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CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior A presente pesquisa emerge de questões relacionadas ao corpo, ao movimento e ao processo de criação em dança. Neste sentido, o percurso – após mudanças em decorrência da pandemia gerada pela covid-19 – considerou o objetivo de tecer uma reflexão sobre processos de criação em dança, em que baseei o estudo nas práticas que desenvolvi enquanto artista/docente e, ainda, mais duas experiências de artistas/docentes, a saber: Fernanda Beviláqua e Gandhi Tabosa. Para o desenvolvimento da pesquisa, recorri aos métodos qualitativos da fenomenologia e da autoetnografia. A escrita autoetnográfica possibilitou-me, na qualidade de artista e pesquisadora, tecer as vivências relatadas, onde as experiências são nutridas de sensações/pensamentos. Utilizei ainda como recurso o questionário e entrevistas, na busca de provocar reflexões a partir das perguntas que conduziram a pesquisa, sendo elas: “quais os desafios que a necessidade do isolamento social em decorrência da pandemia apresentam para o trabalho artístico/pedagógico da dança?”; “Como criar espaços para a experimentação e reflexão sobre corpo e suas poéticas?” Para fazer essas reflexões, realizei uma proposta de costura dos relatos trazidos pelas (os) artistas/docentes convidadas (os) e as minhas experiências, de modo a tramar várias “vozes” de vivências distintas sobre o mesmo período, cada uma com a sua perspectiva. Para alcançar reflexões sobre os processos de criação, a “palavraconceito corponectividade” auxiliou-me a trazer entendimentos sobre corpo, compreendendo o ser humano de modo a ser corponectivo – um todo integral (corpomente atuantes síncronos), de que maneira as dimensões do corpo produzem relações, por exemplo: corpo e o cultural/histórico, corpo e suas singularidades, corpo e o espaço/coletivo, além de que forma essas relações estimulam/influenciam no processo de criação. A partir dos relatos de como ocorreram as aulas e/ou processos, tento destacar pontos-chave das estratégias artístico/pedagógicas que conseguimos desenvolver, buscando, ainda, uma aproximação entre teoria e prática em uma perspectiva do experimentar e refletir, seja durante as aulas ou nos processos de criação. Por fim, observo que essas possibilidades retratam de que jeito cada processo foi nutrido pelas relações das dimensões do corpo, enfatizando então o ser humano resultando no ser corponectivo, ser movente e ser relacional, onde tudo o que somos, o que nos compõe, está no processo, seja de forma visível ou invisível. The following research emerges from matters related to the body, to movement and to the creation process in Dancing. In this regard, the course – after changes due to the pandemic caused by covid-19 – considered the goal of weaving a reflection on creation processes in Dancing, having as a study basis the practices I developed as an artist/teacher and, also, two other artists/teachers' experiences, namely: Fernanda Beviláqua and Gandhi Tabosa. For the development of the research, I resorted to the qualitative methods of phenomenology and autoethnography. The autoethnographic writing enabled me, as an artist and researcher, to weave the reported experiences, where the experiences are nourished by sensations/thoughts. I also used, as a resource, the questionnaire and interviews in an attempt to provoke reflections based on the questions that led the research, being them: what are the challenges that the need for social isolation due to the pandemic presents to the artistic/pedagogical work of dance? How to create spaces for experimentation and reflection about the body and its poetics? To make these reflections, I made a proposal of sewing the reports brought by the invited artists/teachers and my own experiences, to weave several voices from different experiences about the same period, each one with its own perspective. To reach reflections about the creation processes, the "word-concept bodyconnectivity" helped me to bring understandings about the body, understanding the human being as an embodied being – an integral whole (bodymind acting synchronously) and how the dimensions of the body produce relations, such as: body and the cultural/historical, body and its singularities, body and space/collective, and how these relations stimulate/influence the creation process. From the reports of how the classes and/or processes occurred, I try to highlight key points of the artistic/pedagogical strategies we were able to develop, also seeking an approximation between theory and practice in a perspective of experimenting and reflecting, either during the classes or in the creation processes. Finally, I observe that these possibilities portray how each process was nourished by the relations of the body's dimensions, emphasizing the human being as an embodied being, a moving being, and a relational being, where everything that we are, what composes us, is in the process, be it visible or invisible. Dissertação (Mestrado)

Submitted by Eliana CEH/B (liliprata2000@gmail.com) on 2021-10-07T16:22:01Z No. of bitstreams: 1 Dissertacao - Simone Aparecida Tome - 2021 - Completa rev.pdf: 3011945 bytes, checksum: 8cf6523a516eeece35c83b3a52f15861 (MD5) Made available in DSpace on 2021-10-07T16:22:01Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dissertacao - Simone Aparecida Tome - 2021 - Completa rev.pdf: 3011945 bytes, checksum: 8cf6523a516eeece35c83b3a52f15861 (MD5) Previous issue date: 2021-08-06 Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES Sensitive temporalities is an artist's research about the study of my poetics based on my work of personal creation in conjunction with contemporary issues of the arts. Writing starts from my own production and seeks dialogues with other artists and with the development of issues in different fields such as art, literature, philosophy, biology and anthropology. From the act of awareness of the absurd and the change in the search for meanings, my creative process - which begins with dance - becomes photography, performance, video and object. I identify time as the foundation of the research, which will give importance to existences and sensitive experience, in a continuous process of modifications that I perceive as dialoguing with the idea of metamorphosis. Intrinsic to this research were also the noisy frequencies - sensitive experience - which made it necessary to move from the research site, in the midst of the COVID-19 pandemic, for its conclusion Temporalidades sensíveis é uma pesquisa de artista sobre o estudo da minha poética com fundamento no meu trabalho de criação pessoal em articulação com as questões contemporâneas das artes. Parte da produção própria e a busca de diálogos com outres artistas e com o desenvolvimento de questões entre diversos campos como a arte, a literatura, a filosofia, a biologia e a antropologia. A partir do ato da consciência do absurdo e da mudança na busca de sentidos, meu processo de criação – que se inicia pela dança – modifica-se para a fotografia, a performance, o vídeo e o objeto. Identifico o tempo como fundamentação da pesquisa, que vai dar importância às existências e à experiência sensível, num processo contínuo de modificações que percebo dialogar com o pensamento da metamorfose. Intrínsecas à esta pesquisa, estavam também as frequências ruidosas - experiências sensíveis - as quais fizeram com que fosse necessário um deslocamento do local de pesquisa, em meio à pandemia do COVID-19, para sua conclusão

Orientador: Antonio Fernando da Conceição Passos, Roberto Berton de Angelo Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Este trabalho propõe um estudo de interação de linguagens entre dança e vídeo onde discutiremos quais são, em essência, as características das duas linguagens e como articulá-Ias sem que isto signifique uma redução do potencial artístico inerente a cada uma delas. Incluiremos também a elaboração de um material que denominamos de elementos de pré-criação para uma futura realização de um vídeo-dança livremente inspirado em Moby Dick de Herman Melville. Nele descreveremos a estrutura básica do filme e também agregaremos textos e imagens que ajudaram a definir o teor dramático das diferentes etapas do processo de criação. Para tanto, começaremos fazendo um percurso que primeiramente tratará de definir o argumento que servirá de base para a elaboração deste material; em seguida, definiremos alguns conceitos e termos técnicos básicos na área do audiovisual. Uma abordagem sobre as diferentes relações espaço-temporais referentes a cada uma destas artes será nosso terceiro foco de estudo; seguiremos com algumas notas sobre o processo de criação, discutindo alguns parâmetros de criação derivados da temática de criação estabelecida. Um pequeno memorial, relatando os principais momentos de uma trajetória em dança, será a etapa final de nosso trabalho Abstract: Not informed. Mestrado Mestre em Multimeios

CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior Nesta dissertação investigo sobre os estados corporais de um corpo no caos como potência para experimentação e criação da cena, investigando para isso os movimentos de um corpo em situação de crise de ansiedade. A hipótese que norteou esse trabalho assume que dançar o estado corporal no caos, olhando para a crise, promove um território para a investigação e a criação na improvisação em dança. Desta maneira, investiguei os sintomas que surgem no meu corpo durante a alteração ansiosa, tentando encontrar os seus desdobramentos e quais movimentos posso compor na improvisação. Assim, esta foi uma pesquisa prática de experiência e criação, que apresentou como objeto de estudo o meu corpo em colapso, utilizando do caos como dispositivo para dançar. Tive como objetivo experimentar a ansiedade em laboratórios de movimento, e compor uma improvisação denominada de “Respire”, compreendendo, durante o processo, que caos é potência que possibilita novas movimentações diante das marcas que carrego no corpo. Neste trabalho, não olhei para o caos e a crise na perspectiva de cura ou arte terapia. Aqui, caos e crise são disparadores da minha relação com o mundo e dança-los é o movimento que faço para sobreviver. A partir de certa ideia de corpo idealizado, muito imposto socialmente, em que a razão é aceita e os sentimentos são traços de fraqueza, estudar a força do caos e da crise é um posicionamento, principalmente diante de uma pandemia viral como a que vivemos no momento da finalização deste estudo. Com isso, esse trabalho defende uma perspectiva de pesquisa que fala das próprias narrativas, e reconhece o conhecimento que surge no corpo, reafirmando o lugar da arte como ciência, e mais específico, da minha narrativa enquanto artista nordestina. Para esse estudo acontecer, me amparei na metodologia somática-performativa, da pesquisadora Ciane Fernandes, que defende a pesquisa que responde suas questões movendo, e que toma toda sua produção e escrita como uma performance. Assim, esta dissertação foi dividida em três capítulos: o primeiro apresenta o resultado do levantamento bibliográfico a partir do trabalho de autores que conversam sobre corpo, estado corporal, sobrevivência, sintomas da ansiedade, a noção de sentimento e as diferentes perspectivas do caos, além de ideias sobre improvisação em dança, investigação e prática. No capítulo dois encontra-se a descrição dos laboratórios de movimentação, que ocorreram de 2018 até o primeiro semestre de 2021, relacionando os sintomas ao movimento. Por fim, finalizo abordando o processo de criação de “respire”, uma prática que contempla a improvisação e as experiências descritas no capítulo dois e discutidas a partir dos conceitos indicados no primeiro capítulo. Nas considerações transitórias, destaco a importância do olhar para a experiência como investigação científica e do papel da arte na compreensão do real, também a relevância da improvisação em dança como uma dança que propõe o risco do autoconhecimento. Além disso, depois de me dispor a abraçar o caótico, foi perceptível imaginar um desdobramento desta pesquisa observando outros corpos. Suponho legível a experimentação do caos tanto para a criação de espetáculos em grupo, quanto para um caminho clínico, em uma pesquisa na área da saúde. In this dissertation, I investigate the features of the body in chaos as a tool for experimentation and creation of the scene, thus, investigating the movements of a body in a situation of anxiety crisis. The hypothesis that guided this work assumes that dancing the body state in chaos, looking at the crisis, promotes a territory for investigation and creation in dance improvisation. In this way, I investigated the symptoms that appear in my body during the anxious changes, trying to find their consequences and what movements I can compose in improvisation. So, this was a practical research of experience and creation, which presented as an object of study my collapsing body, using chaos as a device for dancing. My objective was to experience anxiety in movement laboratories and, with this, compose an improvisation entitled “Respire”, understanding, during the process, that chaos is a power that enables new movements in the face of the marks I carry on my body. In this work, I did not look at chaos and crisis from the perspective of healing or art therapy. Here, chaos and crisis trigger my relationship with the world, and dancing it is the movement I make to survive. From a certain idea of an idealized body, very socially imposed, in which reason is accepted and feelings are traits of weakness, studying the strength of chaos and crisis is a position, especially in the face of a viral pandemic like the one we are experiencing in time of completion of this study. Thus, this work defends a research perspective that speaks of the narratives themselves, and legitimate the knowledge that appears in the body, reaffirming the place of art as a science, and more specifically, of my narrative as a northeastern artist. For this study to happen, I relied on the somatic-performative methodology, by researcher Ciane Fernandes, who defends research that answers her questions by moving, and that takes all her production and writing as a performance. Thus, this dissertation was divided into three chapters: the first presents the result of the bibliographic survey based on the work of authors who talk about body, body state, survival, anxiety symptoms, the notion of feeling and the different perspectives of chaos, in addition to ideas on dance improvisation, research and practice. In chapter two, there is a description of the movement laboratories, which took place from 2018 to the first half of 2021, relating symptoms to movement. Finally, I conclude by approaching the process of creating “Respire”, a practice that includes improvisation and the experiences described in chapter two and discussed based on the concepts indicated in the first chapter. In transitory considerations, I highlight the importance of looking at experience as a scientific investigation and the role of art in understanding reality, as well as the relevance of improvisation in dance as a dance that poses the risk of self-knowledge. Furthermore, after being willing to embrace the chaotic, it was noticeable to imagine an unfolding of this research by observing other bodies. I suppose the experimentation of chaos is legible both for the creation of group shows, and for a clinical path, in research in the health area. Dissertação (Mestrado)

Orientador: Antonieta Marília de Oswald de Andrade Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: O presente estudo tem como ponto de partida a idéia de que o Método Feldenkrais de Educação Somática pode ser um interessante parceiro no treino e no desenvolvimento de dançarinos de diferentes técnicas e estilos. A expectativa, ao longo do processo, é saber se os dançarinos participantes percebem diferenças em seu treino cotidiano após terem vivenciado o processo proposto. Para captar a idéia de cada participante sobre dançar, treinar e sobre o processo vivido durante o presente estudo foram utilizados entrevistas e observação de desempenho dos dançarinos enquanto realizavam seus treinos (gravados em vídeo), antes e depois de passarem pelo processo do Método Feldenkrais de Educação Somática. Os dados obtidos foram analisados com métodos qualitativos explicitados no decorrer da análise. Os resultados obtidos confirmaram a expectativa de que os dançarinos podem ser beneficiados pelo Método Feldenkrais de Educação Somática Abstract: The present study takes as its starting point the idea that the Feldenkrais Method of Somatic Education can be an interesting partner in the training and development of dancers of different techniques and styles. The expectation over the proceedings is whether the dancers perceive differences in their training routine after having experienced the process proposed. In order to capture the idea of each participant on dance, train and on the process experienced during this study I used interviews and observation of performance while the dancers perform their practice (videotaped), before and after undergoing the process of the Feldenkrais Method of Somatic Education. The data are analyzed with qualitative methods. The results confirm the expectation that the dancers can benefit from the Feldenkrais Method of Somatic Education Mestrado Artes Cênicas Mestre em Artes

CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior Considerando a relevância de um estudo sobre os corpos na escola e suas redes de saberes, objetiva-se olhar para as corporeidades presentes no contexto da formação de professorxs em nível médio (normalistas). Para tanto, procedem-se diálogos sobre a formação dxs normalistas, suas realidades e implicações sobre a Arte e a Educação no Instituto de Educação CIEP 179, a única escola com esse perfil em São João de Meriti, na Baixada Fluminense. Através de narrativas sobre o percurso artístico e educacional no contexto mencionado, o corpo toma um lugar de habitação poética para essas áreas do conhecimento. Dessa forma são exploradas duas expressões para apresentar os processos: corpos mais, que integram a narrativa de como se dá o trabalho em cada bimestre letivo de 2015 a 2017; e escola dançante, que expõe os atravessamentos da dança em diversos agentes escolares. Desse modo, pode-se dizer que não só os corpos podem dançar (n)esses espaços, mas diversos aspectos que ganham outros sentidos de experiência. E conclui-se que dança na escola se trata de muitos fatores, visões, saberes, práticas, agentes. Sobretudo, de um emaranhado de, narrativas, corporeidades, inquietações, que fazem o Instituto de Educação CIEP 179 e os corpos que o habitam se transformarem em novas formas sensíveis da prática artística e pedagógica. Considering the relevance of a study to the bodies in the school and its networks of knowledge, be objective to look at the corporalities present in the context of the formation of teachers at the high school (normalistas). For this, there are dialogues on the formation of normalistas, their realities and implications on Art and Education at the Institute of Educaction CIEP 179, the only school with this profile in São João de Meriti, in the Baixada Fluminense. Through narratives about the artistic and educational journey in the aforementioned context, the body takes a place of poetic habitation for these areas of knowledge. In this way, two expressions are explored to present the processes: more bodies, that integrate the narrative of how the work occurs in each academic bimester from 2015 to 2017; and dancing school, that exposes the dance crossing various school agents. Thus, can be said that not only bodies can dance in these spaces, but various aspects receive other senses of experience. To complete, dance in the school involves many factors, visions, knowledges, practices, agents. Mainly, a tangle of metaphors, narratives, corporalities, restlessness make the Institute of Education CIEP 179 and bodies there inhabit become in new sensitive forms of artistic and pedagogical practices. Dissertação (Mestrado)

CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior Sinfonia MUSDAN faz menção às iniciais do título desta pesquisa, tal como encontram-se em destaque, e trata da intenção de se fazer MUSicalizar a DANça com vistas a satisfazer as necessidades musicais desta área de conhecimento, levando em consideração as vivências na disciplina ¿Música e Dança¿ do curso de Licenciatura em Dança da UFPA. Destaca-se como objetivo geral: Investigar formas de conceber um ensino e aprendizagem a partir do estudo das possibilidades de movimento do corpo, em busca de uma educação músico-corporal direcionada aos processos em dança. Para tanto, foram experimentadas em laboratório formas de relacionar Dança e Música em um só fazer, entrelaçando Fatores de Movimento (LABAN, 1989) e Parâmetros do Som (SCHAFER, 1991), de modo que alguns elementos da música fossem compreendidos através dos movimentos do corpo, da própria dança. Para isso, foram aplicadas as perspectivas e princípios de autores como: Klauss Vianna, Ciane Fernandes, que falam sobre consciência corporal e estudo dos movimentos corporais; Fayga Ostrower, Lenora Lobo e Cássia Navas e Sonia Rangel, que falam sobre processos de criação; Jaques- Dalcroze, Marisa Fonterrada, Teresa Mateiro e Beatriz Ilari, que falam sobre as pedagogias em educação musical; Maria Fux, Maria Mommensohn e Paulo Petrella, que falam sobre a relação entre música e dança. Além destes, utiliza-se Bakhtin, como um meio para que se faça compreender a concepção de diálogo estabelecida entre as duas artes. A pesquisa revelou caminhos para uma apropriação da música pela dança e por meio dela, tanto para professores, quanto para alunos, artistas da dança e coreógrafos, de modo que estes possam desfrutar conscientemente de outras possibilidades de pensar seus processos. Symphony MUSDAN mentions the initial title of this research, as are highlighted, and deals with the intention of doing musicalize dance in order to meet the musical needs of this area of knowledge, taking into account the experiences in the discipline "Music and Dance "of the Bachelor's Degree in Dance UFPA. It stands out as general objective: To investigate ways to design a teaching and learning from the study of body movement possibilities in search of a musician-body education directed to processes in dance. So, they were tested in laboratory ways of relating dance and music in one make, intertwining Movement Factors (LABAN, 1989) and Sound parameters (SCHAFER, 1991), so that some elements of music were understood through the movements of body, the dance itself. For this, the perspectives and principles of authors were applied as Klauss Vianna, Ciane Fernandes, who talk about body awareness and study of body movements; Fayga Ostrower, Lenora Lobo and Cassia Navas and Sonia Rangel, who talk about creating processes; Jaques- Dalcroze, Marisa Fonterrada, Teresa Bushman and Beatriz Ilari, who talk about pedagogies in music education; Maria Fux, Maria Mommensohn and Paul Petrella, who talk about the relationship between music and dance. In addition, Bakhtin is used as a means for you to do to understand the concept of established dialogue between the two arts. The survey found ways to appropriation by a music and dance through it, both for teachers and for students, dance artists and choreographers, so that they can consciously enjoy other possibilities of thinking their processes

Orientador: Marília Vieira Soares Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: O presente estudo pretende alçar voo na arte do ator balinês do dança-drama topeng, que surgiu na ilha de Java em meados do século XI e adotado posteriormente pela ilha de Bali no início do século XVI. Quanto ao ator, propõe-se abordar aspectos de sua filosofia, religião e contexto histórico e cultural, assim como suas técnicas de treinamento, processos de aprendizagem e sua conexão com a cena. Por mais que se trate de uma forma artística tradicional de longa data, o topeng modifica-se a cada dia e, por meio do ator, adquire um novo significado para os dias contemporâneos enquanto mantém suas raízes em crônicas do passado que servem de norte para a conduta do cidadão. Identificar o que move esses atores e quais elementos cênicos visíveis e invisíveis utilizam para manifestar sua arte pode servir para desvendar novos caminhos transculturais na atuação e na estética do teatro brasileiro atual Abstract: This study intends to take a leap into the art of the Balinese actor of dance-drama topeng, an art that emerged on the island of Java in the middle of the eleventh century, and that was later adopted by the island of Bali in the early sixteenth century. As for the actor, it is proposed to address aspects of his philosophy, religion and historical and cultural contexts, as well as their training techniques, learning processes and their connection to the scene. Even though it is a long time art tradition, topeng changes every day and, through the actor, it is given a new meaning to contemporaneity while maintaining its roots in chronicles of the past that serve as a guiding beacon for the behavior of the citizen. Identifying what the motivations of these actors are and what scenic elements (whether visible or invisible) are used to express their art may serve to unlock new paths in cross-cultural activities and aesthetics of the current Brazilian theater Mestrado Teatro, Dança e Performance Mestre em Artes da Cena CAPES

Esta pesquisa atenta primeiramente para um desdobramento do meu trabalho de conclusão de curso, que me asegurou o título de licenciada plena em dança pela Universidade Federal do Pará. Esse trabalho (TCC) me oportunizou estudar a dança sob três enfoques: a dança do meu corpo, no corpo do outro e as possibilidades que apresentam os estudos míticos em sofrerem ressignificação para um espetáculo de dança. O atual estudo pretende, além de empreender uma interrelação entre dança, cultura, imaginário e mito igualmente viabiliza minha perspectiva analítica sobre o encadeamento entre duas teorias, naquilo em que uma proporciona à outra, além de investigá-las separadamente. A primeira teoria a ser estudada diz respeito à etnodramaturgia poética do imaginário (LOUREIRO, 2009) e expõe sobre a forma como cada pessoa particulariza o que lê. Através da sua leitura o indivíduo imagina o mito, cenarizando-o, dramatizando-o. esta teoria reflete ainda, o processo que irá desencadear outra teoria, a da conversão semiótica (LOUREIRO, 2007), que também se faz presente em minhas análises acerca das relações travadas entre dança, mito e imaginário. O princípio da conversão semiótica presume o reordenamento de uma das funções presentes na reflexão acerca da arte. Através da análise reflexiva da teoria da etnodramaturgia poética do imaginário, adentro em um universo que procura apoiar-se em dois mitos: Medéia (grego) e Matinta (amazônico) para evidenciar a possibilidade de construção da imaginação pautada em um espaço cênico que se cria simultaneamente ao se ler uma narrativa mítica, permitindo de modo efetivo, a realização atuante de outra teoria, e da conversão semiótica, que prevê a ressignificação desses mitos em espetáculos de dança ou teatro, no âmbito das artes cênicas. Ademais, os dois mitos escolhidos para este estudo são fornecedores de significações simbólicas equivalentes apesar de serem originados em culturas tão distantes. Procuro então, evidenciar essas equivalências tomando como exemplos principais minha própria reflexão sobre o tema, ao atuar em um espetáculo de dança cuja essência resultou da ressignificação do mito da Matinta e ao analisar a atuação do artista que, experenciou os dois mitos ressignificados em obras coreográficas, Jaime Amaral, que dançou também o mito de Medéia. Para tanto, meu objetivo principal consiste em analisar de que forma acontece a conversão semiótica do mito em dança por via do processo da etnodramaturgia poética do imaginário fundamentando-me na identificação e investigação da vinculação, no processo de produção, de uma forma formante e forma formada (PAREYSON, 1993) entre os pontos individualizadores, porém convergentes de cada mito estudado, levando em consideração as culturas pertencentes a cada um. À vista disso, aplico a este estudo entrevistas, pesquisas, bibliografias sobre o tema abordado, assim como pesquisas documentais (filmagens e fotos) do artista em questão que já encenou os mitos sobre os quais se delineará o referente estudo, bem como meus apontamentos contidos no diário de bordo fabricado no laboratório de criação do espetáculo Matintas. This research , attentive primarily to an offshoot of my completion of course work , assured me that the title of full degree in dance from the Federal University of Pará This work ( TCC ) provided an opportunity to study dance me under three approaches : the dance in my body , in the body of the other and the possibilities that present the mythical studies suffer redefinition for a dance . The current study aims , in addition to wage interplay of dance, culture , myth and imagination also enables my analytical perspective on the trigger which provides a theory to another , and investigate them separately. The first theory to be studied concerns the poetic myths etnodramaturgia ( Loureiro , 2009) and expounds on how each person particularize the myth that reads . Through reading the individual imagines the myth , cenarizando it . This particularization arises according to the specific culture that is intrinsic to him , so the universality of myth is revealed when the consonant interpret our path by culture. This theory also reflects the process that will trigger another theory, semiotics conversion ( Loureiro , 2007) , which also is present in my analysis regarding the relationships established between dance , myth and imagination . The principle of semiotics conversion assumes the reordering of some of the features found in the reflection about art . These maintains a hierarchical relationship , and may thus be a dominant depending on the movement of passing objects from one cultural context to another . Then the functions are reorganized and may change the dominance . Through reflective analysis of the theory of poetic etnodramaturgia myths , inside a universe that seeks to rely on two myths : Medea ( Greek ) and Matinta ( Amazon ) to demonstrate the possibility of building the imagination grounded in a scenic area that creates simultaneously to read a mythic narrative , allowing , effectively , the acting of another theory, semiotics conversion, which provides for the redefinition of these myths in dance performances or theater within the theater arts achievement. However, you can extend to other works of art , as this research concerns the way how the myth takes shape in the imagination of each. The way that every photographer should stage in the imagination according to its artistic design . Moreover , the two myths chosen for this study are suppliers of equivalent symbolic meanings although they originated in cultures as far away , try then show these equivalences taking as prime examples my own reflection on the subject , to act in a dance whose resulted essence of reframing the myth of Matinta and analyze the performance of the artist who experienced the two myths reinterpreted in choreographic works , Jaime Amaral . For that, my main goal is to analyze how conversion happens semiotics of myth in dance through the poetic myth etnodramaturgia process basing myself in the identification and investigation of binding , in the production process , a formant shape ( Pareyson , 1993 ) between the individuating points , but each converging myth studied , taking into consideration the crops belonging to each. In view of this part apply to this study , interviews , library research about the topic , as well as documentary research ( footage and photos ) of the artist in question already staged the myths upon which outline the referent study as well as my notes contained in the logbook manufactured in the lab creating the show Matintas.

Submitted by Boris Flegr (boris@uerj.br) on 2021-01-05T16:59:10Z No. of bitstreams: 1 Claudia Muller dissertacao.pdf: 2099649 bytes, checksum: ad0e96ce115ae16103c2b3498f9e1ad5 (MD5) Made available in DSpace on 2021-01-05T16:59:10Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Claudia Muller dissertacao.pdf: 2099649 bytes, checksum: ad0e96ce115ae16103c2b3498f9e1ad5 (MD5) Previous issue date: 2012-04-17 Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado do Rio de Janeiro This study focusses on the dialogue between contemporary dance and visual arts from the 1990s on, discussing the new configurations and debates proposed in works by artists who move through these two fields. Dance is thought over as contemporary art, asking itself on its condition, on what constructs and defines it. Relationships between contemporary dance and conceptualism are sketched by observing works that, having cast aside formalism and the sheer exercise of aesthetics, propose to add something in terms of art conception and inquire on their own nature. Main issues addressed here include rethinking dance s very conventions, models of show or presentations, spaces, and forms of visibility; they are discussed against the background of works by Tino Sehgal (born in Britain, 1976), Wagner Schwartz (born in Brazil, 1972) and the author s own production, pleading for a conceptual condition of their works in contemporary dance. The destabilization and fissures generated by such condition are taken as tools to strengthen and amplify the vision of dance as contemporary art Esta dissertação focaliza o diálogo entre dança contemporânea e artes visuais a partir dos anos 1990 e as novas configurações e discussões presentes nos trabalhos de criadores que transitam entre esses dois campos. Procura pensar a dança como arte contemporânea, indagando a si mesma sobre sua condição: o que a constrói e define nesses termos. As relações entre dança contemporânea e o conceitualismo são traçadas observando obras que, abandonando o formalismo e o puro exercício da estética, propõem-se a acrescentar algo em termos de concepção da arte e questionar sua própria natureza. Repensar as convenções da própria dança, o modelo de espetáculo, os espaços e formas de visibilidade são as principais questões investigadas. Especificamente, são abordados os trabalhos de Tino Sehgal (Londres, 1976- ), Wagner Schwartz (Volta Redonda, 1972- ) e a própria produção artística da autora para pensar essas relações, reivindicando uma condição conceitual da dança contemporânea nas obras próprias e nas dos artistas estudados. As desestabiliza-ções e fissuras que essa condição provoca são as ferramentas para potencializar e ampliar a visão da dança como arte contemporânea