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El presente artículo estudia la creación del arquetipo de heroína virginal del nacionalcatolicismo encarnado por Conchita Montes en el film Frente de Madrid, primera película del cine de cruzada estrenada tras el triunfo de la dictadura franquista. Los diferentes discursos mediáticos colaboraron en la creación de una star cosmopolita y sofisticada, que personalizaba los valores nacionales y las perversas ambivalencias falangistas, en lo que a construcción del género se refiere. No obstante, la distancia entre el personaje público y la actriz mostraba una imagen polisémica, lo que permitió al público percibir otros significados y realizar distintas interpretaciones, más allá de los herméticos arquetipos impuestos por el Nuevo Estado., This article studies the creation of National Catholicism’s virgin heroine archetype embodied by Conchita Montes in the film Frente de Madrid, the first of what might be termed ‘the crusade’ genre, released after the triumph of Franco's dictatorship. Different elements of the media contrived to create a cosmopolitan and sophisticated star who would personify both Spanish national values and the perverse ambivalence of Falangist ideology inherent in its construction of gender. Nevertheless, the contrast between the public person and the actress herself constituted a polysemic image that offered the public multiple meanings and interpretations beyond the hermetic archetypes imposed by Franco’s ‘New State’., Fondo Social Europeo, Comunidad Autónoma de Madrid, Depto. de Ciencias de la Comunicación Aplicada, Fac. de Ciencias de la Información, TRUE, pub

En esta investigación estudiamos los filmes españoles, más taquilleros, rodados en la capital de España durante los años sesenta, sin considerar los largometrajes musicales y las coproducciones internacionales o de terror. Se escogen para ello cuatro películas, todas ellas comedias, que retratan Madrid (y sus afueras), representando un espacio cinematográfico durante el franquismo. Los títulos seleccionados son: Atraco a las tres (José María Forqué, 1962); La ciudad no es para mí (Pedro Lazaga, 1966); Un millón en la basura (José María Forqué, 1966-1967) y No desearás al vecino del quinto (Tito Fernández, 1970)., In this research we study the highest grossing Spanish films shot in the capital of Spain during the 1960s. We have selected four films. These plays are comedies. Madrid is important in these films. The corpus is: Atraco a las tres (José María Forqué, 1962); La ciudad no es para mí (Pedro Lazaga, 1966); Un millón en la basura (José María Forqué, 1966-1967) and No desearás al vecino del quinto (Tito Fernández, 1970)., Fondo Social Europeo, Comunidad Autónoma de Madrid, Depto. de Ciencias de la Comunicación Aplicada, Fac. de Ciencias de la Información, TRUE, pub

Durante los últimos años de la dictadura franquista, en el denominado período del tardofranquismo, un grupo de creadores y cineastas experimentales abordaron una serie de proyectos en los cuales cuestionaron la escritura y el lenguaje cinematográficos. Paulino Viota, Pere Portabella e Isidoro Valcárcel Medina filmaron tres títulos que investigaron sobre el lenguaje cinematográfico y la importancia de la actuación clásica. Contactos (Paulino Viota, 1970), Vampir-Cuadecuc (Pere Portabella, 1970) y La celosía (Isidoro Valcárcel Medina, 1972) representan los tres modelos más radicales de esta búsqueda de los límites de la escritura cinematográfica., In the last years of the Franco dictatorship, Late-Francoism, three filmmakers and artists filmed three experimental movies: Contactos (Paulino Viota, 1970), Vampir-Cuadecuc (Pere Portabella, 1970) y La celosía (Isidoro Valcárcel Medina, 1972). These movies explore what the meanings of the Cinema. Viota, Portabella y Valcárcel Medina attempted to find the limits of the Film Language., Ministerio de Economía y Competitividad, Depto. de Ciencias de la Comunicación Aplicada, Fac. de Ciencias de la Información, TRUE, pub

El carácter multidisciplinar establece el desarrollo de la investigación que a continuación presentamos y que está enmarcada en una beca de doctorado industrial desarrollada en la empresa de base tecnológica Pada One Games. Esta investigación pretende definir un marco de trabajo para el diseño de serious games en museos que incluya la evaluación de la diversión y el aprendizaje como variables separadas pero (inter) relacionables. Fruto del objetivo expuesto, surge la hipótesis principal de la investigación: la evaluación mixta, cuantitativa y cualitativa por separado, de la diversión y el aprendizaje en el diseño de los juegos para museos permite crear juegos más efectivos, es decir, más divertidos y útiles al mismo tiempo para los fines pedagógicos de estas instituciones. A través de varios experimentos realizados sobre juegos concretos, se han evaluado una serie de hipótesis específicas que nos han ayudado a determinar la validez de la principal. Para la consecución de este objetivo seguiremos la metodología conocida como Investigación-Acción participativa. Se aplica en el desarrollo del marco de trabajo para el diseño de serious games, y se complementa con las evaluaciones intermedias sobre aspectos concretos de los juegos. En ellos utilizaremos técnicas cuantitativas que permitan juzgar la diversión y el aprendizaje en los videojuegos que se desarrollarán como parte de la investigación..., The multidisciplinary character marks the development of the research presented below, which is framed in an Industrial Doctorate grant developed in the technology-based company Pada One Games. This research pursues the definition of a framework for the design of Serious Games in museums that includes the evaluation of fun and learning, asseparate but (inter) relatable variables. As a result of the above objective, the main hypothesis of the research arises: Separate quantitative/qualitative evaluation of fun and learning in the design of games for museums allows designing more effective games, i.e., that are both more fun and useful for the pedagogical purposes of these institutions.Through several experiments conducted on specific games, a series of more specific hypotheses have been evaluated that have helped us to determine the validity of the main hypothesis.In order to achieve this objective, we will follow a methodology known as Participatory Action Research. This methodology is applied in the development of the framework for the design of Serious Games and is complemented by intermediate evaluations on specific aspects of the games, where we will use quantitative techniques that allow us to evaluate the fun and learning in the video games that will be developed as part of the research...

Entrevista realizada al director de cine brasileño Fernando Meirelles en São Paulo. El cineasta explica como afrontó la realización de alguna de sus películas más importante como Ciudad de Dios, El Jardinero Fiel, A ciegas o Los dos papas.

Mapa sonoro de la Facultad de Ciencias de la Información elaborado por los estudiantes de la asignatura Teoría y Técnica del Sonido del Grado en Comunicación Audiovisual. El proyecto Mapa sonoro y visual de la Facultad de Ciencias de la Información con apoyo de Wikimedia Commons como repositorio de materiales alojados. Un mapa sonoro y visual está conformado por los sonidos e imágenes de un lugar concreto. Es un proyecto colaborativo para registrar, compartir y mostrar documentos audiovisuales que favorece el aprendizaje universitario. La cartografía participativa es un proceso de construcción que combina el lenguaje de la comunidad, que vive y experimenta el espacio de una manera y, el lenguaje del científico social, que percibe de otra (Diez Tetamanti et al., 2012). Igualmente, hace posible devolver los resultados de la investigación a la misma comunidad para comprender mejor su propia realidad.

En esta investigación hemos abordado como objeto de estudio un tema poco analizado desde la metodología científica, la percepción del cortometraje en España. En nuestro caso, nos hemos centrado en los agentes que intervienen en su creación y exhibición. El cortometraje es importante tanto a nivel artístico como educativo. Es el primer paso para muchos cineastas y, además, forma parte fundamental de los planes de estudio en las universidades y escuelas de cine de nuestro país. La relación de los cineastas con el cortometraje es diversa: algunos lo utilizan como medio para llegar al largometraje mientras otras lo mantienen como un formato relevante a lo largo de toda su trayectoria profesional. Para comprender la percepción del cortometraje hemos creado tres grupos de estudio. Por un lado, tenemos a los creadores para los que hemos realizado una entrevista en profundidad a cuarenta directores, guionistas y productores de cortometrajes. Ellos son los agentes que se encargan de llevar a cabo las obras y son sus máximos responsables. Para poder abarcar la máxima variedad profesional posible creamos cuatros subgrupos: cortometrajistas, creadores consagrados que vuelven al cortometraje, creadores consagrados que abandonan el cortometraje y jóvenes creadores. Por otro lado, hemos diseñado una encuesta para los estudiantes de Comunicación Audiovisual y/o de Cine, tanto de centros públicos como privados. Estos son creadores también de innumerables obras cada año y son el presente y futuro del cortometraje en España. De estos obtuvimos 741 respuestas de las principales escuelas de cine y universidades de España...

Introduction. This article explores the relationship between the theme of the double and gender, which is developed mainly in the splitting procedure by metamorphosis, where the characteristics of compatibility and personal identity typical of the classic double vary. Objetivos y metodología. In the analysis we will explore the different possibilities that arise in these stories, dwelling on the concept of personal identity –through the microtextual elements of the topic and on the variants of the unfolding provided by Doležel -paradigmatic, syntagmatic, authenticity and modes of construction. To do so, the films The Skin I Live In (La piel que habito, Pedro Almodóvar, 2011), Laurence Anyways (Xavier Dolan, 2012) and Tomboy (Céline Sciamma, 2011) will be analyzed. Results and conclusions. In conclusion, we observe that personal identity prevails over gender change or confusion, especially through microtextual elements: proper name and mask/disguise. The metamorphosis recreates mutually exclusive doubles in time and space, justifiably authentic, with points in common between the two and different modes of construction (desire, punishment and social role) based on the classics proposed by Kovacshazy. These films, therefore, coincide with Kuhn's premise on feminist cinema, making the invisible visible, narrating and problematizing —through a theme with as much tradition as that of the double, on issues not present on mainstream cinema., Introducción. En el presente artículo se explora la relación entre el tema del doble y el género, que se desarrolla principalmente en el procedimiento de desdoblamiento por metamorfosis, donde las características de compatibilidad e identidad personal propias del doble clásico varían. Objetivos y metodología. En el análisis indagamos en las distintas posibilidades que surgen en estas historias, deteniéndonos en el concepto de identidad personal —a través de los elementos microtextuales del tema— y en las variantes del desdoblamiento dispuestas por Doležel —paradigmáticas, sintagmáticas, autenticidad y modos de construcción—. Para ello, se analizan las películas La piel que habito (Pedro Almodóvar, 2011), Laurence Anyways (Xavier Dolan, 2012) y Tomboy (Céline Sciamma, 2011). Resultados y conclusiones. Como conclusión, observamos que la identidad personal prevalece frente a la cuestión del cambio o confusión de género (voluntario o no), especialmente a través de los elementos microtextuales del nombre propio y de la máscara/disfraz. La metamorfosis recrea dobles excluyentes en el tiempo y espacio, justificadamente auténticos, con puntos en común entre ambos y que poseen distintos modos de construcción (deseo, castigo y rol social) en función de los clásicos propuestos por Kovacshazy. Las tres películas, además, coinciden con la premisa de Kuhn sobre el cine feminista, haciendo visible lo invisible, narrando y problematizando —a través de un tema con tanta tradición como la del doble—, sobre cuestiones poco presentes dentro del cine mayoritario.

Un mapa sonoro y visual está conformado por los sonidos e imágenes de un lugar concreto. Es un proyecto colaborativo para registrar, compartir y mostrar documentos audiovisuales que favorece el aprendizaje universitario.

En esta investigación hemos abordado como objeto de estudio un tema poco analizado desde la metodología científica, la percepción del cortometraje en España. En nuestro caso, nos hemos centrado en los agentes que intervienen en su creación y exhibición. El cortometraje es importante tanto a nivel artístico como educativo. Es el primer paso para muchos cineastas y, además, forma parte fundamental de los planes de estudio en las universidades y escuelas de cine de nuestro país. La relación de los cineastas con el cortometraje es diversa: algunos lo utilizan como medio para llegar al largometraje mientras otras lo mantienen como un formato relevante a lo largo de toda su trayectoria profesional. Para comprender la percepción del cortometraje hemos creado tres grupos de estudio. Por un lado, tenemos a los creadores para los que hemos realizado una entrevista en profundidad a cuarenta directores, guionistas y productores de cortometrajes. Ellos son los agentes que se encargan de llevar a cabo las obras y son sus máximos responsables. Para poder abarcar la máxima variedad profesional posible creamos cuatros subgrupos: cortometrajistas, creadores consagrados que vuelven al cortometraje, creadores consagrados que abandonan el cortometraje y jóvenes creadores. Por otro lado, hemos diseñado una encuesta para los estudiantes de Comunicación Audiovisual y/o de Cine, tanto de centros públicos como privados. Estos son creadores también de innumerables obras cada año y son el presente y futuro del cortometraje en España. De estos obtuvimos 741 respuestas de las principales escuelas de cine y universidades de España..., In this research we have approached as an object of study a subject that has been little analysed from the point of view of scientific methodology: the perception of short films in Spain. In our case, we have focused on the agents involved in its creation and exhibition.The short film is important in both artistic and educational levels. It is the first step for many film-makers and it also takes a crucial part in our country's film universities and schools' curriculum. The relationship between the short film and the film-makers is diverse: some of them use it as a way to get to the long film while others keep it as a meaningful format all along their career.In order to understand the short film perception, we have created three different groups of study. On one hand, we have the creators. For this group we deeply interviewed forty short films directors, scriptwriters and producers. They are the agents in charge of the work and take all the responsibility for it. With a view to include the widest professional variety we could, we created four subgroups: short film makers, renowned creator that come back to the short film, renowned creator that quit the short film and young creators.On the other hand, we created a questionnaire for the Audiovisual Communication and/or Film students, from both public and private schools. They are also the creators of countless works each year and they are the present and future of the short film in Spain. We got 741 students' answers from the main film schools and universities in Spain...

Es un análisis de la obra para televisión La cabina de Antonio Mercero y de guion de José Luis Garci.

In this work, the spatial repertoire and its dominant features are analyzed as a source of indirect characterization of LGBTQIA+ characters, studying their representation in feature films set in Madrid and its province and exhibited on the commercial circuit. The methodology that serves as the basis for the study is fundamentally qualitative and was developed by the authors of this work inspired by Hamon’s use of narrative frameworks, a concept redefined, in turn, by Chatman as a narrative trait. The fundamental objective is to specify, in short, which spaces make up the LGBTQIA+ narrative universe, that is, the filmic cartography that the cinema constructs and advances for characters representing sectors of the LGBTQIA+ community and, as is verified here, since not all of these sectors have not all been treated in the same way nor have they all been represented with the same level of detail and extent, we wish to define the distinguishing features of their associated spaces., Cartografías cinematográficas LGBTQIA+ en el Madrid fílmico: rasgos narrativos de caracterización espacial En este trabajo se analiza el repertorio espacial y sus rasgos dominantes como fuente de caracterización indirecta de los personajes LGTBQI+, estudiando su representación en largometrajes de ficción localizados en Madrid y su provincia y exhibidos en el circuito comercial. La metodología que sirve de base al estudio es de tipo cualitativo, fundamentalmente, y es un desarrollo propio de los autores inspirado en el análisis de marcas narrativas de Hamon, concepto redefinido, a su vez, por Chatman como rasgo narrativo y en el estudio de los espacios diferenciales y los modelos de Casetti y di Chio. El objetivo fundamental es el de precisar, en suma, qué espacios componen el universo narrativo LGTBQI+, es decir, la cartografía cinematográfica que el cine elabora y propone para cada grupo de personajes en la Comunidad de Madrid y, ya que se ha constatado que no todos ellos han recibido el mismo tratamiento ni han sido representados con el mismo detalle y extensión, cuáles son sus rasgos diferenciales.

Essay film is an audiovisual form not sufficiently studied and its reception by Spanish audiences is even less well known. This article shows the results of a research project on the perception and reception of contemporary Spanish essay film. Its aim is to determine how the essay film is considered by professionals and audiences, connecting the study of specific works with audience research and the contexts of production and distribution. A qualitative methodology is used by organizing four focus groups with different profiles: experts, film essay directors, current public and potential public. The results reveal a characterization of the essay film as a hybrid form, recognizable, but hard to define. The subjectivity of an author who displays a line of thought and its construction process predominates. The audiovisual essay is described as a low-cost artisanal production that offers a high degree of creative freedom and independence. There are some limitations in its distribution process, although it finds alternative channels in festivals, museums, cultural centers and online platforms. With the essay film traditional exhibition is replaced by the cultural event. Essay filmgoers are an educated, minority, and endogamous audience that enjoys art and finds in it an element of distinction., O ensaio é uma forma audiovisual pouco estudada e a sua acolhida pelo público espanhol é ainda menos conhecida. Este artigo apresenta os resultados de um projeto de pesquisa sobre a percepção e recepção do ensaio audiovisual espanhol contemporâneo. O objetivo é determinar o espaço que o ensaio ocupa na consideração de profissionais e espectadores, relacionando a investigação de obras específicas com os estudos sobre públicos nos contextos de produção e distribuição. Utiliza-se uma metodologia qualitativa que parte da organização de quatro grupos de discussão com diferentes perfis: especialistas, diretores de ensaios audiovisuais, público atual e público potencial. A pesquisa revela a caracterização do ensaio audiovisual como uma forma híbrida, reconhecível, mas de difícil definição. Nela, predomina subjetividade dos autores que apresentam uma linha de pensamento e seus próprios processos de construção. O ensaio audiovisual é descrito como uma produção artesanal de baixos custos que oferece um alto grau de liberdade criativa e independência. Detecta-se limitações no seu processo de distribuição, embora encontre canais alternativos em festivais, museus, centros culturais e plataformas online. Com o ensaio, a apresentação tradicional é substituída pelo evento cultural. Seus espectadores constituem um público culto, minoritário e endógamo, que aprecia a arte e encontra nela um elemento de distinção., El ensayo es una forma audiovisual no suficientemente estudiada y su recepción por parte de los públicos españoles es aún menos conocida. El presente artículo muestra los resultados de un proyecto de investigación sobre la percepción y recepción del ensayo audiovisual español contemporáneo cuyo objetivo es determinar qué espacio ocupa el ensayo audiovisual en la consideración de profesionales y espectadores relacionando la investigación de obras específicas con la investigación de las audiencias y los contextos de producción y distribución. Se utiliza una metodología cualitativa mediante la organización de cuatro grupos de discusión con distintos perfiles: expertos, directores de ensayo audiovisual, público actual y público potencial. La investigación desvela la caracterización del ensayo audiovisual como una forma híbrida, reconocible, pero de difícil definición. En ella predomina la subjetividad de un autor que despliega una línea de pensamiento y su propio proceso de construcción. El ensayo audiovisual se describe como una producción artesanal, de bajo coste y que ofrece un alto grado de libertad creativa e independencia. Se detectan limitaciones en su proceso de distribución, si bien encuentra canales alternativos en festivales, museos, centros culturales y plataformas en la red. Con el ensayo la exhibición tradicional es sustituida por el evento cultural. Sus espectadores configuran una audiencia culta, minoritaria y endogámica que disfruta del arte y que encuentra en ello un elemento de distinción.

La obra cinematográfica de Paolo Sorrentino. Análisis intertextual y estudio de su identidad artística es un trabajo de investigación académica en el que se estudia en profundidad los textos fílmicos dirigidos por Paolo Sorrentino, con el objetivo de profundizar en las temáticas indispensables para conocer su idiosincrasia creativa y entender la razón por la que su filmografía se constituye como una de las más singulares dentro del panorama cinematográfico internacional, con un discurso y una voz originales, propios y reconocibles. Partimos de la hipótesis ––constatada a lo largo del trabajo–– de la importancia que tiene en sus imágenes el arte y, por ese motivo, hemos rastreado su identidad artística, lo que entendemos como el conjunto de temas y rasgos que son propios de la poética y estilo de un autor, estudiándolos en relación con los diferentes procedimientos en que lo artístico entra en contacto con este grupo de temáticas...

La obra cinematográfica de Paolo Sorrentino. Análisis intertextual y estudio de su identidad artística es un trabajo de investigación académica en el que se estudia en profundidad los textos fílmicos dirigidos por Paolo Sorrentino, con el objetivo de profundizar en las temáticas indispensables para conocer su idiosincrasia creativa y entender la razón por la que su filmografía se constituye como una de las más singulares dentro del panorama cinematográfico internacional, con un discurso y una voz originales, propios y reconocibles. Partimos de la hipótesis ––constatada a lo largo del trabajo–– de la importancia que tiene en sus imágenes el arte y, por ese motivo, hemos rastreado su identidad artística, lo que entendemos como el conjunto de temas y rasgos que son propios de la poética y estilo de un autor, estudiándolos en relación con los diferentes procedimientos en que lo artístico entra en contacto con este grupo de temáticas..., La obra cinematográfica de Paolo Sorrentino. Análisis intertextual y estudio de su identidad artística [Paolo Sorrentino’s film work. Intertextual analysis and study of his artistic identity] constitutes an in depth-study about the films directed by Paolo Sorrentino. This dissertation delves into the essential themes in order to both know Sorrentino’s creative idea and understand the reason why his filmography is one of the most unique, personal within the international film scene, in which Sorrentino brings his original, own, recognizable speech and voice. The present thesis continuously highlights the importance of art in Sorrentino’s images to build his own artistic identity, which will be understood as a set of themes and features that are typical of the poetics and style of an author. In our study case we will analyse the construction of Sorrentino’s artistic identity through the use of different procedures by which his personal conception of art interacts with a specific group of themes...

Tres autores contemporáneos nos parecen interesantes en la reflexión sobre la parodia: Chema Madoz, Joan Fontcuberta y Cristina de Middel. Aunque con técnicas, estilos y perspectivas completamente distintas y pertenecientes a generaciones diversas, ellos han recurrido —y recurren— a la parodia en sus trabajos artísticos. No solo esto, sino que, además, todos ellos han elogiado abiertamente el humor y la risa, algo que como vimos es poco frecuente en el trabajo académico sobre este arte. Las tres fotografías que tratamos abordan de un modo u otro el universo, las constelaciones o la carrera espacial. Las tres evocan —y parodian con distintas estrategias— el lenguaje de la ciencia, la historia y la astronomía. Se acercan por tanto al tema académico y al coleccionismo histórico propio del museo del siglo XIX o al gabinete de curiosidades de los burgueses del XVIII. Resulta obvio comprender que Madoz es conocedor de las cartas de constelaciones clásicas, que Fontcuberta ha consultado los documentos soviéticos sobre la cosmonáutica o que De Middel ha rebuscado en el imaginario colonial y postcolonial; su manipulación comienza precisamente porque tienen un modelo previo al que parodiar., All three evoke—and parody with different strategies—the language of science, history, and astronomy. Therefore, they approach the academic theme and the historical collecting typical of the 19th century museum or the cabinet of curiosities of the 18th century bourgeois. It is obvious to understand that Madoz is familiar with the classic constellation charts, that Fontcuberta has consulted Soviet documents on cosmonautics or that De Middel has searched the colonial and postcolonial imaginary; their manipulation begins precisely because they have a previous model to parody.

Esta investigación analiza en el marco del contexto de la fotografía emergente dos propuestas concretas: la serie «Vivir jugando» [2017] realizada por Kirti Cea [Patna, India 1999], con claras referencias a los trabajos de Pierre Javelle y Akiko Ida, Ciuco Gutiérrez o Sofiane Samial y, el titulado «100» [2018] de Julia Carbonell [Zaragoza, 1996], un proyecto a mitad de camino entre el popismo de Carlos Perez Siquier y la contundencia documental de Richard Billingham. Ambas artistas, representantes de la nueva etapa fotográfica, asiduas como la generación táctil a la que pertenecen a Instagram tanto para ver fotografía como para exhibir la suya propia y, teniendo como telón de fondo el tsunami que representa la presencia del Big Data en nuestras vidas, investigan la cotidianeidad de la naturaleza humana bien a partir del ámbito familiar en el caso de Julia Carbonell, convirtiendo a su abuela Angelita de 100 años en la absoluta protagonista de la serie, bien desde el ámbito social como Kirti Cea, creadora de un personal mundo imaginario habitado por juguetes que, suplantando la identidad humana, ilustra la riqueza y complejidad de las relaciones sociales, así como el modo en que se configuran nuestros recuerdos. Así, el objetivo de este estudio es dar a conocer a través de la exposición de ambos proyectos algunas de las ideas, estéticas y diálogos que está aportando la fotografía emergente en el contexto de la creación contemporánea. Una fotografía realizada por una generación numerosa de artistas «multitareas» –editores, comisarios/as, artesanos, productores, blogueros/as, etc.– que, en su objetivo de divulgar sus proyectos fotográficos, desafían cualquier tipo de convencionalismo técnico, estético o, incluso, teórico, trabajan en/con la fotografía, comparten e intercambian información en el marco de las redes sociales y, aún, no muy visibles en los circuitos habituales de exhibición, publicación y mercado del arte., This research analyzes within the context of emerging photography two specific proposals: the series "Vivir jugando" [2017] made by Kirti Cea [Patna, India 1999], with clear references to the works of Pierre Javelle and Akiko Ida, Ciuco Gutiérrez or Sofiane Samial and, the titled "100" [2018] by Julia Carbonell [Zaragoza, 1996], a project halfway between the popism of Carlos Perez Siquier and the documentary forcefulness of Richard Billingham. Both artists, representatives of the new photographic stage, assiduous as the tactile generation to which they belong to Instagram both to view photography and to exhibit their own and, having as a backdrop the tsunami that represents the presence of Big Data in our lives, investigate the everydayness of human nature either from the family environment in the case of Julia Carbonell, turning her 100-year-old grandmother Angelita into the absolute protagonist of the series, or from the social sphere as Kirti Cea, creator of a personal imaginary world inhabited by toys that, supplanting human identity, illustrates the richness and complexity of social relationships, as well as the way in which our memories are configured. Thus, the objective of this study is to make known through the exhibition of both projects some of the ideas, aesthetics and dialogues that emerging photography is contributing in the context of contemporary creation. A photography made by a large generation of "multitasking" artists -editors, curators, artisans, producers, bloggers, etc.- who, in their aim to disseminate their photographic projects, defy any kind of technical, aesthetic or even theoretical conventionalism, work in/with photography, share and exchange information within the framework of social networks and, still, not very visible in the usual circuits of exhibition, publication and art market.

En la tesis Transformaciones en la edición de fotolibros en España (2008-2018) se analizan los cambios de carácter conceptual y formal que se han producido en los libros de fotografía en la última década. Estas transformaciones implican un alejamiento de modelos convencionales y estandarizados como el catálogo o la monografía, en los que la intervención del fotógrafo es mínima y está condicionada por el entramado de la industria editorial, y un acercamiento a otras categorías de arte impreso como los libros de artista, en los que el autor controla todas las fases del proyecto. En el período comprendido entre 2008 y 2018 se ha producido un aumento notable en la publicación de fotolibros. Esto se debe a una serie de factores vinculados al desarrollo de tecnologías que facilitan y abaratan el diseño y la impresión, y a un renovado aprecio por el libro como artefacto multisensorial...

Nuestra propuesta es generar una nueva metodología crítica que permita utilizar Wikipedia dentro del ámbito de la docencia universitaria, estimulando una educación libre y digital (Claes y Deltell, 2019). Nuestra iniciativa enlaza con la de otros investigadores y docentes del mundo que afirman que la utilización de Wikipedia facilita la enseñanza y favorece muy positivamente el aprendizaje de los discentes en la Universidad. Así, por ejemplo, uno de los analistas que más certeramente ha indicado el valor de Wikipedia y su construcción crítica es Lori Byrd Phillips (2013), que mantiene que Wikipedia posibilita la construcción de un espacio de autoridad compartida y libre, en inglés: Open Authority. Nuestro proyecto propone la elaboración de una metodología de docencia para alumnos universitarios (Universidad Complutense de Madrid y Universidad Rey Juan Carlos).

Esta tesis doctoral atiende a la dirección de fotografía, una especialidad en la creacióncinematográfica que recibe escasa atención en los estudios fílmicos. Esta especialidad es la encargada de traducir la visión del director a parámetros técnicos y herramientas que se utilizarán tanto en rodaje como en la postproducción. Para ello, los directores de fotografía recurren a diversas técnicas como la luz, cámara, ópticas y soportes de captación. Éstas se han visto profundamente afectadas por la introducción de la cinematografía digital.Una mirada técnica: avances en dirección de fotografía y cambios estéticos a principios del siglo XXI es una investigación cuantitativa y cualitativa qué cuestiona cuáles han sido los efectos estéticos producidos por los avances técnicos digitales que afectan al trabajo del director de fotografía entre los años 2000 y 2015. Se trata de un estudio que aborda las interacciones entre tecnología y estética a través de su aplicación y evolución cronológica durante un periodo transicional en el que ha habido un cambio drástico en los modelos de producción y postproducción..., The main focus of this doctoral thesis is cinematography, a specialized branch within film-making that has received little attention within media studies. Cinematography is thespeciality responsible for translating the ideas of the director into the technical parameters and tools that will be used during both shooting and post-production. In order to do this, directors of photography use a diverse array of tools, such as lighting, the camera, lenses and different image-recording mediums. These have been deeply affected by the introduction of digital cinematography. A Technical View: Progress and Aesthetic Changes in Cinematography at the Beginning of the 21st Century is a quantitative and qualitative study that questions what have been the aesthetic consequences of the development of digital technology for cinematography between the years 2000 and 2015. This work addresses the interaction between technology and aesthetics through their practical use and chronological development during a transitional period in which there have been drastic changes in production and post-production models...

En la tesis Transformaciones en la edición de fotolibros en España (2008-2018) se analizan los cambios de carácter conceptual y formal que se han producido en los libros de fotografía en la última década. Estas transformaciones implican un alejamiento de modelos convencionales y estandarizados como el catálogo o la monografía, en los que la intervención del fotógrafo es mínima y está condicionada por el entramado de la industria editorial, y un acercamiento a otras categorías de arte impreso como los libros de artista, en los que el autor controla todas las fases del proyecto. En el período comprendido entre 2008 y 2018 se ha producido un aumento notable en la publicación de fotolibros. Esto se debe a una serie de factores vinculados al desarrollo de tecnologías que facilitan y abaratan el diseño y la impresión, y a un renovado aprecio por el libro como artefacto multisensorial..., The PhD thesis Transformations in PhotobookPublishing in Spain (2008-2018) analyses the conceptual and formal changes that have taken place in photobooks over the last decade. These transformation simply a departure from conventional and standardised models such as the catalogue or themonograph, in which the photographer’s intervention is kept to a minimum and conditioned by the framework of the publishing industry, and an approach to other categories of printed art such asartist’s books, in which the author controls all the stages of the project. Between 2008 and 2018, there has been a notable increase in the publication of photobooks. This is due to a series of factors linked to the developmentof technologies that made design and printing easier and cheaper, and to a renewed appreciation of books as multisensory devices. In addition, from the beginning of the new millennium, and especially since 2008, with the onset of the economic crisis, there is a paradigm shift that also affects the financing, production and distribution of photobooks...

This article analyses two Spanish audiovisual productions directed by Josefina Molina: Vera (1971) and Vera, un cuento cruel (1973). Vera was released as an episode part of the TVE2 series “Hora Once”. Vera, un cuento cruel is a feature-length fiction film produced by Etnos Films. The two films were directed and written by Josefina Molina based on a short story by Villiers de L´Isle-Adam titled Vera. Vera, un cuento cruel is the only Spanish horror movie directed and written by a woman during the last few years of Franco´s dictatorship, a moment in Spanish history when the horror and fantasy genre was at its most prolific. These films analysis is key in understanding how strongly misogyny influenced Spanish cinema and the fantasy genre in particular. This was undeniably tangible in all stages of film production and transpired through the themes and stories themselves., Se trata de un análisis de dos productos audiovisuales, ambos dirigidos por una mujer, Josefina Molina: Vera (1971) y Vera, un cuento cruel (1973). El primero de ellos es un capítulo de la serie de TVE2 la “Hora Once” y el segundo es un largometraje cinematográfico de ficción de la productora Etnos Films. Los dos textos han sido co-escritos por Josefina Molina. Estas dos producciones audiovisuales se basan libremente en el cuento “Vera” de Villiers de L´Isle-Adam. Vera, un cuento cruel es la única película de ficción española de cine de terror del tardofranquismo dirigida y escrita por mujeres. Supone la única aportación realizada por mujeres al género de lo fantástico y del terror en su momento de esplendor en España. Su análisis resulta realmente significativo para entender el cine español de esa época marcado por una fuerte misoginia tanto en el sistema de producción como en la temática de las obras.