six texts with their six corresponding illustrations, dealing with trauma and childhood deficiencies as the main theme. “The stays i inhabit” explores my childhood through hybrid languages that combine illustration, in a game of metaphors and stylistic resources and autobiographical narrative, to address the emotional shortcomings and traumas that have left unhealed wounds in my adult life.

Se plantea este proyecto como si tratara de un diario; Metanoia es un libro objeto que recoge un viaje sobre la vida del propio sujeto desde un sentido personal e intimista a través de la reflexión, la investigación y la creación artística; un proyecto muy personal, en el cual todo lo que haga será válido. Cada experiencia quedará marcada no solo en el diario, sino también en la memoria que se genera en el aprendizaje del propio artista al igual que el recuerdo que queda grabado en nuestra mente cuando realizamos un viaje

El trabajo Flanerie piando consiste en la recopilación de diversos mensajes publicados en la red social Twitter que posteriormente han sido ordenados atendiendo a pensamientos inmediatos con el fin de crear una narración experimental en forma de diario. Este relato se ha materializado imprimiendo cada tweet en tarjetas publicitarias envasadas al vacío para protegerlas de agentes ajenos. La idea del libro parte de la tradición del apropiacionismo que se inicia con las vanguardias artísticas del siglo XX y tiene su continuación en las prácticas artísticas contemporáneas relacionadas con internet y otros medios como la fotografía y la música. "Flânerie piando" consisteix en la recopilació de diversos missatges publicats a la xarxa social twitter que posteriorment han estat ordenats atenent pensaments immediats per tal de crear una narració experimental en forma de diari. Aquest relat s'ha materialitzat imprimint cada tweet a targetes publicitàries envasades al buit per protegir-les d'agents aliens. La idea del diari parteix de la tradició de l'apropiacionisme que s'inicia amb les avantguardes artístiques del segle xx i té la continuació en les pràctiques artístiques contemporànies relacionades amb internet i altres mitjans com la fotografia i la música. "Flânerie chirping" consists of the compilation of various messages published on the social network twitter that have subsequently been ordered according to immediate thoughts in order to create an experimental narrative in the form of a diary. This story has been materialized by printing each tweet on vacuum-packed advertising cards to protect them from outside agents. The idea for the diary stems from the tradition of appropriation that began with the artistic avant-gardes of the 20th century and continued in contemporary artistic practices related to the internet and other media such as photography and music.

La interpretación del sentimiento de nostalgia mediante la creación de un conjunto de estilismos que se originan en desde las experiencias y recuerdos del artista con un trasfondo estético y ligado al comportamiento de la juventud alrededor de la década de los 2000, Con la utilización de la añoranza por el pasado como medio de expresión para la creación de una obra que busca representar dicho sentimiento como motor creativo y usarlo para utilizar tanto los buenos recuerdos como los traumas de la infancia y pre adolescencia del artista en ideas y proyectos artísticos La interpretació del sentiment de nostàlgia mitjançant la creació d'un conjunt d'estilismes provinents de les experiències i records de l'artista amb un rerefons estètic i lligat al comportament de la joventut al voltant de la dècada dels 2000. Amb la utilització de l'enyorança pel passat com a mitjà d'expressió per a la creació d'una obra que busca representar aquest sentiment com a motor creatiu i fer-lo servir per utilitzar tant els bons records com els traumes de la infància i preadolescència de l'artista en idees i projectes artístics Interpretation of the feeling of nostalgia through the creation of a set of styles from the experiences and memories of the artist with an aesthetic background and linked to the behavior of youth around the 2000s, with the use of longing for the past as a means of expression for the creation of a work that seeks to represent said feeling as a creative engine and use it to use both the good memories and the traumas of the artist's childhood and pre-adolescence in ideas and artistic projects

Una serie de piezas de joyería que hacen un recorrido sobre el propio cuerpo y su historia. Reflexionando sobre que es aceptado y lo que percibimos como defectos o imperfecciones desde la infancia. Trabajar en estas percepciones que han evolucionado hasta el presente desde un ámbito personal, en el que cada pieza tiene su propia historia. Se utiliza una combinación de diversas técnicas y materiales en función de cada pieza y cada territorio corporal A series of pieces of jewelry that take a tour of the body itself and its history. Reflecting on what is accepted and what we perceive as flaws or imperfections since childhood. Work on these perceptions that have evolved to the present from a personal level, in which each piece has its own story. A combination of various techniques and materials is used depending on each piece and each body territory.

Jenny es un cuento que trata sobre una criatura que vive en un agujero y recoge dientes por las noches. En este trabajo se entrelazan ilustraciones con el texto y se observa el estudio y el proceso por el cual se ha llegado al resultado. Es una historia que también trabaja el estilo new weird y los conceptos de lo gótico y lo siniestro.

La presente propuesta de trabajo de fin de grado consiste en la elaboración de una serie de ilustraciones que relatan la historia acerca de un caso de abuso sexual infantil sucedido en un centro educativo. El suceso se produce por parte de un profesor hacia una alumna y se narra desde el punto de vista de la niña. Las ilustraciones han sido realizadas utilizando un estilo gráfico en el que se omiten los rasgos individuales de los personajes para enfatizar el punto de vista ambiguo y sugerente de la narración. Finalmente, el proyecto se ha materializado por medio de un conjunto de láminas impresas presentadas en una caja de cartón, manteniendo el orden cronológico de la historia.

ste Trabajo de Fin de Grado surge tras la idea de reconstruir parte de la historia familiar, que por motivos laborales tuvo que migrar desde Tarifa hacía el levante español en la década de los 70. El proyecto consta de tres retratos familiares realizados con pastel sobre papel, a los que se ha acompañado con una grabación sonora que reproduce una entrevista realizada al único miembro familiar de los que conforman la serie que actualmente sigue con vida. Los retratos parten de las fotografías encontradas en las cartillas y documentos de la época. Por su parte, en el relato se narra con datos relevantes las causas de la migración realizada por la familia, las formas de pesca de la época, las condiciones laborales en las que faenaban en aquellos años, así como datos familiares interesantes, anécdotas, sucesos, etc.

La carrera sin obstáculos es una guía de supervivencia para estudiantes que vayan a acceder o hayan accedido recientemente a la universidad. La guía se divide en 4 bloques que abarcan desde la universidad como institución, la vida independiente, las nuevas relaciones y para finalizar una última sección dirigida al trabajo. La guía es un libro de medio formato y de consulta o lectura ligera para que todo estudiante comprenda los aspectos más relevantes de esta nueva etapa. Además, su estética se mueve por un diseño limpio de colores llamativos que representan los cuatro bloques de la guía

Es evidente que la imagen ha sido adaptada a los medios de comunicación predominantes en la actualidad. Las propiedades que divergen de la instrumentalización de iconos y contenido, dan lugar a una creciente dicotomía respecto a la primera mitad del siglo XX con el desarrollo del cine. Esta imagen, que resulta invasiva en su pluralidad, replica un comportamiento errático característico de la praxis del mercado de la información y el entretenimiento a través de un apropiacionismo siniestro. Ocurre algo similar con el usuario que intercepta la información: la arquitectura que constituye las regiones metropolitanas está especialmente diseñada para que las relaciones humanas estén mediadas por imágenes. La representación audiovisual producida procura indagar estos conceptos a través de una deriva procesual que parte del tránsito veloz. La fotografía compulsiva articula secuencias pocas veces comprensibles, aunque hipnóticas.

“Mother Is Creator” es un proyecto multidisciplinar que pretende dar una nueva mirada de la maternidad y la creación artística desde mi experiencia como madre, a través de dos culturas, la árabe y la occidental. El proyecto consta de una parte teórica donde se muestran las maternidades reales y cómo esto influye en la obra, y de una parte visual y plástica en la que se realiza una serie de serigrafías, fotomontajes y performance donde nos redescubrimos como artista y como mujer después de crear vida. Por tanto, hemos fusionado el crear y el criar: reflejo de la maternidad en el proceso creativo. “Mother is creator” és un projecte multidisciplinari que pretén donar una nova mirada de la maternitat i la creació artística des de la meua experiència com a mare, a través de dues cultures, l'àrab i l'occidental. El projecte que consta d'una part teòrica on es mostren les maternitats reals i com això influeix en l'obra, i una part visual i plàstica en la qual es realitza una sèrie de serigrafies, fotomuntatges i performance on ens redescobrim com a artista i com a dona després de crear vida. Per tant, hem fusionat el crear i el criar: reflex de la maternitat en el procés creatiu. "Mother is creator" is a multidisciplinary project that aims to take a new look at motherhood and artistic creation from my experience as a mother, through two cultures, arab and western. The project consists of a theoretical part where real maternities are shown and how this influences the work, and a visual and plastic part in which a series of serigraphs, photomontages and performance where we rediscover ourselves as an artist and as a woman after creating life. Therefore, we have merged creating and raising: a reflection of motherhood in the creative process.

En nuestro presente trabajo de investigación “Anota nota al pas” se llevan a cabo distintas maneras de ocupar el parque La Repla. Escribir, pintar y poner el cuerpo enfocando la atención en aquello que transcurre, para así, conocer el lugar. Dejamos en un segundo plano la arquitectura y preguntamos: ¿cómo nos movemos en este espacio?, ¿hay mucho tránsito?, ¿nos quedamos tranquilamente a leer en él? A partir de estas preguntas nos planteamos una serie de salidas al parque, donde interpretamos aquello que observamos mediante la pintura, el transfer, la performance y su registro audiovisual Al nostre present treball d'investigació “Anota nota al pas” es duen a terme diferents maneres d'ocupar el parc “La Repla”. Escriure, pintar i posar el cos enfocant l'atenció en allò que transcorre, per així conèixer el lloc. Deixem en un segon pla l'arquitectura i preguntem: com ens movem en aquest espai?, hi ha molt de trànsit?, ens quedem tranquil·lament a llegir-hi? A partir d'aquestes preguntes ens plantegem una sèrie de sortides al parc, on interpretem allò que observem mitjançant la pintura, el transfer, la performance i el registre audiovisual. In our present research work "Anota nota al pas" different ways of occupying the park "La Repla" are carried out. Write, paint and put the body focusing attention on what is happening, in order to get to know the place. We leave architecture in the background and ask: how do we move in this space? Is there a lot of traffic? Do we stay quietly to read in it? Based on these questions, we set out a series of outings to the park, where we interpret what we observe through painting, transfer, performance and its audiovisual recording.

El proyecto que presentamos consiste en la creación de un experimento jugable a partir de una historia no verbal poniendo el foco en el diseño del entorno virtual, optando por la narración muda, y el concepto de obra abierta, que da como resultado distintas lecturas personales.

El proyecto tiene como título "el arte como consecuencia del movimiento" y se basa en cómo un movimiento físico genera diferentes cambios de la materia en un determinado espacio y tiempo, y lo que ésto genera de forma física. A nivel plástico el resultado será una obra mixmedia, en la cual se trabaje el paisaje sonoro y la representación visual de sonidos mediante la performance y el dibujo. El projecte té com a títol "l'art com a conseqüència del moviment" i es basa en com un moviment físic genera diferents canvis de la matèria en un determinat espai i temps, i el que açò genera de forma física. A nivell plàstic el resultat serà una obra mixmedia, en la qual es treballe el paisatge sonor i la representació visual de sons per mitjà de la performance i el dibuix. The project is entitled "art as a consequence of movement" and is based on how a physical movement generates different changes of matter in a certain space and time, and what this generates in a physical way. On a plastic level, the result will be a mixmedia artwork, in which the soundscape and the visual representation of sounds will be worked on through performance and drawing.

“Para no olvidarme de mí” es una serie de obras escultóricas realizadas con la técnica de fundición a la cera perdida con molde de cascarilla cerámica mediante el proceso de microfusión con colada por volteo basadas en una obra propia que nace de un análisis propio y búsqueda de una solución plástica al miedo que tengo a perder la memoria. Se trata de la creación de siete piezas figurativas, representando con cada una todas las etapas importantes de mi vida, relacionadas con las personas y animales que más han influido en ella hasta el momento.

Partiendo del análisis conceptual sobre la representación del cuerpo en el trabajo de algunas artistas feministas y el movimiento de positividad corporal como una corriente feminista, el trabajo que se lleva a cabo tiene como objetivo general investigar sobre diferentes procesos y materiales reciclados textiles para representar la piel humana y reivindicar la aceptación del cuerpo femenino

A través de la experientación por medio de la Historia del Arte, se genera esta pieza. Llevada a cabo por medio de la sustitución de elementos reconocibles y/o asociables con el personaje, al que nos referimos como Ludi. A través de Ludi, se pretende la elaboración de un elemento capaz de mimetizarse con el usuario a reproducir. Ludi es la base de un amplísimo proyecto de representación del cual nace esta serie compuesta por siete ilustraciones digitales basadas en los siguientes cuadros: La Libertad guiando al pueblo, 1830; Una Lechera, 1814; El hombre de Vitruvio, 1492; Intentando lo imposible, 1928; Las Tres Gracias, 1503; El Nacimiento de Venus, 1852; Escapando de la crítica, 1874

La propuesta para este trabajo aborda una de las problemáticas que hay dentro del Ballet clásico enfocando en la poca diversidad de la actuación de bailarinas negras como artistas reconocidas como bailarinas clásicas por el racismo institucional y social que sigue existiendo en este tipo de manifestaciones artísticas, y en el que los estereotipos femeninos están vinculados a la mujer blanca. Desde una perspectiva activista esta investiga­ción utiliza una metodología cualitativa cuyo objetivo general es la reivindicación del cuerpo negro femenino como bailarina clásica, mediante la performance.

El trabajo presentado aborda el tema de la violencia, en relación con los orígenes de las religiones, la política, la economía y la naturaleza del ser humano. Violencia relacionada con el juicio de lo malo y lo bueno, la rueda eterna del sacrificio de sangre que se ha generado desde los orígenes de las sociedades que compiten por objetos del deseo mimético1 Este trabajo es el resultado personal originado al diagnosticar al ser humano social y subjetivo a partir de vivencias, visionados, poesía, lecturas del conocimiento de sí mismo, lecturas girardianas2 y primordialmente desde las observación en la vida cotidiana que se difunde por diferentes medios de comunicación masivos de nuestro universo humano antropo-heterogenético3 actual, que nos arroja evidencias que otorgan reflexiones sobre la cuestión de la legitimación de la violencia en colectivos de seres humanos, a propósito de imponer su visón sobre la economía, sobre los cuerpos, sobre animales, y territorios, constituyendo un sistema de modelo que se sostiene en la producción de objetos del deseo, que son los faros en las sociedades que hemos desarrollado, en una aparente evolución social desde el concepto de evolución de la “civilización”. Se cuestiona la dualidad colectiva de la percepción sobre la violencia: legítimamente buena para luchar contra el mal, incuestionablemente mala si viene desde la perspectiva opuesta al bien legítimo (instituciones), esta batalla de enfoques sobre lo legítimo se expresa a través de la conceptualización pictórica, mediante objetos y figuras alegóricas de lo sagrado4 relacionadas con otras formas sugerentes que nos muestran otra realidad detrás de su primera apariencia visible, un escenario apocalíptico. La violencia simbólica está presente en la forma de representar los elementos que componen la pintura en un grado de lectura ambigua y contradictoria, con el fin de generar cuestionamientos que activen la reflexión del espectador, esto con el fin de que no solo sea una experiencia retiniana la observación del resultado final, sino una forma asequible de generar reflexiones y cuestiones sobre la mirada al motivo de la pintura, que encuentra relación con realidades actuales, de manera simbólica en lo bidimensional, como metáfora del engaño que es la violencia constante, normalizada, deseada sin cesar, espiral violenta de escala incalculable que tiene raíz en la creación de la primeras sociedades humanas. The work that is presented as end of degree addresses the issue of violence, in relation to the origins of religions, politics, economics and the nature of the human being. Violence related to the judgment of the bad and the good, the eternal wheel of blood sacrifice that has been generated since the origins from the societies that compete for mimetic objects of desire. This work is the personal result originated by diagnosing the social and subjective human being from experiences, visions, poetry, readings of self-knowledge, Girardian readings, and primarily from the observation in daily life that is spread through different media. mass communication, of our current anthropo-heterogenetic human universe, which throws us evidence that gives us reflections on the question of the legitimization of violence in groups of human beings, with the purpose of imposing their vision, the economy, violence on bodies, on animals, on communities and territories, constituting a model system that is sustained in the production of objects of desire, which are the beacons in the societies that we have developed, in an apparent social evolution from the concept of evolution of "civilization". The collective duality of the perception of violence is questioned: legitimately good to fight against evil, unquestionably bad if it comes from the opposite perspective of legitimate good (institutions), this battle of approaches to what is legitimate is expressed through the pictorial conceptualization in the how the objects and allegorical figures of the sacred are related in a dynamic, rotating way, composed in turn by other suggestive forms, which in turn show us another reality behind its first visible appearance, an apocalyptic scenario. Symbolic violence is present in the elements that make up the painting to a degree of ambiguous reading given the forms in which they are represented, so that the observation of the final result is not only a retinal experience, but also an accessible way of generating reflections. and questions about looking at the motif of the painting, which finds a relationship with current realities, in a symbolic way in the two-dimensional, as a metaphor for the deception that is constant violence, normalized, endlessly desired, a violent spiral of incalculable scale that has its roots in the creation of the first human societies.

Baby Drawer es un fanzine que recoge nueve ilustraciones sobre las ocho canciones principales que nos han ido acompañando durante los cuatros años de carrera en la facultad de bellas artes de altea. Se presenta en un formato tipo diario, para publicar en redes sociales o en exposiciones y publicitar así mi arte.

Este proyecto nace de la necesidad de encontrar la identidad propia al atribuir sentimientos a objetos, principalmente dentro de casa. Culturalmente, con el paso de los años, hemos construido altares inconscientemente mayormente cuando sufrimos una pérdida de un ser querido, y es en estos altares donde comprobamos que un objeto o imagen que por sí mismo no tiene un significado propio se convierte en el único resto de recuerdo al que acudimos cuando necesitamos conectar con la persona que anhelamos, de forma que este proyecto trata de recrear ese sentimiento materializando esta atribución que damos a estos objetos y cómo lo representamos. Este projecte naix de la necessitat de trobar la identitat pròpia a l'atribuir sentiments a objectes, principalment dins de casa. Culturalment, amb el pas dels anys, hem construït altars inconscientment majorment quan patim una pèrdua d'un ser volgut, i és en estos altars on comprovem que un objecte o imatge que per si mateix no té un significat propi es convertix en l'única resta de record a què acudim quan necessitem connectar amb la persona que anhelem, de manera que este projecte tracta de recrear eixe sentiment materialitzant esta atribució que donem a estos objectes i com ho representem. This project was born from the need to find one's own identity by attributing feelings to objects, mainly inside the home. Culturally, over the years, we have built altars unconsciously mostly when we suffer a loss of a loved one, and it is in these altars where we find that an object or image that by itself has no meaning of its own becomes the only remnant of memory we turn to when we need to connect with the person we long for, so this project tries to recreate that feeling by materializing this attribution that we give to these objects and how we represent it.

En este proyecto se plantea llevar a cabo de manera plástica una obra autobiográfica que sintetice lo vivido a lo largo de los cuatro años de carrera, concretamente un amor oculto. En él, se experimenta con porcelana, como forma de representar la fragilidad y el pasar desapercibido, a la vez que sirve como un grito a los cuatro vientos que cuenta lo que ha tenido que mantenerse en secreto

En este proyecto abordamos el concepto de límite en el ámbito universitario. El título de la obra tiene un doble sentido de límite, el final de un modelo educativo basado en valores humanistas y por otra parte su finalidad en el presente, instrumentalizada por el interés económico.

A través de este proyecto hemos querido investigar sobre el pasado y la propia herencia familiar, siguiente estas: costumbres, historias, y vivencias; plasmándolas de manera física para conservar la memoria colectiva que de estas hay. Se ha intentado hacer un nexo con las propias raíces y tradiciones, mediante labores como el bordado y fotografías viejas, haciendo uso de elementos típicos del entorno propio, el rural y jugando con texturas naturales características de este (cuerdas, herramientas de campo, troncos, tierra, ramas, los tintes naturales que se pueden sacar de las plantas) con la finalidad de sentirse orgulloso por formar parte de una identidad, de un pueblo y hacer a que perduro el que tanto le caracteriza.

Este trabajo establece, mediante un fanzine y un podcast complementarios, la relación entre los fandoms y las personas queer, analizando cómo a través de la interpretación y el apropiacionismo total o parcial de obras culturales se ha buscado y creado la representación, que no había en la cultura popular y los medios de masas. Además, se explica la relación orgánica entre los fans, las obras y los autores, ya que uno no puede existir sin el otro. Aquest treball, mitjançant un fanzine y un podcast complemetiaris entre si, estableix la relació que hi ha entre els fandoms i les persones cuir, analitzant com a través de la interpretació y l'apropiacionisme total o parcial d'obres culturals, s'ha buscat y creat la representació, que no hi habia en la cultura popular i mitjos de masses. Ademés, s'ha explicat la relació orgánica entre els fans, l'obra y els autors, llavors l'un no pot existir sense l'altre.

Este proyecto se inicia a nivel conceptual pensando en el dolor, las heridas y los espacios íntimos. Trabajamos formas orgánicas que nos hablan de lugares tortuosos, como son los órganos más íntimos de la mujer. Todo este proceso está basado en el principio filosófico oriental del Ying Yang, el cual nos recuerda la necesidad del equilibrio universal, en la existencia de dos fuerzas opuestas, pero a su vez complementarias que podemos encontrar en todas las cosas.