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Drawing on A. R. Radcliffe-Brown’s seminal work The Andaman Islanders, this article analyzes anger as a cultural focal point in a non-Western society. The discussion navigates various themes related to anger through an ethnographic dialogue. In the Andamanese worldview, anger is linked to the wrath of spirits and is regarded as an antisocial force. The study reveals that the interplay between different codes—mythological, techno-economic, symbolic, matrimonial, and acoustic—partially corresponds with the patterns noted by Lévi-Strauss in his Mythologiques series. Pandya’s thesis suggests that Andamanese rituals are designed to harness power to reconcile oppositions, particularly between humans and spirits. The text’s originality lies in highlighting the role of dance as a medium for communication between humans and spirits, aimed at soothing the spirits’ anger. The article also underscores Radcliffe-Brown’s identification of two foundational concepts in anthropology during his study of the Andaman Islands: first, the Durkheimian notion of organic solidarity, and second, a unique experience of solidarity expressed through dance. Dance is interpreted as a language of social integration, serving as a key cultural practice in countering the spirits’ wrath and the resulting destruction. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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A pesar de los beneficios reconocidos de la Expresión Corporal, sigue siendo una materia poco impartida entre el profesorado de Educación Física en España. Se mencionan diversos motivos al respecto, entre otros, objetivos y metodologías ambiguos, estereotipos arraigados en cuanto a la motricidad expresiva, asociaciones al género femenino en particular y una formación inadecuada. El objetivo de este estudio fue evaluar el estado actual de la enseñanza de la Expresión Corporal en la educación secundaria en Cataluña. Para lograrlo, se adaptó un cuestionario que evaluaba las percepciones del profesorado en cuanto a la implementación de la Expresión Corporal a partir de un instrumento que ya empleaba la comunidad autónoma de Andalucía. Se llevaron a cabo una serie de procesos rigurosos de validación, entre otros, la valoración por parte de un panel de expertos que empleó el método Delphi y evaluaciones cuantitativas y cualitativas para validar su lógica, criterios, contenido y constructo. Asimismo, se realizaron una prueba piloto (n = 40) en otra población, una evaluación test-retest (n = 20) para garantizar la estabilidad y un análisis factorial exploratorio en el que participaron 418 docentes (42.8 % mujeres) para validar su coherencia interna y fiabilidad. Los hallazgos del estudio mostraron un coeficiente Kaiser-Meyer-Olkin (KMO) de .827, lo que indicó un nivel alto de idoneidad, junto con los valores de la prueba de esfericidad de Bartlett y de Chi-cuadrado, que confirmaron la continuidad del análisis factorial. En consecuencia, el Cuestionario de Opinión para Profesorado de Educación Física diseñado para evaluar la Expresión Corporal en la educación secundaria se validó correctamente. Este cuestionario validado puede ser una herramienta sólida para valorar y comprender las perspectivas del profesorado respecto a la implementación de la Expresión Corporal en las aulas de educación secundaria de Cataluña.

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En el espectáculo La procesadora (2010), los artistas Vicente Arlandis y David Espinosa mantenían un diálogo sobre la atención a los procesos y los límites difusos de lo que se considera arte en las teatralidades experimentales contemporáneas, mientras recibían un masaje en escena, colocados boca abajo sobre camillas con cámaras que proyectaban sus caras. Arlandis replica el formato en la pieza-charla El esfuerzo constante de ganarse la vida (2019), incluida en el proyecto El malestar del trabajo (2016–2022) del colectivo Taller Placer. El foco se desplaza ahora desde la autorreferencialidad artística hacia la reflexión crítica sobre la sociedad del trabajo y la movilización constante a la que nos somete el capitalismo neoliberal. La obra de Arlandis es elocuente de una vocación críticosocial en boga en la creación escénica española de los últimos decenios, auspiciada por la participación legitimadora de agentes institucionales. Este trabajo considera las potencias y limitaciones de ese giro social en El esfuerzo constante de ganarse la vida, una puesta en escena conflictiva del rechazo al trabajo, encarnada en un paradójico intento de trabajar lo mínimo, que vacía de prestigio y contenido trascendente la aspiración artística, para presentarla como proyecto fracasado de deserción laboral. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

En este trabajo se exploran los significados atribuidos al liderazgo educativo por parte de colectivos artivistas y de quienes facilitan pedagógicamente su actividad en ámbitos sociocomunitarios. Con el objetivo de analizar —desde una perspectiva intercultural crítica y situada— el sentido de diferentes estrategias y estilos de liderazgo, se ha acudido a las voces de quienes protagonizan estas experiencias: tanto adolescentes y jóvenes integrantes de grupos de danzas urbanas como figuras educativas de referencia para estos procesos personales y colectivos. Para esto, se ha empleado una metodología cualitativa a partir de observaciones participantes, entrevistas en profundidad y cuestionarios. Se ensayan algunas propuestas de enfoque acerca de las concepciones inclusiva y distributiva de los liderazgos sondeados, avanzando nuevos sentidos y posibilidades estratégicas que pudieran contribuir a la reflexión y la acción educativa formal e informal.

Aplicar la neuropsicología a la danza es reconocer el avance en estudios del cerebro para esclarecer las funciones cognitivas humanas implicadas en el proceso dancístico. Esta práctica motora contribuye a los procesos de desarrollo personal, cognitivo, físico, bienestar emocional, relacionamiento social y manifestación de los patrones de movimientos evolutivos para la consecución de una obra artística. Por ello se plantea como objetivo realizar una búsqueda sistemática en la literatura académica que permita la exposición de los referentes más recientes sobre movimiento, emoción, memoria, inteligencia y creatividad para el fortalecimiento de la importancia de la danza como herramienta de construcción personal en procesos de comunicación humana. Se encuentra que la danza contribuye al desarrollo de las habilidades neuropsicológicas estudiadas y trasciende en el proceso de formación personal para la comunicación.

La cognición abarca el conjunto de actividades mentales que participan en el procesamiento de la información. El movimiento, especialmente el que se acompaña de contenidos rítmicos, se ha relacionado con el fortalecimiento de los procesos cognitivos. Objetivo: identificar los efectos de la danza en los procesos cognitivos en comparación con otras actividades que incluyen movimiento, estableciendo relaciones con el aprendizaje. Metodología: se realizó una revisión de la literatura a través de bases de datos: Redalyc, Dialnet, Web of Science (WoS), ResearchRabbit y Google Académico, incluyendo artículos clásicos y de los últimos 10 años en torno a la relación entre cuerpo, movimiento, danza, procesos cognitivos y aprendizaje. Resultados: se identificó el rol que desempeñarían las neuronas espejo y la plasticidad sináptica en las conexiones entre diferentes estructuras cerebrales, como la corteza motora, la corteza premotora, el área de Broca, la corteza frontopolar y la corteza ventromedial dorsolateral en la participación de procesos motores, cognitivos y ejecutivos de manera simultánea o consecutiva. Se identificó una relación más estrecha entre la danza y la atención, la percepción, la memoria y el aprendizaje que entre estos procesos y el cuerpo en sentido estático y el movimiento no acompañado de un ritmo. Discusión y conclusiones: se propone la realización de más investigaciones que incluyan el método Biomecánica, Anatomía, Psicología, Neurociencias y Etnomusicología (BAPNE), los estudios neurofisiológicos y de neuroimagen y los estudios tipo pretest-postest, de cara a identificar la relación entre danza y procesos cognitivos a partir de nuevos hallazgos empíricos.

Idoia Murga Catro y Alejandro Coello Hernández (eds.) (2024), Los Ballets Espagnols de Antonia Mercé, La Argentina, Madrid, Fundamentos, 2023, 284 pp. ISBN 978-84-245-1424-2.

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In the Suriname Maroon dance genre awasa, much of performers' expressive work can be described as having some kind of conversational aspect. While this idea finds broad resonance with other African Diasporan genres, awasa's use of rhythmic cues and phrases in the drummed language apinti, and the population's diminishing fluency in apinti, demonstrates the need for clarity and precision when discussing components of choreo-musical interaction. In this case, the shift from drummers and dancers being in a conversation to interacting in a way that resembles a conversation can signal the loss of deeply valued cultural knowledge. Here I argue that the subtleties of message and meaning in awasa can only be understood in light of particularities in language, syntax, and word play that contribute to a Maroon communicative matrix. First, I consider the ostensibly non-lexical gi futu section of awasa in relation to interactions in apinti language that precede it. Second, I argue that whereas awasa may seem peripheral to apinti drum language, it is also a vital training ground for the aspiring apinti drummer. Third, I discuss gi futu ("give foot") relative to other social gestures that are expressed as being given (for instance giving thanks or giving greeting). Finally, I demonstrate how choreo-rhythmic futu patterns are functionally similar to descriptive words known as ideophones. This multi-dimensional approach to processes of meaning-making serves as a corrective to descriptive shorthands through which conversation and interaction are assumed to be functional equivalents. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

Partiendo de mi exploración previa sobre el papel de la danza en la obra del filósofo político francés contemporáneo Jacques Rancière en su libro Aisthesis, publicado por primera vez en francés en 2011, el presente ensayo se centra en otro libro publicado originalmente en el mismo año, Las distancias del cine. Después de haber establecido previamente que el núcleo del método filosófico de Rancière implica un análisis de homónimos filosóficos en parejas conceptuales figurativas de baile, comienzo aplicando ese método al primer capítulo de Distancias titulado “El vértigo cinematográfico: Hitchcock-Vertov y vuelta”. Allí identifico dos series de tales parejas de baile de la siguiente manera: la caída vertiginosa capitalista controlada por la imagen de Hitchcock y el baile equilibrado y comunista de Vertov que iguala los movimientos. Luego, critico la marginalización implícita de las mujeres y los cuerpos femeninos en las películas y el capítulo, incluyendo a la mejor amiga y ex prometida del protagonista de Hitchcock, así como a las cosmetólogas y operadoras de centralita de Vertov. Finalmente, ofrezco una corrección basada en la vida protofeminista de mi abuela, una vez cosmetóloga, operadora de centralita y modelo amateur de Glamour Shots, mi abuela Louise Nunnelley o “Mamaw”. Estos son la base material no reconocida de la filosofía democrática radical de Rancière, las bailarinas específicamente encarnadas y posicionadas que siguen perdiéndose en su baile figurativo.

Introducción: La sobrecarga fisiológica y las altas cargas de entrenamiento que conlleva la práctica de danza profesional hacen que los bailarines sean vulnerables a las lesiones. Este estudio tuvo como objetivo determinar la prevalencia de lesiones, síntomas musculoesqueléticos y la presencia de factores de riesgo biomecánicos relacionados con la carga estática en bailarines profesionales. Métodos: Estudio con enfoque cuantitativo, observacional, descriptivo con intención analítica y transversal. Se diseñó una encuesta y se realizó registro fotográfico de las posturas de riesgo, previo consentimiento informado a una muestra de 180 bailarines de 5 géneros diferentes de baile. El análisis de datos se realiza en el paquete estadístico JAMOVI versión 2.3.21 Resultados: Del total de la muestra, el 87.2% (n= 157) de los casos desarrollaron síntomas musculoesqueléticos en el último año, siendo el uso excesivo la causa más común. Dada la prevalencia de lesiones musculoesqueléticas, más del 50% (n= 90) de los bailarines presentó al menos una lesión en el último año. En cuanto a los factores de riesgo, el 96.1% (n= 173) de los bailarines profesionales encontraron riesgo alto o muy alto por carga estática. Conclusión: Este estudio muestra que las lesiones musculoesqueléticas son comunes entre los bailarines profesionales, especialmente ligamentos y tendones, desarrollando síntomas musculoesqueléticos por el uso excesivo. Además, la postura forzada y la tensión en las articulaciones pueden aumentar el riesgo de lesiones por cargas estáticas. Aun así, los bailarines continúan practicando por la dependencia financiera de sus carreras.

La necesidad de buscar alternativas que permitan la inclusión de los estudiantes con diferentes discapacidades en la práctica de la Educación Física induce a que se utilice la danza contemporánea como expresión corporal, pues impacta en el desarrollo y mejora la calidad de vida, en lo físico y psicológico, al expresarse emociones y sentimientos a través del movimiento. El trabajo que se presenta tiene como finalidad diseñar una estrategia de inclusión para estudiantes con discapacidades múltiples donde la Educación Física utilice la danza contemporánea como expresión corporal en las aulas especializadas, en la unidad educativa "Dolores Cacuango" de la parroquia Pascuales, Guayas-Guayaquil. Para el estudio se aplicaron métodos científicos como la revisión documental, la entrevista, la encuesta y la observación para recopilar información acerca de los estudiantes con diferentes discapacidades, y de los docentes involucrados en las clases de Educación Física y su combinación con la danza contemporánea. Como resultados, se diseña una estrategia de inclusión para estudiantes con discapacidades múltiples donde la Educación Física utiliza la danza contemporánea como expresión corporal. Se concluyó que las dinámicas de las actividades danzarías propuestas en la estrategia, se fundamentaron sobre bases científicas, y en correspondencia con la relación entre actividad física, condición física y salud, para fortalecer los músculos, mejorar el equilibrio, la coordinación del movimiento, la inclusión a la sociedad, y el compartir un mismo proyecto humano.

Este artículo presenta resultados preliminares y parciales de un estudio etnográfico sobre la dimensión laboral del baile del tango en la ciudad de La Plata entre 2018 y 2022. A través de entrevistas y observaciones se exploraron las dimensiones las representaciones del trabajo que tienen los bailarines profesionales. En este artículo se profundiza en la organización y autonomía en el trabajo de los bailarines profesionales, incluyendo sus prácticas laborales. También se exploran las representaciones en torno a la elección y el disfrute en el espacio laboral. Los hallazgos muestran que el baile del tango es una forma de trabajo altamente valorada por los bailarines, pero que también presenta desafíos en términos de estabilidad laboral y seguridad social. El trabajo suele organizarse por proyectos, de duración indefinida, con asociaciones circunstanciales y de forma autogestiva. Estos hallazgos son relevantes para comprender la naturaleza del trabajo en el campo cultural y artístico, así como para informar políticas públicas orientadas a mejorar las condiciones laborales de los bailarines profesionales.

En el presente artículo, se exponen los principios de la educación somática y su relación con la enseñanza del ballet para bailarines de danza contemporánea. Se propone a la vez el planteamiento de orientaciones psicopedagógicas para el desarrollo de la autorregulación y la autonomía del aprendizaje en la expresión artística. Se concluye con la creación de un modelo de secuencia didáctica dirigido a la enseñanza del ballet para bailarines de danza contemporánea y que promueva de manera progresiva la autorregulación y la autonomía del aprendizaje de esta disciplina.

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La danza es una actividad físico-deportiva y artística idónea para el desarrollo integral del alumnado y puede considerarse como promotora de inclusión. Por ello, el objetivo de este estudio fue realizar una revisión narrativa relacionada con los beneficios que aporta la danza en el alumnado con Síndrome de Down (SD) en la etapa de educación infantil. Para realizar la búsqueda de los documentos, se emplearon las palabras clave: “Child Education”, “Dance” y “Down Syndrome”. Los manuscritos fueron buscados en las bases de datos Web of Science, Scopus, SPORTDiscus y PubMed, hasta enero de 2023. Para ajustar la búsqueda al objeto de estudio, se estableció una serie de criterios de inclusión: i) cualquier tipo de documento científico relacionado con la temática; ii) manuscritos que indiquen, en el cuerpo del texto, al menos una descripción de los alumnos con SD de una longitud mínima de 50 palabras; iii) documentos realizados en inglés, español y/o portugués; y, iv) manuscritos que permitan obtener el texto completo; se obtuvo un total de 9 documentos. Los resultados mostraron una escasez de documentos en relación con el ámbito de estudio, como consecuencia de ser una temática muy específica. Asimismo, los manuscritos incluidos en esta revisión reportan que los beneficios que podrían obtenerse de la danza para el alumnado con SD están relacionados con la conciencia y el control postural, la mejora de aspectos sociales y mejoras a nivel cognitivo y emocional, así como el disfrute. Por ello, se recomienda ampliar el número de investigaciones futuras relacionadas con la danza en el sistema educativo y, concretamente, en la etapa de educación infantil, debido a los múltiples beneficios que aporta al alumnado con discapacidad.

La sección Ventana Social nos ofrece la oportunidad de incluir en este número las miradas de personas no académicas, cuya experiencia y forma de explicar las cosas son fundamentales para entender las complejidades del tema propuesto: el movimiento y el poder en la política de nuestro presente-pasado (y futuro). En esta ocasión, las editoras del número hemos querido incluir en la conversación voces del mundo de la creación artística y, en particular, las artes escénicas, como la bailarina y coreógrafa de danza contemporánea, Poliana Lima. Ella misma escoge dos de sus piezas, Atávico[1] (2014) y Oro Negro[2] (2023), para guiarnos por las formas y sentidos que adquiere el movimiento cuando expresa el poder a través de, por ejemplo, las identidades (raza, étnica, género, sexo, clase, discapacidad) como marcadores físicos de los cuerpos, las inmovilidades o los lugares intermedios (“entre”) que cuestionan la organización de la vida en categorías binarias. También reflexionamos sobre el movimiento como espacio-tiempo y cómo temporalidad y espacialidad, sus interpretaciones y expresiones físicas en escena, nos revelan mecanismos de poder social, de los más sutiles a los más evidentes. Esta entrevista se realizó el 21 de septiembre de 2023. Un gracias infinito a Poliana por su tiempo, su energía y por esta estimulante conversación.

La revolución social de los años 60 llevó a la integración de una filosofía somática en la danza profesional en Estados Unidos. El término Somático acuñado por el Dr. Thomas Hanna en 1970 fue el germen de la fundamentación somática del desarrollo de programas del Movimiento Somático en el campo de la Somatic Movement Education and Therapy. The International Somatic Movement Education & Therapy Association postuló el término repatterning definido como una estrategia de reeducación neuro-muscular. La finalidad de esta editorial es analizar la relación de lo somático sobre la corriente contemporánea del Baile Flamenco en este Siglo XXI. Intérpretes como Israel Galván y Rocío Molina representan la evidencia de esta incorporación somática del movimiento bailado en el intérprete-creador. El término neuromuscular repatterning y las prácticas somáticas, aunque no estén explícitamente enmarcadas en el Arte flamenco ni en su tradición, están integrándose dentro de su evolución, promoviendo una mayor consciencia sensorial y creatividad entre los intérpretes, así como la prevención de lesiones.

Los proyectos de aprendizaje colaborativo suponen una gran oportunidad para que el alumnado universitario salga de las prácticas simuladas de la asignatura y enriquezca su proceso de aprendizaje en contextos reales. Por otro lado, la pertenencia a un grupo de danza universitario, como contenido de los estudios universitarios de Ciencias de la Actividad Física y del Deporte, puede ayudar a mejorar muchas de las competencias adquiridas en la asignatura de Expresión Corporal, de cara al futuro ejercicio profesional de estos universitarios. Por ello, en el presente artículo se desarrollan dos propuestas de danza con metodologías colaborativas: Enseñanza basada en proyectos colaborativos y aprendizaje-servicio.

Este artículo propone perspectivas en torno a la relación entre danza, cuerpo y enseñanza, a partir de la revisión de algunas prácticas corporales insertas en la educación formal en momentos concretos de la historia reciente en Chile. Tomaremos como punto de referencia el quiebre producido por el golpe de Estado perpetrado el 11 de septiembre de 1973, momento en que comenzó a instalarse el sistema neoliberal y se atentó en contra del cuerpo de muchos/as habitantes de nuestro país. Luego, nos referiremos al aporte de una de las escuelas de danza que se dedicó casi 30 años a la formación de pedagogas/os en danza en Chile, fundada en plena dictadura militar, la que contribuyó con nuevas perspectivas a la práctica y enseñanza de la danza y al entendimiento del cuerpo, contemporaneizando su quehacer. Finalmente, reflexionaremos acerca de la importancia de la formación corporal sensible en la sociedad actual. Trabajaremos desde la perspectiva de conocimiento situado de Donna Haraway (1991); de conceptualizaciones en torno al cuerpo del antropólogo y sociólogo David Le Breton; de experiencias de profesoras de danza chilenas, incluida la autora de este texto, y de otros autores que aportan al desarrollo de este.

En este artículo conversamos sobre nuestras experiencias en la construcción –entre 2005 y 2022– de un espacio comunitario de danza contemporánea y circo que denominamos «Aula de Artes del Cuerpo» en el marco del Área de Actividades Culturales de la Universidad de León. En primer lugar, nos interrogamos sobre las condiciones y contradicciones del contexto universitario desde donde enseñamos, investigamos y nos aproximamos a la creación. La ubicación utópica o el tránsito en múltiples lugares, así como las formas de entender y practicar las relaciones entre el arte y la educación –las relaciones entre la improvisación y la composición, los modos de participación y recepción o la pedagogía inclusiva– son algunas de las cuestiones centrales del diálogo. De esta memoria, que nos sirve de reconocimiento y autocrítica, se destilan dudas y anhelos sobre los futuros modos de interacción de los cuerpos en varias escenas: la teatral o coreográfica, la universitaria y la social.

Este artículo retoma la Propuesta Pedagógica de la Danza en Contexto creada y desarrollada por el Dr. Isabel Marques en la década de 1990. A partir de una contextualización de la enseñanza de la danza en Brasil, su país natal, la autora nos lleva por nuevos caminos que relacionan la enseñanza de la danza con los contextos sociopolíticos y culturales actuales: la pospandemia, el hiperconsumo, las nuevas tecnologías y el avance del neoliberalismo. Con base en los estudios de Paulo Freire, educador brasileño, este artículo discute perspectivas para la enseñanza de la danza desde un enfoque crítico, entendiendo, como el autor, que la educación es una forma de pronunciar el mundo. Para esta discusión, el autor trae las contribuciones de Byung-Chul Han, Gilles Lipovetsky, Ailton Krenak y Boaventura de Sousa Santos, entre otros, en el sentido de descolonizar la enseñanza de la danza y traer propuestas de reflexión sobre la danza en las escuelas públicas brasileñas.

Las vías de peregrinación en la Edad Media conformaron las principales rutas para el movimiento de personas e ideas, tanto por causa de devoción como por necesidades de la actividad profesional. Así, tanto peregrinos como predicadores, juglares, o músicos acompañantes de nobles en peregrinación, usaron estas redes de comunicación y los centros de culto relacionados como vías de difusión de repertorios musicales de todo tipo, monofónicos o polifónicos, tanto de raíz oral como de factura escrita. El repertorio que viajó y se interpretó en los caminos y santuarios ha dejado algunos testimonios, como el Llibre Vermell de Montserrat en el siglo XIV o, anteriormente, el Códice Calixtino. La creación, transmisión e interpretación de este repertorio es un campo de conocimiento en pleno desarrollo, por lo que con el presente texto se pretende apuntar líneas de investigación para incorporar la música en las rutas de peregrinación a los estudios culturales y, particularmente, a los musicológicos.

El artículo analiza una práctica performativa llevada a cabo en el edificio Rialto de la ciudad de Valencia, en España, el 26 de noviembre de 2022. Dentro del Rialto, la sala 7 acoge artistas visuales, músicos y bailarines para producir un acontecimiento analizado desde una concepción intermedial. Las condiciones improvisadas de la performance; con sonoridades producidas por un piano, una guitarra, un bajo, una flauta travesera, y sonidos sintetizados y sampleados junto a videos procesados en tiempo real y proyectados en cenital sobre el suelo y una pantalla vertical; generan unos razonamientos sobre el esquema espacial en el que se llevó a cabo la acción performativa. La interdependencia de los cuerpos danzantes — espacio, sonido e imágenes proyectadas— lleva a estudiar el movimiento de la danza, prestando atención a la ocupación del espacio, que se articula claramente desde el centro de la sala. La argumentación de la performance nos lleva a vincularla con la ciudad, en el sentido diferencial entre el centro y periferia. El objetivo es investigar su sentido según ciertas conexiones entre la sala y la urbe. El trabajo concluye sobre la necesidad de redefinir el espacio de la performance y la importancia del análisis para su caracterización.

La pérdida de la identidad cultural en niños es un problema que aqueja en la actualidad. Es por ello que este estudio tuvo como objetivo diseñar talleres de danza para mejorar la identidad cultural en niños de cuarto grado de primaria, el mismo que se sustenta en las teorías del aprendizaje sociocultural y el de las inteligencias múltiples. Se utilizó un diseño descriptivo-propositivo, bajo el enfoque cuantitativo de tipo no experimental, la muestra fue de 20 estudiantes, seleccionado con un muestreo no probabilístico intencional, teniendo como resultado que más del 50% de los encuestados se encuentran en nivel bajo y muy bajo en identidad cultural. Por tanto, se proponen los talleres de danza como solución pertinente. Como resultado, tras aplicar la propuesta académica se espera lograr la mejora de la identidad cultural de todos los estudiantes participantes de los talleres y que a través de la danza folclórica conozcan y valoren su cultura. El impacto de esta investigación es científico, por lo novedoso dando pie a distintas investigaciones próximas; educativo al promover el desarrollo de habilidades en los agentes educativos y social porque contribuye a la sociedad en general.

El artículo profundiza en los itinerarios corporales de mujeres migrantes vinculadas a distintas prácticas dancísticas populares que se desarrollan en Arica (Chile). Desde el cuerpo y con una perspectiva interseccional como enfoques teórico-metodológicos, se comparan dos migraciones en la triple frontera andina: la migración aymara-boliviana y afro-colombiana. El objetivo es analizar los itinerarios corporales de ambos grupos, es decir, las prácticas del cuerpo dinámicas y mutables que son expresadas en sus biografías. A través de una metodología cualitativa, se construyeron historias de vida y mapas corporales con cuatro mujeres. El foco estuvo en comparar cómo las variables de género, étnico-raciales, clase social y nacionalidad 1) se manifiestan en sus recorridos migratorios, 2) son experimentadas a través del cuerpo y 3) generan estrategias corporales frente a contextos de desigualdad social. Se concluye que, al migrar, la danza representa una dimensión política para enfrentar situaciones de violencia, racismo y exclusión, y por tanto el cuerpo se convierte en un espacio de acción y transformación social.

Flamenco is considered the musical style that most identifies the Spanish people. It emerged as a result of the cultural mixing that occurred when Muslims, Jews, Gypsies, and Christians coexisted for centuries in Al-Andalus, giving rise to the musical style we now know as flamenco. This research aims to detect the presence of Islamic culture in flamenco music from the perspective of Mediterranean culture. A predominantly qualitative methodology has been used, and a systematic literature review has been conducted, employing the PRISMA methodology. Among the results, we find numerous popular lyrics in the flamenco genre that refer to the Islamic people and recount their historical memory. The musical intonations of flamenco carry an oriental tone in their music and share melodies similar to expressions of the Muslim people. Ancient paintings have allowed us to find similarities between the body posture of a belly dancer and a flamenco dancer. We conclude by affirming that Islamic influences are particularly relevant in the origin and subsequent consolidation of flamenco as a musical genre. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

This paper approaches dance in the formal curriculum of basic education aiming to build knowledge through experiences with Brazilian dances, specifically carimbó. The methodology involved the interdisciplinary project "Carimbó, Regional Culture and Sustainable Development", with 4th grade students from Colégio de Aplicação, a basic education school of the Federal University of Roraima. We started by understanding Project Pedagogy, with simultaneous planning of didactic sequences in Portuguese Language, Geography, Dance, Music, and Physical Education. We reflected on the interdisciplinary experience in Dance and Physical Education. The construction of knowledge included the following stages: Research on the history of carimbó and its characteristics; experiences of carimbó circles in the classroom; conversation circles; and a performative experience during the culmination of the project outside the classroom, with carimbó circles including live music and members of the school community, including the children's families. This experience led to participants' recognition of carimbó as a cultural heritage and a fruit of popular resistance of communities in Pará. Due to the performative and festive nature of the dancing circles, carimbó was also the starting point for reflections on inclusion models that aim to integrate the body in school spaces. The recognition of carimbó as heritage was based especially on an affectionate approach to this dance, as well as on a discovery of this manifestation as an Afro-American resistance. Beyond a traditional Dance Pedagogy, we recognize in the memory of carimbó -- in its festive elements and its influences from the indigenous worldview -- paths for a Decolonial Pedagogy in Dance. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

El presente artículo analiza la forma en la que el compositor colombiano Silvio Martínez utiliza el formato de Cuarteto de guitarras en sus cuatro piezas para este formato: Para Jova; Para Horacio, Serenata Campesina y Luz Mary, sentando un precedente en la música andina colombiana vista desde un formato con una tradición relativamente joven y explorando a profundidad las posibilidades instrumentales del conjunto. Busca establecer los roles que el compositor asigna a cada una de las guitarras a lo largo de las 4 piezas, concentrándose en la utilización del ritmo como un elemento que diferencia, une, refuerza o responde a cada una de las ideas musicales que se expresan dentro de un contexto sonoro que mantiene una sonoridad armónica y melódica dentro de la tradición de la música de la zona andina colombiana.

La Realidad Virtual y, más concretamente la Realidad Virtual Cinemática, converge con la coreografía y el lenguaje de la danza ofreciendo una experiencia inmersiva al sujeto espectador. En la última década, el acceso a las gafas de realidad virtual y cámaras de grabación en 360º se ha expandido y, en consecuencia, se abren posibilidades para el desarrollo del género de la videodanza desde una nueva perspectiva. Este artículo tiene como objetivo explorar las confluencias entre danza y realidad virtual a través de un análisis y la comparación entre la videodanza convencional y la danza en 360º. Para ello, se propone un estudio de la obra de danza virtual Pewma 360, dirigida por el realizador audiovisual Sebastián Gatica y el coreógrafo Ignacio Díaz. Se trata de un nuevo espacio para la danza, un lugar híbrido e intermedial, que aglutina características de las artes en vivo y el medio audiovisual.

El presente artículo presenta el proyecto The Touching Community (2015-2022) del bailarín, coreógrafo y pedagogo Aimar Pérez Galí como un ejemplo paradigmático de la politización del duelo queer que han analizado autoras como Sarah Ahmed y Judith Butler. Se profundiza en las múltiples materializaciones de este proyecto performativo con la intención de estudiar la potencialidad de la danza colectiva para desarrollar nuevas y necesarias formas de duelo y de conmemoración a modo de políticas de duelo queer. El engarce en la investigación de Pérez Galí entre las consecuencias de la crisis del sida en el ámbito de la danza en países hispanoparlantes y la teoría del duelo queer contemporánea, nos servirá para acceder desde unas tecnologías del duelo encarnadas a aquellas demandas de dignificación de vidas abyectas, así como a las potencias políticas de plantear una nueva ontología corporal común basada en la vulnerabilidad.