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El diseño gráfico es un elemento importante que cada museo incorpora a sus instalaciones, un contexto visual que define también su promoción y publicidad. Tanto las salas de la colección permanente como las exposiciones temporales nos permiten indagar en la imagen que ofrece cada institución. El presente estudio analiza, desde la cultura visual, los diseños gráficos que definen varios entornos, centrándonos en siete museos de la ciudad de Valencia. Se incide en el análisis de aspectos puntuales, elaborando un conjunto de categorías. El criterio de selección prioriza las entidades públicas. Abordamos aspectos concretos, como el diseño de elementos gráficos en exteriores e interiores arquitectónicos. El interés se extiende al impacto que tienen las decisiones al optar por un tipo de diseño u otro, ya que la imagen del museo está fuertemente vinculada al grafismo aplicado. Los públicos que visitan el museo reciben un impacto determinado a través de los diseños, gracias al mensaje gráfico. La visita se convierte así en un proceso de conocimiento sobre las posibilidades comunicativas del espacio. El museo educa la mirada de los públicos, al generar estímulos constantemente. Entre los resultados de la investigación, destacar el impacto que tiene el diseño en sus visitantes, así como el valor implícito de las políticas comunicativas de cada institución para favorecer la educación patrimonial.

El artículo analiza las representaciones de los médicos en la cultura visual decimonónica en España y en Francia. El análisis de las imágenes, que estaban en gran parte fuera del control de los profesionales, refleja bien las grandes transformaciones en la profesión y en la ciencia médica (prestamos más atención a la primera vertiente) y también las grandes tensiones internas en la profesión durante aquella época: el afán de situarse como individuos y como colectivo entre as élites sociales, la oscilación entre el énfasis en el heroísmo desinteresado y la voluntad y necesidad de reclamar honorarios dignos de un caballero, las pugnas en torno al lugar que debían ocupar las mujeres en e campo de la salud. Desde una perspectiva comparada y transnacional, el artículo moviliza la cultura visual para entender el lugar de clase social y de género en la transformación de la medicina no tanto como ciencia, sino como profesión.

This article examines the intersections between memory, documentary, and animation through an analysis of the film Gurs, historia y memoria (2017). Verónica Sáenz's documentary incorporates animated sequences by the renowned cartoonist Paco Roca to recuperate the memories of Spanish Republican exiles in the French camp Gurs. Although the graphic novel of the Spanish Civil War has piqued the interest of academics and critics, there are few studies devoted to the intersections between this genre and animation. In this article, I propose that the animated segments of Gurs, historia y memoria function as a reflective membrane that regulates the viewer's affective response based on the affirmative and future-centric structure of hope, with the goal of reconstructing a multidirectional memory of the Gurs camp aimed at promoting solidarity with Syrian refugees. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

Cada imatge és una mostra de color blau presa d’una fotografia del cel. El text que apareix s’ha generat amb una eina d’extracció de prompts. Aquestes eines s’utilitzen per aconseguir la descripció idònia d’una imatge si el que vol és generar-ne una de similar amb intel·ligència artificial. Demanar que la IA descrigui el blau del cel en un prompt és instigar-la a realitzar un exercici poètic, no tan pel tema (el cel), sinó pel caràcter inefable de la imatge. Els passatges escrits sobre el blau del cel ens suggereixen una reflexió sobre els límits dels prompts, que són també els límits de la descripció, la representació o la indexació de les imatges. A la vegada, el títol de l’obra fa referència al llibre homònim de Georges Bataille, Le Bleu du ciel, i és una forma més de confrontar aquestes tecnologies amb la interpretació d’allò que és inabastable. Les imatges són part d’una proposta no realitzada d’instal·lació del col·lectiu Estampa per a una exposició al museu Jeu de Paume de París que durà a terme durant els mesos d’abril a setembre de 2025.

El ensayo propone un acercamiento a las prácticas audiovisuales del grupo de comunicación popular Tomate Colectivo. A partir de la experiencia de la serie audiovisual Trazando resistencias (tomatecolectivo, 2014a, 2014b, 2014c, 2014d, 2014e, 2014f, 2014g y 2014h), invita a interpelar la visualidad como un campo en tensión que involucra la producción, la distribución y los significados culturales de las imágenes en prácticas audiovisuales en contextos de luchas ecoterritoriales. De esta manera, se intenta indagar sobre la relevancia de los archivos audiovisuales digitales del colectivo como potencial espacio de investigación y construcción de narrativas, que no solo documentan procesos sociales y culturales, sino que también construyen contravisualidades desde las luchas ecoterritoriales en Cajamarca, Perú.

Las nociones de “novedad” y “caducidad” en los dispositivos culturales de fines del siglo XIX e inicios del siglo XX estuvieron condicionadas, en muchos casos, por la materialidad efímera de sus producciones. Cubiertas de libros, revistas ilustradas, afiches, tarjetas postales son restos de un tiempo en suspenso que problematiza las categorías de lo archivístico. Este artículo tiene como objetivo explorar los límites del trabajo con objetos efímeros del modernismo latinoamericano en la era de las humanidades digitales. Para ello, estudia un conjunto de dispositivos que forman parte de lo que podría denominarse la “ephemera dariana”; es decir, una serie de documentos impresos e ilustrados, de soporte perecedero y condición transitoria, que circularon de manera discontinua y contingente alrededor de la obra del poeta nicaragüense Rubén Darío. De esta manera, el aporte más importante del trabajo con los objetos efímeros presentados en este trabajo consiste en la posibi-lidad de acercarnos a formas marginales de subjetividad estética que contravienen los cánones artís-ticos y los estándares de los discursos normalizados. La ephemera dariana constituye, además, un punto de acceso privilegiado para el estudio de las representaciones visuales de los eventos cotidianos del pasado y los circuitos de socialización que la rodeaban. Abstract The notions of “novelty” and “expiration” in the cultural devices of the late 19th century to the early 20th century were often shaped by the ephemeral nature of their productions. Book covers, illustrated magazines, posters, and postcards are remnants of a time in suspense, challenging traditional archival categories. This article aims to explore the limits of working with ephemera from Latin American Modernismo in the age of digital humanities. It focuses on a set of devices that could be termed the “ephemera dariana”—a series of printed and illustrated documents of perishable support and transitory condition, which circulated in a discontinuous and contingent way around the work of the Nicaraguan poet Rubén Darío. The most significant contribution of the work with the materials presented in this study lies in its approach to marginal forms of aesthetic subjectivity that defy artistic canons and the standards of normalized discourses. Additionally, Darío’s ephemera provides a unique access point for examining visual representations of the everyday events of the past and the socialization circuits they engendered. DOI: 10.5281/zenodo.12979360

El protagonista de La ciudad sin imágenes (2023) padece prosopagnosia, una enfermedad cognitiva que le impide retener imágenes en la memoria. La imagen disponible que conserva de la ciudad deja, en consecuencia, de operar como elemento rector de su capacidad motora y orientativa por el medio urbano y cede a la palabra poética, con sus características particulares, el relevo por el sentido y la significación del medio urbano. En el presente artículo, analizamos las características y posibilidades teóricas de una poesía no subsidiaria de la imagen externa y, una vez acotadas sus particularidades, abordamos las posibilidades que dicha comprensión del logos poético presenta para la ciudad del siglo XXI; es decir, en qué medida la libera de simbologías caducas e invita al lector a reconsiderar sus marcos.

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La problemática de la relación entre imágenes y mediatización es un cam­po de investigación que ha ido tomando relevancia en las últimas décadas a partir, principalmente, del avance de la digitalización y de la omnipresencia de Internet, con los cambios que esto produce en las comunicaciones y en la circulación del sentido, así como en los vínculos interpersonales y colectivos, los medios masivos y demás instituciones de la sociedad. Sociedad de configu­ración compleja que ha sido pensada –desde una mirada comunicacional– a partir de distintos andamiajes teóricos: entre otros, se la ha definido como sociedad hipermediatizada (Carlón, 2016) y se la ha caracterizado también en base a las plataformas digitales y los sistemas de comunicación postbroadcasting (Fernández, 2021).

Este artigo revisa algumas (in)conclusões obtidas de uma pesquisa de mestrado cujo objetivo foi analisar a constituição da identidade docente em narrativas audiovisuais a partir da obra fílmica Harry Potter e a Pedra Filosofal (2001). Com aporte dos estudos da Cultura Visual (Hernández, 2011, 2010, 2007, 2005;), da Cultura Midiática (Pillar, 2013;) e das identidades docentes (Ferreira, 2002; Garcia, Hypólito, Vieira, 2005) este trabalho analisa o discurso de professores da educação básica em um contexto de partilha de si junto a um grupo focal em que as docências fílmicas da obra Harry Potter e a Pedra Filosofal foram discutidas. Como método de análise, este estudo se vale da A/r/tografia (DIAS, 2013), uma abordagem que prevê a pesquisa como ação, como prática viva, contemplando a possibilidade de um mesmo sujeito absorver identidades e processos próprios do ser professor, do ser pesquisador e do ser artista. Não foram analisados como se constituíam esses professores enquanto docentes a partir da obra Harry Potter, mas sim o que esses professores falavam a partir dela. Através de um convívio que é provocado por uma experiência comum, surgiram manifestações singulares que são revisitadas na trama deste trabalho.

Nesta entrevista com a pesquisadora, artista e professora livre-docente Giselle Beiguelman (FAU-USP), são abordadas questões latentes disparadas pelas recentes tecnologias de Inteligência Artificial. Como pano de fundo das discussões, está o livro Políticas da Imagem: vigilância e resistência na dadosfera (2021), da própria entrevistada. São tratados temas como os processos artísticos e suas possibilidades frente às novas tecnologias, o debate ético (mas também estético) em torno dos deepfakes, a integração entre as visualidades e a política na contemporaneidade, a noção de preservação digital frente às mudanças tecnológicas e a viabilidade de se construir relações de aprendizado mútuo com as máquinas.

El objetivo de este artículo es comprender la visibilidad de los actores y los conflictos que emergieron con el rompimiento de la represa de residuos de minas de Samarco en Mariana en 2015. Para tal propósito adoptamos la perspectiva de los estudios visuales, para detenernos en el análisis audiovisual de dos video-reportajes producidos por la Folha de São Paulo e disponibles en su canal en Youtube, durante el periodo de 2015 y 2017. Los estudios visuales, a partir de la perspectiva de Mitchell (2009), es un abordaje teórico – metodológico que propone dar imagen a la teoría, para abrir la heterogeneidad del medio y las imágenes que la componen, hacia cuestiones sociales, históricas y políticas: Las visualidades que emergen nos obligan a cuestionar el paradigma civilizatorio moderno y el modelo económico extractivista neoliberal, sustentado en el colonialismo y discutido a través de Krenak A. e Achille M.

Editorial del monográfico Las fronteras de la historia del arte y los estudios visuales. Reflexiones en torno a su objeto de estudio. Las siguientes aportaciones analizan la naturaleza fluida del objeto de estudio de la historia del arte, valorando el impacto que han tenido las distintas dinámicas interdisciplinares que han desplazado y cuestionado sus límites. Con ello, se busca medir la capacidad de esta rama del saber para enfrentarse a una cultura visual en constante transformación, que debe adaptarse a la emergencia de nuevos objetos (como las imágenes creadas con inteligencia artificial) y que debe revisar permanentemente sus metodologías de investigación para el estudio tanto de las obras contemporáneas como de las creadas en el pasado.

Em março de 1913, Armando de Almeida venceu a maratona da “Semana Desportiva” do jornal O Mundo. Em maio do mesmo ano repetiu a proeza ao vencer a maratona dos Jogos Olímpicos Nacionais, na altura, a mais importante competição de atletismo no país. Por essas vitórias, é considerado o campeão nacional da maratona para o ano de 1913 pela Federação Portuguesa de Atletismo. Recordemos que a Federação Portuguesa de Atletismo só existe formalmente desde 1921. É, conjuntamente, num contexto de grande perturbação político-social e num ecossistema elitista, programaticamente desestruturado, que Armando de Almeida se destaca do grupo matricial de atletas que tomavam parte nestas novas formas de lazer e demonstrações de cultura de massas — as corridas pedestres de longa distância. A sua presença ativa na cultura de corrida da metrópole é contemporânea com a origem e constituição do movimento negro (1911–1933) — pioneiro no combate político antirracista em Portugal. Neste texto, que tem como ponto de partida o resgate de fotografias e narrativas dos primórdios da história e da memória do atletismo português, procuramos biografar Armando de Almeida, num exercício simultâneo de empatia e militância como contributo para o debate, contrariando invisibilidades consequentes de negligências historiográficas. Tentamos, também, reconstituir a possibilidade de articulação entre os percursos emancipatórios do atleta com a organização de movimentos políticos e sociais no tumultuoso momento histórico da Primeira República, numa capital de império colonial, com expressiva presença de pessoas afrodescendentes, esse fenómeno histórico plurissecular.

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Este artigo tem como objetivo investigar o potencial pedagógico dos memes em contextos escolares e debater sobre os desafios contemporâneo de se ensinar a ler linguagens visuais. Para desenvolvê-lo, elaborou-se uma pesquisa bibliográfica, a partir dos Estudos Culturais e dos Estudos da Cultura Visual, e cujo desenvolvimento foi dividido em dois tópicos. No primeiro, debateu-se sobre as imagens como (trans)formadoras de identidades, inclusive nas salas de aula. No segundo, contextualizamos, histórica e visualmente, a criação dos memes e tematizamos as formas como esse artefato da cultura visual tem sido inserido nas salas de aula, como recurso didático. Nas considerações, refletimos sobre as expectativas e as realidades do acesso à tecnologia nos espaços educacionais contemporâneos articulando pesquisas elaboradas em diferentes momentos históricos.

El auge de la imprenta durante la primera mitad del Quinientos transcurrió en paralelo al desarrollo de técnicas reprográficas que, no sólo facilitaron la multiplicidad y la difusión de imágenes, sino también el recurso a éstas como eje vertebrador de cualquier sistema propagandístico, favorable o contrario al poder civil o eclesiástico. Todo, además, agudizado por un sistema heterogéneo de organización político-territorial, el imperio, donde la transversalidad de la imagen gozaría de una potencia y capacidad aglutinadora de la que aún se mantenía alejada la esfera de la lecto-escritura. En estas páginas se reflexiona sobre el uso que la dinastía Habsburgo hizo, a lo largo de este periodo, de técnicas de grabado como la xilografía o el aguafuerte, analizando asimismo cómo la difusión de una serie de láminas, la de Nikolas Hogenberg sobre la cabalgata posterior a la coronación de Carlos V en Bolonia (1530), permitió que este acontecimiento histórico se viese reflejado en materiales y espacios diversos, tanto en España como en Italia. El imagocentrismo, por las razones expuestas, adquirió un fuerte impulso en esta modernidad incipiente.

La película soviética Los Marinos de Kronstadt (1936) fue proyectada en Madrid por primera vez el 18 de octubre de 1936, a pocos meses de comenzar la guerra civil española (1936-1939). Los medios de masas pronto instrumentalizaron sus valores ideológicos textuales y subtextuales para explicar la realidad española de la guerra. Analizando su impacto a la luz de la teoría de la producción visual ideologizada y de las posibilidades del realismo que construye Josep Renau (1907-1982) durante los mismos años comprobaremos la capacidad significante de la película en una realidad social en conflicto. Un contexto en el que la producción visual se explotó hasta el punto de conformar un verdadero imaginario (ideológico, bélico, revolucionario) cuyas representaciones se sometieron a un proceso constante de redefinición y revisión. En los años que duró la contienda se reflexionó continuamente sobre las posibilidades morfológicas y las capacidades ideológicas de la imagen, desdibujando las fronteras entre las categorías convencionales que separan la imagen artística de otros tipos de representaciones visuales. Como integrante de dicho fenómeno, en cuya construcción se fueron superponiendo las consideraciones sobre los usos y alcances de toda clase de imágenes, la película presenta un caso de estudio ejemplar.

Este artículo examina la iconografía de las portadas de discos de rock, punk y metal producidos en Bogotá entre 1985 y 1995, con el objetivo de comprender cómo estas producciones gráficas reflejan y configuran las identidades, prácticas y discursos de la juventud urbana en un contexto de transformaciones socioculturales y políticas. A través de un enfoque metodológico fenomenológico que combina las perspectivas de análisis iconográfico de Panofsky, Heller y Chwast con herramientas de la semiótica, la estética, los estudios culturales y la sociología del arte, se analizan las portadas como sistemas complejos de signos que articulan significados culturales, estéticos y políticos. Los resultados revelan la presencia de diversas tendencias iconográficas que dialogan con las realidades locales y globales, expresando la pluralidad y las tensiones de la escena musical bogotana. Se concluye que las portadas de discos constituyen artefactos visuales clave para entender las dinámicas de construcción y negociación de identidades juveniles en un momento histórico marcado por la violencia, la precariedad y la emergencia de nuevas formas de resistencia cultural.

El objetivo del presente artículo es identificar diferentes imágenes “orientalistas” en los posters de la industria cinematográfica italiana de los años cincuenta y sesenta dentro de lo que se conoce como el género del péplum y demostrar que estas imágenes forman parte de un régimen discursivo orientalista. A su vez, demostrar cómo la construcción de la alteridad en estos afiches se sustenta fuertemente en las representaciones iconográficas decimonónicas pero con un elemento distintivo, el “héroe”, que aglutina en su figura todos los rasgos positivos de la civilización occidental. Para ello se analizaran algunos carteles cinematográficos promocionales de películas italianas hacia mediados del siglo XX con temática del “Próximo Oriente antiguo”, como La Cortigiana di Babilonia de Carlo Ludovico Bragaglia (1954), Io Semiramide de Primo Zeglio (1963), Le sette folgori di Assur de Silvio Amadio (1962) y L´eroe di Babilonia de Siro Marcellini (1963) entre otras.

Reseña de: Fin de siglo porfirista: arte y política en la Revista Moderna (1898-1911). Diana Hernández Suárez. Madrid: Editorial Verbum, 2021, 273 p. ISBN: 978-84-1337-663-9.

El artículo aborda la emergencia de los Estudios Visuales desde finales del siglo pasado, para observar sus resonancias con las propuestas antihegemónicas de los Estudios Culturales en América Latina. A través de una revisión teórica y un análisis crítico se argumenta que la búsqueda activa de desmarque por parte de los Estudios Visuales respecto de los métodos consolidados en las disciplinas de la Estética y la Historia del Arte, junto con la desjerarquización de la producción artística en favor de una amplia gama de objetos culturales, dan lugar a un debate que continúa siendo relevante para concebir los fundamentos e implicaciones del carácter indisciplinado de la investigación. Se concluirá enfatizando las coincidencias de dichos Estudios Críticos de la Visualidad con las perspectivas decoloniales latinoamericanas.

Marina was built by the council of Villamartín de Sotoscueva (Burgos) in 1456, according to the inscription painted on its apse. This paper states that this hermitage was built in a violent environment by the nobility's onslaught against the council powers, and the neighbourhood protected its interior and exterior with a series of surprising mural paintings of an apotropaic nature, as well as the roof, by means of a tile inscribed with verses from the Poem of Fernán González, contemporary to the building. All of this responds to concepts inscribed in the popular culture of the medieval imaginary, expressed through visual and written clues.

La cultura visual antifascista de los años 1930 y 1940 estaba plagada de imágenes de mujeres y niños. En Argentina y Uruguay entre 1935 y 1943, los artistas Raquel Forner, María Rosa de Ferrari y Antonio Berni reprodujeron obras en tres periódicos publicados por la Agrupación de Intelectuales, Artistas, Periodistas y Escritores (AIAPE). Una investigación de estas imágenes a través de una lenta feminista y cuir revela hasta dónde la producción visual de estos artistas apoyaba y divirgía de las ideologías políticas de las revistas.

El artículo analiza la imagen de las nodrizas en Cuba, a partir del imaginario que nos ha llegado de ellas con la nodriza cubana como tema principal. Se analizan, por una parte, las escasas imágenes existentes de amas de leche cubanas en lienzo y fotografía de finales del siglo XIX y, por otra, unas tarjetas postales de principios del siglo XX. A través de este análisis se muestra el proceso de cancelación y deshumanización que sufrieron las nodrizas, habitualmente afrodescendientes, en las sociedades esclavistas atlánticas como la cubana.

Discute-se aqui o avanço do fenômeno da vigilância participativa nas mídias, tendo como objeto de análise produtos do jornalismo policial. Parte-se da hipótese de que, nas quatro décadas aqui englobadas, a ênfase na relação com a audiência passou da disciplinarização repressiva para a criação de agentes privados de justiça. O desenvolvimento da argumentação enfoca quatro produtos de diferentes períodos: o programa radiofônico de Gil Gomes (1977-1988), o televisivo Linha Direta (1999-2007) e os telejornais Cidade Alerta e Brasil Urgente (2020-2023). Nos casos mais recentes, há a incorporação de variadas imagens vigilantes na construção de um olhar policial homogêneo, que simultaneamente transfere funções securitárias ao espectador privado e intensifica o imaginário do medo que sustenta a necropolítica de segurança. Nota-se ainda o transbordamento crescente no papel e no lugar social de três instâncias – as mídias, a audiência e as instituições de justiça.

A presente reflexão toma como ponto de partida a metáfora da câmera como arma para discutir as mudanças do ato fotográfico a partir de três crimes alegóricos: o crime passional, o assassinato em série e o selficídio. Diante das consequências nefastas desses delitos, o ensaio apresenta como possibilidade o desarmamento da imaginação em torno do ato fotográfico, para buscar outras metáforas que não sejam violentas, predatórias e colonizadoras.

La Edad Media es una época altamente simbólica que comunica principalmente de modo no verbal. La gárgola participa de forma significativa de este simbolismo y capacidad comunicativa, pero es una de las representaciones artísticas que gozan de menor atención por parte de la Historia del Arte. Este estudio busca conectar su capacidad comunicativa no verbal con representaciones artísticas actuales. Estas sinergias nos permitirán establecer puentes entre el arte actual y la gárgola. El método consiste en un recorrido iterativo que va conectando los aspectos fundamentales de la gárgola con una selección de autores y obras actuales que comparten sus valores. Estas conexiones orientan hacia el respeto y la coherencia simbólica de unos y otros, y nos permiten acercar el aprendizaje de la gárgola desde el estudio del arte actual.

La cultura visual influye en el imaginario colectivo de quienes forman parte de la infancia, sobre todo a partir de las figuras perversas que se incluyen en los productos que consumen. Estos personajes contribuyen a la moralización de la sociedad. Concretamente se atiende a las figuras denominadas “asustadores” y que son propias de la cultura cubana. Partiendo de un posicionamiento socio-crítico y utilizando una metodología cualitativa, se analizan los discursos visuales y orales que el alumnado de la Escuela Cubana utiliza para comunicar las ideas que tiene interiorizadas en relación al concepto de maldad. Para ello, se parte de una Investigación Basada en Imágenes (IBI). A partir de este estudio, se alcanzan conclusiones que contribuyen a la comprensión maniquea, estereotipada y machista con la que se atiende en la construcción de personajes malévolos

Este estudio busca identificar la influencia de la cultura visual, y en concreto de los estereotipos de género en el imaginario infantil. Para ello se analizan cualitativamente una muestra de 224 dibujos realizados por 72 participantes de entre 5 y 12 años en tres centros de Educación Primaria de Euskadi. Los resultados gráficos muestran unos claros rasgos sexistas que no concuerdan con el discurso verbal de sus autores sobre la igualdad entre géneros. Los estereotipos identificados en los dibujos se ajustan totalmente a las imágenes idealizadas de los modelos de hombre y mujer hegemónicos en nuestra cultura visual. Por tanto, se puede concluir que el dibujo es una herramienta útil para detectar los estereotipos arraigados en el imaginario infantil, y que la escuela debe nutrir al alumnado de referentes visuales que ayuden a ampliar su perspectiva respecto a modelos no normativos que favorezcan la diversidad dentro de las aulas.

Estudios sobre cultura visual japonesa, coordinado por Antonio Loriguillo-López, contiene un total de nueve capítulos que reflexionan sobre videojuegos, manga y anime. El plantel de investigadores que conforman la publicación demuestra la complejidad de los objetos de estudio con unas investigaciones tan interdisciplinares como enriquecedoras para el campo. En este libro se profundiza en la cultura visual japonesa atendiendo a la identidad, la historia o la industria, por mencionar algunos temas, que promueven el pensamiento alrededor de Japón.

Esta entrevista com Philippe-Alain Michaud, curador do Centre Pompidou, professor na Universidade de Genebra, foi realizada por três membros da equipe da Revista Eco-Pós tendo a finalidade específica de ser publicada nesta primeira edição do dossiê "Visualidades". Nesse sentido, os entrevistadores se apoiaram em uma conferência ministrada por Michaud em 16 de março de 2023 na Cinemateca MAM-Rio, que versava “Sobre a tela”. O texto da conferência em si mesma, que discute a tela e suas funções simultâneas de mostrar e esconder, passando pelos mais diversos objetos de análise, é disponibilizado neste dossiê. A entrevista, feita online em 18 de agosto de 2023, esmiúça certos assuntos da conferência, mas também vai além, trazendo provocações originais de Michaud. Entre elas, a ideia de que artistas não fazem imagens, mas as desfazem; ou a sugestão de se olhar para a cultura visual bizantina para se pensar o regime de imagens digitais contemporâneo.

O texto a seguir é um trecho editado do livro de Jussi Parikka, Operational Images: From the Visual to the Invisual (University of Minnesota Press, 2023). O livro retoma o conhecido conceito de “imagens operativas” de Harun Farocki e, ao se deslocar pela arte, pelo design, pela arquitetura e pelas culturas visuais, oferece um guia para a compreensão das práticas contemporâneas de imagens e dados, das artes visuais às operações invisíveis da Inteligência Artificial (IA) e da machine vision.

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The objective of this paper is to analyse the anthropomorphic figures of the Madrid Codex, through the perspective of Mayan visual culture, to understand the forms of representation of the human body and thereby approach the way of assuming the body by the Yucatecan Mayans of the Postclassic Period. The general features of anthropomorphic figures are pointed out, the modules used to build them are characterized and the information offered by linguistic and anthropological research on the subject is used. The body is a totality of interrelated parts, the body is the vehicle for knowledge, communication, and action; in the body both the individual identity and the community character of the human being are expressed, it is also possible to identify the cultural construction that gives predominance to the masculine. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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